Giovanni Battista da Vinci. Andrei Rublev e Leonardo da Vinci. Confrontando i geni. Nomi con brevi descrizioni

Nel dipinto di Leonardo da Vinci "Giovanni Battista", l'artista raffigura un giovane dai capelli lunghi ed effeminato che tiene in una mano una croce e con l'altra indica il cielo.

Lo studio di questo dipinto alla luce monocromatica ha mostrato che la pelle (la veste di Giovanni Battista) e la croce di canna (il suo attributo tipico sui dipinti) furono aggiunte successivamente da un altro artista. Successivamente, l'immagine divenne nota come "Giovanni Battista". Anche se questo giovane non si adatta all'immagine del Battista.

Ecco un esempio di come è raffigurato Giovanni Battista Andrea Verrocchio, che ebbe come allievo il giovane Leonardo. Mentre lavora al dipinto "Il Battesimo di Cristo", l'insegnante ordina al giovane Leonardo di dipingere un angelo che tiene le vesti di Cristo.

Il critico d'arte Silvano Vinchetti ha espresso la teoria che il prototipo della misteriosa Gioconda sia Jean Giacomo Caprotti, allievo di Leonardo da Vinci. Caprotti, detto anche Salai, collabora con il celebre artista da oltre 20 anni. Il volto del giovane ha una sorprendente somiglianza con l'immagine della Gioconda. "Salai era il modello preferito di Leonardo", afferma Vinchetti, "si può affermare con certezza che l'artista ha aggiunto i suoi tratti del viso all'immagine della Gioconda".

Per quanto riguarda la sorprendente somiglianza con la Gioconda, l'osservazione è appropriata. Una somiglianza altrettanto sorprendente può essere trovata con Anna negli altri suoi dipinti.

Vale la pena notare che esiste un ritratto simile di Leonardo da Vinci "Angel Bringing Good News". Si può presumere che John, prima di lui tracciò una croce, fu anche lo stesso Angelo. Ricordiamo ora che esiste un famoso schizzo di Leonardo da Vinci, il cosiddetto "Angelo in carne".

La storia dello schizzo è piuttosto oscura. È noto che nel 19 ° secolo faceva parte della collezione reale di Windsor, insieme ad altri undici disegni erotici di Leonardo. Secondo il critico d'arte britannico Brian Sewell, un giorno questa collezione fu esaminata da un "famoso esperto tedesco", e qualche tempo dopo i disegni scomparvero (è possibile che con il tacito consenso della regina Vittoria), per poi finire in Germania . Non vengono pubblicizzati i nomi dei successivi proprietari dei disegni, ma più di un secolo dopo, nel 1991, Carlo Pedretti, riconosciuto conoscitore dell'opera di Leonardo, poté ottenere l'autorizzazione dal proprietario del disegno e presentare l'"Angelo in la Carne" in una mostra a Stia, in Toscana. Comunque sia, gli esperti concordano sul fatto che Leonardo sia l'autore di questo schizzo.

È difficile immaginare un'immagine più distante da tutto ciò che è solitamente associato al concetto di "ascetismo" di questo giovane viziato. Il suo cibo chiaramente non era "locusta e miele selvatico". Migliaia di storici dell'arte, scrittori e altri amanti della bellezza hanno cercato di capire cosa volesse esprimere esattamente il maestro Leonardo raffigurando San Giovanni Battista in una forma così inaspettata, per usare un eufemismo. Non a caso, questo ritratto è sempre servito da fertile nutrimento di leggende e dicerie, legando caparbiamente Leonardo a varie comunità segrete, dipingendolo come il proprietario di un sapere "nascosto", "segreto", un eretico, "mago", "iniziato" , in altre parole, collegandolo alla tradizione ermetica del Rinascimento.

Quindi, a rigor di termini, non c'è motivo di associare la giovinezza femminile raffigurata da Leonardo da Vinci con Giovanni Battista. Tuttavia, questa circostanza non toglie in alcun modo la domanda: perché una tale associazione è stata creata, anche se non dallo stesso Leonardo, ma da qualcun altro? Ebbene, in effetti, perché attribuire a un giovane dall'aspetto chiaramente non cristiano gli attributi di uno dei santi cristiani più venerati? Qual è il complesso di idee dietro questo? C'è qualche significato nascosto – ermetico – in questo?

