Danze greche. Sirtaki, Hasapiko, Zeybekiko e altri. Danza dell'antichità. Danza dell'antica Grecia. Il legame tra danza e mitologia. Tersicore. Danze religiose, sociali, teatrali Le danze nell'antica Grecia
Ministero della Cultura dell'Ucraina
Accademia statale di cultura di Kharkov
Dipartimento di Coreografia Moderna
Test
Corso "Storia dell'arte coreografica"
Sul tema: l'arte della danza dei paesi del mondo antico.
Eseguita:
Studente part-time
Facoltà di Arti Coreografiche
Gruppo 5C
Vasilenko Vittoria
Controllato:
Insegnante senior Kurdupova E.N.
introduzione
Generi di danza del mondo antico
Antico Egitto
Antica India
Grecia antica
Antica Roma
Conclusione
Bibliografia
introduzione
La danza è una delle forme d'arte più antiche. Antiche forme di danza sono nate nel processo dell'attività lavorativa pratica dell'uomo: il processo lavorativo ha scoperto il significato del ritmo, i movimenti subordinati al ritmo hanno dato vita alla danza, che è una delle prime manifestazioni di questa cultura.
L'uso diffuso della danza e della musica da ballo nel mondo antico è testimoniato da molte fonti, come miti, poemi epici, immagini e dati archeologici. Pertanto, descrizioni di antiche danze greche si possono trovare in Aristotele, Filostrato, nelle tragedie di Eschilo, Sofocle, Euripide, nelle commedie di Aristofane, ecc.; Lucian ha scritto un intero trattato "Dialogo sulla danza". Cicerone e Orazio scrissero delle danze dei romani. Nella seconda metà del I sec. AVANTI CRISTO. La danza classica indiana ha ricevuto una giustificazione teorica, che indica un alto livello del suo sviluppo. Il più antico dei trattati indiani sopravvissuti, Natyashastra (Scienza del teatro, I secolo aC circa), esaminava i problemi della danza, della musica e, in stretta connessione, con i problemi del dramma.
Numerose immagini di ballerini e ballerini su bassorilievi, dipinti su vasi e sculture raccontano anche la natura delle danze di quei tempi.
Nelle civiltà antiche, la danza e la musica giocavano un grande ruolo sociale e ideologico. Ci sono molti riferimenti alla danza nella Bibbia (ad esempio, nei racconti del re Davide, che “saltava e danzava”). Come la musica, la danza spesso riceveva un'interpretazione cosmogonica, una profonda comprensione filosofica ed era vista come rivelatrice dell'essenza delle cose. Alla musica e alla danza veniva data una connotazione di esclusività e inaccessibilità e l'origine della danza era considerata divina. Nell'antica India, la danza era spesso chiamata la danza degli dei. Secondo l'induismo, il loro creatore e primo interprete era il dio Shiva. Nella sua incarnazione come Nataraja, lui, eseguendo una danza cosmica, distrusse tutto ciò che era vecchio nell'Universo e allo stesso tempo aprì un nuovo ciclo di vita. Nell'antica Grecia, diverse forme di danza erano strettamente associate al culto del dio Dioniso: rituali, processioni e sacramenti, che erano di massa, erano composizioni coreografiche uniche. D'altronde la danza e la musica dance sono sempre state al centro dell'emotività e dell'erotismo; l'amore è uno dei temi principali delle danze di tutte le nazioni. Inoltre, il principio sensoriale, secondo i concetti filosofici prevalenti, era una forma di rivelazione dell'essenza spirituale.
La musica e la danza sono state per lungo tempo mezzi educativi, quindi l'insegnamento di queste arti si è diffuso nei paesi del mondo antico. A cavallo del I millennio in Cina, il confucianesimo ebbe una grande influenza: l'ideologia ufficiale di quel tempo, che attribuiva particolare importanza alla danza nell'educazione etica di una persona. La danza aveva un'etica elevata nell'antica Grecia, dove lo scopo della danza era visto nel miglioramento e nella nobilitazione dell'uomo. Occupando un posto significativo nella vita delle persone, l'arte coreografica non era solo una parte del culto (danze cerimoniali lente in onore di Apollo, danze bacchiche estatiche dedicate a Bacco, ecc.), Ma anche un mezzo di educazione (ad esempio, “pirro” - danze atletiche militari di giovani spartani, che contribuiscono allo sviluppo armonioso del corpo). "La danza sviluppa flessibilità, forza e bellezza", affermava Platone. Aristotele definì il significato della danza con le seguenti parole: "La danza imita la morale, le passioni e i costumi con i suoi movimenti ritmici e incarna il pensiero invisibile".
In generale, le informazioni sui generi di danza di quei tempi sono piuttosto sparse e non numerose. Spesso non si può parlare di generi specifici, ma di gruppi di generi che si distinguono a seconda dello scopo che avevano nella vita delle persone. Con l'avvento della società di classe, la danza e la musica da ballo furono divise nelle loro varietà popolari, quotidiane e professionali (cerimoniali, teatrali).
Generi di danza del mondo antico Le danze popolari rimasero per lungo tempo legate ai processi lavorativi, ai rituali pagani e quotidiani (pantomime di danza nell'antica Cina e nell'antica India, giochi dionisiaci dell'antica Grecia, giochi di Maslenitsa russi, ecc.) e accompagnarono la famiglia, la città e festività nazionali, ogni evento nella vita di una persona. Il genere delle danze popolari è uno dei più ampi. Diversi per tema, design compositivo e composizione degli artisti, hanno avuto un'enorme influenza sull'emergere della danza scenica. Prima di tutto, vale la pena evidenziare danze e giochi rituali che riflettono i processi lavorativi e sono stati eseguiti per molto tempo in stretta conformità con il tempo di determinati lavori agricoli. Ad esempio, spesso a quel tempo i contadini, cercando di far piovere la quantità necessaria per i raccolti, ricreavano immagini musicali e plastiche di nuvole fluttuanti, rombi di tuoni, corsi d'acqua che scorrevano, ecc. Parallelamente al tema del lavoro, hanno rivelato anche un tema d'amore. Le danze di gioco per lungo tempo hanno mantenuto tracce della vita quotidiana, del lavoro e delle antiche credenze pagane, e anche parzialmente (in una forma trasformata) sono sopravvissute fino ad oggi (danza di gioco russa "E abbiamo seminato miglio"). Tra le danze più antiche rientrano anche le danze di caccia, che copiano i movimenti e le abitudini di animali e uccelli e vengono solitamente eseguite prima e dopo la caccia. Si sono posti un compito chiaro e semplice: influenzare magicamente i risultati della caccia, cioè placare la divinità, rafforzare la fiducia in se stessi e intimidire l'animale cacciato e, quindi, vincere, procurarsi cibo per se stessi e per la tribù. Salti folli, imitazione delle abitudini dell'animale, urla spaventose e piedi che battono i piedi creavano un'immagine convenzionale della caccia. L'uomo credeva che la danza lo aiutasse davvero, praticamente, a svolgere una delle funzioni più importanti della sua vita.
La lotta dei popoli tra loro portò a scontri tra loro e diede origine a danze di guerra. Spesso si trattava di complesse composizioni coreografiche che riproducevano battaglie e varie formazioni di combattimento. Parteciparvi significava accettare di fare un'escursione. Nelle mani dei ballerini c'erano archi, frecce, scudi, torce accese, spade, lance e dardi. Le trame di tali danze eroiche, di regola, riflettevano miti e leggende sugli eroi. Le danze rituali e di culto hanno avuto un ruolo enorme nello sviluppo dell'arte della danza e, in particolare, della danza scenica. Il rispetto per le forze astratte della natura e la divinizzazione degli animali, caratteristici della visione del mondo dell'uomo di quel tempo, si riflettevano nei movimenti di danza, contribuendo così allo sviluppo delle tecniche di stilizzazione e delle convenzioni del linguaggio plastico. Le linee di movimento dei ballerini, i loro gesti e le pose avevano un misterioso significato sacro. L'uomo, volendo spiegare fenomeni naturali a lui incomprensibili, attribuì il loro verificarsi alla volontà di misteriosi esseri superiori (divinità) e, per ottenere condizioni favorevoli per il suo lavoro, cercò in ogni modo di compiacere gli dei con speciali azioni magiche - rituali. Gli antichi cinesi avevano, ad esempio, danze di sacrifici al cielo e ai suoi spiriti, danze che imitavano il movimento delle acque agitate dal vento. Gli egiziani avevano una danza astrale, che veniva ballata da dodici sacerdotesse attorno all'altare, raffiguranti i dodici segni dello zodiaco. Come componente obbligatoria del servizio divino, le danze religiose avevano un carattere maestoso, rigoroso, solenne; movimenti e musica erano spesso strettamente regolati e determinati dalle peculiarità della cerimonia. Sorti nel profondo dell'arte quotidiana, successivamente sono andati ben oltre l'ambito del genere applicato e hanno richiesto professionisti nel campo della danza e della musica per le loro esibizioni. La professionalizzazione dell'arte musicale e della danza ha portato all'emergere di generi di danza teatrale (di scena). Per eseguire tali danze e il loro accompagnamento musicale, erano necessari ballerini e musicisti di alto livello professionale (di solito venivano allevati fin dall'infanzia, ricevendo una professione per eredità). Ad esempio, nella scuola indiana di danza classica "Kathak", il musicista dirigeva effettivamente il movimento della danza, cambiandone il tempo e il ritmo, e l'abilità della ballerina era determinata dalla sua capacità di seguire accuratamente la musica. Nell'antica tragedia greca già nel IV secolo a.C. e. Si sono esibiti cantanti e ballerini professionisti. Non è un caso che molti trattati pongano elevate esigenze artistiche all'arte della danza. Lucian richiedeva al "leader della danza rotonda" la conoscenza di tutte le scienze e le arti conosciute a quel tempo. “Bisogna conoscere il ritmo e la musica per dare misura ai propri movimenti, la geometria per costruirli, la filosofia e la retorica per rappresentare morali e suscitare passioni, la pittura e la scultura per comporre pose e gruppi; quanto alla mitologia, deve conoscere perfettamente gli eventi dal caos e dalla creazione del mondo ai giorni nostri." Un posto speciale tra i generi e le forme di danza del mondo antico e dell'antichità era occupato dalla danza rotonda, un tipo sincretico di arte popolare che combina musica (canto o strumentale), danza e azione teatrale in diverse proporzioni. Le danze religiose e quotidiane descrivevano la forma di un cerchio, la forma perfetta più antica, che simboleggiava la divinità solare, il ciclo della natura e il cambiamento delle generazioni. L'esecuzione di questa danza di massa è stata accompagnata da un canto corale. Lo schema coreografico è stato riprodotto da ragazze e ragazzi che si tenevano per mano.
Antico Egitto
Nell'antico Egitto grande attenzione veniva prestata all'arte della danza. Ciò è testimoniato da dipinti e bassorilievi sulle pareti delle tombe che sono stati conservati fin dai tempi antichi. Su di essi puoi vedere danze rituali, danze durante le celebrazioni quotidiane e processioni di guerrieri. Di norma, accanto alle persone che ballano c'è un gruppo di musicisti che suonano vari strumenti a percussione, nonché i tipi più semplici di strumenti a fiato e a corda. Sulla base delle immagini trovate, si può giudicare lo stile delle antiche danze egiziane. In primo luogo, è evidente che molto spesso uomini e donne ballano separatamente. Inoltre, alcuni ricercatori ritengono che la maggior parte delle danze siano state eseguite da donne. Tra gli uomini danzanti erano per lo più schiavi o sacerdoti di alcuni culti, che eseguivano solo la parte mimica del rituale. In secondo luogo, i movimenti sono molto grafici, con elementi acrobatici, ma allo stesso tempo piuttosto eleganti. Le formazioni dei ballerini all'interno del gruppo corrispondono a forme geometriche (cerchio, quadrato, triangolo) o ad una linea retta. In terzo luogo, predominano le danze rituali: religiose, tenute in onore delle divinità durante il culto e le danze rituali (ai matrimoni e ai funerali). I movimenti di tali danze erano rigorosamente regolamentati; qualsiasi elemento di improvvisazione nella performance era completamente escluso. Fino ad oggi sono sopravvissute informazioni sulla sacra danza astrale dello zodiaco, estremamente diffusa tra gli antichi egizi. N. Vashkevich nel suo libro “La storia della coreografia di tutte le età e di tutti i popoli” ne dà la seguente descrizione: “Di notte, sotto un limpido cielo stellato, intorno all'altare su cui ardeva il fuoco, dodici ragazze, sacerdotesse-ballerine , riuniti e, tenendosi per mano, gli giravano intorno in una danza rotonda, raffigurante i dodici segni dello zodiaco attorno al sole (il dio Ra), che rappresentava l'altare. La danza rotonda si muoveva lentamente, proprio come avviene lentamente il movimento dei luminari; poi ogni interprete ha imitato ciò che era associato all'apparizione di ciascuna costellazione (così, il raccolto dei mesi autunnali veniva raffigurato con adeguati gesti gioiosi, ecc.); Forse in questo momento la danza rotonda si è fermata, dando tempo al gioco mimico. La musica degli archi dava il ritmo a questa danza lenta, appena in movimento. Lo stesso autore fornisce un esempio di un'altra danza religiosa: la danza di Osiride. Lei “esprimeva mimicamente le idee della grandezza e della misericordia della divinità ed era spesso sostituita dalla pantomima, raffigurando sui volti gli episodi della nascita, dell'adolescenza della divinità, del suo amore e unione con Iside e dell'assassinio dei fratelli malvagi; il tutto era accompagnato da una musica lenta e solenne. Ma poi la musica e il canto, e dopo di essi la danza, si trasformano in fortissimo, esprimendo gioia alla divinità: saltando con ampi gesti delle mani, piegando il corpo, agitando le braccia alzate... Davanti al tempio, da cui si erge la statua colossale di Osiride è visibile e dove viene introdotto Apis, i ballerini iniziano rapidamente a girare su se stessi e cadono a faccia in giù, e dopo di loro tutte le persone cadono a faccia in giù. Nella cultura della danza dell'antico Egitto, oltre alle danze rituali, i ricercatori identificano anche altri gruppi di generi: - danze non religiose di celebrazioni pubbliche (alle feste, alle feste); - ballare negli harem; - danze militari; - Ballo di strada. Le danze pubbliche delle classi privilegiate differivano in modo significativo dalle danze della gente comune: il loro stile di esibizione era solenne e pacato. Si credeva che fosse generalmente indecente per una persona nobile partecipare ai balli nei giorni festivi, doveva solo osservare con condiscendenza i divertimenti della gente comune; Un tempo, l'intrattenimento danzante nell'alta società dell'antico Egitto era addirittura ufficialmente proibito a causa dell'opinione prevalente secondo cui la danza aveva un impatto negativo sulla morale della popolazione e non aveva alcun beneficio pratico. Al contrario, la danza era estremamente popolare tra la gente. Non solo le feste, ma anche numerose processioni (ad esempio durante i processi lavorativi) erano piene di elementi di danza. I movimenti erano caratterizzati da maggiore naturalezza, semplicità e ruvidità, e la composizione delle danze era caratterizzata da figure meno irreggimentate. Per molto tempo, l'arte della danza nell'antico Egitto si è sviluppata isolatamente, basandosi sulle proprie tradizioni, praticamente senza sentire l'influenza dei paesi vicini. Dal 1500-1000 AVANTI CRISTO. in esso divennero evidenti le caratteristiche delle danze dell'Assiria, dei paesi africani circostanti e persino dell'India. A sua volta, la danza degli egiziani ha avuto un'influenza inversa su altre culture (inclusa l'antica Grecia), sia direttamente sulla componente coreografica della danza (i suoi movimenti, le forme) sia sul suo lato artistico (la mitologia alla base delle danze, ecc. ).
