Storia della danza. Danza dell'antichità. Danza dell'antica Grecia. Il legame tra danza e mitologia. Tersicore. Danze religiose, sociali, teatrali Danze festive nell'antica Grecia

La storia delle danze dei popoli dell'Occidente (Europa e paesi formati da immigrati dall'Europa) è caratterizzata da una grande diversità e da cambiamenti abbastanza rapidi. Mentre la maggior parte dei ballerini orientali praticava forme di danza altamente sofisticate che rimasero praticamente immutate per secoli o addirittura millenni, i ballerini occidentali mostrarono una costante volontà, persino entusiasmo, di adottare nuove forme e idee per le loro danze. Anche i primi riferimenti indicano che la danza occidentale ha sempre abbracciato una grande varietà di danze comunitarie o rituali, e che le danze sociali sono state utilizzate da molti settori diversi della società. Vale subito la pena notare che l'arte occidentale non può sempre essere chiaramente distinta da quella “non occidentale”. Ciò è particolarmente evidente in numerosi paesi dell’ex Unione Sovietica, dove alcuni balli sono asiatici, mentre altri sono di origine e carattere europei. Questo articolo è dedicato specificatamente alla danza dei popoli occidentali, escludendo, ove possibile, la corrispondente influenza di altre culture.

Dall'antichità al Rinascimento

Prima che iniziassero ad apparire i primi rapporti scritti, passò un enorme periodo di tempo, di cui gli scienziati possono solo immaginare. Le pitture rupestri in Spagna e Francia, in cui si possono chiaramente distinguere figure umane danzanti, hanno portato all'ipotesi che i riti religiosi e i tentativi di influenzare gli eventi circostanti attraverso la magia simpatica fossero motivi centrali nella danza primitiva. Tali ipotesi sono state parzialmente confermate osservando le danze dei popoli primitivi nel mondo moderno, sebbene la connessione tra gli antichi e le moderne “culture primitive” sia completamente negata da molti scienziati.

Se le danze registrate nei primi scritti si sviluppassero direttamente da danze preistoriche, si potrebbe supporre che esistessero danze di lavoro preistoriche, danze di guerra, danze erotiche e danze di gruppo. Oggi nel XX secolo è sopravvissuta una danza bavarese-austriaca, lo Schupplatter, che secondo gli storici affonda le sue origini nel Neolitico, cioè intorno al 3000 a.C.

La danza nel mondo antico

Esistono molte testimonianze scritte di danze nelle civiltà dell'Egitto, della Grecia e delle isole vicine, nonché di Roma. Inoltre, possiamo evidenziare l'antica danza ebraica, di cui anche oggi si sa molto. In Egitto venivano praticati rituali formalizzati e danze rituali, in cui il sacerdote simboleggiava il dio. Queste danze, che costituivano il culmine della cerimonia che rappresentava la morte e la rinascita del dio Osiride, divennero sempre più complesse e alla fine poterono essere eseguite solo da ballerini appositamente addestrati.

Sempre dall'Egitto, le prime testimonianze scritte di danza sono arrivate ai tempi moderni. Questi documenti parlano di una classe di ballerini professionisti originariamente importati dall'Africa per intrattenere le persone benestanti nelle loro ore di svago e per esibirsi in cerimonie religiose e funebri. Questi ballerini erano considerati "acquisti" di grande valore, soprattutto i ballerini nani, che divennero famosi per la loro abilità. Uno dei faraoni, dopo la sua morte, ricevette l'onore di eseguire la "danza del dio nano", e il faraone Neferkare (3° millennio a.C.) incaricò uno del suo entourage di portare il "nano danzante dalla Terra degli Spiriti" a la sua corte.

Oggi gli scienziati suggeriscono che la famosa danza del ventre, eseguita oggi da ballerini del Medio Oriente, sia in realtà di origine africana. Già nel IV secolo a.C. nella Memphis egiziana veniva descritta in dettaglio una danza di coppia, in qualche modo simile alla rumba, che aveva un carattere erotico chiaramente espresso. Gli egiziani conoscevano anche danze coreografiche acrobatiche, simili alle moderne danze adagio. Si distinguevano anche per la loro sensualità e attiravano la gente con i movimenti aggraziati di ballerini poco vestiti. Un dipinto della tomba di Sheikh Abdul-Qurn (attualmente in mostra al British Museum) mostra ballerini che indossano solo braccialetti e cinture, apparentemente destinati a migliorare la loro attrattiva.

Ben presto le danze in Egitto iniziarono ad evolversi e a diventare più varie e complesse. Oltre ai rituali di danza del tempio e ai ballerini pigmei portati dall'alto Nilo, apparvero anche danze di ragazze indù dai paesi conquistati dell'est. Queste nuove danze non avevano più i caratteristici movimenti ampi degli uomini o le pose rigide e spigolose che si possono trovare su molti rilievi egiziani in pietra. I loro movimenti erano morbidi e fluidi, senza curve improvvise. Queste ragazze asiatiche hanno portato uno stile femminile nella danza egiziana.

La danza nella Grecia classica

Molte influenze egiziane si possono trovare nella danza greca. Alcuni arrivarono in Grecia attraverso la cultura cretese, altri attraverso i filosofi greci che andarono a studiare in Egitto. Il filosofo Platone (ca. 428 - 348 a.C.) era una di queste persone e fu lui a diventare un influente teorico della danza. Secondo i suoi insegnamenti, la danza differiva dai movimenti goffi come le convulsioni in quanto enfatizzava la bellezza del corpo. Le danze del culto egiziano del toro sacro Apis trovarono successivamente la loro incarnazione nella danza del toro cretese intorno al 1400 a.C. Fu lui a ispirare la creazione delle danze nel labirinto, che, secondo la leggenda, Teseo portò ad Atene al suo ritorno con i giovani e le giovani liberati dal labirinto.

Un'altra forma di danza originaria dell'isola di Creta e fiorita in Grecia era la pyrrhiha, la danza delle armi. Era praticato a Sparta come parte dell'addestramento militare e fu anche la base per l'affermazione del filosofo Socrate secondo cui il miglior ballerino è il miglior guerriero. Altri balli di gruppo giunti ad Atene da Creta includevano due balli dedicati ad Apollo, nonché un ballo in cui ragazzi nudi imitavano un incontro di lotta. Le virtù delle donne erano enfatizzate da una maestosa e pia danza rotonda in onore degli dei, eseguita dalle ragazze.

Numerosi vasi, dipinti e rilievi scultorei hanno aiutato gli scienziati moderni a dimostrare che in Grecia esisteva la danza estatica associata al culto di Dioniso. Veniva rappresentata in occasione della festa della “sacra follia” durante la vendemmia autunnale. Nel suo dramma Le Baccanti, Euripide (ca. 480-406 a.C.) descrisse la furia delle donne greche chiamate Baccanti o Menadi. In questa danza volteggiavano furiosamente e battevano ritmicamente i loro passi, cadendo in trance. Tali danze erano una manifestazione dell'ossessione, caratteristica di molte danze primitive.

Il culto dionisiaco portò alla creazione del dramma greco. Dopo le donne, entrarono nella danza uomini vestiti con maschere di satiri depravati. A poco a poco, il sacerdote, cantando la vita, la morte e il ritorno di Dioniso, mentre i suoi servi rappresentavano immediatamente le sue parole con danze e pantomime, divenne un vero attore. L'ambito della danza si allargò lentamente fino ad includere oggetti e personaggi tratti dalle leggende omeriche. Sono stati aggiunti anche un secondo attore e un coro. Negli intermezzi lirici tra i giochi, i ballerini ricreavano temi drammatici attraverso movimenti adottati da precedenti danze rituali e bacchiche. Le commedie presentavano il popolarissimo "kordax", una danza mascherata famosa per la sua dissolutezza. Nelle tragedie, il coro eseguiva "emmeleya" - una danza tranquilla accompagnata dal suono del flauto.

Queste danze e spettacoli sono stati eseguiti da dilettanti esperti. Tuttavia, alla fine del V secolo aC, sorse una speciale classe di ballerini, acrobati e giocolieri, le cui donne appartenevano alle "hetarai" o cortigiane. Proprio come era accaduto prima in Egitto, intrattenevano gli ospiti durante feste e banchetti. Lo storico Senofonte (ca. 430-355 a.C.) nella sua opera "Simposio" parla degli elogi che Socrate prodigò a una ballerina e a un danzatore. Altrove, Senofonte descrive una danza che rappresenta l'unione della leggendaria eroina Arianna con Dioniso, uno dei primi esempi di danza narrativa.

La danza nell'antica Roma

C'era una differenza significativa tra gli Etruschi e i Romani nel loro approccio alla danza. Poco si sa oggi degli Etruschi, che abitarono l'area a nord di Roma fino a Firenze e fiorirono tra il VII e il V secolo a.C. Ma grazie alla scoperta delle loro tombe, che contenevano numerosi dipinti alle pareti, divenne chiaro che la danza giocava un ruolo importante nel modo di godersi la vita degli Etruschi. Su questi affreschi sono stati rinvenuti dipinti di donne etrusche che eseguono danze funebri in catene, oltre a danze di coppia vivaci ed energiche. Tutte queste danze venivano eseguite in luoghi pubblici senza maschere e avevano carattere di corteggiamento.

I romani, al contrario, avevano un atteggiamento diverso nei confronti della danza, che rifletteva il loro sobrio razionalismo e realismo. Tuttavia i romani non sfuggirono del tutto alle tentazioni della danza. Prima del 200 a.C le danze nell'antica Roma venivano eseguite solo sotto forma di processioni corali. Vi prendevano parte interi cortei guidati dai sommi sacerdoti dei Salii, il collegio sacerdotale dei sacerdoti di Marte e Quirino, che camminavano in cerchio colpendo ritmicamente i loro scudi. La danza era una parte importante delle feste romane: durante le celebrazioni dei Lupercalia e dei Saturnali venivano eseguite danze di gruppo selvagge che furono i precursori del tardo carnevale europeo.

Successivamente, a Roma iniziarono a diffondersi influenze greche ed etrusche, sebbene la nobiltà romana considerasse sospette, effeminate e persino pericolose le persone viste ballare. Un funzionario governativo non poteva letteralmente credere ai suoi occhi quando ha visto dozzine di figlie e figli di rispettati patrizi e cittadini romani godersi il loro tempo libero in una scuola di danza. Intorno al 150 a.C tutte le scuole di danza furono chiuse, ma non si poteva più fermare le danze. E anche se la danza poteva essere estranea alla natura interiore dei romani, negli anni successivi cominciarono ad essere importati sempre più ballerini e insegnanti di danza da altri paesi. Lo statista e scienziato Cicerone (106-43 a.C.) riassunse l'opinione generale dei romani quando una volta dichiarò che nessuno avrebbe ballato finché non fosse impazzito.