La trasformazione dell'immagine canonica di Giovanni Battista nel Profeta Elia, Ermete Trismegisto, l'Angelo dell'Alleanza e il leggendario Metatron sembrerà assurda e forse anche blasfema agli aderenti a qualsiasi chiesa! Ma l'argomentazione e la fermezza degli argomenti in questo lavoro sono irresistibili.

Diamo ancora un argomento a favore di tale interpretazione: confrontiamo l'immagine con il famoso "Mercurio" del Giambologna. Il braccio destro di Mercurio è sollevato e piegato all'altezza del gomito allo stesso modo come nel ritratto di Giovanni Battista e nel dipinto “L'angelo che porta la buona novella”, e allo stesso modo il dito puntato è rivolto al cielo.

Il dito puntato è presente in molte tele e disegni di Leonardo da Vinci; critici d'arte potrebbe in qualche modo spiegare in modo convincente il significato di questo gesto simbolico. È possibile che questo simbolo in Leonardo abbia molti significati, tuttavia, quando interpreta l'immagine di Giovanni come Enoch-Metatron, il suo gesto nel dipinto da Vinci riceve una spiegazione chiara e logica: la tradizione ebraica chiama Metatron il dito puntato di Dio, poiché mostrò al popolo ebraico la via della terra promessa nel deserto.

Il simbolo del dito puntato si trova anche in Raffaello, allievo e seguace di Leonardo da Vinci. Ad esempio, Raffaello dipinse un ritratto di Giovanni Battista, il che è naturale associato al dipinto di Leonardo.

Nel gesto del Giovanni di Leonardo, la mano destra di Platone è alzata sull'affresco di Raffaello "La scuola di Atene". E l'immagine stessa di Platone è molto simile all'autoritratto di Leonardo da Vinci. Pertanto, a immagine di Platone, si dichiara il legame Platone - Leonardo - Giovanni Battista. Inoltre, va tenuto presente che nel Rinascimento Platone era considerato l'erede della saggezza di Ermete Trismegisto.

Marsilio Ficino scrisse che Hermes trasmise la conoscenza segreta al suo allievo Orfeo, lui - Aglaofem, al quale successe Pitagora, il cui allievo fu Filolao, il maestro del divino Platone. Pertanto, l'affresco indica che Leonardo era un successore di Platone e, quindi, un aderente agli insegnamenti di Ermete tre volte il più grande. Perciò, ci dice Platone-Leonardo, alzando il dito indice, guardando l'immagine di Giovanni, pensa all'insuperabile saggezza e santità del divino Ermete.

…
E infine, un'altra versione alternativa, su dove punta comunque il dito.

Le immagini della Vergine sugli zodiaci sono facilmente riconoscibili. Di norma, questa è una figura femminile con un orecchio tra le mani. Spesso la Vergine veniva raffigurata con la punta della coda Leone, come mostrato nella figura da A. Dürer. Su di essa la Vergine tocca con la mano la nappa all'estremità della coda del Leone. Come se lo tenesse leggermente. Questa nappa raffigura la stella di Denebola.

Guardando la Vergine con il dito puntato, sorge spontanea la domanda: “c'era un ragazzo”? O John-Hermes era originariamente concepito come la Vergine che indica Denebola? Almeno questo spiega il volto effeminato di Giovanni, che, prima di Leonardo, era ritratto come un uomo asceta, avanti negli anni.

Ed ecco un altro personaggio, presumibilmente un angelo con il dito puntato (sulla colonna alessandrina). E per confronto, l'immagine della Vergine, sulle mappe astronomiche dei secoli XVI-XVII. Come si suol dire, trova dieci differenze:

1. La statua che incorona la colonna alessandrina.
2. Andreas Cellarius, L'armonia del Macrocosmo, edizione 1661.
3. "Fenomeni e previsioni" Arata, 1569-1570, Mark Hofeld, Lussemburgo.
4. Dürer, 1515. Emisfero settentrionale del cielo.

Il nome della stella di Denebola deriva da Deneb Alased, dalla frase araba ذنب الاسد danab al-asad "coda di leone", o, secondo Balinger, "Giudice", "Coming Master". Un angelo che indica la Croce, come se chiamasse a ricordare l'imminente Giudizio di Dio?