Antica India
L'arte della danza dell'antica India è nata come parte di un culto religioso. I templi sopravvissuti fino ad oggi contengono sulle loro pareti numerose sculture e affreschi di figure danzanti, sia persone comuni che vari dei. Ad esempio, sulle facciate del tempio di Shiva a Chidambaram (India meridionale) le sculture sono raffigurate in tutti i 108 mudra (posizioni) canonici della danza classica Bharat Natyam. Anche la struttura stessa dei templi, in cui venivano assegnate aree e sale speciali per la danza, testimonia l'enorme ruolo della danza nella vita degli indiani. Le azioni dei danzatori del tempio devadasi (più tardi chiamati bayaderes nella tradizione europea) e dei loro musicisti avevano un significato sacro e simboleggiavano l'illuminazione divina, agendo come un modo per ottenere la liberazione da una catena infinita di rinascite. In numerosi miti e testi sacri antichi indiani, la danza ha acquisito un significato simbolico e una profonda giustificazione filosofica. A questo proposito, possiamo citare innanzitutto l'idea della danza Shiva-Nataraja, la cui missione principale - la distruzione dei mondi e la loro successiva creazione - è realizzata attraverso la danza. Uno dei primi ballerini nei testi buddisti sono gli apsara, ballerini di bellezze celesti nel regno di Indra, che, con l'aiuto di danze, canti, suoni e amore insuperabili, furono chiamati a distruggere i regni degli dei e l'ascetismo dei saggi. Le loro immagini erano incarnate in molti affreschi, sculture e bassorilievi di antichi templi indiani. Per molto tempo la danza in India è stata divisa in classica e popolare. E se nella tradizione “orale” esistevano numerosi campioni popolari, i movimenti della danza classica furono profondamente sviluppati e canonizzati già nel II-I secolo. AVANTI CRISTO. Pertanto, il trattato "Natyashastra" parla di "nritya" - una danza pantomima espressiva, la cui base era una certa trama (da miti, leggende), e di "nritta" - danza pura per amore della danza, in cui il l'esecutore si arrende completamente agli elementi del ritmo. Anche gli stili classici della danza indiana, divenuti un elemento indispensabile dell'antico teatro indiano, hanno avuto origine nelle danze rituali. Pertanto, Bharata Natyam veniva eseguita dai devadasi nei templi di Shiva come una danza-preghiera e una danza-conversazione. Nel Kathak, basato su storie mitologiche della vita del dio Krishna e di sua moglie Radha, i sacerdoti bramini esponevano la storia della loro fede attraverso la danza e la pantomima. Un'altra danza, Manipuri, era dedicata alla relazione tra il dio Krishna e sua moglie Radha. Kakhkali è un racconto artistico, un dramma-danza pantomimico, leggende illustrate tratte dagli antichi poemi epici indiani Ramayana e Mahabharata.
Grecia antica
La più studiata e sistematizzata è l'arte della danza dell'antica Grecia, la cui natura è compresa grazie a un numero enorme di reperti archeologici (con numerose immagini di persone danzanti) e descrizioni in fonti letterarie. È vero, nella maggior parte dei casi si trovano solo brevi descrizioni delle danze o vengono menzionati solo i nomi, che indicano in onore di quali divinità o per quale evento è stata eseguita la danza. I nomi sia dei generi di danza stessi che delle singole figure sopravvissuti fino ai giorni nostri sono piuttosto numerosi (oltre 200). Di norma, uomini e donne nell'antica Grecia ballavano separatamente gli uni dagli altri e solo i ragazzi e le ragazze potevano formare una danza circolare comune. I ricercatori identificano i seguenti tipi di danze esistenti nell'antica Grecia: - religiose (moderate e orgiastiche); - scopi ginnici e militari, educativi; - espressioni facciali; - teatrale; - rituale (ad esempio matrimonio); - domestico. Come altri popoli dell'antichità, la danza e vari tipi di acrobazie e acrobazie ginniche erano un attributo indispensabile dell'antico culto religioso greco. Ogni divinità potrebbe avere il proprio rituale di danza separato. Così, tra le prime menzioni si possono trovare informazioni sulla danza di origine frigia Aloenes, che veniva eseguita dalle sacerdotesse di Cibele in onore di sua figlia Cerere. C'erano altre danze di questo culto: Anthema, Bookolos, Epicredros e molte varietà locali. Erano molto diffuse le danze che lodavano Afrodite: dignitose, sobrie, perfette, proprio come la loro protettrice. Anche le processioni rituali nell'antica Grecia erano accompagnate da danze, musica e canti. Una di queste processioni di danza era Komos, i cui partecipanti - komastas - eseguivano movimenti casuali e frivoli con l'accompagnamento di cetre e flauti. Ma forse le più sentite nella vita quotidiana degli antichi greci erano le celebrazioni religiose dedicate ad Apollo e Dioniso e accompagnate da numerose danze, varie nella forma e nel carattere. Inoltre, le danze legate al culto di Apollo differivano significativamente dalle danze delle feste dionisiache (baccanali): nel primo caso, il loro stile era più cerimoniale, pacato e solenne; nel secondo - più libero, appassionato e persino erotico. Un'opposizione simile si manifestò successivamente chiaramente nell'arte professionale, principalmente nel campo del teatro greco antico (danze della tragedia e della commedia). Tra le danze ginniche educative che svolgono un ruolo importante nell'instillare coraggio e patriottismo nei giovani, si possono evidenziare le danze militari, in particolare le danze di Pirro (danze di Pirro) e le relative danze di Pirro. Si ritiene che il nome "pirro" derivi dalla parola "pyra", che significa il fuoco attorno al quale Achille danzò presumibilmente al funerale di Patroclo. Le prime forme di pirrichi erano conosciute a Creta già nel 2000-1500. AVANTI CRISTO e. Penetrando gradualmente nell'antica Grecia, Pirro divenne estremamente diffuso in tutte le sue regioni, soprattutto a Sparta e ad Atene, dove fu uno degli elementi nell'educazione dei giovani e dei guerrieri. I movimenti complessi di natura ginnica in questa danza avrebbero dovuto aiutare lo sviluppo armonioso del corpo umano. “Le figure, i movimenti e le manipolazioni delle armi al ritmo della musica, al suono di un flauto, erano molto diversi. Gli artisti hanno riprodotto azioni militari e battaglie individuali, come durante battaglie vere” (Khudekov S. Storia della danza. T. 1. San Pietroburgo, 1913). Successivamente, la pyrrhiha iniziò ad essere eseguita da ballerini professionisti durante l'intrattenimento festivo; il suo carattere acquisì un elemento di incantesimo e splendore spettacolare, e il nome del genere cominciò ad essere usato in relazione a qualsiasi danza d'insieme. Le danze di guerra includono la danza frigia Corybantum. Ha ricevuto il suo nome dai mitici predecessori dei sacerdoti di Cibele o Rea in Frigia, chiamati "Coribanti". Con l'aiuto del suono delle loro armi, scacciarono le forze oscure. Gli artisti che rappresentavano i Coribanti ballavano nudi, con uno scudo e un elmo, e talvolta raggiungevano la stessa frenesia delle sacerdotesse Baccanti: le Menadi. Corybantum è anche conosciuta come la Danza dei Cureti: così venivano chiamati i Coribanti a Creta. Pyrrhiha era anche vicino a un altro tipo di danza dell'antica Grecia: la Gymnopedia. Essenzialmente esercizi ginnici al suono di un flauto o di una lira, venivano eseguiti da giovani nudi nell'agorà di Sparta durante una delle festività annuali. Le figure della Gymnopedia somigliavano ai movimenti e alle posizioni usate nella lotta e nella boxe. Le rappresentazioni teatrali dei tempi antichi erano una combinazione di azione drammatica, recitazione poetica, canto, danza, gesticolazione e movimenti facciali. Al coro erano affidati i canti e le danze del dramma greco antico. I suoi movimenti (di regola, a volte in una direzione, a volte nella direzione opposta) potevano essere una marcia in natura (parod ed esodo) o una danza circolare (stasima). Ogni tipo di rappresentazione teatrale nell'antica Grecia era caratterizzata da una propria gamma specifica di generi di danza. Non c'erano elementi virtuosistici nelle danze della tragedia; i movimenti degli attori erano caratterizzati dalla convenzionalità e dall'inattività, e dall'espressività dei gesti negli episodi più animati. Nelle rappresentazioni comiche, le danze erano virtuosistiche, tecnicamente complesse e spesso avevano un carattere frenetico, ruvido e talvolta osceno. Tra i tanti generi del teatro greco antico, vanno evidenziati alcuni fondamentali: emmelia, kordak e sikkinida Emmelia (Emmeleia) è originariamente una danza rotonda con scopo di culto (spesso al capezzale di una persona morente), solenne, maestosa e sublime. in natura, ad un ritmo lento o misurato. A differenza delle danze di Pirro, veniva eseguita da donne e si distingueva per la bellezza delle forme e la grazia della plasticità. I movimenti delle mani dei ballerini erano particolarmente espressivi: complessi nello schema ed espressivi nel carattere, mentre le gambe e il corpo erano relativamente immobili. Nata come danza religiosa, l'emmelia divenne successivamente parte integrante dell'antica tragedia greca. Il principale genere di danza della commedia era il kordax, i cui movimenti includevano varie rotazioni e salti a un ritmo frenetico. Sebbene fosse legato al contenuto dell'opera, non era ancora una semplice illustrazione dell'azione. Molto probabilmente, il kordak consisteva in scene comiche inserite, una sorta di buffoneria coreografica. È interessante notare che questa danza era considerata indegna degli uomini seri. La danza del dramma satirico - Sikinnis, che era orientata ai gusti della gente comune e spesso rappresentava una parodia di molti aspetti della vita pubblica, aveva molto in comune con essa. Oltre alla danza stessa, nel dramma e nella commedia satirica potrebbero esserci danze pantomime, in cui tutti i colpi di scena della trama venivano trasmessi con l'aiuto di gesti ed espressioni facciali convenzionali. Le seguenti danze sono menzionate anche nelle antiche fonti greche sopravvissute fino ad oggi: Epilinios (Epilinios, Epilinios) - una danza dionisiaca che veniva eseguita salendo su un tino mentre pigiava l'uva con i piedi. Imeneos (nome, Imeneos) - ballo nuziale della sposa con sua madre e i suoi amici. Si distingueva per il suo carattere impetuoso, il ritmo veloce e la presenza di molte curve. Ierakio - danza femminile in occasione di feste e celebrazioni in onore della dea Era. Hormos (Ormos, Hormos) secondo Luciano era una danza che univa uomini e donne uno dopo l'altro in una catena. Il corteo era guidato da un giovane che attraverso vari movimenti ha dimostrato le sue capacità di ballo e il suo addestramento militare. E la ragazza che lo seguiva era un esempio di decenza per tutte le altre ballerine. Iporchima è una danza cretese, poi diffusasi a Sparta, che univa danza, pantomima, canto e musica. È stato eseguito da ragazzi e ragazze al suono del loro stesso canto. Geranos è una danza rotonda che veniva eseguita anche da ragazzi e ragazze e illustrava il mito di Teseo e del labirinto. I movimenti erano circolari (come una serpentina), le figure si torcevano, a imitazione degli intricati corridoi di un labirinto. Alla testa del corteo c'era un musicista che suonava la cetra e fungeva da Teseo. Il nome “geranos” - tradotto come “gru” - indicava che gli artisti imitavano i movimenti di questo uccello, a volte chinandosi e accovacciandosi, a volte allungandosi in tutta la loro altezza. Dai movimenti e dagli elementi dei generi sopra descritti sono nati molti altri balli, utilizzati durante le celebrazioni e le festività pubbliche, nonché nella vita quotidiana della gente. Successivamente, la maggior parte di essi fu presa in prestito dagli antichi Etruschi e Romani, ma allo stesso tempo subì una trasformazione significativa: nelle nuove condizioni sociali, le danze persero il loro aspetto precedentemente altamente artistico, la loro antica grazia e bellezza.