La forma di danza più popolare durante il regno dell'imperatore Augusto (63 a.C. - 14 d.C.) era una pantomima spettacolare e senza parole, che trasmetteva storie drammatiche attraverso gesti stilizzati. Gli interpreti, detti pantomimi, furono inizialmente considerati traduttori di una lingua straniera, poiché provenivano dalla Grecia. Migliorarono costantemente la loro arte e due mimi danzatori, Batyl e Pilade, divennero delle vere e proprie star della Roma augustea. L'esibizione stilizzata dei ballerini, che indossavano maschere adatte al tema della loro danza, era accompagnata da musicisti che suonavano flauti, corni e strumenti a percussione, nonché da un coro che cantava ciò che stava accadendo sul palco tra le sequenze di danza.

Fonte Wikipedia e 4dancing.ru

"Ci sono giovani e fanciulle in fiore, desiderate da molti,
Danzano in un coro circolare, intrecciando gentilmente le mani.
Vergini in lino e vesti leggere, giovani in paramenti sacri
Sono vestiti con leggerezza, e la loro purezza, come olio, risplende;
Quelle: adorabili ghirlande di fiori decorano tutti;
Questi sono coltelli d'oro, su cinture d'argento sopra la spalla.
Danzano e volteggiano con i loro piedi abili,
Facile come girare una ruota sotto la mano esperta,
Se un povero lo mette alla prova per vedere se riesce a girare facilmente;
Poi si svilupperanno e danzeranno in fila, uno dopo l'altro.
(Omero "Iliade", traduzione di N.I. Gnedich)

Tipi di danze
Le danze dell'antichità erano divise in militare e civile. Successivamente ci fu una divisione in danza teatrale, danze religiose e altri elementi di rituali di culto, danze di guerra, danze ai simposi, danze di dolore eccetera. Ogni tipo di spettacolo - tragedie, commedie e drammi satirici - aveva le sue danze caratteristiche, alcune calme e solenni, altre con atti osceni utilizzando oggetti di simbolismo fallico. Le seguenti danze erano citate nei testi antichi:

Pirro era meglio conosciuta tra le danze militari e faceva parte dell'educazione militare tradizionale sia ad Atene che a Sparta. Si ritiene che il nome "pirro" derivi dalla parola "pyra", che significa il fuoco attorno al quale Achille danzò presumibilmente al funerale di Patroclo.

Rilievo con guerrieri danzanti.
Marmo. Copia romana della tarda Repubblica da un modello greco di epoca classica.
Inv. NO. 321. Roma, Musei Vaticani, Museo Pio-Clementino

L'epilinio era una danza "dionica" eseguita sui tini mentre si pigiava l'uva con i piedi.

Emelia è originariamente una danza rotonda a scopo di culto (spesso al capezzale di un morente), di carattere solenne, maestoso e sublime, a ritmo lento o misurato. A differenza delle danze di Pirro, veniva eseguita da donne e si distingueva per la bellezza delle forme e la grazia della plasticità. I movimenti delle mani dei ballerini erano particolarmente espressivi: complessi nello schema ed espressivi nel carattere, mentre le gambe e il corpo erano relativamente immobili. Nata come danza religiosa, l'emmelia divenne successivamente parte integrante dell'antica tragedia greca.

Kordak era una danza comica, veniva ballata da attori. I movimenti di danza includevano una varietà di rotazioni e salti a un ritmo frenetico. Sebbene fosse legato al contenuto dell'opera, non era ancora una semplice illustrazione dell'azione. Molto probabilmente, il kordak consisteva in scene comiche inserite, una sorta di buffoneria coreografica. È interessante notare che questa danza era considerata indegna degli uomini seri.

La danza del dramma satirico - Sikinnis, che è orientata ai gusti della gente comune e spesso rappresenta una parodia di molti aspetti della vita pubblica, aveva molto in comune con essa.

Tenute era un ballo di nozze. Eseguita dalla sposa, da sua madre e dalle amiche, si distingueva per il suo carattere impetuoso, il ritmo veloce e la presenza di molte svolte.

Inizialmente, la danza era un complesso costituito da espressioni facciali, gesti, movimenti del corpo e delle gambe.

Nei secoli antichi, le espressioni facciali - la prima lingua dell'umanità - erano indissolubilmente legate all'arte della danza. Inoltre, tutti i movimenti nell'antichità non venivano chiamati altro che danza! I greci non riconoscevano la danza solo come pretesto per movimenti ritmici e belle pose, al contrario, cercavano di garantire che ogni movimento di danza esprimesse una sorta di pensiero, azione, azione, qualcosa che parlasse allo spettatore. E le danze spagnole, ancora oggi, attraverso la loro superespressività, a volte possono trasmettere molto di più del normale linguaggio umano. Si credeva che nei tempi antichi le persone ballassero perché gli dei tiravano le persone per le corde legate alle loro braccia e gambe. La danza, infatti, ha origine dal bisogno dei popoli primitivi di comunicare e trasmettere alcune informazioni vitali. Copiando i movimenti degli animali, i primitivi cercarono di penetrare nello stato mentale di questo animale, per comprendere la sua "essenza", che aiutava significativamente i primitivi durante la caccia, e quindi era una necessità per la sopravvivenza!

La danza primitiva, ovviamente, nasceva dalle emozioni ed era direttamente correlata alle esperienze acute. Inizialmente, le danze contenevano anche un certo elemento di gioco: nella natura, nell'altro “io”, nel “nuovo” e nel “vecchio” ben dimenticato. L'uomo primitivo era dotato di pochi movimenti, ma ogni giorno portava nuove difficoltà, a seguito delle quali venivano sviluppati algoritmi di comportamento e la tipizzazione di nuovi gesti. Uno dei modi per ricostituire l'antico arsenale di danza era imitare i movimenti degli animali. La base delle danze primitive era la magia e il rituale. I movimenti eseguiti durante l'azione rituale erano sempre in qualche modo diretti e avevano uno scopo rigorosamente definito. La danza qui fungeva da mezzo per portarsi in uno stato specifico, diverso dalla vita di tutti i giorni. La danza era quindi una sorta di canale verso l'ignoto e fungeva da opportunità per controllare gli aspetti irrazionali della vita umana.

Ogni danza presso gli antichi segnava la connessione di una persona con le potenti energie cosmiche necessarie per vivere eventi importanti e fondamentali della sua vita: nascita - ingresso nell'età adulta - matrimonio - nascita della prole - caccia - guerra - morte. Cioè, hanno ballato non per eccesso di forza, ma per acquisirla.

Le danze totemiche, che duravano diversi giorni, erano solitamente lo scenario di miti su viaggi fantastici della vita dei primi antenati. Nelle danze totemiche di diverse tribù, la loro caratteristica principale è chiaramente manifesta: completa assimilazione al totem. Il vocabolario della danza totemica è determinato dalla natura della plasticità di un certo tipo di animale, uccello o insetto. Queste danze erano sempre dinamiche nella loro struttura, enfatizzando i movimenti piuttosto che le pose. Nelle danze totemiche, una persona si trasformava letteralmente, diventando più simile all'animale raffigurato che a se stesso (cioè, esteriormente, il ballerino acquisiva caratteristiche animali). Queste antiche danze includevano anche scene di scene di caccia, giochi con uccelli e animali. I popoli più antichi sapevano copiare abilmente le abitudini degli animali, come se si trasformassero in loro in una danza. Tale trasformazione, secondo loro, ha contribuito ad acquisire il coraggio e la resistenza caratteristici di questo o quell'animale. Ogni tribù aveva il proprio animale sacro, che adorava, in onore del quale ballava fino allo sfinimento. Per questo li premiava in battaglia con tutte le sue preziose qualità, portando fortuna e vittoria. Ciascuno aveva da dieci a trenta tipi di danze di caccia maschili, ciascuna con un nome speciale, canti speciali, strumenti musicali, passi, figure e costumi dei partecipanti. Ogni movimento aveva il suo significato sacro.

Nelle danze di caccia, gli uomini allenavano la loro capacità di osservazione, imparavano a seguire le tracce degli animali e a mimetizzarsi, cioè nella danza si svolgeva una preparazione psicologica e fisica, che contribuiva al successo nella caccia.

Quanto ai rituali femminili, essi erano tra i più diffusi nell'arte del Paleolitico superiore. I rituali del fuoco e della procreazione, le forze vegetali della natura, la riproduzione degli animali e il successo della caccia erano associati all'immagine della donna nelle sue forme. Presso alcune tribù dell'Africa sudoccidentale, una grande processione con torce di fuoco, organizzata durante una caccia infruttuosa, era guidata solo dalla Grande Donna. Oltre ai rituali di danza femminile associati al culto della fertilità, erano molto diffuse le danze in cui le donne erano incarnate nell'immagine dell'una o dell'altra pianta utile alla tribù.

Le donne eseguivano danze di guerra con le armi in mano, lanciandole di tanto in tanto in avanti (che simboleggiava l'inseguimento di un nemico in fuga) e all'indietro (che aveva lo scopo di allontanare i propri mariti dal pericolo). Spesso queste danze venivano eseguite con scope bianche rituali ricavate dalla coda di un bufalo o di un cavallo: le donne agitavano ampiamente questi oggetti durante la danza (in modo che i loro mariti “spazzassero via” i loro nemici dalla faccia della terra). Le danze di guerra sono sempre state le azioni rituali più significative della tribù. Venivano eseguite senza interruzione, giorno e notte, finché gli uomini non tornavano dalla campagna.

Il segno simbolico più antico e diffuso nella danza era il cerchio. La formazione in cerchio era considerata un talismano contro le forze del male e garantiva il buon esito del rituale. Nelle danze di caccia il cerchio significava rastrellamento, nelle danze agricole simboleggiava la fertilità. Si sono trattati e si sono sposati nel cerchio. Tuttavia, il cerchio non è l’unica forma conosciuta di danza di massa. Le linee erano anche una forma diffusa di esibizione di danza, in particolare di danze militari. Le danze degli antichi riproducevano anche figure complesse come un labirinto e il disegno di un serpente strisciante.

Per l’uomo primitivo realtà e finzione erano equivalenti. E non è un caso che le azioni rituali potessero durare diverse settimane, il che significa che era assolutamente necessario!
Ma gradualmente l'inizio rituale, dove la danza aveva un significato profondo, inizia a essere sostituito da uno puramente corporeo e divertente. Così ci fu una transizione graduale dalla danza primitiva alla danza antica.