In astrologia, Denebola era considerato un presagio di sventura. Si ritiene che "lancia" catastrofi mondiali nelle mappe mondane (R. Ebertin, G. Hoffmann "Fixed Stars"). Una caratteristica interessante della stella, su cui la Vergine concentra la nostra attenzione. Come si suol dire, cosa significa? Non è l'apocalisse?

Ebbene, per completare il quadro: Caduceo, attributo di Ermete, nelle mani della Vergine, da atlanti astronomici medievali.

1. Hugo Grotius, "Costruzione secondo Arat", 1600.
2. Gigin, Astronomia, edizione 1485.
3. Gigin, Astronomia, edizione 1570.
4. Manoscritto, IX secolo.
5. Sacrobusto (Sacrobusto "Sphaera Mundi" 1539).

Tuttavia, dovremmo essere sorpresi? Dopotutto, il Sovrano del segno della Vergine è Mercurio, cioè lo stesso Ermete. Vari popoli associarono la Vergine alle loro Grandi Dee, da Iside e Atargatis ad Artemide e Themis. I greci la associavano ad Afrodite. Da qui abbiamo Ermafrodita: questa è l'essenza di Hermes e Afrodite in una bottiglia. Forse Leonardo lo intendeva? Sconosciuto...

- (Ebraico יוחנן המטביל‎) Un frammento dell'icona "Giovanni Battista" dal livello Deesis del Monastero Nikolo Pesnoshsky vicino a ... Wikipedia

- (Ebraico יוחנן המטביל‎) Un frammento dell'icona "Giovanni Battista" dal livello Deesis del Monastero Nikolo Pesnoshsky vicino a Dmitrov, il primo terzo del XV secolo. Museo Andrei Rublev. Sesso: maschile Durata: 6 ... Wikipedia

- (Leonardo da Vinci) (1452 1519), pittore, scultore, architetto, scienziato e ingegnere italiano dell'Alto Rinascimento. Ha creato un'immagine armoniosa di una persona che soddisfa gli ideali umanistici di quel tempo. Studiò con A. Verrocchio (1467 ... ... Enciclopedia dell'arte

Leonardo Da Vinci. Madonna Benois (Madonna con un fiore). Intorno al 1478. Eremo. Leningrado. Leonardo da Vinci (1452–1519), pittore, scultore, architetto, scienziato e ingegnere italiano dell'Alto Rinascimento. Creato... ... Enciclopedia dell'arte

- (Leonardo da Vinci) Leonardo da Vinci (1452 1519) Leonardo da Vinci (Leonardo da Vinci) Biografia Pittore, scultore, architetto, ingegnere, tecnico, scienziato, matematico, anatomista, botanico, musicista, filosofo italiano dell'epoca … … Enciclopedia consolidata degli aforismi

Giovanni Battista, secondo la mitologia evangelica, il più prossimo predecessore di Gesù Cristo, che predisse la venuta del messia (Cristo); visse nel deserto (imitò il profeta Elia dell'Antico Testamento), denunciò i vizi della società e invocò il pentimento; ... ...

"Leonardo" reindirizza qui; vedi anche altri significati. Questo termine ha altri significati, vedi Leonardo da Vinci (significati). Leonardo da Vinci Leonardo da Vinci ... Wikipedia

- (Leonardo da Vinci) (15 aprile 1452, Vinci, presso Firenze, 2 maggio 1519, Castello di Cloux, presso Amboise, Touraine, Francia), pittore, scultore, architetto, scienziato e ingegnere italiano. Nato nella famiglia di un ricco notaio. Combinando lo sviluppo di nuovi ... ... Grande enciclopedia sovietica

- (Leonardo da Vinci) (1452-1519), pittore, scultore, architetto, scienziato, ingegnere italiano. Combinando lo sviluppo di nuovi mezzi del linguaggio artistico con generalizzazioni teoriche, ha creato l'immagine di una persona che soddisfa gli ideali umanistici ... ... dizionario enciclopedico

- (Leonardo da Vinci) (1452 1519), il grande artista, inventore, ingegnere e anatomista italiano del Rinascimento. Leonardo nacque nel comune di Vinci (o nelle vicinanze), ad ovest di Firenze, il 15 aprile 1452. Era figlio illegittimo di ... ... Enciclopedia Collier