Antica Roma
La danza dell'antica Roma ha ereditato le tradizioni dell'antica arte greca del periodo ellenistico. Tuttavia, lo scopo nobilitante e sacro della danza cessa gradualmente di essere rilevante. Sotto l'influenza dei gusti e delle esigenze dell'antica società romana, che tendeva al lusso e all'arricchimento, la danza diventa semplice intrattenimento, perdendo rigore e purezza. Anche le danze prese in prestito dai Greci acquisirono un carattere molto più sensuale, frivolo e talvolta persino volgare. A Roma, durante il periodo di massimo splendore del grande impero, si fece sentire l'influenza di altre tradizioni di danza: etrusca, egiziana, asiatica. Così per qualche tempo furono diffuse le danze rituali etrusche Lupercalia e Ambarvalia. Si eseguivano ancora danze di Pirro, danze rituali (ma in onore degli dei romani - ad esempio Marte, Venere), danze rituali-processioni associate ad antichi culti della fertilità e che gradualmente si svilupparono in giorni festivi (ad esempio i Saturnali). Lo stile generale di questi spettacoli è una combinazione di grandiosa stravaganza e naturalismo estremo. Pertanto, la danza dell'imene, presa in prestito dai romani dai greci, era uno spettacolo così osceno che le autorità perseguitavano persino legalmente coloro che la eseguivano o la insegnavano. Le rappresentazioni teatrali dell'antica Roma avevano un carattere simile. Nel corso del tempo, la mancanza di basi estetiche e filosofiche nella comprensione della danza come arte ha portato al fatto che ha semplicemente smesso di svilupparsi. Di conseguenza, la pantomima è venuta alla ribalta. Vi potevano partecipare da una a cento persone. Recitando complesse scene mitologiche davanti al pubblico con l'aiuto di espressioni facciali, gesti e movimenti (mentre un coro nascosto dietro il palco cantava e spiegava cosa veniva raffigurato), gli artisti hanno eseguito una sorta di danza pantomimica. Ma, nonostante l'evidente continuità tra la danza nell'antico teatro greco e la pantomima romana, l'eccessivo naturalismo e l'illustratività non hanno permesso alla pantomima di elevarsi al livello dell'arte alta, come la danza classica raggiunta nell'antica Grecia.
Articoli sulla danza ->Le prime danze erano molto comuni tra i popoli del mondo antico, ma, ovviamente, erano poco simili a quelle di oggi. Con una varietà di gesti e movimenti, una persona ha trasmesso i suoi sentimenti dal mondo che lo circonda, esprimendo in essi il suo stato d'animo, le sue impressioni e il suo umore. La pantomima, il canto e le esclamazioni erano indissolubilmente legati alla danza. I ballerini si sforzavano di garantire che le espressioni facciali, i gesti e ogni movimento di danza esprimessero una sorta di atto, azione o pensiero.
Impara a ballare" Sirtaki " - è semplice.
Al giorno d'oggi, l'antica danza popolare greca "sirtaki" viene eseguita in tutto il mondo, e non solo dai greci. La melodia del sirtaki è nota a tutti, i movimenti della danza sono semplici. Tentativo...
Gli artisti stanno in fila (uno o più), chiudono il cerchio, mettono le mani sulle spalle dei vicini a sinistra e a destra. Il corpo dovrebbe essere dritto, le gambe dritte, i talloni uniti.
Introduzione. A "uno" le ginocchia si piegano rapidamente, a "due" si raddrizzano rapidamente, a "tre" - "otto" si ripetono gli stessi movimenti.
Toccando. Su “uno”, fai lentamente un piccolo passo con il piede sinistro verso sinistra, sollevandolo leggermente; su “due”, porta lentamente il piede destro verso sinistra. A "tre" - "quattro" ripetere lentamente lo stesso movimento a destra, a "cinque" - "sei" ripetere lentamente lo stesso movimento a sinistra. A “sette” - “otto”, esegui lentamente lo stesso movimento verso destra, il peso del corpo dovrebbe rimanere sulla gamba sinistra.
Movimento "andata e ritorno". Al punto "uno", lancia lentamente il piede destro in avanti con un piccolo salto sul piede sinistro. Sul "due", spostati lentamente sulla gamba destra, appoggiandoti su di essa, rimbalzando leggermente all'indietro. Al “tre”, fai lentamente un passo indietro con il piede sinistro, appoggiandoti su di esso; al “quattro”, sposta lentamente il peso del corpo lateralmente sulla gamba destra. Al "cinque", fai rapidamente un passo avanti con il piede sinistro, piegando con forza le ginocchia; al "sei", trasferisci rapidamente il peso del corpo sulla gamba destra. A "sette", posiziona rapidamente il piede sinistro accanto a quello destro, lasciando il supporto sulla gamba destra; a "otto", sposta rapidamente il piede sinistro sulle dita dei piedi diagonalmente in avanti e verso destra. Al "nove" posiziona nuovamente rapidamente il piede sinistro accanto al destro, e al "dieci" muovi rapidamente la gamba sinistra in diagonale in avanti e verso destra, trasferendo su di essa il peso del corpo.
La croce laterale si sposta di lato. Su "uno" lancia rapidamente la gamba destra in avanti, su "due" posiziona rapidamente il piede destro davanti e leggermente a sinistra della sinistra - incrocia a sinistra e in avanti. Sul "tre" fai rapidamente un passo con il piede sinistro a sinistra, sul "quattro" posiziona rapidamente il piede destro dietro e leggermente a sinistra del sinistro - incrocia a sinistra e indietro. Al “cinque” fai rapidamente un passo con il piede sinistro verso sinistra, al “sei” ripeti il movimento eseguito al “due”. Su "sette" - "dodici" esegui gli stessi movimenti di "uno" - "sei", ma nella direzione opposta e sull'altra gamba, cioè tornando a destra. Ripeti di nuovo la mossa.
Quindi viene eseguito il movimento "avanti e indietro", ma sul passo "uno", calpesta con il tallone destro e lancia rapidamente in avanti con il piede destro.
Piegatura del ginocchio. Su “uno” incrocia rapidamente la gamba destra davanti alla sinistra e piega le ginocchia, su “due” rimani nella stessa posizione. Sul "tre", raddrizza rapidamente il corpo, ondeggiando; sul "quattro", trasferisci rapidamente il peso del corpo sulla gamba sinistra. Su "cinque" - "otto" fai lo stesso di "uno" - "quattro", ma con il piede destro indietro e a sinistra. Al “nove” eseguite lo stesso movimento in avanti, al “dieci” raddrizzatevi ed eseguite il movimento “avanti e indietro”.
Le danze di altri popoli erano varie e ricche di contenuti. Le dure guerre romane dei primi secoli d.C. Amavano particolarmente la danza di guerra in ricordo del rapimento delle Sabine, che, secondo la leggenda, fu introdotta da Romolo. Cicerone e Orazio scrissero delle danze dei romani nei loro trattati.
Danze dell'antica Grecia, sirtaki:
Argomento 2
Cultura della danza delle antiche civiltà.
Danza dell'antichità. Danza dell'antica Grecia. Il legame tra danza e mitologia. Tersicore. Danze religiose, sociali, teatrali. Danza dell'Antica Roma. Danza dei mimi. Danza dell'antica India e dell'antico Egitto.
Danza dell'antichità. Danza dell'antica Grecia. Il legame tra danza e mitologia. Tersicore. Danze religiose, sociali, teatrali.
Nelle civiltà antiche, alla danza e alla musica veniva assegnato un profondo ruolo ideologico e sociale (mezzo di educazione, culto religioso, nobilitazione umana).
La professionalizzazione dell'arte musicale e della danza ha portato all'emergere di generi di danza teatrale (di scena). Separandosi gradualmente dalla connessione diretta con il lavoro e i rituali quotidiani, la danza ha acquisito il significato di arte, incarnando la bellezza del corpo, i vari stati dello spirito umano e si è trasformata in uno spettacolo teatrale. Per eseguire tali danze e il loro accompagnamento musicale, erano necessari ballerini e musicisti di alto livello professionale (di solito venivano allevati fin dall'infanzia, ricevendo una professione per eredità).
L'arte della danza dell'antica Grecia è la più studiata e sistematizzata, grazie a un numero enorme di reperti archeologici (con numerose immagini di persone danzanti) e descrizioni in fonti letterarie. È vero, nella maggior parte dei casi si trovano solo brevi descrizioni delle danze o vengono menzionati solo nomi che indicano in onore di quali divinità o in quale occasione la danza è stata eseguita.
Tra gli stati del mondo antico, solo la Grecia era particolarmente chiara nel fatto che la danza, nelle sue varie forme, era un'espressione dell'amore, della gioia e del divertimento della gente. Nel suo complesso, l'arte della danza, che siamo abituati a chiamare la parola "coreografia", veniva espressa dai Greci con la parola "orchestica". La stessa parola greca “coreo”, nel senso letterale, significa estasi, quindi può applicarsi ugualmente alle orge religiose e a tutti i tipi di danze pubbliche e quotidiane. Nell'antica Grecia le arti erano strettamente legate tra loro. Chiamavano i greci ritmo ordine e proporzionalità osservati nei movimenti del corpo. Hanno chiamato lo stesso ordine e proporzionalità in relazione ai suoni armonia. L'unità di ritmo e armonia era espressa tra i Greci dalla parola orchestika, cioè danza, nella nostra comprensione.
La danza occupava un posto di rilievo nella vita religiosa, domestica e sociale dei Greci. Varie processioni stradali, celebrazioni e, infine, misteri e sacramenti erano, in sostanza, spettacoli di danza, dove il ruolo di abili direttori apparteneva ai sacerdoti. E i primi ruoli furono assegnati alla ballerina, in quanto migliore rappresentante della pittura in movimento e delle arti plastiche.
Le danze antiche hanno conservato fino ad oggi un fascino speciale e incantevole che risiede nella straordinaria purezza delle forme plastiche e nell'armonia delle linee chiaramente definite. Il famoso riformatore del balletto Noverre ha cercato di spiegarli, l'intera era del classicismo francese era interessata a loro, hanno ispirato la pioniera della danza moderna, Isadora Duncan.
Le danze antiche derivavano dai simboli della mitologia greca. Non importa come spieghino l'origine dei miti, la loro essenza sta ancora nel fatto che gli dei dell'Olimpo, possedendo varie funzioni, controllavano completamente l'anima del greco, la sua vita sociale e morale, e si formavano in immagini viventi con le quali i greci avevano una comunicazione quasi reale. Pertanto, nella storia greca, i miti sono difficili da distinguere dalla realtà e le danze eseguite sono sempre rimaste indissolubilmente legate alla mitologia. La trama mitologica dominava completamente la coreografia antica e fungeva da ricco materiale di ispirazione per i coreografi di tutti i secoli successivi.
Il mito forniva cibo abbondante a musicisti e cantanti che lodavano la vita degli dei dell'Olimpo; il mito era la fonte dei sistemi filosofici per i pensatori; il mito era usato da storici e poeti; e, naturalmente, il mito ha avuto un'enorme influenza sulla creatività greca nelle arti visive e nella coreografia.
Tutte le piccole cose della vita quotidiana erano sotto la cura degli dei. Grazie a tale intervento e alla libera visione del mondo degli antichi greci, fu creato uno speciale codice morale che non aveva nulla in comune con la moralità cristiana. L'indipendenza dalle influenze esterne e il rispetto esclusivo delle proprie leggi e norme hanno contribuito notevolmente allo sviluppo della bellezza nell'antica Grecia. In questo modo, liberandosi dai pregiudizi, si è sviluppata la coreografia seminuda con i suoi movimenti corporei liberi. Ciò che può sembrare immorale per il nostro tempo era naturale per un greco libero e indipendente che credeva nei suoi ideali. Ad esempio, nelle scuole greche (palestra), dove il greco allenava il proprio corpo alla migliore espressione dello spirito, tutti gli esercizi corporei venivano eseguiti da entrambi i sessi e, inoltre, quasi completamente nudi. Il sentimento di falsa vergogna e imbarazzo per il proprio corpo si è perso fin dall’infanzia. Le danze, anche con la completa assenza di costumi sugli artisti, rappresentavano una purezza morale degna di rispetto, erano sempre significative, contenevano uno stato d'animo spirituale pronunciato.
Gli antichi filosofi affermano che le danze greche hanno un'origine divina. In effetti, i greci consideravano la divinità come l'armonia del mondo, e quindi il mezzo migliore per glorificarla dovrebbero essere i movimenti del corpo corretti e proporzionati, come indicatori della costante circolazione delle forze della natura.