In Grecia tutti ballavano: dai contadini a Socrate. La danza non era solo una delle discipline educative, ma anche gli adulti continuavano volentieri a studiarla. Tutte le danze dell'antichità venivano eseguite per gli spettatori e non per piacere o divertimento personale. Si stima che il numero totale delle danze greche antiche sia più di duecento. Convenzionalmente possono essere classificati in cinque gruppi:
- danze di guerra - rituali ed educative;
- culti moderati - emmelia, danza dei veli e danze delle cariatidi, nonché danze della nascita, matrimoni e funerali;
- danze orgiastiche;
- danze pubbliche e teatrali;
- ballare nella vita di tutti i giorni.

Caratterizziamo i gruppi di ballo più significativi:

A) Danze di guerra
"Pirro" è una delle danze di guerra più sorprendenti. Era conosciuto anche come “pyrrhichium”, “pyrrhiha”. Ha avuto origine a Sparta. Abbiamo iniziato a imparare questa danza all'età di cinque anni. Essenzialmente, la pyrrhiha è una danza virtuosa con spade e scudi. Pirro era uno degli intrattenimenti festivi preferiti, soprattutto quando veniva eseguito da ballerini.

B) Danze di culto
Emmelia è una danza molto misurata con ritmi lenti, come i balli rotondi e le farandole.

Più movimentate la danza dei veli e la danza delle cariatidi. Le Cariatidi sono le stesse ballerine che per prime usarono la tecnica della danza sulle scarpette da punta nelle loro danze. In effetti, le scarpe da punta venivano usate nell'antichità, ma non erano simili a quelle moderne. Le scarpe da punta antiche sono in piedi sulle punte delle dita dei piedi, ma a piedi nudi, senza scarpe speciali. Anche gli uomini ballavano così.

B) Danze teatrali
Ciascuno dei tre tipi di rappresentazioni teatrali dell'epoca classica aveva la propria danza: la tragedia è caratterizzata dall'emellia; per la commedia: kordak; per il dramma satirico - sikkanida.

Le danze come intrattenimento spettacolare erano guidate da mimi (buffoni, clown, acrobati, giocolieri). Nessuna festa di cittadini ricchi e rispettabili era completa senza di loro. Elenchiamo i tratti caratteristici di una danza mimica virtuosa:
- la tecnica si basa sulla rotazione delle gambe;
- praticato la danza con le scarpette da punta e vari salti;
- modo preferito: una brusca svolta del corpo su un piano perpendicolare alle gambe;
- il cubismo acrobatico (danzare sulle mani in una varietà di pose) e lo stile virtuoso di Pirro sono tipici dei ballerini;
- è popolare ballare con coppe e cestini;
- una tecnica caratteristica nelle danze greche è piegare la mano verso l'alto ad angolo retto.

I Greci avevano anche un intero sistema, una tecnica complessa per suonare con le mani nelle danze: la chironomia. Da sempre le mani parlano un linguaggio convenzionale, la cui chiave oggi purtroppo è andata perduta.
Le danze rituali nell'antica Grecia sono molto diverse, ma sono convenzionalmente divise in due culti di danza principali: "luce" in onore del dio Apollo e "scuro" in onore del dio Dioniso. Possiamo osservare i resti delle antiche danze rituali greche in onore di Apollo e di altri dei della luce in una normale danza rotonda di Capodanno per bambini. L'unica differenza è che l'oggetto del culto non è una statua, ma un abete rosso. La connessione principale di questi rituali risale ai tempi antichi, quando era consuetudine eseguire la pulizia rituale prima dell'inizio del nuovo anno. Tuttavia, nel mondo antico esistevano altri rituali di danza che concentravano esattamente tutto ciò che veniva espulso dal solenne culto apollineo: un tripudio di gesti, la superiorità del corpo sullo spirito. Tutto ciò che è oscuro e osceno si è riversato in una festa dedicata a Dioniso, il dio della fertilità.

Lo sviluppo della danza nell'antica Roma, la sua differenza rispetto alla danza dell'antica Grecia.

Mentre la Grecia celebrava ogni celebrazione con un'ampia varietà di danze, gli antichi romani usavano solo danze guerresche e selvagge. Se gli antichi greci combinavano sia i principi razionali che quelli orgiastici in vari tipi delle loro danze, allora gli antichi romani, secondo tutte le indicazioni, si distinguevano per una mentalità più razionale. Ciò può confermare il fatto che non sono rimaste quasi prove dettagliate sulle antiche danze romane.

Un'analisi della cultura dell'antica Roma ci mostra una chiara divisione tra la cultura dell '"élite" e la cultura delle masse comuni. Ciò si è indubbiamente riflesso nello sviluppo della cultura della danza. Se non disponiamo di alcuna informazione sulle danze dell'élite, allora ci sono molti riferimenti alle danze degli schiavi. Solo più tardi, durante il regno di Numa Pompilio, la ninfa Egeria diede ai romani nuove regole per nuove danze. Queste erano danze saliane, per le quali venivano scelti dodici sacerdoti tra rappresentanti di famiglie nobili: dovevano ballare nei templi, glorificando gli dei e gli eroi.
Inoltre, Pirro fiorì a Roma. È vero, la parola "pyrrhiha" ha ricevuto qui un nuovo significato: è così che è stata chiamata la danza d'insieme in generale, in contrapposizione alla danza solista.

In Etruria, che era più civilizzata, tutte le arti fiorirono molto prima della fondazione di Roma: c'erano eccellenti attori mimici ed esisteva un'ampia varietà di danze. Da questo paese arrivarono a Roma ballerini che accompagnavano le loro bizzarre danze su flauti - erano chiamati histriones (dalla parola "histor", che significava "attore mitico"). Durante le loro esibizioni recitavano intere poesie e tutta la gioventù romana cominciò a imitarle. I romani si innamorarono soprattutto della pantomima: erano ancora disgustati dall'inizio orgiastico delle feste dionisiache, e dei ritmi apollinei lasciarono solo la cultura del bel gesto (le espressioni facciali dell'antica Roma sono usate quasi immutate fino ai giorni nostri) ). La passione dei romani per la pantomima e l'ammirazione per alcuni artisti arrivò al punto che durante il regno di Augusto tutta Roma era, per così dire, divisa in due campi ostili: alcuni erano seguaci del famoso ballerino e mimo Pilade, altri riconoscevano solo Bafilo. .

Successivamente, con la crescita dell'Impero Romano, l'influenza della Grecia e dell'Oriente portò allo sviluppo della cultura della danza nella società dell'antica Roma e persino alla nascita di scuole di danza. Molto probabilmente, i loro primi fondatori furono dei mimi.

Il significato e la varietà della danza nell'Antico Egitto.

I monumenti d'arte e letteratura che ci sono pervenuti dimostrano che la danza nell'antico Egitto non aveva poca importanza. Quasi nessuna festa, nessuna solenne cerimonia religiosa era completa senza la danza. La danza dominava in Egitto come espressione di gioia ed era sinonimo della parola “rallegrarsi”. Tra i nomi delle danze dell'antico Egitto, i più comuni sono ib, mww, tereb, nebeb, la cui immagine è ben conservata sui rilievi. Il determinante di tutte le danze è la figura di una persona con il braccio e la gamba alzati. A quanto pare la danza mww serviva anche come danza funebre.

La maggior parte dei culti sacri dell'antico Egitto erano circondati da rituali di danza. Le rappresentazioni legate al mito di Osiride e Iside, che durarono diversi giorni consecutivi, furono aggraziate e solenni. Simili azioni di culto includono anche la danza che accompagna il servizio delle donne davanti al sacro toro egiziano Apis. Gli dei protettori del divertimento, della musica e della danza tra gli egiziani, oltre a Hathor, erano anche Nehemaut e il barbuto nano Hatiy (era raffigurato mentre ballava e suonava strumenti musicali davanti alla dea Hathor). Apparentemente, già nell'era dell'Antico Regno, la danza religiosa dei nani svolgeva un ruolo di primo piano nei rituali egiziani ed era molto apprezzata. C'erano anche le cosiddette danze astronomiche dei sacerdoti in Egitto, che rappresentavano il movimento di vari corpi celesti armoniosamente distribuiti nell'Universo. Proviamo a descrivere brevemente questa danza unica, secondo noi. Si svolgeva nel tempio: attorno all'altare, posto al centro e che rappresentava il sole, i sacerdoti vestiti con abiti luminosi, che rappresentavano i segni dello zodiaco, si muovevano e giravano dolcemente. Secondo la spiegazione di Plutarco, si spostarono prima da est a ovest (ricordando il movimento del cielo), poi da ovest verso est (imitando il movimento dei pianeti), quindi si fermarono in segno dell'immobilità della terra. Questa danza è un chiaro esempio di come vari rituali di danza formino nelle persone non solo un'idea del sistema planetario e dell'armonia del movimento perpetuo (come in questo caso), ma determinino anche in generale lo sviluppo spirituale di ogni popolo.

In considerazione dell'importante ruolo svolto dalla danza nei rituali egiziani, possiamo concludere che in Egitto esistevano istituzioni speciali in cui venivano formati i ballerini. A conferma di ciò, ci siamo imbattuti in diverse indicazioni che il tempio di Amon aveva una propria scuola coreografica che formava sacerdotesse-danzatrici.

Insieme alle danze costituite da movimenti ritmici armoniosi, nell'antico Egitto erano molto comuni le danze, che erano esercizi diretti di agilità, flessibilità e talvolta si trasformavano completamente in esercizi puramente ginnici. Per quanto riguarda il costume, abbiamo solo informazioni che i ballerini indossavano un grembiule corto, a volte con una cintura intorno alla vita, che era legata con un cappio. Le donne ballavano nude o con abiti lunghi e trasparenti. Ma nelle danze rituali, i ballerini dovevano essere vestiti (è così che esprimevano rispetto per un animale sacro o una divinità). Le braccia e le gambe dei ballerini erano sempre decorate con braccialetti, il petto con una collana e la testa con un nastro o un fiore di loto. Abbiamo anche informazioni che ballavano nell'antico Egitto con l'accompagnamento di strumenti musicali (arpa, lira, liuto e doppio flauto), cantando e battendo le mani.

Il Nuovo Regno era dominato da una danza ancora molto comune in Oriente: la danza Almey, che veniva ballata in lunghi abiti trasparenti con frange al suono di un tamburello o di nacchere.

Avendo così esaminato lo sviluppo e determinato il significato della danza nei principali stati dell'antichità, eravamo chiaramente convinti che la danza fosse una necessità per lo sviluppo spirituale di ogni popolo.

Danze nazionali di Spagna e India come riflesso del carattere nazionale di questi paesi.