Libri

I capolavori più famosi della pittura mondiale, Golovanova AE Per qualche ragione ci toccano le brillanti creazioni dei maestri del passato, anche se, ad esempio, centinaia di anni separano l'uomo moderno da Giotto di Bondone e dal suo ciclo di affreschi nella Cappella degli Scrovegni a Padova. ...
Vedanta. Raccolta di racconti, Elena Malakhova. La raccolta comprende tre storie: sul duro destino di un lavoratore lavoratore della redazione, sull'ascesa e la caduta di un professore universitario e sui tempi della Grande Guerra Patriottica. anime di persone...

Nel dipinto di Leonardo da Vinci "Giovanni Battista", l'artista raffigura un giovane dai capelli lunghi ed effeminato che tiene in una mano una croce e con l'altra indica il cielo.

…
E infine, un'altra versione alternativa, su dove punta comunque il dito.

Le immagini della Vergine sugli zodiaci sono facilmente riconoscibili. Di norma, questa è una figura femminile con un orecchio tra le mani. Spesso la Vergine veniva raffigurata con la punta della coda Leone, come mostrato nella figura da A. Dürer. Su di essa la Vergine tocca con la mano la nappa all'estremità della coda del Leone. Come se lo tenesse leggermente. Questa nappa raffigura la stella di Denebola.

Ebbene, per completare il quadro: Caduceo, attributo di Ermete, nelle mani della Vergine, da atlanti astronomici medievali.

Il Louvre ospita la maggior parte delle famose opere di Leonardo da Vinci e, soprattutto, le più preziose.

Nomi con brevi descrizioni

Negli ampi saloni della Galleria sono esposte le seguenti opere:

“Madonna con le rocce;
"Annunciazione";
"Bella Ferroniera";
"Giovanni Battista";
"Bacco";
"Sant'Anna con Madonna e Gesù bambino";
"Monna Lisa".

"La Gioconda", alias "La Gioconda" - uno dei dipinti più famosi e misteriosi del mondo. Finora non sono stati in grado di identificare la donna raffigurata su di esso. La deliziosa sconosciuta sulla tela del 1503 sorride sorprendentemente e i suoi occhi sembrano seguire lo spettatore. Oggi, il ritratto ha un valore di $ 50 miliardi.

La Madonna delle Rocce del 1486 raffigura Maria circondata da due angioletti, oltre al giovane Giovanni Battista. La ragazza posò con cura la mano destra su uno dei bambini, tenendo la sinistra sull'altro. I bambini sembrano giocare, John li guarda con un leggero sorriso e tenerezza. Le scogliere a strapiombo sono chiaramente visibili sullo sfondo, conferendo all'immagine una certa ansia, in contrasto con le immagini calde.

Un ritratto femminile chiamato "La bella Ferroniera", scritto nel 1490-1495, invita a godere della bellezza di una giovane ragazza, di fronte allo spettatore mezzo voltato. Il suo sguardo è penetrante e severo e le sue labbra sono ben chiuse. Tale freddezza va contro l'aspetto affascinante, che conferisce sicuramente all'opera la sua "scorza".

Le opere "Giovanni Battista" 1514-1516 e "Bacco" 1510-1515 furono copiate da un soggetto, allievo di da Vinci. Si chiamava Salai, trascorse circa 20 anni accanto al maestro, e molti storici ancora oggi discutono sulla natura del rapporto tra maestro e allievo.

Si ritiene che fossero ancora amanti: Giovanni e Bacco sono troppo femminili e nelle loro opinioni si leggono passione e mistero. Inoltre, i sentimenti teneri e calorosi che l'artista ha chiaramente provato per il soggetto vengono trasmessi quasi fisicamente allo spettatore.

La tela "Anna con la Madonna e il Bambino", considerata incompiuta, fu iniziata nel 1508. Il genio mise Maria in grembo ad Anna, sua madre, e praticamente fece sedere il bambino Gesù sulle mani della Madonna. La composizione descrive il noto detto in Italia "mise en abyme", che significa "effetto grembo", quando la generazione successiva si siede sull'utero, grazie al quale è apparso.