Ci sono molti miti sull'origine della danza nell'antica Grecia, ma tutti si sono fusi in un'idea comune, grazie alla quale l'arte della coreografia era espressa nella divinità femminile: Tersicore, una delle nove muse che circondavano Apollo. Tersicore, cioè “danzare amorevole” (dalle parole “io intrattengo”, “io ballo”), personificava il simbolo della bellezza plastica e dell'armonia. Secondo i greci, Tersicore presiedeva i cori greci di cantanti, musicisti e ballerini. Era raffigurata con una lira tra le mani o con un tamburello, e la sua testa era decorata con piume e fiori.
I greci intendevano la danza in modo molto ampio, sia come ginnastica, sia come mezzo di educazione, sia come un modo per curare il corpo, sia come arte mimica.
I ricercatori evidenziano quanto segue tipi di danze che esisteva nell'antica Grecia:
Religioso (sacro);
Ginnastica e militare (scopi educativi);
Imitare;
Teatrale (palcoscenico);
Rituale (matrimonio);
Domestico.
Come altri popoli dell'antichità, la danza e vari tipi di acrobazie e acrobazie ginniche erano un attributo indispensabile dell'antico culto religioso greco. Ogni divinità potrebbe avere il proprio rituale di danza separato. Erano molto diffuse le danze che lodavano Afrodite. Erano danze decenti, sobrie e perfette, proprio come la loro protettrice.
Anche le processioni rituali nell'antica Grecia erano accompagnate da danze, musica e canti. Una di queste processioni di danza era Komos(Komos), i cui partecipanti - komastas - eseguivano movimenti rilassati e frivoli con l'accompagnamento di cetre e flauti.
Ma forse le più sentite nella vita quotidiana degli antichi greci erano le celebrazioni religiose dedicate ad Apollo e Dioniso. Erano accompagnati da numerose danze, varie nella forma e nel carattere. Inoltre, le danze legate al culto di Apollo erano cerimoniali, solenni, tranquille, mentre le danze delle feste dionisiache avevano un carattere libero, appassionato e persino erotico. Un'opposizione simile si manifestò successivamente chiaramente nell'arte professionale, principalmente nel campo del teatro greco antico (danze della tragedia e della commedia).
Tra le danze ginniche educative che svolgono un ruolo importante nell'infondere coraggio e patriottismo nei giovani, si possono evidenziare le danze militari, in particolare Pirrikhu e relative danze di Pirro. Le prime forme di pirrichi erano conosciute a Creta già nel 2000-1500. AVANTI CRISTO e. Penetrando gradualmente nell'antica Grecia, Pirro divenne estremamente diffuso in tutte le sue regioni, soprattutto a Sparta e ad Atene, dove fu uno degli elementi nell'educazione dei giovani e dei guerrieri. I movimenti complessi di natura ginnica in questa danza avrebbero dovuto aiutare lo sviluppo armonioso del corpo umano. Le figure, i movimenti e le manipolazioni delle armi al ritmo della musica, al suono di un flauto, erano molto diverse. Gli artisti hanno riprodotto azioni militari e battaglie individuali, come durante battaglie vere. Successivamente, la pyrrhiha iniziò ad essere eseguita da ballerini professionisti durante l'intrattenimento festivo; il suo carattere acquisì un elemento di incantesimo e splendore spettacolare, e il nome del genere cominciò ad essere usato in relazione a qualsiasi danza d'insieme.
La danza frigia può essere classificata come danza di guerra. Coribanto. Ha ricevuto il suo nome dai mitici predecessori dei sacerdoti di Cibele o Rea in Frigia, chiamati "Coribanti". Con l'aiuto del suono delle loro armi, scacciarono le forze oscure. Gli artisti che rappresentavano i Coribanti danzavano nudi, con uno scudo e un elmo, e talvolta raggiungevano il punto della frenesia.
Pyrrhiha era anche vicino ad un altro tipo di danza dell'antica Grecia: Gimnopedia. Si trattava essenzialmente di esercizi ginnici al suono di un flauto o di una lira. Veniva eseguito da giovani nudi nell'agorà di Sparta durante uno dei festival annuali. Le figure della Gymnopedia somigliavano ai movimenti e alle posizioni usate nella lotta e nella boxe.
Le rappresentazioni teatrali dei tempi antichi erano una combinazione di azione drammatica, discorso poetico, canto, danza, gesti e movimenti facciali. Al coro erano affidati i canti e le danze del dramma greco antico. I suoi movimenti avvenivano, di regola, in una direzione, poi nella direzione opposta, e potevano essere marce naturali o danze rotonde.
Ogni tipo di spettacolo teatrale nell'antica Grecia aveva il suo circolo specifico generi di danza. Nel ballare tragedia Non c’erano elementi virtuosistici, i movimenti degli attori erano caratterizzati dalla convenzionalità e dall’inattività, e dalla natura espressiva dei gesti negli episodi più animati. IN commedia Nelle esibizioni, le danze erano virtuosistiche, tecnicamente complesse e spesso avevano un carattere frenetico, ruvido e talvolta osceno.
Tra i tanti generi del teatro greco antico, vanno evidenziati alcuni fondamentali: emmelia, cordacium e syckinidae.
Emmelia- originariamente una danza rotonda a scopo di culto (spesso al capezzale di una persona morente), di natura solenne, maestosa e sublime, a ritmo lento o misurato. A differenza delle danze di Pirro, veniva eseguita da donne e si distingueva per la bellezza delle forme e la grazia della plasticità. I movimenti delle mani dei ballerini erano particolarmente espressivi: complessi nello schema ed espressivi nel carattere, mentre le gambe e il corpo erano relativamente immobili. Nata come danza religiosa, l'emmelia divenne successivamente parte integrante dell'antica tragedia greca.
Il principale genere di danza della commedia era cordak, i cui movimenti includevano varie rotazioni e salti a un ritmo frenetico. Sebbene fosse legato al contenuto dell'opera, non era ancora una semplice illustrazione dell'azione. Molto probabilmente, il kordak consisteva in scene comiche inserite, una sorta di buffoneria coreografica. È interessante notare che questa danza era considerata indegna degli uomini seri.
La danza del dramma satirico aveva molto in comune con lui: sikkinida, concentrandosi sui gusti della gente comune e spesso rappresentando una parodia di molti aspetti della vita pubblica.
Va notato che tutte le danze greche erano dominate da espressioni facciali. Era indissolubilmente legata ai movimenti meccanici. Secondo i ricercatori, la danza greca “imita” continuamente. Non c’è nessun’altra nazione in cui la danza e le espressioni facciali siano così strettamente correlate. Nella danza, il greco vede non solo un desiderio naturale di muoversi, ma assicura anche che ogni movimento ginnico corrisponda al discorso orale. Ha attribuito ad ogni gesto un significato simbolico speciale. La danza greca è quindi una conversazione silenziosa e animata, scandita da movimenti ritmici.
Meme(dal greco antico - "imitazione") - spettacoli teatrali di massa nel gusto degli spettatori degli strati inferiori, spettacoli di acrobati e maghi, ecc., Scene con canti e balli e infine un'intera farsa satirica nella vita reale . Gli attori di questo tipo di teatro erano anche chiamati mimi.
Nato tra le grandi masse in diversi luoghi della Grecia, il mimo era scene divertenti con dialoghi vivaci, strappate alla vita di piccoli artigiani, paesani e strati a loro vicini. Questo genere si sviluppò ampiamente nell'era ellenistica della Grecia nei secoli IV-III. AVANTI CRISTO. In questo momento, i mimi furono creati non per il palcoscenico, ma solo per intrattenere la lettura ed entrarono nell'orbita degli interessi non solo degli artigiani, ma anche degli strati sociali più elevati.
I mimi si diffusero anche nell'antica Roma. Fioriti a lungo nel sud Italia ed esistenti a Roma come teatro di massa di base, i mimi conquistarono saldamente la scena entro la fine del II e I secolo. aC, quando le vittorie della democrazia li affinarono come arma di lotta di classe, facendo del teatro un luogo di satira socio-politica. Riflettendo la vita dei piccoli artigiani (tintori, cordai, ecc.), questi meme sono spesso diretti contro le classi dominanti - grandi proprietari terrieri, ecc. - talvolta con tagliente satira sulla religione. Qui prevalevano le storie più oscene. Il carattere tradizionale del mimo era un pazzo, inondato di ogni sorta di insulti; spesso nel testo irrompe un elemento di improvvisazione sull'argomento del giorno. In quanto genere di classe delle classi inferiori, il mimo romano era scritto nella lingua di questi strati con tutti i volgarismi e il gergo delle taverne cittadine.
La prova è nella scultura e nella pittura vascolare, nelle opere di poeti, scrittori e artisti. Divisione in partecipanti e spettatori, liberi nel loro desiderio: ballare o non ballare, guardare o non guardare. Il rituale cominciò a essere sostituito dal fisico e dall'intrattenimento. Tutta la vita della Grecia è permeata di euritmia. La danza era una delle discipline educative e gli adulti e i cittadini a tutti gli effetti continuavano a studiare. Il ballo è per gli spettatori, non per il piacere di saltare e non per il proprio divertimento. Tutti i cittadini possedevano qualche tecnica di danza. Cinque gruppi: danze di guerra - rituali ed educative; culti moderati - emmelia, danza dei veli e danze delle cariatidi, nonché danze della nascita, del matrimonio e del funerale; danze orgiastiche; balli pubblici e balli teatrali; ballare nella vita di tutti i giorni. Le danze sacre riflettevano determinati giorni dell'anno solare lavorativo. Esistono due principali culti della danza: “luce” in onore del dio Apollo e “oscura” in onore del dio Dioniso. Le danze militari nell'antica Grecia giocavano un ruolo importante nell'infondere coraggio, patriottismo e senso del dovere nei giovani ("pyrrhichion", "pyrrhich"). Le danze sociali e quotidiane (casalinghe, urbane, rurali) accompagnavano le celebrazioni familiari e personali, le feste cittadine e vacanze nazionali. Danze di scena Dr.Gr. facevano parte di spettacoli teatrali e ogni genere aveva le sue danze: emmelia è caratteristica della tragedia, cordak è caratteristica della commedia e sikkanida è caratteristica del dramma satirico. Danza dei veli e danza delle cariatidi. Sikkanida Kubiki - danze acrobatiche. Mia mia.
Tecnica di danza di H. Limon.
Jose Arcadio Limon è nato il 12 gennaio 1908 nella città messicana di Culiacan ed era il maggiore di dodici figli della famiglia. Nel 1915, all'età di 7 anni, emigrò con i suoi genitori negli Stati Uniti, a Los Angeles.
Dopo essersi diplomato alla Lincoln High School, Limon entrò all'Università della California a Los Angeles per studiare belle arti. Nel 1928 si trasferisce a New York, dove inizia a studiare alla New York School of Design. Nel 1929, dopo aver visto esibirsi gli studenti di Rudolf von Laban Harold Kretzberg e Yvonne Giorgi, Limón si interessò alla danza.
Dopo aver iniziato a studiare alla scuola di Doris Humphrey] e Charles Weidman], un anno dopo fece il suo debutto a Broadway. Allo stesso tempo, Limon si è cimentato per la prima volta come coreografo: per sé e Laetitia Ide ha messo in scena “Etude in D Minor” le sue compagne di classe Eleanor King ed Ernestina Stoddel hanno fatto le “comparse”.
Per tutti gli anni '30 Lemon ballò con la troupe Humphrey-Weidman, partecipando a produzioni di Doris Humphrey e Charles Weidman, e lavorò anche a Broadway: nel 1932-1933 si esibì nella rivista Americana e nel musical di Irving Berlin Mentre migliaia acclamano(coreografia di Charles Weidman), ha collaborato come coreografo con il New Amsterdam Theatre.
Nel 1937, Lemon partecipò al programma del Bennington Dance Festival. Al festival del 1939, tenutosi al Mills College, creò la sua prima grande opera coreografica, Mexican Dances ( Danze messicane).
L'anno successivo, Limon si esibì come solista nella rivista "Don't Walk on Lawns" (coreografia di George Balanchine).
Nel 1941 lasciò la troupe Humphrey-Weidman per collaborare con May O'Donnell]. Insieme hanno messo in scena opere come Testi di guerra E Alzate per tende, tuttavia, è poi tornato da Humphrey e Weidman. In questo periodo incontrò Pauline Lawrence e si sposarono il 3 ottobre 1942. Nello stesso anno, insieme a Mary-Ellen Moylan, Lemon ballò nel musical Rosalind (coreografato da George Balanchine), che divenne l'ultimo spettacolo a Broadway con la sua partecipazione.
Poi creò numeri sulla musica classica e su temi folcloristici allo Studio Theatre, finché nell'aprile 1943 fu arruolato nel Servizio speciale dell'esercito americano], creato nel 1940 appositamente per mantenere lo spirito del soldato durante la guerra. Durante il suo servizio collaborò con compositori come Frank Loesser e Alex North], e creò diverse produzioni, la più famosa delle quali è Concerto Grasso.
Dopo aver completato il servizio militare nel 1946, Limón ricevette la cittadinanza americana.
Nel 1947, Limón creò la sua compagnia, la José Limón Dance Company ( Compagnia di danza José Limón), di cui offrì la direzione artistica a Doris Humphrey (la troupe di Limon divenne così la prima compagnia di danza moderna statunitense il cui direttore artistico non era allo stesso tempo il suo fondatore). La troupe, i cui ballerini includevano Paolina Kohner, Lucas Howing, Betty Jones, Ruth Carrier e lo stesso Limón José, ha fatto il suo debutto al Bennington College Festival in produzioni di Doris Humphrey Lamento E La storia dell'umanità.