Le danze nazionali sono indissolubilmente legate alle peculiarità del carattere nazionale di ogni popolo. Non c'è da stupirsi che Lev Nikolaevich Tolstoj abbia scritto: "l'anima delle persone è nella danza". Da qui possiamo trarre una conclusione: per svelare l'anima di una nazione, basta conoscere in dettaglio la sua danza nazionale. Proviamo, usando l'esempio di due paesi: Spagna e India, a esaminare le anime nazionali dei popoli di questi paesi attraverso le danze nazionali.

Maximilian Voloshin scriveva all'inizio del XX secolo: “La Spagna balla sempre, balla ovunque. Balla danze rituali ai funerali presso la bara del defunto; balla nella Cattedrale di Siviglia davanti all'altare; danze sulle barricate e davanti alla pena di morte; balla giorno e notte..."

Non possiamo parlare delle danze spagnole in generale, poiché il folklore di ogni provincia è estremamente originale e unico. Quindi, ad esempio, i baschi della Spagna settentrionale sono coraggiosamente - severi e arcaici, i castigliani sono sobri - tesi, gli aragonesi, al contrario, sono contagiosamente allegri e schietti, ma le danze del sud della Spagna - Andalusia e Murcia - sono particolarmente appassionato. Ma c'erano anche danze comuni a tutto il paese. Tra questi balli c'era principalmente il ballo del fandango. È il motivo nazionale della Spagna. La musica Fandango aveva un potere enorme sull'anima e sul cuore di ogni vero spagnolo, come se accendesse i loro cuori con una scintilla. La danza è iniziata lentamente, ma ha gradualmente accelerato. Alcuni ballerini si armavano di nacchere, altri semplicemente schioccavano le dita, le donne battevano il tempo con i tacchi al suono di chitarre e violini. Fandango si balla in tre passi, velocemente, come un turbine, molto caratteristico e capriccioso. Il fandango classico era un ballo di coppia, basato sul gioco dei partner, in cui è vietato qualsiasi contatto, su una discussione, una competizione composta dai ballerini che si avvicinano e si allontanano l'uno dall'altro, qui gioca l'espressività degli occhi e dei gesti un ruolo importante.

Diamo una breve occhiata ad un'altra danza nazionale: il bolero. Questa danza apparve solo alla fine del XVI secolo e fu inventata da Sebastian Seretso (il famoso coreografo durante il regno di Carlo III). Il Bolero è una sorta di balletto spagnolo, che afferma lentamente ma inesorabilmente la sua posizione nei canoni della danza classica. Dissero che “il fandango si accende e il bolero inebria”. Naturalmente, parlando delle danze nazionali caratteristiche della Spagna, non possiamo non menzionare il famoso flamenco. Piuttosto non è una danza, ma un intero gruppo di danze. Il flamenco è originario della provincia meridionale della Spagna, l'Andalusia. Non è ancora possibile determinare con precisione il significato della parola “flamenco”. Sebbene esistano molte versioni, la più appropriata, a nostro avviso, è che “flamenco” derivi dalla parola latina “flamma” (fuoco), poiché la danza è veramente di natura “focosa”; era originariamente rituale e risale all'epoca del culto del fuoco. Esiste anche una versione interessante secondo cui questa parola deriva dal nome dell'uccello fenicottero, poiché i costumi dei ballerini sottolineano la figura snella, così come i movimenti stravaganti di questo uccello esotico. La danza in sé è molto originale; in essa non troveremo alcuna traccia di pantomima o di gesti teatrali specifici. Il "bailaor" (ballerino di flamenco) sapeva ballare da solo, il che sottolineava la sua indipendenza dal mondo. Il bailaor esprimeva in maniera indipendente tutti i sentimenti caratteristici di una danza collettiva. In generale, una singola danza implicava un'azione collettiva silenziosa. Baylaor gareggia con se stesso in questa danza, da qui la straordinaria espressività e passione della danza, i sentimenti profondi e il lavoro spirituale. Particolare importanza nell'esecuzione di tutti i balli flamenco è data ai movimenti delle mani, che rappresentano il linguaggio della danza. Non c'è da stupirsi che Ovidio dicesse anche: "se hai voce, canta, se hai mani morbide, balla". Le mani delle donne nel flamenco sono flessibili, espressive, sensibili; le dita sono in costante movimento. Negli uomini, al contrario, i movimenti delle mani sono severi, sublimi, di chiara plasticità; tagliano l'aria come un colpo di spada.

Basandosi sulla descrizione delle principali danze spagnole, possiamo identificare tre componenti principali della danza spagnola: una posizione fiera del corpo, che ricorda un matador, piegamenti flessibili ed espressivi delle braccia dei ballerini e zapateado (il clic ritmico delle tacchi da ballerina). Tutto ciò caratterizza perfettamente l'anima nazionale del popolo spagnolo, che è insolitamente appassionato, espressivo, emotivo, ardente e capriccioso.

Caratteristiche dello sviluppo della cultura della danza indiana (orientamento all'amore).

Secondo una leggenda, la danza in India ha avuto origine grazie al dio Shiva il Distruttore. Lo stesso Shiva era un eccellente ballerino e insegnò a sua moglie Parvati l'arte della danza, che amava di più. Danzò la tandava, una forma più energica, e Parvati danzò lasya, una forma più raffinata ed aggraziata. Le tradizioni dicono anche che Brahma, il Creatore, era molto preoccupato per i conflitti e i disordini che regnavano sulla Terra. Poiché i quattro Veda erano tenuti rigorosamente segreti dai Bramini, decise di creare un quinto Veda, accessibile a tutti. L'arte della recitazione teatrale, a cui era dedicato il Natyaveda, fu insegnata per la prima volta da Brahma al saggio Bharata. Bharata mostrò a Shiva le sue tre arti: teatro, musica e danza. Ricordando la propria danza energica, Shiva ordinò al capo assistente del suo seguito di insegnare a Bharata l'arte del tandava. Bharata combinò quest'arte con la conoscenza che già aveva e scrisse Natyashastra, un'opera completa sull'arte del teatro. Bharata e altri saggi diffondono quest'arte tra i popoli della Terra.

Pertanto, queste tradizioni definiscono chiaramente la connessione delle arti della danza, della musica e del teatro con la divinità e l'immortalità. Possiamo ancora vedere quanto fortemente la danza classica in India sia legata alla religione e alla mitologia. Ciò si riflette più chiaramente non solo nella scelta dei temi incarnati, ma anche nel modo di eseguire la danza. Il che a sua volta influisce direttamente sulla formazione della vita spirituale in India.

Il motivo centrale del culto di Vishnitz per secoli è stato il desiderio dell'uomo di unità con la divinità. Gli dei rispondevano non solo con la reciprocità, ma anche con un “approccio individuale”. La danza rias-lila, eseguita a Braj, una località nella regione di Mathura nell'Uttar Pradesh, dove si dice che Krishna sia nato e vissuto, raffigura la capacità di Krishna di creare in ciascuna delle gopi (pastorelle) che danzano su di essa l'illusione che lei sola sta ballando con lui. Così si esprimeva l'allegoria dell'anima mortale che si avvicina alla divinità con fiducia e amore, tradizionale per la vita spirituale dell'India. La Rias-lila è una danza bellissima, viene eseguita ancora oggi accompagnata da canti appropriati.

Queste sono le divinità indiane dai molti volti con numerose storie ad esse associate e costituiscono la base tematica della danza indiana. Nella danza gli eventi non vengono semplicemente enunciati, ma la loro essenza simbolica viene rivelata e la fede viene affermata - attraverso la forza del verso, della musica e del movimento. Tutte le forme di danza classica in India hanno due aspetti: Nritta e Nritya. Nritya può essere descritta come danza pura, cioè movimenti astratti del corpo coordinati con hasta (gesti delle mani). Nritya è una combinazione di danza pura e trama. Ma la danza della trama qui era molto diversa dalla pantomima. Questa non è solo un'imitazione del comportamento umano. Oltre a nritta e nritya, esiste un terzo aspetto nella tradizione della danza indiana. Questo è natya, cioè una performance di azioni e gesti con o senza danza. In generale, questo è un tipo di arte drammatica. Tutti questi tre aspetti sono considerati, tuttavia, strettamente correlati tra loro. Parlando dell'arte della danza, a nostro avviso, è necessario notare una delle caratteristiche più sorprendenti dello sviluppo della cultura indiana nel suo insieme. Questa è una connessione profonda tra diversi tipi di arte. Se la musica, la danza e il teatro erano estremamente vicini alla cultura della danza, anche la letteratura, la pittura, la scultura e persino l’architettura non erano separate o isolate dalla tradizione della danza. Il ruolo della letteratura nella danza è stato e continua ad essere estremamente importante, poiché nritya, ad esempio, è l'interpretazione della poesia attraverso la danza. In India esistono addirittura intere poesie scritte appositamente per spettacoli di danza. L'esempio migliore, a nostro avviso, è l'opera classica della letteratura sanscrita del XII secolo “Gida - Govinda” di Jayadeva. Poiché la danza inizialmente occupava un posto importante nei rituali del tempio, l'architetto fornì una piattaforma speciale sul terreno del tempio. Il famoso tempio Brihadeeswara nel distretto di Thanjavur nel Tamil Nadu ha una grande sala costruita esclusivamente per spettacoli di danza. Il Tempio del Sole a Kanaraka, Orissa, ha un'enorme sala da ballo finemente decorata, la Nata Mandal, la cui vicinanza al mare gli conferisce una bellezza eterea.

Le pareti dei templi in diverse parti dell'India, soprattutto nel sud e in Orissa, sono decorate con vari fregi e pannelli raffiguranti ballerini e musicisti.

I principali tipi di balli da sala nei secoli XVI-XVII

Nella commedia di Shakespeare Molto rumore per nulla, uno dei personaggi, a nostro avviso, caratterizza brillantemente le danze principali che esistevano a cavallo tra il XVI e il XVII secolo: “Il corteggiamento, il matrimonio e il pentimento sono gli stessi della giga scozzese, danza misurata e gagliarda: la prima è ardente e frettolosa come una giga scozzese, e piena di fantasia; il matrimonio è decorosamente modesto, come una danza misurata, piena di dignità e antichità; e allora subentra il pentimento e con le gambe sviluppate cade sempre più velocemente nella gagliarda finché non cade nella tomba”. Queste erano le principali direzioni della danza a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. Va anche notato che se fino alla fine del XVI secolo e in parte nel XVII secolo dominavano i parterre, danze “basse” (danze del basso) che non richiedevano salti da parte degli artisti - branles, pavanes, carillon -, allora il iniziò l'era delle danze francesi leggere e “volanti”.