"Annunciazione". Leonardo da Vinci dipinse questo dipinto nel 1475. La trama è stata scelta parte del Vangelo, che racconta l'annuncio della futura nascita del Salvatore.

20.01.2016

Il più grande San Giovanni Battista occupa un posto speciale nel cristianesimo. L'iconografia della sua immagine è complessa e diversificata. È interessante confrontare e confrontare alcune scene della vita di Giovanni, create da maestri russi e occidentali.

Il Vangelo dice che i genitori di Giovanni Battista furono il Sommo Sacerdote Zaccaria e sua moglie Elisabetta, che per molto tempo, fino alla loro età avanzata, rimasero senza figli. Un giorno un angelo apparve a Zaccaria e disse: “Non temere, Zaccaria, perché la tua preghiera è stata esaudita, e tua moglie Elisabetta ti darà un figlio e tu lo chiamerai: Giovanni; e tu avrai gioia e letizia, e molti si rallegreranno della sua nascita, perché sarà grande davanti al Signore; non berrà vino e bevanda inebriante, e lo Spirito Santo sarà riempito fin dal grembo di sua madre; ed egli ricondurrà molti dei figli d'Israele al Signore loro Dio; e andrà davanti a lui nello spirito e nella potenza di Elia, per restituire ai figli il cuore dei padri, e nella mentalità disobbediente dei giusti, per presentare al Signore un popolo preparato».(Luca 1:13-17).

Elisabetta era la zia della Vergine Maria e diede alla luce Giovanni sei mesi prima della nascita di Gesù Cristo. Durante il massacro degli innocenti di re Erode, Giovanni fu miracolosamente salvato da sua madre. Alla preghiera di Elisabetta, una montagna si aprì davanti a lei, nascondendola con il bambino dall'inseguimento dei soldati di Erode. Come dice il testo evangelico, il bambino "cresceva e divenne forte in spirito, e rimase nel deserto fino al giorno della sua apparizione in Israele". (Luca 1:80)

Uno dei temi preferiti del pittore spagnolo Bartolomeo Murillo (1618-1682) era il tema dell'infanzia. Ecco perché ha creato un'immagine così penetrante ed emozionante nel dipinto "San Giovanni Battista nell'infanzia" (1665, olio su tela, 121x99, Museo del Prado, Madrid, Spagna). Lo spettatore indovina il santo in un semplice ragazzo a piedi nudi per i suoi attributi: in mano tiene una lunga croce sottile fatta di canna con un messaggio, e accanto ad essa c'è una pecora - l'Agnello di Dio, un simbolo di Gesù. La caratteristica composizione barocca costruita in diagonale, gesti un po' teatrali, nuvole dense e pesanti creano una sensazione di forza e tensione spirituale. La spiritualità infantile che Murillo poetizza è una parte molto importante della religione cristiana. Una persona cerca consolazione nella preghiera. Nell'opera di Murillo c'è questa poetica della tenerezza e della consolazione.

Nella tradizione europea era molto diffusa la trama “La Sacra Famiglia”, dove Giovanni è spesso raffigurato come un bambino. Questa iconografia è scelta dal russo Raffaello, come fu chiamato dai contemporanei Alexei Yegorov (1776–1851) per la morbidezza del suo stile, il suo amore per i contorni lisci e arrotondati delle figure, per la sua inclinazione al modo idealizzante. Il dipinto La Vergine con Cristo e Giovanni Battista (1813, olio su tela, 33x22,5, Museo di Stato russo, San Pietroburgo) mostra l'influenza del Rinascimento. Yegorov ha dipinto una bella immagine della Beata Vergine Maria, sulle cui ginocchia siede il bambino Gesù, maturo e serio oltre i suoi anni. L'artista crea un'atmosfera di mistero, un momento solenne. Gesù Cristo benedice Giovanni Battista, che è in posizione di preghiera davanti a Cristo. L'artista canta l'immagine di una madre affettuosa e tenera che protegge il suo bambino. Alexei Yegorov è rimasto orfano presto, quindi questa trama contiene i sentimenti personali dell'artista per sua madre. Il piccolo formato, la composizione centralizzata, la modellazione morbida e morbida del chiaroscuro creano un'intimità di ciò che sta accadendo e migliorano la percezione personale della trama.