Anche il ballerino e coreografo Louis Falco ha ballato con la compagnia tra il 1960-1970 e nel 1974-1975. ha recitato in "La Pavane del Moro" diretto da Jose Limon insieme a Rudolf Nureyev. Mentre lavorava con Humphrey, Lemon sviluppò un repertorio e stabilì i principi del suo stile. Nel 1947, la troupe fece il suo debutto al Belasco Theatre di New York con la produzione di Humphrey di Day on Earth. Nel 1948, la troupe si esibì per la prima volta al Connecticut College American Dance Festival, e successivamente vi prese parte per molti anni. Dopo aver messo in scena "La Pavane del Moro", Limón ha ricevuto il premio annuale per la coreografia eccezionale della rivista Dance Magazine. Nella primavera del 1950, Limón e la sua compagnia si esibirono a Parigi con Page Ruth, diventando i primi rappresentanti della danza moderna americana in Europa. Durante la vita di Limón, la sua compagnia girò il mondo intero e continuò le sue attività dopo la sua morte.
Nel 1951, Limon si unì alla facoltà della Juilliard School, dove fu creata una nuova direzione di danza. Accettò anche l'invito dell'Istituto Nazionale di Belle Arti di Città del Messico, per il quale creò sei produzioni. Tra il 1953 e il 1956, Limon ha coreografato e interpretato i ruoli nello spettacolo Rovine e visioni E Ritmo Jondo Doris Humphrey. Nel 1954, la troupe di Limón divenne una delle prime ad approfittare del programma di scambio studentesco internazionale del Dipartimento di Stato americano e fece una tournée in Sud America. Ben presto iniziarono un tour di cinque mesi in Europa, Medio Oriente e, ancora, America meridionale e centrale. Durante questo periodo, Lemon ha ricevuto il suo secondo Dance Magazine Award.
Nel 1958 morì Doris Humphrey, che era stata la direttrice artistica della troupe per tutti questi anni, e Jose Limon dovette prendere il suo posto. Tra il 1958 e il 1960 ci furono produzioni congiunte con Poalina Koner. Durante questo periodo, Lemon ha ricevuto un dottorato onorario dalla Wesleyan University. Nel 1962, la troupe si esibì a Central Park per aprire il New York Shakespeare Festival. L'anno successivo, sotto gli auspici del Dipartimento di Stato americano, la troupe fece un viaggio di dodici settimane in Estremo Oriente, esibendosi nella produzione Il Demone, il cui accompagnamento musicale apparteneva al compositore Paul Hindemith. Hindemith ha diretto personalmente la prima.
Nel 1964 Limón ricevette il premio dell'azienda Capezio ed è stato nominato direttore artistico dell'American Dance Theatre al Lincoln Center. L'anno successivo, Limón apparve in un programma televisivo educativo nazionale chiamato José Limón Dance Theatre. Alcuni anni dopo, fondò la Jose Limon Dance Foundation e ricevette un altro dottorato onorario dall'Università della Carolina del Nord. Nel 1966, dopo essersi esibito con la troupe alla Cattedrale di Washington, Limón ricevette un finanziamento governativo di 23.000 dollari dal National Endowment for the Arts. L'anno successivo, Limón ha lavorato alla coreografia per la produzione Salmo, che gli è valso un dottorato onorario dal Colby College. Lui e la sua troupe sono stati anche invitati ad esibirsi alla Casa Bianca per il presidente Lyndon Johnson e il re Hassan II del Marocco. L'ultima apparizione sul palco di José Limón come ballerino risale al 1969, quando si esibì nelle produzioni della Brooklyn Academy of Music di The Traitor e The Moor's Pavane. Nello stesso anno completò altri due lavori e ricevette un dottorato onorario dall'Oberlin College.
Inizialmente, la danza era un complesso costituito da espressioni facciali, gesti, movimenti del corpo e delle gambe.
Nei secoli antichi, le espressioni facciali - la prima lingua dell'umanità - erano indissolubilmente legate all'arte della danza. Inoltre, tutti i movimenti nell'antichità non erano altro che balli! I greci non riconoscevano la danza solo come pretesto per movimenti ritmici e belle pose, al contrario, cercavano di garantire che ogni movimento di danza esprimesse una sorta di pensiero, azione, azione, qualcosa che parlasse allo spettatore. E le danze spagnole, ancora oggi, attraverso la loro superespressività, a volte possono trasmettere molto di più del normale linguaggio umano. Si credeva che nei tempi antichi le persone ballassero perché gli dei tiravano le persone per le corde legate alle loro braccia e gambe. La danza, infatti, ha origine dal bisogno dei popoli primitivi di comunicare e trasmettere alcune informazioni vitali. Copiando i movimenti degli animali, i primitivi cercarono di penetrare nello stato mentale di questo animale, per comprenderne la "essenza", che aiutava significativamente i primitivi durante la caccia, e quindi era una necessità per la sopravvivenza!
La danza primitiva, ovviamente, nasceva dalle emozioni ed era direttamente correlata alle esperienze acute. Inizialmente, le danze contenevano anche un certo elemento di gioco: nella natura, nell'altro “io”, nel “nuovo” e nel “vecchio” ben dimenticato. L'uomo primitivo era dotato di pochi movimenti, ma ogni giorno portava nuove difficoltà, a seguito delle quali venivano sviluppati algoritmi di comportamento e la tipizzazione di nuovi gesti. Uno dei modi per ricostituire l'antico arsenale di danza era imitare i movimenti degli animali. La base delle danze primitive era la magia e il rituale. I movimenti eseguiti durante l'azione rituale erano sempre in qualche modo diretti e avevano uno scopo rigorosamente definito. La danza qui fungeva da mezzo per portarsi in uno stato specifico, diverso dalla vita di tutti i giorni. La danza era quindi una sorta di canale verso l'ignoto e fungeva da opportunità per controllare gli aspetti irrazionali della vita umana.
Ogni danza presso gli antichi segnava la connessione di una persona con le potenti energie cosmiche necessarie per vivere eventi importanti e fondamentali della sua vita: nascita - ingresso nell'età adulta - matrimonio - nascita della prole - caccia - guerra - morte. Cioè, hanno ballato non per eccesso di forza, ma per acquisirla.
Le danze totemiche, che duravano diversi giorni, erano solitamente lo scenario di miti su viaggi fantastici nella vita dei primi antenati. Nelle danze totemiche di diverse tribù, la loro caratteristica principale è chiaramente manifesta: completa assimilazione al totem. Il vocabolario della danza totemica è determinato dalla natura della plasticità di un certo tipo di animale, uccello o insetto. Queste danze erano sempre dinamiche nella loro struttura, enfatizzando i movimenti piuttosto che le pose. Nelle danze totemiche, una persona si trasformava letteralmente, diventando più simile all'animale raffigurato che a se stesso (cioè, esteriormente, il ballerino acquisiva caratteristiche animali). Queste antiche danze includevano anche scene di scene di caccia, giochi con uccelli e animali. I popoli più antichi sapevano copiare abilmente le abitudini degli animali, come se si trasformassero in loro in una danza. Tale trasformazione, secondo loro, ha contribuito ad acquisire il coraggio e la resistenza caratteristici di questo o quell'animale. Ogni tribù aveva il proprio animale sacro, che adorava, in onore del quale ballava fino allo sfinimento. Per questo li premiava in battaglia con tutte le sue preziose qualità, portando fortuna e vittoria. Ciascuno aveva da dieci a trenta tipi di danze di caccia maschili, ciascuna con un nome speciale, canti speciali, strumenti musicali, passi, figure e costumi dei partecipanti. Ogni movimento aveva il suo significato sacro.
Nelle danze di caccia, gli uomini allenavano la loro capacità di osservazione, imparavano a seguire le tracce degli animali e a mimetizzarsi, cioè nella danza si svolgeva una preparazione psicologica e fisica, che contribuiva al successo nella caccia.
Quanto ai rituali femminili, essi erano tra i più diffusi nell'arte del Paleolitico superiore. Rituali del fuoco e della procreazione, forze vegetali della natura, riproduzione animale e successo nella caccia erano associati all'immagine della donna nelle sue forme. Presso alcune tribù dell'Africa sudoccidentale, una grande processione con torce di fuoco, organizzata durante una caccia infruttuosa, era guidata solo dalla Grande Donna. Oltre ai rituali di danza femminile associati al culto della fertilità, erano molto diffuse le danze in cui le donne erano incarnate nell'immagine dell'una o dell'altra pianta utile alla tribù.
Le donne eseguivano danze di guerra con le armi in mano, lanciandole di tanto in tanto in avanti (che simboleggiava l'inseguimento di un nemico in fuga) e all'indietro (che aveva lo scopo di allontanare i propri mariti dal pericolo). Spesso queste danze venivano eseguite con scope bianche rituali ricavate dalla coda di un bufalo o di un cavallo: le donne agitavano ampiamente questi oggetti durante la danza (in modo che i loro mariti “spazzassero via” i loro nemici dalla faccia della terra). Le danze di guerra sono sempre state le azioni rituali più significative della tribù. Venivano eseguite senza interruzione, giorno e notte, finché gli uomini non tornavano dalla campagna.
Il segno simbolico più antico e diffuso nella danza era il cerchio. La formazione in cerchio era considerata un talismano contro le forze del male e garantiva il buon esito del rituale. Nelle danze di caccia il cerchio significava rastrellamento, nelle danze agricole simboleggiava la fertilità. Si sono trattati e si sono sposati nel cerchio. Tuttavia, il cerchio non è l’unica forma conosciuta di danza di massa. Le linee erano anche una forma diffusa di esibizione di danza, in particolare di danze militari. Le danze degli antichi riproducevano anche figure complesse come un labirinto e il disegno di un serpente strisciante.
Per l’uomo primitivo realtà e finzione erano equivalenti. E non è un caso che le azioni rituali potessero durare diverse settimane, il che significa che era assolutamente necessario!
Ma gradualmente l'inizio rituale, dove la danza aveva un significato profondo, inizia a essere sostituito da uno puramente corporeo e divertente. È così che si è verificata una transizione graduale dalla danza primitiva alla danza antica.
In Grecia tutti ballavano: dai contadini a Socrate. La danza non era solo una delle discipline educative, ma anche gli adulti continuavano volentieri a studiarla. Tutte le danze dell'antichità venivano eseguite per gli spettatori e non per piacere o divertimento personale. Si stima che il numero totale delle danze greche antiche sia più di duecento. Convenzionalmente possono essere classificati in cinque gruppi:
- danze marziali - rituali ed educative;
- culti moderati - emmelia, danza dei veli e danze delle cariatidi, nonché danze della nascita, matrimoni e funerali;
- danze orgiastiche;
- danze pubbliche e teatrali;
- ballare nella vita di tutti i giorni.
Caratterizziamo i gruppi di ballo più significativi:
A) Danze di guerra
"Pirro" è una delle danze di guerra più sorprendenti. Era conosciuto anche come “pyrrhichium”, “pyrrhiha”. Ha avuto origine a Sparta. Abbiamo iniziato a imparare questa danza all'età di cinque anni. Essenzialmente, la pyrrhiha è una danza virtuosa con spade e scudi. Pirro era uno degli intrattenimenti festivi preferiti, soprattutto quando veniva eseguito da ballerini.
B) Danze di culto
Emmelia è una danza molto misurata con ritmi lenti, come i balli rotondi e le farandole.
Più movimentate la danza dei veli e la danza delle cariatidi. Le Cariatidi sono le stesse ballerine che per prime usarono la tecnica della danza sulle scarpette da punta nelle loro danze. In effetti, le scarpe da punta venivano usate nell'antichità, ma non erano simili a quelle moderne. Le scarpe da punta antiche sono in piedi sulle punte delle dita dei piedi, ma a piedi nudi, senza scarpe speciali. Anche gli uomini ballavano così.
B) Danze teatrali
Ciascuno dei tre tipi di rappresentazioni teatrali dell'epoca classica aveva la propria danza: la tragedia è caratterizzata dall'emellia; per la commedia: kordak; per il dramma satirico - sikkanida.
Le danze come intrattenimento spettacolare erano guidate da mimi (buffoni, clown, acrobati, giocolieri). Nessuna festa di cittadini ricchi e rispettabili era completa senza di loro. Elenchiamo i tratti caratteristici di una danza mimica virtuosa:
- la tecnica si basa sulla rotazione delle gambe;
- praticato la danza con le scarpette da punta e vari salti;
- modo preferito: una brusca svolta del corpo su un piano perpendicolare alle gambe;
- il cubismo acrobatico (danzare sulle mani in una varietà di pose) e lo stile virtuoso di Pirro sono tipici dei ballerini;
- è popolare ballare con coppe e cestini;
- una tecnica caratteristica nelle danze greche è piegare la mano verso l'alto ad angolo retto.
I Greci avevano anche un intero sistema, una tecnica complessa per suonare con le mani nelle danze: la chironomia. Da sempre le mani parlano un linguaggio convenzionale, la cui chiave oggi purtroppo è andata perduta.
Le danze rituali nell'antica Grecia sono molto diverse, ma sono convenzionalmente divise in due culti di danza principali: "luce" in onore del dio Apollo e "scuro" in onore del dio Dioniso. Possiamo osservare i resti delle antiche danze rituali greche in onore di Apollo e di altri dei della luce in una normale danza rotonda di Capodanno per bambini. L'unica differenza è che l'oggetto del culto non è una statua, ma un abete rosso. La connessione principale di questi rituali risale ai tempi antichi, quando era consuetudine effettuare la pulizia rituale prima dell'inizio del nuovo anno. Tuttavia, nel mondo antico esistevano altri rituali di danza che concentravano esattamente tutto ciò che veniva espulso dal solenne culto apollineo: un tripudio di gesti, la superiorità del corpo sullo spirito. Tutto ciò che è oscuro e osceno si è riversato in una festa dedicata a Dioniso, il dio della fertilità.