1. Branle.

La scuola di ballo liscio si formò durante il Rinascimento e si può considerare che il branle, sia popolare che da salotto, sia stato l'inizio fondamentale dell'ulteriore sviluppo dell'arte della danza. Questa danza era originariamente una danza popolare, e la sua forma da ballo è nata da questa forma contadina e si distingueva solo per un gran numero di riverenze e movimenti fluidi, mentre nel folk predominava il tocco del branle. I movimenti principali del branle includevano pavante, corrente e gavotte. L'accompagnamento musicale di questa danza consisteva in ritmi di tamburello piuttosto monotoni, suoni di flauto e canto monotono dei ballerini. Se agli anziani piaceva ballare un doppio branle lento, le persone di mezza età ballavano un branle con una ripresa, allora i giovani preferivano un branle allegro saltando e alzando le gambe in avanti in aria. Pertanto, il semplice branle fu la fonte di tutti i balli da salotto apparsi in seguito.

2. Pavana.
La Pavana è una delle danze spagnole più antiche a noi conosciute. Pavane e carillon nel XVI secolo erano i balli principali e più amati. Solo l'apparizione del minuetto fece dimenticare prima il rintocco e poi il pavante. Si ritiene che la pavana sia di origine italiana, poiché Caterina de' Medici era la protettrice di tutto ciò che è italiano. Il merito principale della pavana, a nostro avviso, è che per la prima volta le danze pubbliche hanno acquisito determinate forme, carattere e stile di esecuzione. Prima delle pavane numerosi branley differivano tra loro solo nel nome. Le pavane avevano anche uno scopo preciso: mostrare alla società la maestosità dei ballerini e la ricchezza dei loro costumi. Il movimento della pavana era il movimento di una pavona ostentata. Un'altra differenza tra pavane e branle era che le figure pavane iniziavano con l'inizio della frase musicale, mentre in branle c'era solo il tempo. La pavana veniva ballata da una o due coppie alla volta, e c'era anche un rigido ordine del loro ordine a seconda della loro origine e status sociale. Il re e la regina aprirono il ballo, poi altre persone nobili.

3. Minuetto.
Nessun ballo dei secoli XVI-XVII era così popolare come il minuetto, che è un esempio generalmente riconosciuto di arte della danza da salotto. Nel corso di diversi secoli, il minuetto raggiunse l'apice della gloria della danza, oppure fu soggetto a un temporaneo oblio, ma non fu mai completamente sostituito da un'altra danza. Gli storici della danza affermano che “il minuetto è la danza dei re e il re delle danze”. All’inizio del XVIII secolo la società aristocratica esprimeva il suo atteggiamento nei confronti del minuetto con la seguente frase: “chi balla bene il minuetto, fa tutto bene”. Le caratteristiche principali dell'esibizione del minuetto erano cerimonialità, galanteria e solennità. Il passo del minuetto era molto fluido e un movimento seguiva l'altro. Pas grave - che significa "passo importante, maestoso" - è uno dei principali elementi di danza del minuetto. Nel XVIII secolo, in epoca barocca, apparve un “minuetto veloce” più dinamico. Ma nei balli del XIX secolo il minuetto viene rappresentato in modo leggermente diverso. In questi minuetti di scena, come nel famoso minuetto del Don Giovanni di Mozart, da sempre considerato un classico esempio di questa danza, alcune posizioni di danza non corrispondono al minuetto originale del XVII secolo. Il che, a nostro avviso, non toglie nulla alle delizie del minuetto scenico, ma al contrario testimonia l'enorme ricchezza plastica di questa danza. Sopravvissuto a molte epoche, il minuetto, purtroppo, non è sopravvissuto fino ad oggi e possiamo solo guardare questa danza sul palco del teatro.

Pertanto, dopo esserci soffermati in dettaglio sulla descrizione dei principali balli da sala dei secoli XVI-VII, eravamo chiaramente convinti che tra le caratteristiche più importanti delle danze di questo tempo possiamo distinguere come morbidezza, regolarità, importanza, che naturalmente era caratteristico dell'ideologia di tutta la vita di quel tempo.

Formazione e sviluppo della cultura della danza in Russia

Il concetto di “danza” è stato dato ai russi dai polacchi che arrivarono a Mosca durante il periodo dei torbidi con Dmitry il Pretendente. Prima di questo, non c'erano “danze da salotto” nella Rus', come nell'Europa occidentale. Nelle torri si svolgevano danze rotonde delle donne e la danza fioriva tra la gente. In generale, l'atteggiamento nei confronti della danza era diffidente. Il “divertimento folle” combinato con la danza era considerato “un’invenzione del diavolo che distrugge l’anima”, “un gioco demoniaco”.

Sotto Mikhail Fedorovich Romanov, gli artisti furono invitati per il divertimento reale: tedeschi e polacchi, compresi i ballerini. Nel 1673, nella sala della commedia del Cremlino, fu rappresentata Orfeo, un'opera teatrale con canti e danze. Nel prologo Orfeo canta le lodi del re e poi balla con le due piramidi. In questo momento, l'amore per la danza si sviluppò non solo presso la corte reale, ma anche tra i nobili moscoviti che allestirono i propri teatri domestici (boiardo Morozov, principe Golitsyn, Dolgoruky).
Il giovane zar Fedor, che sostituì Alexei Mikhailovich, non era un amante dell'intrattenimento. L'amore per la danza era sostenuto solo dalla sovrana Sophia, che riuniva le ragazze nelle sue dimore e "organizzava danze".

Una svolta avvenne sotto Pietro I. Dopo la sostituzione dei lunghi abiti da uomo con canottiere corte, le danze russe scomparvero dalla vita di corte. Invece, Peter ha introdotto danze straniere. Per decreto dello zar, sotto pena di punizione crudele, a tutte le ragazze russe fu ordinato di ballare. Le signore e i signori russi impararono il minuetto, la polonaise e la danza country dagli ufficiali svedesi catturati. Lo stesso Pietro, sua moglie Caterina e la figlia Elisabetta hanno preso parte ai balli e lo hanno fatto, secondo i contemporanei, con molta grazia. L'atteggiamento nei confronti della danza in questo momento era più simile a una questione seria, quasi "statale", che si rifletteva nell'intero ordine degli ensemble di danza.

Così, in questo momento in Russia, le danze “innocue” a prima vista si trasformarono in una sorta di arma di lotta sociale contro i “boiardi reazionari”. L'incapacità di ballare diventa vergognosa, quindi i boiardi iniziano a nominarsi insegnanti (maestri di ballo). Nelle assemblee furono stabilite regole di comportamento rigorosamente sviluppate, un modo di comunicare con una signora nella danza e persino negli inchini. C'erano anche danze veloci, comprese quelle improvvisate. Dissero che lo stesso Peter amava cambiare figura, spaventando deliberatamente e prendendo in giro coloro che non sapevano ballare.
Una delle circostanze che caratterizzano l'atteggiamento nei confronti della danza è che ora i movimenti della danza non sono più determinati in alcun modo: né dal rituale, né semplicemente dalla naturale fisicità umana, quindi, a nostro avviso, nasce un ottuso sentimento di protesta contro gli obblighi imposti dal al di fuori.

L'introduzione dei balli ("assemblee") da parte di Pietro I suscitò dispiacere tra gli anziani e grande entusiasmo tra i giovani. Poiché la vita russa nell'era pre-petrina era piuttosto triste di giorno in giorno: l'attività principale era andare in chiesa e poi sedersi nella villa. Non si praticava l'intrattenimento pubblico, solo i matrimoni si distinguevano per straordinario sfarzo. È interessante, a nostro avviso, che i russi non abbiano mai sviluppato danze di coppia, questo, a nostro avviso, può essere spiegato dalle peculiarità della fede ortodossa, dove non è mai esistito un culto della Madre di Dio, come nel cattolicesimo; Inoltre, l'Ortodossia imponeva requisiti morali più severi alle persone, quindi il rilascio dell'energia corporea era impossibile in una forma ovvia e aperta. L'atteggiamento nei confronti delle danze dionisiache nella Rus' era molto severo; erano considerate un grande peccato; Le riforme di Pietro resero la vita sociale più armoniosa: non c'era bisogno di nascondere il proprio desiderio di divertirsi, inoltre questo desiderio divenne la massima priorità tra le persone benestanti; I balli più comuni alle assemblee di Pietro erano il minuetto, la pavana, il carillon e altri. Ma Peter li considerava molto noiosi e inventò la sua danza, molto più animata. Successivamente, sotto Anna Ionovna, non solo l'intrattenimento straniero divenne di moda. L'imperatrice amava anche le danze russe (“bychok” o “kamarinskaya”).

La vita sociale nel XIX secolo, il suo riflesso nello sviluppo della cultura della danza.

Rispetto all’epoca precedente, il XIX secolo ha concesso agli individui una libertà molto maggiore nella scelta del proprio percorso di vita. La liberazione è avvenuta anche a livello puramente spirituale. L’idea di Dio svanì gradualmente nel XIX secolo. La vita secolare, diventata così popolare nell'era precedente, sta sostituendo la vita ecclesiastica a tal punto che Dio viene ricordato solo la domenica. Gli ideali della società si stanno nuovamente orientando verso l’individualismo. L'impetuosità romantica, la gravitazione della schiavitù spirituale, l'aspirazione ad altri ideali più elevati, caratteristici dell'umore pubblico durante questo periodo, si manifestarono chiaramente nella danza. Il valzer diventa il re di tutti i balli, che rappresenta un modo di emancipazione dalle convenzioni che erano ancora il pilastro della vita sociale.

Nel 19° secolo, la scuola di ballo francese svanì gradualmente. Così i salti leggeri, considerati obbligatori nel XVIII secolo, vengono gradualmente sostituiti da semplici passi. Ai balli appare la posizione di "direttore d'orchestra" ("steward"), che era una sorta di comandante che controllava lo svolgimento del ballo. Era consuetudine aprire il ballo con un valzer, il cui primo giro veniva solitamente assegnato alle persone più onorevoli tra gli ospiti, se i padroni di casa della serata non concedevano questo onore allo stesso manager.

Nel XIX secolo a San Pietroburgo i balli di corte si tenevano nei palazzi Winter e Anichkov ed erano estremamente popolari. Il ballo è iniziato con una polonaise, seguita da un minuetto. Il ballo non sarebbe completo senza una mazurca e, ovviamente, un valzer. In questo momento apparve un'altra danza, il cui successo oscurò la popolarità di tutte le altre: la polka. Il ballo si è concluso con una danza: un gioco di cotillion, una sorta di spettacolo di addio di tutti i partecipanti.