È interessante confrontare il quadro del Raffaello russo con l'opera dell'urbinate Raphael Santi (1483-1520) “Madonna nel verde” (1506, olio su tavola, 113x88, Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria). Il dipinto è stato dipinto per l'amico più intimo di Rafael Taddeo Taddei. Nel 1773 i proprietari del dipinto, membri della dinastia imperiale degli Asburgo, lo trasferirono nel Palazzo del Belvedere. Per questo motivo la Madonna nel Verde è talvolta indicata come la Madonna del Belvedere. Raffaello sceglie una composizione piramidale equilibrata, come Leonardo, donandole una serenità idilliaca. La Madonna è dotata di una bellezza ideale, contorni morbidi e femminili della figura, pacificati da uno stato interiore calmo. L'artista canta perfettamente il tema della luce e dell'amore materno sereno. La Vergine Maria sorregge il bambino Gesù e guarda teneramente il fanciullo Giovanni Battista. Giovanni ha riconosciuto Cristo come il Messia e lo ha venerato come il Redentore già nell'infanzia, quindi Raffaello immagina il Cristo ragazzo che accetta la croce da Giovanni. Il morbido lirismo delle immagini create è esaltato dal motivo già sperimentato da Raffaello: uno sfondo paesaggistico ampliato. Un sereno paesaggio aperto con uno scintillante lago a specchio, con bellissime nuvole ghiacciate, esalta il contenuto armonioso e idilliaco dell'immagine.

Tuttavia, Giovanni Battista è associato a un paesaggio completamente diverso: al deserto. Il deserto come luogo di solitudine e di difficili gesta spirituali del profeta che in esso visse. Nell'iconografia, questa è una delle immagini più famose e potenti di Giovanni. La trama dell'icona "Giovanni il precursore nel deserto" (primo terzo del XVII secolo, Nizhny Novgorod, legno, tempera, 59,8x49,8, Museo delle icone russe, Mosca) risale al racconto del Vangelo (Luca 3. 2-20, Mt 3. 1-4) circa l'accettazione da parte di Giovanni Battista del dono divino della profezia.

La tradizionale scena laconica nel deserto senza vita si presenta come una complessa composizione simbolica che risale a una rara immagine iconografica. Il profeta Giovanni indica il Diskos con il Cristo bambino, che simboleggia il sacrificio innocente. Cristo è rappresentato sull'icona non solo nella forma del Dio eterno, ma anche nell'immagine del già incarnato e sofferto. Dietro il Precursore, sorgono numerosi edifici cittadini di Gerusalemme circondati da un muro - con templi, camere, campanili e sotto il fiume Giordano, solitamente rappresentato come privo di vita e sterile. Il deserto ha acquisito l'immagine di un rigoglioso giardino con alberi stravaganti e varie creature che convivono pacificamente tra loro. Un ruolo importante nella creazione di un'immagine artistica ha un caldo colore dorato-ocra. La pittura multistrato semitrasparente crea l'effetto di un morbido bagliore dorato e di un luccicante gioco di colori. Il maestro ha cercato di trasmettere l'altezza spirituale del profeta, di trasmettere la trasformazione visibilmente invisibile dello spirito.

Un'immagine completamente diversa di Giovanni Battista è stata creata dall'artista olandese Hertgen Toth Sint Jans (dal 1460-1465 al 1495) nel dipinto "Giovanni Battista nel deserto" (1490-95, olio su tavola, 42x28, Galleria d'arte di Berlino , Berlino, Germania). Quest'opera si distingue per un lirismo sottile, gentile, illuminato. Giovanni siede su una pietra sulla riva di un ruscello che si snoda come un serpente tra le basse colline. Nella foschia azzurra dello sfondo si intravedono le bianche torrette di Gerusalemme. Il paesaggio limpido e calmo è squarciato dai morbidi raggi del sole dorato. La natura è dove si trova John. È immerso in una profonda meditazione e qui la sua vita spirituale scorre liberamente. Sorprendentemente è la posa di John, che appoggia la testa con la mano, per esprimere lo stato di completo distacco dal mondo esterno e immersione nel suo mondo interiore. Uno stato di immersione spirituale in se stessi molto comprensibile e vicino a qualsiasi persona. Giovanni appare davanti a noi come un uomo semplice con i piedi nudi infilati in modo toccante. Accanto a lui siede un grazioso agnello con un'aureola. L'unità con la natura si ottiene attraverso il colore armonizzato. Il pittoresco drappeggio di un freddo tono blu è sottilmente combinato con una sfumatura marrone di un semplice tessuto ruvido. L'artista ha creato a immagine di Giovanni un simbolo di gentilezza, misericordia, umanità, indifesa, bellezza e pace.