Lo sviluppo della danza nell'antica Roma, la sua differenza rispetto alla danza dell'antica Grecia.
Mentre la Grecia celebrava ogni celebrazione con un'ampia varietà di danze, gli antichi romani usavano solo danze guerresche e selvagge. Se gli antichi greci combinavano sia i principi razionali che quelli orgiastici in vari tipi delle loro danze, allora gli antichi romani, secondo tutte le indicazioni, si distinguevano per una mentalità più razionale. Ciò può confermare il fatto che non sono rimaste quasi prove dettagliate sulle antiche danze romane.
Un'analisi della cultura dell'antica Roma ci mostra una chiara divisione tra la cultura dell '"élite" e la cultura delle masse comuni. Ciò si è indubbiamente riflesso nello sviluppo della cultura della danza. Se non disponiamo di alcuna informazione sulle danze dell'élite, allora ci sono molti riferimenti alle danze degli schiavi. Solo più tardi, durante il regno di Numa Pompilio, la ninfa Egeria diede ai romani nuove regole per nuove danze. Queste erano danze saliane, per le quali venivano scelti dodici sacerdoti tra rappresentanti di famiglie nobili: dovevano ballare nei templi, glorificando gli dei e gli eroi.
Inoltre, Pirro fiorì a Roma. È vero, la parola "pyrrhiha" ha ricevuto qui un nuovo significato: è così che è stata chiamata la danza d'insieme in generale, in contrapposizione alla danza solista.
In Etruria, che era più civilizzata, tutte le arti fiorirono molto prima della fondazione di Roma: c'erano eccellenti attori mimici ed esisteva un'ampia varietà di danze. Da questo paese arrivarono a Roma ballerini che accompagnavano le loro bizzarre danze su flauti - erano chiamati histriones (dalla parola "histor", che significava "attore mitico"). Durante le loro esibizioni recitavano intere poesie e tutta la gioventù romana cominciò a imitarle. I romani si innamorarono soprattutto della pantomima: erano ancora disgustati dall'inizio orgiastico delle feste dionisiache, e dei ritmi apollinei lasciarono solo la cultura del bel gesto (le espressioni facciali dell'antica Roma sono usate quasi immutate fino ai giorni nostri) ). La passione dei romani per la pantomima e l'ammirazione per alcuni artisti arrivò al punto che durante il regno di Augusto tutta Roma era, per così dire, divisa in due campi ostili: alcuni erano seguaci del famoso ballerino e mimo Pilade, altri riconoscevano solo Bafilo. .
Successivamente, con la crescita dell'Impero Romano, l'influenza della Grecia e dell'Oriente portò allo sviluppo della cultura della danza nella società dell'antica Roma e persino alla nascita di scuole di danza. Molto probabilmente, i loro primi fondatori furono dei mimi.
Il significato e la varietà della danza nell'Antico Egitto.
I monumenti d'arte e letteratura che ci sono pervenuti dimostrano che la danza nell'antico Egitto non aveva poca importanza. Quasi nessuna festa, nessuna solenne cerimonia religiosa era completa senza la danza. La danza dominava in Egitto come espressione di gioia ed era sinonimo della parola “rallegrarsi”. Tra i nomi delle danze dell'antico Egitto, i più comuni sono ib, mww, tereb, nebeb, la cui immagine è ben conservata sui rilievi. Il determinante di tutte le danze è la figura di una persona con il braccio e la gamba alzati. A quanto pare la danza mww serviva anche come danza funebre.
La maggior parte dei culti sacri dell'antico Egitto erano circondati da rituali di danza. Le rappresentazioni legate al mito di Osiride e Iside, che durarono diversi giorni consecutivi, furono aggraziate e solenni. Simili azioni di culto includono anche la danza che accompagna il servizio delle donne davanti al sacro toro egiziano Apis. Gli dei protettori del divertimento, della musica e della danza tra gli egiziani, oltre a Hathor, erano anche Nehemaut e il barbuto nano Hatiy (era raffigurato mentre ballava e suonava strumenti musicali davanti alla dea Hathor). Apparentemente, già nell'era dell'Antico Regno, la danza religiosa dei nani svolgeva un ruolo di primo piano nei rituali egiziani ed era molto apprezzata. C'erano anche le cosiddette danze astronomiche dei sacerdoti in Egitto, che rappresentavano il movimento di vari corpi celesti armoniosamente distribuiti nell'Universo. Proviamo a descrivere brevemente questa danza unica, secondo noi. Si svolgeva nel tempio: attorno all'altare, posto al centro e che rappresentava il sole, i sacerdoti vestiti con abiti luminosi, che rappresentavano i segni dello zodiaco, si muovevano e giravano dolcemente. Secondo la spiegazione di Plutarco, si spostarono prima da est a ovest (ricordando il movimento del cielo), poi da ovest verso est (imitando il movimento dei pianeti), quindi si fermarono in segno dell'immobilità della terra. Questa danza è un chiaro esempio di come vari rituali di danza formino nelle persone non solo un'idea del sistema planetario e dell'armonia del movimento perpetuo (come in questo caso), ma determinino anche in generale lo sviluppo spirituale di ogni popolo.
In considerazione dell'importante ruolo svolto dalla danza nei rituali egiziani, possiamo concludere che in Egitto esistevano istituzioni speciali in cui venivano formati i ballerini. A conferma di ciò, ci siamo imbattuti in diverse indicazioni che il tempio di Amon aveva una propria scuola coreografica che formava sacerdotesse-danzatrici.
Insieme alle danze costituite da movimenti ritmici armoniosi, nell'antico Egitto erano molto comuni le danze, che erano esercizi diretti di agilità, flessibilità e talvolta si trasformavano completamente in esercizi puramente ginnici. Per quanto riguarda il costume, abbiamo solo informazioni che i ballerini indossavano un grembiule corto, a volte con una cintura intorno alla vita, che era legata con un cappio. Le donne ballavano nude o con abiti lunghi e trasparenti. Ma nelle danze rituali, i ballerini dovevano essere vestiti (è così che esprimevano rispetto per un animale sacro o una divinità). Le braccia e le gambe dei ballerini erano sempre decorate con braccialetti, il petto con una collana e la testa con un nastro o un fiore di loto. Abbiamo anche informazioni che ballavano nell'antico Egitto con l'accompagnamento di strumenti musicali (arpa, lira, liuto e doppio flauto), cantando e battendo le mani.
Il Nuovo Regno era dominato da una danza ancora molto comune in Oriente: la danza Almey, che veniva ballata in lunghi abiti trasparenti con frange al suono di un tamburello o di nacchere.
Avendo così esaminato lo sviluppo e determinato il significato della danza nei principali stati dell'antichità, eravamo chiaramente convinti che la danza fosse una necessità per lo sviluppo spirituale di ogni popolo.
Danze nazionali di Spagna e India come riflesso del carattere nazionale di questi paesi.
Le danze nazionali sono indissolubilmente legate alle peculiarità del carattere nazionale di ogni popolo. Non c'è da stupirsi che Lev Nikolaevich Tolstoj abbia scritto: "l'anima delle persone è nella danza". Da qui possiamo trarre una conclusione: per svelare l'anima di una nazione, basta conoscere in dettaglio la sua danza nazionale. Proviamo, usando l'esempio di due paesi: Spagna e India, a esaminare le anime nazionali dei popoli di questi paesi attraverso le danze nazionali.
Maximilian Voloshin scriveva all'inizio del XX secolo: “La Spagna balla sempre, balla ovunque. Balla danze rituali ai funerali presso la bara del defunto; balla nella Cattedrale di Siviglia davanti all'altare; danze sulle barricate e davanti alla pena di morte; balla giorno e notte..."
Non possiamo parlare delle danze spagnole in generale, poiché il folklore di ogni provincia è estremamente originale e unico. Quindi, ad esempio, i baschi della Spagna settentrionale sono coraggiosamente - severi e arcaici, i castigliani sono sobri - tesi, gli aragonesi, al contrario, sono contagiosamente allegri e schietti, ma le danze del sud della Spagna - Andalusia e Murcia - sono particolarmente appassionato. Ma c'erano anche danze comuni a tutto il paese. Tra questi balli c'era principalmente il ballo del fandango. È il motivo nazionale della Spagna. La musica Fandango aveva un potere enorme sull'anima e sul cuore di ogni vero spagnolo, come se accendesse i loro cuori con una scintilla. La danza è iniziata lentamente, ma ha gradualmente accelerato. Alcuni ballerini si armavano di nacchere, altri semplicemente schioccavano le dita, le donne battevano il tempo con i tacchi al suono di chitarre e violini. Fandango si balla in tre passi, velocemente, come un turbine, molto caratteristico e capriccioso. Il fandango classico era un ballo di coppia, basato sul gioco dei partner, in cui è vietato qualsiasi contatto, su una discussione, una competizione composta dai ballerini che si avvicinano e si allontanano l'uno dall'altro, qui gioca l'espressività degli occhi e dei gesti un ruolo importante.
Diamo una breve occhiata ad un'altra danza nazionale: il bolero. Questa danza apparve solo alla fine del XVI secolo e fu inventata da Sebastian Seretso (il famoso coreografo durante il regno di Carlo III). Il Bolero è una sorta di balletto spagnolo, che afferma lentamente ma inesorabilmente la sua posizione nei canoni della danza classica. Dissero che “il fandango si accende e il bolero inebria”. Naturalmente, parlando delle danze nazionali caratteristiche della Spagna, non possiamo non menzionare il famoso flamenco. Piuttosto non è una danza, ma un intero gruppo di danze. Il flamenco è originario della provincia meridionale della Spagna, l'Andalusia. Non è ancora possibile determinare con precisione il significato della parola “flamenco”. Sebbene esistano molte versioni, la più appropriata, a nostro avviso, è che “flamenco” derivi dalla parola latina “flamma” (fuoco), poiché la danza è veramente di natura “focosa”; era originariamente rituale e risale all'epoca del culto del fuoco. Esiste anche una versione interessante secondo cui questa parola deriva dal nome dell'uccello fenicottero, poiché i costumi dei ballerini sottolineano la figura snella, così come i movimenti stravaganti di questo uccello esotico. La danza in sé è molto originale; in essa non troveremo alcuna traccia di pantomima o di gesti teatrali specifici. Il "bailaor" (ballerino di flamenco) sapeva ballare da solo, il che sottolineava la sua indipendenza dal mondo. Il bailaor esprimeva in maniera indipendente tutti i sentimenti caratteristici di una danza collettiva. In generale, una singola danza implicava un'azione collettiva silenziosa. Baylaor gareggia con se stesso in questa danza, da qui la straordinaria espressività e passione della danza, i sentimenti profondi e il lavoro spirituale. Particolare importanza nell'esecuzione di tutti i balli flamenco è data ai movimenti delle mani, che rappresentano il linguaggio della danza. Non c'è da stupirsi che Ovidio dicesse anche: "se hai voce, canta, se hai mani morbide, balla". Le mani delle donne nel flamenco sono flessibili, espressive, sensibili; le dita sono in costante movimento. Negli uomini, al contrario, i movimenti delle mani sono severi, sublimi, di chiara plasticità; tagliano l'aria come un colpo di spada.
Basandosi sulla descrizione delle principali danze spagnole, possiamo identificare tre componenti principali della danza spagnola: una posizione orgogliosa del corpo, che ricorda un matador, piegamenti flessibili ed espressivi delle braccia dei ballerini e zapateado (il clic ritmico delle tacchi da ballerina). Tutto ciò caratterizza perfettamente l'anima nazionale del popolo spagnolo, che è insolitamente appassionato, espressivo, emotivo, ardente e capriccioso.
Caratteristiche dello sviluppo della cultura della danza indiana (orientamento all'amore).
Secondo una leggenda, la danza in India ha avuto origine grazie al dio Shiva il Distruttore. Lo stesso Shiva era un eccellente ballerino e insegnò a sua moglie Parvati l'arte della danza, che amava di più. Danzò la tandava, una forma più energica, e Parvati danzò lasya, una forma più raffinata ed aggraziata. Le tradizioni dicono anche che Brahma, il Creatore, era molto preoccupato per i conflitti e i disordini che regnavano sulla Terra. Poiché i quattro Veda erano tenuti rigorosamente segreti dai brahmana, decise di creare un quinto Veda, accessibile a tutti. L'arte della recitazione teatrale, a cui era dedicato il Natyaveda, fu insegnata per la prima volta da Brahma al saggio Bharata. Bharata mostrò a Shiva le sue tre arti: teatro, musica e danza. Ricordando la propria danza energica, Shiva ordinò al capo assistente del suo seguito di insegnare a Bharata l'arte del tandava. Bharata combinò quest'arte con la conoscenza che già aveva e scrisse Natyashastra, un'opera completa sull'arte del teatro. Bharata e altri saggi diffondono quest'arte tra i popoli della Terra.
Pertanto, queste tradizioni definiscono chiaramente la connessione delle arti della danza, della musica e del teatro con la divinità e l'immortalità. Possiamo ancora vedere quanto fortemente la danza classica in India sia legata alla religione e alla mitologia. Ciò si riflette più chiaramente non solo nella scelta dei temi incarnati, ma anche nel modo di eseguire la danza. Il che a sua volta influisce direttamente sulla formazione della vita spirituale in India.