Diamo uno sguardo più da vicino al valzer.

Il valzer non aveva nessuna delle caratteristiche di un ballo da salone alla moda. Inoltre, prima del valzer non esisteva un ballo da salone in cui una donna veniva abbracciata per la vita, guardandola dritto negli occhi. Ed è nel valzer che la dama e il gentiluomo diventano per la prima volta un'unica coppia danzante. Ci furono proteste ufficiali e non ufficiali contro il valzer. A Vienna nel primo decennio del XIX secolo era vietato ballare un valzer per più di dieci minuti. Nei balli che si tenevano nei palazzi dei Kaiser tedeschi, il valzer fu bandito per quasi tutto il XIX secolo, poiché considerato una “danza sensuale e oscena”. La società conservatrice inglese adottò il valzer un quarto di secolo dopo rispetto alla maggior parte degli altri paesi europei. In Russia anche il valzer è stato perseguitato. Caterina II lo detestava e sotto Paolo I fu pubblicato un ordine di polizia che proibiva "l'uso della danza chiamata walsen". Ma tutto ciò non fece altro che aumentare la voglia di ballare, e il XIX secolo passò sotto il simbolo del valzer, che veniva ballato in tutti gli ambienti della società; Il valzer ha avuto un'influenza significativa sullo sviluppo di tutta la musica europea del XIX e XX secolo.

Gli anni Quaranta del XIX secolo furono un periodo di rapida passione per la polka non solo a Parigi, ma in tutta Europa, Russia compresa. Perché letteralmente tutti e ovunque hanno ballato, indipendentemente dall'età e dallo stato sociale.

I servizi igienici e i piatti più alla moda erano chiamati “a la Polka”. I giornali inglesi poi scherzarono addirittura dicendo che la politica era passata in secondo piano, lasciando il posto alla donna polacca.
Sotto Caterina II, la mazurka apparve per la prima volta in Russia, ma poi non ebbe quasi alcun successo. Solo all'inizio del XIX secolo questa danza divenne molto popolare nelle città russe. A quel tempo la mazurka si stava diffondendo anche in altri paesi europei, soprattutto nella Repubblica Ceca, in Ungheria e in Francia. In Russia c'erano due mazurche: salon e folk. I maestri di danza francesi alla moda hanno dato alla danza popolare un carattere da salone e la lucentezza necessaria. In questa versione, la mazurka veniva ballata nella più alta società di San Pietroburgo. La Mazurka sostituì gradualmente la quadriglia francese e divenne l'apogeo del ballo, segnandone il culmine.

Possiamo dire che con l'avvento del cancan inizia una nuova era della danza. Il cancan nasce a Parigi intorno al 1830. Era una danza femminile eseguita sul palco, accompagnata da alti calci delle gambe. Nel 1860 furono aperte molte lezioni di ballo a San Pietroburgo, dove si ballava principalmente il cancan.
Pertanto, dopo aver esaminato in dettaglio le danze più popolari del XIX secolo e aver tracciato chiaramente il riflesso della vita sociale nella cultura della danza di quel tempo, possiamo trarre una conclusione sul significato della danza in quell'epoca. Il compito principale della danza, a nostro avviso, era mantenere la cultura del corpo su un piano di uguaglianza con la cultura dello spirito. Ma a differenza delle epoche precedenti, la cultura del corpo non implicava una base spirituale e religiosa, e lo sviluppo della cultura del corpo divenne sempre più fine a se stesso per la danza.

Sviluppo della cultura della danza russa nella prima metà del XX secolo.

Nel 20 ° secolo, in Russia c'erano già circa 17 balli, tra i quali i più popolari erano: polka, ungherese, minion, fandango, valzer figurato, mazurka e molti altri. Nel 20° secolo, molte cose nella cultura della danza stavano cambiando. Prima di tutto cambia la qualità della performance di danza, cambia la base, il percorso lungo il quale ha preso lo sviluppo dell'arte della danza mondiale. Dopo una pausa millenaria, i Giochi Olimpici stanno tornando ad essere estremamente popolari, e da qui c'è un riavvicinamento tra danza e sport, e aumenta il grado di dinamismo delle danze emergenti: tango, foxtrot, twist, rock and roll.

Dopo la scomparsa dei balli come passatempo di massa nel XIX secolo, i ristoranti iniziarono a sostituire parzialmente le loro funzioni (probabilmente perché ai balli non solo si ballava, ma si cenava). Così, nella seconda metà del XIX secolo, i ristoranti combinavano sia la cucina che spesso il teatro (in Russia, ad esempio, i ristoranti: “Yar”, “Strelna” e molti altri). I ristoranti francesi della fine del XIX secolo erano famosi per il loro cabaret con la sua danza femminile semi-decente, le cui ballerine, a nostro avviso, avevano molto in comune con le ballerine dell'antica Grecia e di Roma. La presenza di tale intrattenimento e la sua accessibilità hanno avuto un enorme impatto sulla vita sociale di quel periodo, sull'intera cultura della danza dell'inizio del XX secolo.

L'inizio del 20 ° secolo nella cultura della danza può essere caratterizzato dalle parole: "alla ricerca dello stile", poiché a quel tempo tutto il vecchio era distrutto e il nuovo era nebbioso e poco chiaro. E nel determinare lo stile di quest'epoca, la danza ha giocato un ruolo significativo, perché, a nostro avviso, rifletteva le aspirazioni estetiche del suo secolo con straordinaria luminosità era una sorta di ponte tra il mondo della vita quotidiana e il mondo della fantasia; . La svolta nella vita politica dell'inizio del XX secolo comportò una svolta nella vita creativa di questo periodo. Ciò non poteva che riflettersi nella danza. Una vera rivoluzione nella vita danzante di questo periodo fu l'apparizione del ballo del tango. Il tango era un ballo da sala, un ballo da salotto, non un ballo pop. Per eseguire questa danza erano necessari un frac impeccabile e un abito elegante e aderente, poiché questa danza era di natura molto severa e non era consentita alcuna libertà. Un ballerino di tango somigliava a una corda dell'arco tesa, con espressioni facciali stabili e la massima immobilità del corpo. Questa è la differenza principale tra il tango e i balli precedenti, che implicavano invariabilmente la corsa, il salto, il rimbalzo, in generale, tutto ciò che faceva uscire il corpo dal suo stato di costrizione.

Il tango era basato su movimenti ritmici, che, a nostro avviso, erano la ragione della grande popolarità di questo ballo, poiché ora tutti potevano ballare, anche quelli che prima non potevano "saltare come una capra" per la sala. Possiamo quindi concludere che il tango ha determinato lo stile dell'intera cultura della danza della prima metà del XX secolo.

Il XX secolo continua...

Vecchie danze stanche, un clima sociale in cambiamento, il desiderio dei giovani di trovare e realizzare il proprio stile, diverso dagli altri: tutto ciò ha portato alla crescita straordinaria di varie direzioni della cultura della danza nel 20 ° secolo. Possiamo dire che nel 20 ° secolo la danza ha acquisito per la prima volta una portata così senza precedenti e si è trasformata in una forma di svago di massa. E anche i balli più popolari del 19° secolo non possono, a nostro avviso, essere paragonati a una così potente “epidemia” di danza che ci ha travolto nel 20° secolo. Rap, hip-hop, breakdance, rave, house, techno, trance sono solo una piccola parte delle tendenze che hanno travolto il mondo intero nella seconda metà del 20 ° secolo.

Platone disse anche: "La natura di tutte le creature giovani è focosa e quindi non è in grado di rimanere calma né nel corpo né nella testa, ma urla costantemente e salta qua e là in modo casuale". A nostro avviso, queste parole possono essere meglio attribuite alla descrizione dello spirito della cultura della danza della fine del XX secolo. In generale, lo spirito di questo tempo è caratterizzato da temperamento e dinamismo. E ora possiamo dire con sicurezza che la maggior parte delle danze moderne sono diventate sport. Ciò è ovviamente legato anche allo spirito dei tempi; non per niente lo sport e i Giochi Olimpici hanno conosciuto la loro rinascita nel XX secolo. Un altro fattore importante nel riavvicinamento della danza e dello sport per le donne è stato, a nostro avviso, il cambiamento degli standard di bellezza. Le bellezze ben nutrite del 19 ° secolo vengono sostituite da modelli magri. Molte donne, ragazze che ballano in discoteca o frequentano corsi di formazione in qualsiasi studio di danza, perseguono principalmente l'obiettivo di correggere la propria figura e perdere peso.
Per quanto riguarda i giovani, il criterio principale nella scelta dei balli qui era la libertà e la possibilità di esprimersi. Uno dei balli che meglio ha fornito questa libertà ai giovani è stato l'hip-hop.

L'hip-hop moderno comprende tre direzioni: rap, breakdance e graffiti. Richiede uno stile di abbigliamento speciale e una visione del mondo speciale. Questa danza è accessibile a tutti secondo noi, aiuta gli adolescenti a trasformare la loro aggressività in creatività;

Un altro ballo che aiuta ad alleviare la tensione nervosa è il rave. Si ritiene che anche gli indiani, dopo essere stati punti da uno scorpione, iniziarono una danza simile alle danze moderne, che durò diverse ore finché non furono completamente esausti. Questo metodo ha portato la guarigione. Vediamo qualcosa di simile nel rave. Rave (tradotto dall'inglese come “furia, trambusto, disordine”) è nato in Olanda nel 1985. Inizialmente, il rave era rivolto a coloro che facevano uso di droghe. Molti stili musicali diversi apparvero nella rave dance, assorbendo molto rapidamente gran parte di ciò che esisteva prima di questa tendenza.

Gli stili più famosi sono “trance”, “techno”, “house”, “Deep house”...

“Trance” è musica cosmica con movimenti fluidi e il desiderio di uscire dolcemente dal proprio guscio.
"Techno" - qui i movimenti sono rigidi, fissi, ci sono molti impulsi sulle braccia e sulle gambe, tutti i movimenti sono ampi e chiaramente definiti.
"Casa": non ci sono movimenti chiari e netti, sono più sfocati; la musica è fisiologica, tutto il ritmo è pensato per i movimenti del corpo. Questa danza consente una grande improvvisazione.