Durante la sua vita nel deserto, Giovanni, che mangiava locuste e miele selvatico, vestito di pelo di cammello, somigliava al profeta eremita dell'Antico Testamento Elia. Appassionato, come il sermone di Elia, era il suo sermone. Ma un significato diverso, nuovo, "Nuovo Testamento" la riempiva. Innanzitutto Giovanni predicò il pentimento per i peccati, dicendo che il regno dei cieli si avvicina, che se un albero non dà buoni frutti, viene tagliato e le asce sono già alla radice. Giovanni battezzò il popolo che si avvicinava a lui in segno di purificazione nelle acque del Giordano, profetizzando che era seguito da qualcuno che era più forte di lui, che avrebbe battezzato non con acqua, ma con fuoco e spirito, dal quale era stato non degno di "slegare il cinturino del sandalo". Nel suo sermone, Giovanni attacca con rabbia i farisei per la loro arroganza con la loro rettitudine.

Significativo per l'arte russa, il dipinto di Alexander Ivanov (1806-1858) "L'apparizione di Cristo al popolo" (1837-1857, olio su tela, 540 × 750, Galleria Statale Tretyakov, Mosca) combina due motivi: la profezia di Giovanni il Battista e l'apparizione di Cristo. L'artista svela l'ambiguità dell'evento, vediamo la storia del mondo attraverso significati simbolici. Nel deserto sulle rive del Giordano, Giovanni Battista predica al popolo che è venuto da lui per essere battezzato nel nome di Colui Che nessuno di loro ha ancora visto. Nella prima apparizione davanti al popolo di Gesù Cristo, l'artista ha visto il momento chiave nella storia del mondo, poiché contiene l'inizio della trasformazione spirituale dell'umanità. Nella combinazione della profezia di Giovanni Battista e dell'Apparizione di Cristo, si è rivelata l'ambiguità dell'evento evangelico: il pentimento e il risveglio di un nuovo sentimento morale, la prima risposta emotiva a un miracolo tanto atteso, la timidezza davanti alla grandezza di ciò che sta accadendo, la disponibilità di alcuni e la riluttanza di altri ad accettare la Verità.

Diverse reazioni delle persone (scrutare, tremare, sollevare, immergersi in se stessi) rivelano categorie spirituali agli spettatori: fede, dubbio, speranza, timore di Dio. "Dai passaggi del Vangelo, è stato preso il più difficile da eseguire, finora non rimproverato da nessuno degli artisti ...", ha scritto N.V. Gogol in un articolo su Ivanov. Ecco i futuri discepoli del Salvatore e i Suoi oppositori, seguaci e persecutori. Seguendo il principio classico, l'artista colloca i partecipanti alla scena lungo il piano del quadro, bilanciando i fianchi ed enfatizzando la figura del predicatore Giovanni Battista, che indica le persone che camminano alla distanza di Cristo, dirigendo così l'attenzione dello spettatore su il centro semantico della composizione. Questo movimento è sostenuto e ripetuto molte volte a turno, dagli sguardi dei personaggi dove punta il Precursore. Il volto pallido ed emaciato del Precursore, il suo sguardo infuocato e i suoi discorsi appassionati, tutti i movimenti di questa bella e maestosa figura scuotono i presenti con paura e speranza. Giovanni Battista indossa una corta veste di pelo di cammello, cinto da una cintura di cuoio, e un mantello giallastro gli cade da dietro le spalle. Con i suoi occhi spirituali, Giovanni Battista vede il Messia camminare lontano lungo la collina costiera.