Il motivo centrale del culto di Vishnitz per secoli è stato il desiderio dell'uomo di unità con la divinità. Gli dei rispondevano non solo con reciprocità, ma anche con un “approccio individuale”. La danza rias-lila, eseguita a Braj, una località nella regione di Mathura nell'Uttar Pradesh, dove si dice che Krishna sia nato e vissuto, raffigura la capacità di Krishna di creare in ciascuna delle gopi (pastorelle) che danzano su di essa l'illusione che lei sola sta ballando con lui. Così si esprimeva l'allegoria dell'anima mortale che si avvicina alla divinità con fiducia e amore, tradizionale per la vita spirituale dell'India. La Rias-lila è una danza bellissima, viene eseguita ancora oggi accompagnata da canti appropriati.
Queste sono le divinità indiane dai molti volti con numerose storie ad esse associate e costituiscono la base tematica della danza indiana. Nella danza gli eventi non vengono semplicemente enunciati, ma la loro essenza simbolica viene rivelata e la fede viene affermata - attraverso la forza del verso, della musica e del movimento. Tutte le forme di danza classica in India hanno due aspetti: Nritta e Nritya. Nritya può essere descritta come danza pura, cioè movimenti astratti del corpo coordinati con hasta (gesti delle mani). Nritya è una combinazione di danza pura e trama. Ma la danza della trama qui era molto diversa dalla pantomima. Questa non è solo un'imitazione del comportamento umano. Oltre a nritta e nritya, esiste un terzo aspetto nella tradizione della danza indiana. Questo è natya, cioè una performance di azioni e gesti con o senza danza. In generale, questo è un tipo di arte drammatica. Tutti questi tre aspetti sono considerati, tuttavia, strettamente correlati tra loro. Parlando dell'arte della danza, a nostro avviso, è necessario notare una delle caratteristiche più sorprendenti dello sviluppo della cultura indiana nel suo insieme. Questa è una connessione profonda tra diversi tipi di arte. Se la musica, la danza e il teatro erano estremamente vicini alla cultura della danza, anche la letteratura, la pittura, la scultura e persino l’architettura non erano separate o isolate dalla tradizione della danza. Il ruolo della letteratura nella danza è stato e continua ad essere estremamente importante, poiché nritya, ad esempio, è l'interpretazione della poesia attraverso la danza. In India esistono addirittura intere poesie scritte appositamente per spettacoli di danza. L'esempio migliore, a nostro avviso, è l'opera classica della letteratura sanscrita del XII secolo “Gida - Govinda” di Jayadeva. Poiché la danza inizialmente occupava un posto importante nei rituali del tempio, l'architetto fornì una piattaforma speciale sul terreno del tempio. Il famoso tempio Brihadeeswara nel distretto di Thanjavur nel Tamil Nadu ha una grande sala costruita esclusivamente per spettacoli di danza. Il Tempio del Sole a Kanaraka, Orissa, ha un'enorme sala da ballo finemente decorata, la Nata Mandal, la cui vicinanza al mare gli conferisce una bellezza eterea.
Le pareti dei templi in diverse parti dell'India, soprattutto nel sud e in Orissa, sono decorate con vari fregi e pannelli raffiguranti ballerini e musicisti.
I principali tipi di balli da sala nei secoli XVI-XVII
Nella commedia di Shakespeare Molto rumore per nulla, uno dei personaggi, a nostro avviso, caratterizza brillantemente le danze principali che esistevano a cavallo tra il XVI e il XVII secolo: “Il corteggiamento, il matrimonio e il pentimento sono gli stessi della giga scozzese, danza misurata e gagliarda: la prima è ardente e frettolosa come una giga scozzese, e piena di fantasia; il matrimonio è decorosamente modesto, come una danza misurata, piena di dignità e antichità; e allora subentra il pentimento e con le gambe sviluppate cade sempre più velocemente nella gagliarda finché non cade nella tomba”. Queste erano le principali direzioni della danza a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. Va anche notato che se fino alla fine del XVI secolo e in parte nel XVII secolo dominavano i parterre, danze “basse” (danze del basso) che non richiedevano salti da parte degli artisti - branles, pavanes, carillon -, allora il iniziò l'era delle danze francesi leggere e “volanti”.
1. Branle.
La scuola di ballo liscio si formò durante il Rinascimento e si può considerare che il branle, sia popolare che da salotto, sia stato l'inizio fondamentale dell'ulteriore sviluppo dell'arte della danza. Questa danza era originariamente una danza popolare, e la sua forma da ballo è nata da questa forma contadina e si distingueva solo per un gran numero di riverenze e movimenti fluidi, mentre nel folk predominava il tocco del branle. I movimenti principali del branle includevano pavante, corrente e gavotte. L'accompagnamento musicale di questa danza consisteva in ritmi di tamburello piuttosto monotoni, suoni di flauto e canto monotono dei ballerini. Se agli anziani piaceva ballare un doppio branle lento, le persone di mezza età ballavano un branle con una ripresa, allora i giovani preferivano un branle allegro saltando e alzando le gambe in avanti in aria. Pertanto, il semplice branle fu la fonte di tutti i balli da salotto apparsi in seguito.
2. Pavana.
La Pavana è una delle danze spagnole più antiche a noi conosciute. Pavane e carillon nel XVI secolo erano i balli principali e più amati. Solo l'apparizione del minuetto fece dimenticare prima il rintocco e poi il pavante. Si ritiene che la pavana sia di origine italiana, poiché Caterina de' Medici era la protettrice di tutto ciò che è italiano. Il merito principale della pavana, a nostro avviso, è che per la prima volta le danze pubbliche hanno acquisito determinate forme, carattere e stile di esecuzione. Prima delle pavane numerosi branley differivano tra loro solo nel nome. Le pavane avevano anche uno scopo preciso: mostrare alla società la maestosità dei ballerini e la ricchezza dei loro costumi. Il movimento della pavana era il movimento di una pavona ostentata. Un'altra differenza tra pavane e branle era che le figure pavane iniziavano con l'inizio della frase musicale, mentre in branle c'era solo il tempo. La pavana veniva ballata da una o due coppie alla volta, e c'era anche un rigido ordine del loro ordine a seconda della loro origine e status sociale. Il re e la regina aprirono il ballo, poi altre persone nobili.
3. Minuetto.
Nessun ballo dei secoli XVI-XVII era così popolare come il minuetto, che è un esempio generalmente riconosciuto di arte della danza da salotto. Nel corso di diversi secoli, il minuetto raggiunse l'apice della gloria della danza, oppure fu soggetto a un temporaneo oblio, ma non fu mai completamente sostituito da un'altra danza. Gli storici della danza affermano che “il minuetto è la danza dei re e il re delle danze”. All’inizio del XVIII secolo la società aristocratica esprimeva il suo atteggiamento nei confronti del minuetto con la seguente frase: “chi balla bene il minuetto, fa tutto bene”. Le caratteristiche principali dell'esibizione del minuetto erano cerimonialità, galanteria e solennità. Il passo del minuetto era molto fluido e un movimento seguiva l'altro. Pas grave - che significa "passo importante, maestoso" - è uno dei principali elementi di danza del minuetto. Nel XVIII secolo, in epoca barocca, apparve un “minuetto veloce” più dinamico. Ma nei balli del XIX secolo il minuetto viene rappresentato in modo leggermente diverso. In questi minuetti di scena, come nel famoso minuetto del Don Giovanni di Mozart, da sempre considerato un classico esempio di questa danza, alcune posizioni di danza non corrispondono al minuetto originale del XVII secolo. Il che, a nostro avviso, non toglie nulla alle delizie del minuetto scenico, ma, al contrario, testimonia l'enorme ricchezza plastica di questa danza. Sopravvissuto a molte epoche, il minuetto, purtroppo, non è sopravvissuto fino ad oggi e possiamo solo guardare questa danza sul palco del teatro.
Pertanto, dopo esserci soffermati in dettaglio sulla descrizione dei principali balli da sala dei secoli XVI-VII, eravamo chiaramente convinti che tra le caratteristiche più importanti delle danze di questo tempo possiamo distinguere come morbidezza, regolarità, importanza, che naturalmente era caratteristico dell'ideologia di tutta la vita di quel tempo.
Formazione e sviluppo della cultura della danza in Russia
Il concetto di “danza” è stato dato ai russi dai polacchi che arrivarono a Mosca durante il periodo dei torbidi con Dmitry il Pretendente. Prima di questo, non c'erano “danze da salotto” nella Rus', come nell'Europa occidentale. Nelle torri si svolgevano danze rotonde delle donne e la danza fioriva tra la gente. In generale, l'atteggiamento nei confronti della danza era diffidente. Il “divertimento folle” combinato con la danza era considerato “un’invenzione del diavolo che distrugge l’anima”, “un gioco demoniaco”.
Sotto Mikhail Fedorovich Romanov, gli artisti furono invitati per il divertimento reale: tedeschi e polacchi, compresi i ballerini. Nel 1673, nella sala della commedia del Cremlino, fu rappresentata Orfeo, un'opera teatrale con canti e danze. Nel prologo Orfeo canta le lodi del re e poi balla con le due piramidi. In questo momento, l'amore per la danza si sviluppò non solo presso la corte reale, ma anche tra i nobili moscoviti che allestirono i propri teatri domestici (boiardo Morozov, principe Golitsyn, Dolgoruky).
Il giovane zar Fedor, che sostituì Alexei Mikhailovich, non era un amante dell'intrattenimento. L'amore per la danza era sostenuto solo dalla sovrana Sophia, che riuniva le ragazze nelle sue dimore e "organizzava danze".
Una svolta avvenne sotto Pietro I. Dopo la sostituzione dei lunghi abiti da uomo con canottiere corte, le danze russe abbandonarono la vita di corte. Invece, Peter ha introdotto danze straniere. Per decreto dello zar, sotto pena di punizione crudele, a tutte le ragazze russe fu ordinato di ballare. Le signore e i signori russi impararono il minuetto, la polonaise e la danza country dagli ufficiali svedesi catturati. Lo stesso Pietro, sua moglie Caterina e la figlia Elisabetta hanno preso parte ai balli e lo hanno fatto, secondo i contemporanei, con molta grazia. L'atteggiamento nei confronti della danza in questo momento era più simile a una questione seria, quasi "statale", che si rifletteva nell'intero ordine degli ensemble di danza.
Così, in questo momento in Russia, le danze “innocue” a prima vista si trasformarono in una sorta di arma di lotta sociale contro i “boiardi reazionari”. L'incapacità di ballare diventa vergognosa, quindi i boiardi iniziano a nominarsi insegnanti (maestri di ballo). Nelle assemblee venivano stabilite regole di comportamento rigorosamente sviluppate, il modo di comunicare con una donna nella danza e persino negli inchini. C'erano anche danze veloci, comprese quelle improvvisate. Dissero che lo stesso Peter amava cambiare figura, spaventando deliberatamente e prendendo in giro coloro che non sapevano ballare.
Una delle circostanze che caratterizzano l'atteggiamento nei confronti della danza è che ora i movimenti della danza non sono più determinati in alcun modo: né dal rituale, né semplicemente dalla naturale fisicità umana, quindi, a nostro avviso, nasce un ottuso sentimento di protesta contro gli obblighi imposti dal al di fuori.
L'introduzione dei balli ("assemblee") da parte di Pietro I suscitò dispiacere tra gli anziani e grande entusiasmo tra i giovani. Poiché la vita russa nell'era pre-petrina era piuttosto triste di giorno in giorno: l'attività principale era andare in chiesa e poi sedersi nella villa. Non si praticava l'intrattenimento pubblico, solo i matrimoni si distinguevano per straordinario sfarzo. È interessante, a nostro avviso, che i russi non abbiano mai sviluppato danze di coppia, questo, a nostro avviso, può essere spiegato dalle peculiarità della fede ortodossa, dove non è mai esistito un culto della Madre di Dio, come nel cattolicesimo; Inoltre, l'Ortodossia imponeva requisiti morali più severi alle persone, quindi il rilascio dell'energia corporea era impossibile in una forma ovvia e aperta. L'atteggiamento nei confronti delle danze dionisiache nella Rus' era molto severo; erano considerate un grande peccato; Le riforme di Pietro resero la vita sociale più armoniosa: non c'era bisogno di nascondere il proprio desiderio di divertirsi, inoltre questo desiderio divenne la massima priorità tra le persone benestanti; I balli più comuni alle assemblee di Pietro erano il minuetto, la pavana, il carillon e altri. Ma Peter li considerava molto noiosi e inventò la sua danza, molto più animata. Successivamente, sotto Anna Ionovna, non solo l'intrattenimento straniero divenne di moda. L'imperatrice amava anche le danze russe (“bychok” o “kamarinskaya”).
La vita sociale nel XIX secolo, il suo riflesso nello sviluppo della cultura della danza.
Rispetto all’epoca precedente, il XIX secolo ha concesso agli individui una libertà molto maggiore nella scelta del proprio percorso di vita. La liberazione è avvenuta anche a livello puramente spirituale. L’idea di Dio svanì gradualmente nel XIX secolo. La vita secolare, diventata così popolare nell'era precedente, sta sostituendo la vita ecclesiastica a tal punto che Dio viene ricordato solo la domenica. Gli ideali della società si stanno nuovamente orientando verso l’individualismo. L'impetuosità romantica, la gravitazione della schiavitù spirituale, l'aspirazione ad altri ideali più elevati, caratteristici dell'umore pubblico durante questo periodo, si manifestarono chiaramente nella danza. Il valzer diventa il re di tutti i balli, che rappresenta un modo di emancipazione dalle convenzioni che erano ancora il pilastro della vita sociale.