E, naturalmente, parlando della fine del 20 ° secolo, non possiamo non menzionare una tendenza nella cultura della danza come la breakdance. In sostanza, la breakdance è una fusione di danza, pantomima, lotta e boxe. A nostro avviso, è corretta l'opinione che la rottura sviluppi non solo il corpo, ma anche il carattere. Richiede un'enorme resistenza e pazienza, poiché la maggior parte degli elementi della pausa devono essere ripetuti molte volte. Si ritiene che il break sia nato sui marciapiedi di New York, e che i suoi artefici siano stati due fazioni in guerra che un giorno si stancarono di combattersi con armi da fuoco e coltelli e preferirono competere in passi di danza inimmaginabili. Questo è probabilmente il motivo per cui la rottura era originariamente basata su vari tipi di wrestling: karate, kung fu, boxe. A poco a poco furono aggiunti movimenti fluidi delle braccia e delle gambe. Tutti, cercando di diventare i migliori, aggiungevano elementi acrobatici sempre più complessi. Possiamo supporre che fosse qualcosa del genere: due gruppi in fila, vestiti appositamente per il combattimento, ma senza armi, poi è stata accesa la musica ed è iniziata la pausa. I vincitori sono stati coloro che erano più resilienti, abili, veloci e flessibili. A poco a poco questa danza attirò l'attenzione dei coreografi. La pausa stessa viene eseguita sul pavimento (capriole, vari giri sulla schiena) o vicino al pavimento, e la breakdance comprende anche vari movimenti ondulatori delle braccia e del busto.

Pertanto, dopo aver esaminato alcuni degli stili di danza più sorprendenti, a nostro avviso, noi, usando l'esempio di queste danze, possiamo trarre una conclusione sull'unicità della cultura artistica della fine del XX secolo. Ovviamente hai notato che i tratti più caratteristici della cultura artistica di questo periodo erano la libertà, il desiderio e l'espressione di sé, così come l'originalità, la ricerca di qualcosa di nuovo e insolito.

In generale, la fine del XX secolo rappresenta, a nostro avviso, un enorme potenziale per lo sviluppo della cultura artistica in tutte le sue direzioni e della danza in particolare.

In nessuna epoca storica, in nessun paese del mondo, qualcuno ha esaltato la danza tanto quanto gli antichi greci, che vedevano in essa “l'unità della bellezza mentale e fisica” e consideravano la danza un meraviglioso dono degli dei. E le stesse divinità greche antiche si divertivano a ballare. Si credeva che fosse stato Apollo, il dio dell'arte, a scrivere le prime regole dell'arte della danza. Gli antichi greci erano così sensibili alla danza che resero la musa Tersicore “responsabile” dell'arte della danza e iniziarono a raffigurarla come una danzatrice in una tunica leggera con un'oliva in mano. Omero sosteneva che ci sono tre piaceri più innocenti al mondo: il sonno, l'amore e la danza. Platone: “La danza sviluppa forza, flessibilità e bellezza”. La danza era una materia obbligatoria nelle palestre e un cittadino libero che non sapeva ballare era soggetto a scherno e condanna. Le pose e i movimenti nella danza dovrebbero essere belli e armoniosi, inoltre, la danza dovrebbe esprimere chiaramente l'umore, i pensieri e i sentimenti.

Le danze sacre venivano eseguite al suono della lira e si distinguevano per la loro austera bellezza. Feste e danze erano dedicate a diversi dei: Dioniso, la dea Afrodite, Atena. Riflettevano determinati giorni dell'anno solare lavorativo. Le danze in onore del dio greco della fertilità e della vinificazione, Dioniso, erano caratterizzate da una gioia sfrenata e incontrollabile. Dionisia veniva celebrata in primavera, quando la natura prendeva vita.

Per la prima volta nella storia della danza è stato scritto un trattato sull'arte dell'antica danza greca, uno studio su questo tipo di creatività. L'autore del trattato Luciano, riflettendo sul ruolo e il significato della danza nella vita umana, ha parlato dei requisiti che si presentano a una persona che decide di dedicarsi all'arte della danza. “L’arte della danza richiede l’ascesa ai livelli più alti di tutte le scienze: non solo la musica, ma anche il ritmo, la geometria e soprattutto la filosofia, sia naturale che morale... Un ballerino deve sapere tutto!” .

Le danze militari hanno svolto un ruolo importante nell'instillare coraggio, patriottismo e senso del dovere tra i giovani nell'antica Grecia. Di solito venivano eseguiti da due persone, ma c'erano pirro di massa in cui ballavano solo i giovani, e talvolta i loro partner ballavano con loro. Queste danze riproducevano la battaglia e varie formazioni militari. Queste erano composizioni coreografiche complesse. Nelle mani dei ballerini c'erano archi, frecce, scudi, spade, lance, dardi e torce accese.

La danza sul palco faceva parte degli spettacoli teatrali. Ogni genere aveva le sue danze. Durante le danze gli artisti battono il tempo con i piedi. Per fare questo, indossavano speciali sandali di legno o di ferro, e talvolta battevano il ritmo con le mani usando particolari nacchere - gusci di ostriche - poste sul medio.

Ogni genere del teatro greco aveva le sue danze. Nelle tragedie, il coro eseguiva emmelei, una danza composta da movimenti patetici, maestosi e nobili. Questa danza trasmetteva i sentimenti degli dei e degli eroi. Nelle commedie, la danza più comune era il kordak, la danza dei satiri (i satiri sono creature fantastiche con zampe di capra e corna). Era una danza veloce, capricciosa, piena di salti vertiginosi, quasi da circo, capriole e pose rilassate. I movimenti venivano eseguiti a ritmo sostenuto e consistevano in squat, rotazioni, salti, durante i quali bisognava colpire i glutei con i talloni. È stato eseguito solo da ballerini professionisti appositamente formati.

L'atteggiamento nei confronti della danza nell'antica Grecia è testimoniato dal fatto che la musa della danza e del canto corale Tersicore era inclusa nel pantheon delle divinità. I greci intendevano la danza in modo molto ampio, considerandola sia come ginnastica, un mezzo per curare il corpo, sia come arte mimica. Le danze includevano il corteo del drammaturgo Sofocle alla testa di un corteo di giovani nudi attraverso Atene dopo la vittoria di Salamina, giocoleria e acrobazie, esercitazioni militari, cortei funebri e nuziali e gesti e movimenti misurati e rigorosamente simultanei del coro nella tragedia .

La necessità della danza è determinata dalla natura stessa dell'uomo, dai suoi ritmi interni, ma anche i Greci cercavano la bellezza ideale, ottenuta attraverso la stilizzazione. Un esempio è la danza di guerra (pirro), descritta da Omero e conosciuta da rilievi e dipinti vascolari sopravvissuti. Un altro esempio, sempre tratto da Omero, è una danza funebre, il cui scopo è infondere nuova vita a un cadavere attraverso un'esplosione di attività fisica dei ballerini. Questa danza proviene dall'isola di Creta ed è caratterizzata da movimenti bruschi delle braccia e colpi ritmici di spade sugli scudi per spaventare gli spiriti maligni.

Poiché i greci credevano che la danza fosse donata alle persone dagli dei, mostrarono grande interesse per i culti esoterici in cui la danza giocava un ruolo significativo. Oltre alle danze orgiastiche associate a determinati rituali, gli antichi greci amavano le processioni solenni, in particolare i peana, che erano una sorta di processione organizzata ritmicamente in onore di una particolare divinità con il canto di inni solenni. La grande festa era la Tesmoforia, in onore della dea dell'agricoltura Demetra e di sua figlia Persefone. La danza ha avuto un ruolo importante nei misteri orfici ed eleusini.

Le danze orgiastiche in onore del dio della fertilità Dioniso si svilupparono gradualmente in una cerimonia specifica: Dionisia. I ballerini che rappresentavano menadi e i ballerini che rappresentavano i satiri venivano addestrati appositamente per loro; secondo il mito si trattava del seguito di Dioniso. La danza comune - il ditirambo, eseguita nelle feste dionisiache, divenne la fonte dell'antica tragedia greca.

La danza, sviluppatasi nel quadro dell'antica tragedia greca, ha diversi periodi corrispondenti a diverse fasi di sviluppo della drammaturgia stessa. Per Eschilo, la danza è un mezzo per aumentare la tensione dell'azione drammatica. Sofocle interpreta la danza come un'espressione della risposta emotiva agli eventi in corso. In Euripide, il coro usa la pantomima per rappresentare sentimenti che corrispondono alla trama. La danza come parte della tragedia (emmelia) era piuttosto lenta e maestosa, e i gesti in essa (chironomia) erano ampi, grandi, facilmente percepibili dal pubblico nelle grandi arene dove venivano messe in scena le tragedie. La danza nella vecchia commedia si chiamava kordak ed era, secondo lo spirito dello spettacolo, sfrenata e indecente. Il ballerino ha girato lo stomaco, ha colpito i talloni e le natiche, ha saltato, ha colpito il petto e le cosce, ha battuto i piedi e ha persino colpito il suo partner. Sikinnis, una danza di satiri, ricca di elementi acrobatici, superò il kordak in totale spudoratezza. Con la diffusione del cristianesimo entrambe le danze scomparvero.

L'intrattenimento preferito degli antichi greci erano i pasti in una cerchia amichevole: i simposi. Vi hanno preso parte ballerini professionisti. Le pitture vascolari greche raffigurano cortigiane (heterae) che danzano al suono di un flauto, mentre gli spettatori guardano e addirittura si uniscono alla danza.

Quando iniziarono le rivolte a Roma, e l'imperatore ebbe paura che potesse verificarsi una rivolta, ordinò a tremila ballerini e ballerini di scendere per le strade della città, che pacificarono la rivolta della folla con le loro danze. L'arte della danza degli antichi greci ebbe una grande influenza sui romani. Solo i gusti creativi dei romani erano fondamentalmente diversi dai gusti dei greci. Per i Greci l'arte e la danza erano qualcosa di sacro che nobilitava l'anima e avvicinava una persona agli dei. I romani, più rozzi e tozzi, vedevano l'arte solo come intrattenimento. Le danze persero gradualmente la loro severità e purezza originali; iniziarono a rappresentare ed esprimere sempre più la passione, che non corrispondeva affatto all'alto scopo religioso della danza nell'antica Grecia. Tuttavia, gli antichi romani conoscevano e onoravano il nome del loro primo ballerino. Certo: dopotutto era considerato Romolo, uno dei leggendari fondatori di Roma.

I romani hanno dato un grande contributo alla storia della danza mondiale come creatori della pantomima. Si tratta di una sequenza di movimenti altamente stilizzata, solitamente di un solo esecutore, in cui il ruolo principale è svolto dalla gesticolazione. La pantomima era solitamente accompagnata da una piccola orchestra. Famosi pantomimisti furono Bafillo di Alessandria, che preferiva la commedia, e Pilade di Sicilia, che dava alla pantomima un pathos tragico. La pantomima come spettacolo fu rappresentata per la prima volta pubblicamente nel 23° secolo. AVANTI CRISTO. Con il passare del tempo quest'arte degenerò in uno spettacolo apertamente erotico e volgare, contro il quale la chiesa cristiana lottò.