Un dipinto simile si trova nel pittore barocco italiano Giovanni Battista Gaulli (1639-1709). "Il Sermone di Giovanni Battista" (1690, olio, tela, 181x172, Museo del Louvre, Parigi, Francia) è stato creato durante la fioritura creativa del pittore. Giovanni Battista è raffigurato durante il suo sermone ed è il centro della composizione. Le persone riunite ascoltano le profezie, hanno uno stato d'animo e uno stato comuni. In quest'opera c'è una certa somiglianza compositiva con il dipinto "L'apparizione di Cristo al popolo", ma l'idea è completamente diversa. L'abilità artistica viene in primo piano, non soddisfatta. Una complessa composizione a più figure, una pittura decorativa virtuosa, un senso di impulso irrazionale, la teatralità delle immagini affascinano lo spettatore con la loro bellezza esteriore. Sul palco è raffigurato Giovanni Battista, è un predicatore che troneggia sulla folla.

Il sermone di Giovanni Battista è stato decisivo e aveva due aspetti: soteriologico (soteriologia - la dottrina della salvezza per mezzo di Gesù Cristo), cioè una chiamata al pentimento, ed escatologico - un annuncio che il Regno dei Cieli si è avvicinato. Il sermone di Giovanni Battista, come dice il Vangelo, diventa causa della sua morte. Nei suoi discorsi denuncia il sovrano Erode (l'erede di quell'Erode che organizzò il massacro dei bambini) per aver preso in moglie Erodiade, la moglie di suo fratello. Erode mette Giovanni in prigione, ma ha paura di giustiziarlo, poiché Giovanni è profondamente venerato dal popolo. Quindi Erodiade convince sua figlia Salomè, figliastra di Erode, a ballare davanti al re a una festa e chiedere la testa di Giovanni Battista come ricompensa per aver ballato.

Il maestro della pittura storica Vasily Surikov (1848 - 1916) dipinse la tela "Salomè porta la testa di Giovanni Battista a sua madre Erodiade" (1872, olio su tela, 89x71, Museo di Stato russo, San Pietroburgo). L'artista riduce questa scena a due figure principali della malvagità e del crimine. Il volto sanguinario e non umano di Erodiade è ombreggiato da uno sfondo cremisi. Salomè non condivide il suo stato d'animo, come se cominciasse vagamente a rendersi conto di cosa è successo. L'artista non si concentra sull'orrore e sulla paura della morte di Giovanni, ma piuttosto sull'atto disumano, immorale e terribile di Erodiade. Diventa l'incarnazione della sete di sangue e del peccato e non si rende conto del suo peccato.

Peter Paul Rubens (1577-1640), per rappresentare la trama della decapitazione di Giovanni Battista, sceglie un magnifico momento caratteristico del suo stile artistico: la festa di Erode (1633, olio su tela, 208x264, National Gallery, Edimburgo, Scozia). Salomè porta la testa del Battista su un piatto chiuso, aprendola solo davanti al re, in modo che Rubens ottenga l'effetto di sorpresa. Ecco perché gli ospiti e la servitù sono così stupiti e cercano di vedere cosa sta mostrando Salomè lì - riescono a malapena a vedere a causa della sua schiena. Se fosse entrata nella sala con il capo scoperto del Battista, il suo aspetto non avrebbe prodotto un tale effetto. Tutti sanno che tipo di promessa fece Erode, ma una cosa è sapere dell'ordine, un'altra è vederne il risultato. Erode accartoccia con una mano la tovaglia bianca come la neve, che è un simbolo di rimprovero, con l'altra mano sostiene la testa in segno di premura e dolore. E il re era triste(Mt. 14,9), che non volle portare a termine la cosa, ma si rattristò solo ora quando vide che l'ordine era stato eseguito. Solo lui è triste, tutti gli altri partecipanti sono sorpresi o allegri. Soprattutto Erodiade, che prende il piatto con una mano, mentre con l'altra punta la forchetta alla testa del Battista, come se fosse un altro piatto. Con tutto il suo aspetto, cerca di dimostrare che questo è esattamente ciò che voleva e ora dà per scontato ciò che è successo. Tuttavia, Erodiade guarda il re con curiosità, non osando immediatamente conficcare la sua arma nella testa, aspettando cosa dirà Erode. In confronto, Salomè è immobile e priva di emozioni esterne. È diventata uno strumento di intrighi, eppure Salomè è vestita con un abito lussuoso dal simbolico colore scarlatto ed è la figura centrale. Il contrasto tra la celebrazione festiva e la perfetta atrocità intensifica il dramma della mancanza di spiritualità della società.