Nel 19° secolo, la scuola di ballo francese svanì gradualmente. Così i salti leggeri, considerati obbligatori nel XVIII secolo, vengono gradualmente sostituiti da semplici passi. Ai balli appare la posizione di "direttore d'orchestra" ("steward"), che era una sorta di comandante che controllava lo svolgimento del ballo. Era consuetudine aprire il ballo con un valzer, il cui primo giro veniva solitamente assegnato alle persone più onorevoli tra gli ospiti, se i padroni di casa della serata non concedevano questo onore allo stesso manager.
Nel XIX secolo a San Pietroburgo i balli di corte si tenevano nei palazzi Winter e Anichkov ed erano estremamente popolari. Il ballo è iniziato con una polonaise, seguita da un minuetto. Il ballo non sarebbe completo senza una mazurca e, ovviamente, un valzer. In questo momento apparve un'altra danza, il cui successo oscurò la popolarità di tutte le altre: la polka. Il ballo si è concluso con una danza: un gioco di cotillion, una sorta di spettacolo di addio di tutti i partecipanti.
Diamo uno sguardo più da vicino al valzer.
Il valzer non aveva nessuna delle caratteristiche di un ballo da salone alla moda. Inoltre, prima del valzer non esisteva un ballo da salone in cui una donna veniva abbracciata per la vita, guardandola dritto negli occhi. Ed è nel valzer che la dama e il gentiluomo diventano per la prima volta un'unica coppia danzante. Ci furono proteste ufficiali e non ufficiali contro il valzer. A Vienna nel primo decennio del XIX secolo era vietato ballare un valzer per più di dieci minuti. Nei balli che si tenevano nei palazzi dei Kaiser tedeschi, il valzer fu bandito per quasi tutto il XIX secolo, poiché considerato una “danza sensuale e oscena”. La società conservatrice inglese adottò il valzer un quarto di secolo dopo rispetto alla maggior parte degli altri paesi europei. In Russia anche il valzer è stato perseguitato. Caterina II lo detestava e sotto Paolo I fu pubblicato un ordine di polizia che vietava "l'uso della danza chiamata walsen". Ma tutto ciò non fece altro che aumentare la voglia di ballare, e il XIX secolo passò sotto il simbolo del valzer, che veniva ballato in tutti gli ambienti della società; Il valzer ha avuto un'influenza significativa sullo sviluppo di tutta la musica europea del XIX e XX secolo.
Gli anni Quaranta del XIX secolo furono un periodo di rapida passione per la polka non solo a Parigi, ma in tutta Europa, Russia compresa. Perché letteralmente tutti e ovunque hanno ballato, indipendentemente dall'età e dallo stato sociale.
I servizi igienici e i piatti più alla moda erano chiamati “a la Polka”. I giornali inglesi poi scherzarono addirittura dicendo che la politica era passata in secondo piano, lasciando il posto alla donna polacca.
Sotto Caterina II, la mazurka apparve per la prima volta in Russia, ma poi non ebbe quasi alcun successo. Solo all'inizio del XIX secolo questa danza divenne molto popolare nelle città russe. A quel tempo la mazurka si stava diffondendo anche in altri paesi europei, soprattutto nella Repubblica Ceca, in Ungheria e in Francia. In Russia c'erano due mazurche: salon e folk. I maestri di danza francesi alla moda hanno dato alla danza popolare un carattere da salone e la lucentezza necessaria. In questa versione, la mazurka veniva ballata nella più alta società di San Pietroburgo. La Mazurka sostituì gradualmente la quadriglia francese e divenne l'apogeo del ballo, segnandone il culmine.
Possiamo dire che con l'avvento del cancan inizia una nuova era della danza. Il cancan nasce a Parigi intorno al 1830. Era una danza femminile eseguita sul palco, accompagnata da alti calci delle gambe. Nel 1860 furono aperte molte lezioni di ballo a San Pietroburgo, dove si ballava principalmente il cancan.
Pertanto, dopo aver esaminato in dettaglio le danze più popolari del XIX secolo e aver tracciato chiaramente il riflesso della vita sociale nella cultura della danza di quel tempo, possiamo trarre una conclusione sul significato della danza in quell'epoca. Il compito principale della danza, a nostro avviso, era mantenere la cultura del corpo su un piano di uguaglianza con la cultura dello spirito. Ma a differenza delle epoche precedenti, la cultura del corpo non implicava una base spirituale e religiosa, e lo sviluppo della cultura del corpo divenne sempre più fine a se stesso per la danza.
Sviluppo della cultura della danza russa nella prima metà del XX secolo.
Nel 20 ° secolo, in Russia c'erano già circa 17 balli, tra i quali i più popolari erano: polka, ungherese, minion, fandango, valzer figurato, mazurka e molti altri. Nel 20° secolo, molte cose nella cultura della danza stavano cambiando. Prima di tutto cambia la qualità della performance di danza, cambia la base, il percorso lungo il quale ha preso lo sviluppo dell'arte della danza mondiale. Dopo una pausa millenaria, i Giochi Olimpici stanno tornando ad essere estremamente popolari, e da qui c'è un riavvicinamento tra danza e sport, e aumenta il grado di dinamismo delle danze emergenti: tango, foxtrot, twist, rock and roll.
Dopo la scomparsa dei balli come passatempo di massa nel XIX secolo, i ristoranti iniziarono a sostituire parzialmente le loro funzioni (probabilmente perché ai balli non solo si ballava, ma si cenava). Così, nella seconda metà del XIX secolo, i ristoranti combinavano sia la cucina che spesso il teatro (in Russia, ad esempio, i ristoranti: “Yar”, “Strelna” e molti altri). I ristoranti francesi della fine del XIX secolo erano famosi per il loro cabaret con la sua danza femminile semi-decente, le cui ballerine, a nostro avviso, avevano molto in comune con le ballerine dell'antica Grecia e di Roma. La presenza di tale intrattenimento e la sua accessibilità hanno avuto un enorme impatto sulla vita sociale di quel periodo, sull'intera cultura della danza dell'inizio del XX secolo.
L'inizio del 20 ° secolo nella cultura della danza può essere caratterizzato dalle parole: "alla ricerca dello stile", poiché a quel tempo tutto il vecchio era distrutto e il nuovo era nebbioso e poco chiaro. E nel determinare lo stile di quest'epoca, la danza ha giocato un ruolo significativo, perché, a nostro avviso, rifletteva le aspirazioni estetiche del suo secolo con straordinaria luminosità era una sorta di ponte tra il mondo della vita quotidiana e il mondo della fantasia; . La svolta nella vita politica dell'inizio del XX secolo comportò una svolta nella vita creativa di questo periodo. Ciò non poteva che riflettersi nella danza. Una vera rivoluzione nella vita danzante di questo periodo fu l'apparizione del ballo del tango. Il tango era un ballo da sala, un ballo da salotto, non un ballo pop. Per eseguire questa danza erano necessari un frac impeccabile e un abito elegante e aderente, poiché questa danza era di natura molto severa e non era consentita alcuna libertà. Un ballerino di tango somigliava a una corda dell'arco tesa, con espressioni facciali stabili e la massima immobilità del corpo. Questa è la differenza principale tra il tango e i balli precedenti, che implicavano invariabilmente la corsa, il salto, il rimbalzo, in generale, tutto ciò che faceva uscire il corpo dal suo stato di costrizione.
Il tango era basato su movimenti ritmici, che, a nostro avviso, erano la ragione della grande popolarità di questo ballo, poiché ora tutti potevano ballare, anche quelli che prima non potevano “saltare come una capra” per la sala. Possiamo quindi concludere che il tango ha determinato lo stile dell'intera cultura della danza della prima metà del XX secolo.
Il XX secolo continua...
Vecchie danze stanche, un clima sociale in cambiamento, il desiderio dei giovani di trovare e realizzare il proprio stile, diverso dagli altri: tutto ciò ha portato alla crescita straordinaria di varie direzioni della cultura della danza nel 20 ° secolo. Possiamo dire che nel 20 ° secolo la danza ha acquisito per la prima volta una portata così senza precedenti e si è trasformata in una forma di svago di massa. E anche i balli più popolari del 19° secolo non possono, a nostro avviso, essere paragonati a una così potente “epidemia” di danza che ci ha travolto nel 20° secolo. Rap, hip-hop, breakdance, rave, house, techno, trance sono solo una piccola parte delle tendenze che hanno travolto il mondo intero nella seconda metà del 20 ° secolo.
Platone disse anche: "La natura di tutte le creature giovani è focosa e quindi non è in grado di rimanere calma né nel corpo né nella testa, ma urla costantemente e salta qua e là in modo casuale". A nostro avviso, queste parole possono essere meglio attribuite alla descrizione dello spirito della cultura della danza della fine del XX secolo. In generale, lo spirito di questo tempo è caratterizzato da temperamento e dinamismo. E ora possiamo dire con sicurezza che la maggior parte delle danze moderne sono diventate sport. Ciò è ovviamente legato anche allo spirito dei tempi; non per niente lo sport e i Giochi Olimpici hanno conosciuto la loro rinascita nel XX secolo. Un altro fattore importante nel riavvicinamento della danza e dello sport per le donne è stato, a nostro avviso, il cambiamento degli standard di bellezza. Le bellezze ben nutrite del 19 ° secolo vengono sostituite da modelli magri. Molte donne, ragazze che ballano in discoteca o frequentano corsi di formazione in qualsiasi studio di danza, perseguono principalmente l'obiettivo di correggere la propria figura e perdere peso.
Per quanto riguarda i giovani, il criterio principale nella scelta dei balli qui era la libertà e la possibilità di esprimersi. Uno dei balli che meglio ha fornito questa libertà ai giovani è stato l'hip-hop.
L'hip-hop moderno comprende tre direzioni: rap, breakdance e graffiti. Richiede uno stile di abbigliamento speciale e una visione del mondo speciale. Questa danza è accessibile a tutti secondo noi, aiuta gli adolescenti a trasformare la loro aggressività in creatività;
Un altro ballo che aiuta ad alleviare la tensione nervosa è il rave. Si ritiene che anche gli indiani, dopo essere stati punti da uno scorpione, iniziarono una danza simile alle danze moderne, che durò diverse ore finché non furono completamente esausti. Questo metodo ha portato la guarigione. Vediamo qualcosa di simile nel rave. Rave (tradotto dall'inglese come “furia, trambusto, disordine”) è nato in Olanda nel 1985. Inizialmente, il rave era rivolto a coloro che facevano uso di droghe. Molti stili musicali diversi apparvero nella rave dance, assorbendo molto rapidamente gran parte di ciò che esisteva prima di questa tendenza.
Gli stili più famosi sono “trance”, “techno”, “house”, “Deep house”...
“Trance” è musica cosmica con movimenti fluidi e il desiderio di uscire dolcemente dal proprio guscio.
"Techno" - qui i movimenti sono rigidi, fissi, ci sono molti impulsi sulle braccia e sulle gambe, tutti i movimenti sono ampi e chiaramente definiti.
"Casa": non ci sono movimenti chiari e netti, sono più sfocati; la musica è fisiologica, tutto il ritmo è pensato per i movimenti del corpo. Questa danza consente una grande improvvisazione.
E, naturalmente, parlando della fine del 20 ° secolo, non possiamo non menzionare una tendenza nella cultura della danza come la breakdance. In sostanza, la breakdance è una fusione di danza, pantomima, lotta e boxe. A nostro avviso, è corretta l'opinione che la rottura sviluppi non solo il corpo, ma anche il carattere. Richiede un'enorme resistenza e pazienza, poiché la maggior parte degli elementi della pausa devono essere ripetuti molte volte. Si ritiene che il break sia nato sui marciapiedi di New York, e che i suoi artefici siano stati due fazioni in guerra che un giorno si stancarono di combattersi con armi da fuoco e coltelli e preferirono competere in passi di danza inimmaginabili. Questo è probabilmente il motivo per cui la rottura era originariamente basata su vari tipi di wrestling: karate, kung fu, boxe. A poco a poco furono aggiunti movimenti fluidi delle braccia e delle gambe. Tutti, cercando di diventare i migliori, aggiungevano elementi acrobatici sempre più complessi. Possiamo supporre che fosse qualcosa del genere: due gruppi in fila, vestiti appositamente per il combattimento, ma senza armi, poi è stata accesa la musica ed è iniziata la pausa. I vincitori sono stati coloro che erano più resilienti, abili, veloci e flessibili. A poco a poco questa danza attirò l'attenzione dei coreografi. La pausa stessa viene eseguita sul pavimento (capriole, vari giri sulla schiena) o vicino al pavimento, e la breakdance comprende anche vari movimenti ondulatori delle braccia e del busto.
Pertanto, dopo aver esaminato alcuni degli stili di danza più sorprendenti, a nostro avviso, noi, usando l'esempio di queste danze, possiamo trarre una conclusione sull'unicità della cultura artistica della fine del XX secolo. Ovviamente hai notato che i tratti più caratteristici della cultura artistica di questo periodo erano la libertà, il desiderio e l'espressione di sé, così come l'originalità, la ricerca di qualcosa di nuovo e insolito.
In generale, la fine del XX secolo rappresenta, a nostro avviso, un enorme potenziale per lo sviluppo della cultura artistica in tutte le sue direzioni e della danza in particolare.