Sebbene la pantomima prevalesse nell'antica Roma, anche lì la danza rituale non fu dimenticata. C'erano molti balli - processioni per diverse occasioni. Ad esempio, i membri del collegio sacerdotale dei Salii, sacerdoti del dio Marte, eseguivano la loro danza militare di culto - tripudii, cioè. ballare in tre battute. In tutta la penisola italiana i sacerdoti eseguivano riti legati ad antichi culti della fertilità. I rituali del tempio di questo tipo si svilupparono gradualmente in feste popolari. Ad esempio, i famosi Saturnalia, che si tenevano alla fine di dicembre, diventarono un carnevale popolare, con danze per le strade e scambi reciproci di doni. Successivamente, lo spirito delle festività natalizie cristiane ha assorbito molti elementi degli antichi saturnali romani.

Quindi, nel primo paragrafo del nostro lavoro abbiamo esaminato le danze dell'antichità. Per i greci la danza era l'unità dell'anima e del corpo, la danza era stata data loro dagli dei. La danza era una materia obbligatoria nelle palestre e un cittadino libero che non sapeva ballare era soggetto a scherno e condanna. Le pose e i movimenti nella danza dovrebbero essere belli e armoniosi, inoltre, la danza dovrebbe esprimere chiaramente l'umore, i pensieri e i sentimenti. I romani consideravano la danza solo intrattenimento; iniziarono a rappresentare ed esprimere sempre più la passione. Ma i greci, a loro volta, introdussero la pantomima nell'antica danza, che contribuì a stilizzare la sequenza dei movimenti. Con il passare del tempo l'arte della pantomima degenerò in uno spettacolo apertamente erotico e volgare, contro il quale la chiesa cristiana lottò.

La prova è nella scultura e nella pittura vascolare, nelle opere di poeti, scrittori e artisti. Divisione in partecipanti e spettatori, liberi nel loro desiderio: ballare o non ballare, guardare o non guardare. Il rituale cominciò a essere sostituito dal fisico e dall'intrattenimento. Tutta la vita della Grecia è permeata di euritmia. La danza era una delle discipline educative e gli adulti e i cittadini a tutti gli effetti continuavano a studiare. Il ballo è per gli spettatori, non per il piacere di saltare e non per il proprio divertimento. Tutti i cittadini possedevano qualche tecnica di danza. Cinque gruppi: danze di guerra - rituali ed educative; culti moderati - emmelia, danza dei veli e danze delle cariatidi, nonché danze della nascita, del matrimonio e del funerale; danze orgiastiche; balli pubblici e balli teatrali; ballare nella vita di tutti i giorni. Le danze sacre riflettevano determinati giorni dell'anno solare lavorativo. Esistono due principali culti della danza: “luce” in onore del dio Apollo e “oscura” in onore del dio Dioniso. Le danze militari nell'antica Grecia giocavano un ruolo importante nell'infondere coraggio, patriottismo e senso del dovere nei giovani ("pyrrhichion", "pyrrhich"). Le danze sociali e quotidiane (casalinghe, urbane, rurali) accompagnavano le celebrazioni familiari e personali, le feste cittadine e vacanze nazionali. Danze di scena Dr.Gr. facevano parte di spettacoli teatrali e ogni genere aveva le sue danze: emmelia è caratteristica della tragedia, cordak è caratteristica della commedia e sikkanida è caratteristica del dramma satirico. Danza dei veli e danza delle cariatidi. Sikkanida Kubiki - danze acrobatiche. Mia mia.

Tecnica di danza di H. Limon.

Jose Arcadio Limon è nato il 12 gennaio 1908 nella città messicana di Culiacan ed era il maggiore di dodici figli della famiglia. Nel 1915, all'età di 7 anni, emigrò con i suoi genitori negli Stati Uniti, a Los Angeles.

Dopo essersi diplomato alla Lincoln High School, Limon entrò all'Università della California a Los Angeles per studiare belle arti. Nel 1928 si trasferisce a New York, dove inizia a studiare alla New York School of Design. Nel 1929, dopo aver visto esibirsi gli studenti di Rudolf von Laban Harold Kretzberg e Yvonne Giorgi, Limón si interessò alla danza.

Dopo aver iniziato a studiare alla scuola di Doris Humphrey] e Charles Weidman], un anno dopo fece il suo debutto a Broadway. Allo stesso tempo, Limon si cimentò per la prima volta come coreografo: mise in scena “Etude in D Minor” per sé e Laetitia Ide, le sue compagne di classe Eleanor King ed Ernestina Stoddel;

Per tutti gli anni '30 Lemon ballò con la troupe Humphrey-Weidman, partecipando a produzioni di Doris Humphrey e Charles Weidman, e lavorò anche a Broadway: nel 1932-1933 si esibì nella rivista Americana e nel musical di Irving Berlin Mentre migliaia acclamano(coreografia di Charles Weidman), ha collaborato come coreografo con il New Amsterdam Theatre.

Nel 1937, Lemon partecipò al programma del Bennington Dance Festival. Al festival del 1939, tenutosi al Mills College, creò la sua prima grande opera coreografica, Mexican Dances ( Danze messicane).

L'anno successivo, Lemon si esibì come solista nella rivista "Don't Walk on Lawns" (coreografia di George Balanchine).

Nel 1941 lasciò la troupe Humphrey-Weidman per collaborare con May O'Donnell]. Insieme hanno messo in scena opere come Testi di guerra E Alzate per tende, tuttavia, è poi tornato da Humphrey e Weidman. In questo periodo incontrò Pauline Lawrence e si sposarono il 3 ottobre 1942. Nello stesso anno, insieme a Mary-Ellen Moylan, Lemon ballò nel musical Rosalind (coreografato da George Balanchine), che divenne l'ultimo spettacolo a Broadway con la sua partecipazione.

Poi creò numeri sulla musica classica e su temi folcloristici allo Studio Theatre, finché nell'aprile 1943 fu arruolato nel Servizio speciale dell'esercito americano], creato nel 1940 appositamente per mantenere lo spirito del soldato durante la guerra. Durante il suo servizio collaborò con compositori come Frank Loesser e Alex North], e creò diverse produzioni, la più famosa delle quali è Concerto Grasso.

Dopo aver completato il servizio militare nel 1946, Limón ricevette la cittadinanza americana.

Nel 1947, Limón creò la sua compagnia, la José Limón Dance Company ( Compagnia di danza José Limón), di cui offrì la direzione artistica a Doris Humphrey (la troupe di Limon divenne così la prima compagnia di danza moderna statunitense il cui direttore artistico non era allo stesso tempo il suo fondatore). La troupe, i cui ballerini includevano Paolina Kohner, Lucas Howing, Betty Jones, Ruth Carrier e lo stesso Limón José, ha fatto il suo debutto al Bennington College Festival in produzioni di Doris Humphrey Lamento E La storia dell'umanità.

Anche il ballerino e coreografo Louis Falco ha ballato con la compagnia tra il 1960-1970 e nel 1974-1975. ha recitato in "La Pavane del Moro" diretto da Jose Limon insieme a Rudolf Nureyev. Mentre lavorava con Humphrey, Lemon sviluppò un repertorio e stabilì i principi del suo stile. Nel 1947, la troupe fece il suo debutto al Belasco Theatre di New York con la produzione di Humphrey di Day on Earth. Nel 1948, la troupe si esibì per la prima volta al Connecticut College American Dance Festival, e successivamente vi prese parte per molti anni. Dopo aver messo in scena "La Pavane del Moro", Limón ha ricevuto il premio annuale per la coreografia eccezionale della rivista Dance Magazine. Nella primavera del 1950, Limon e la sua troupe si esibirono a Parigi con Page Ruth, diventando i primi rappresentanti della danza moderna americana in Europa. Durante la vita di Limon, la sua compagnia fece tournée in tutto il mondo e continuò le sue attività dopo la sua morte.

Nel 1951, Limon si unì alla facoltà della Juilliard School, dove fu creata una nuova direzione di danza. Accettò anche l'invito dell'Istituto Nazionale di Belle Arti di Città del Messico, per il quale creò sei produzioni. Tra il 1953 e il 1956, Limón ha coreografato e interpretato i ruoli nello spettacolo Rovine e visioni E Ritmo Jondo Doris Humphrey. Nel 1954, la troupe di Limón divenne una delle prime ad approfittare del programma di scambio studentesco internazionale del Dipartimento di Stato americano e fece una tournée in Sud America. Ben presto iniziarono un tour di cinque mesi in Europa, Medio Oriente e, ancora, America meridionale e centrale. Durante questo periodo, Lemon ha ricevuto il suo secondo Dance Magazine Award.

Nel 1958 morì Doris Humphrey, che era stata la direttrice artistica della troupe per tutti questi anni, e Jose Limon dovette prendere il suo posto. Tra il 1958 e il 1960 ci furono produzioni congiunte con Poalina Koner. Durante questo periodo, Lemon ha ricevuto un dottorato onorario dalla Wesleyan University. Nel 1962, la troupe si esibì a Central Park per aprire il New York Shakespeare Festival. L'anno successivo, sotto gli auspici del Dipartimento di Stato americano, la troupe fece un viaggio di dodici settimane in Estremo Oriente, esibendosi nella produzione Il Demone, il cui accompagnamento musicale apparteneva al compositore Paul Hindemith. Hindemith ha diretto personalmente la prima.

Nel 1964 Limón ricevette il premio dell'azienda Capezio ed è stato nominato direttore artistico dell'American Dance Theatre al Lincoln Center. L'anno successivo, Limón apparve in un programma televisivo educativo nazionale chiamato José Limón Dance Theatre. Alcuni anni dopo, fondò la Jose Limon Dance Foundation e ricevette un altro dottorato onorario dall'Università della Carolina del Nord. Nel 1966, dopo essersi esibito con la troupe alla Cattedrale di Washington, Limón ricevette un finanziamento governativo di 23.000 dollari dal National Endowment for the Arts. L'anno successivo, Limón ha lavorato alla coreografia per la produzione Salmo, che gli è valso un dottorato onorario dal Colby College. Lui e la sua troupe sono stati anche invitati ad esibirsi alla Casa Bianca per il presidente Lyndon Johnson e il re Hassan II del Marocco. L'ultima apparizione sul palco di José Limón come ballerino risale al 1969, quando si esibì nelle produzioni della Brooklyn Academy of Music di The Traitor e The Moor's Pavane. Nello stesso anno completò altri due lavori e ricevette un dottorato onorario dall'Oberlin College.