grčki plesovi. Sirtaki, Hasapiko, Zeybekiko i drugi. Ples antike. Ples antičke Grčke. Povezanost plesa i mitologije. Terpsihora. Vjerski, društveni, kazališni plesovi Ples u staroj Grčkoj

Ministarstvo kulture Ukrajine

Harkovska državna akademija za kulturu

Odsjek za modernu koreografiju

Test

Kolegij "Povijest koreografske umjetnosti"

Na temu: Plesna umjetnost zemalja antičkog svijeta.

Izvedena:

Izvanredni student

Fakultet koreografske umjetnosti

Grupa 5C

Vasilenko Viktorija

Provjereno:

Viši učitelj Kurdupova E.N.

Uvod

Plesni žanrovi antičkog svijeta

Drevni Egipt

Stara Indija

Drevna grčka

Stari Rim

Zaključak

Bibliografija

Uvod

Ples je jedan od najstarijih oblika umjetnosti. Prastari oblici plesa nastali su u procesu praktične ljudske radne aktivnosti: proces rada otkrio je značenje ritma, pokreti podređeni ritmu iznjedrili su ples, koji je jedna od najranijih manifestacija ove kulture.

O širokoj upotrebi plesa i glazbe za ples tijekom antičkog svijeta svjedoče mnogi izvori, poput mitova, epova, slika i arheoloških podataka. Tako se opisi starogrčkih plesova nalaze kod Aristotela, Filostrata, u tragedijama Eshila, Sofokla, Euripida, u Aristofanovim komedijama itd.; Lucijan je napisao cijelu raspravu “Dijalog o plesu”. O plesovima Rimljana pisali su Ciceron i Horacije. U 2. polovici 1.st. PRIJE KRISTA. Indijski klasični ples dobio je teoretsko opravdanje, što ukazuje na visoku razinu njegove razvijenosti. Najstarija od sačuvanih indijskih rasprava, Natyashastra (Znanost o kazalištu, oko 1. st. pr. Kr.), ispitivala je probleme plesa, glazbe iu bliskoj vezi s problemima drame.

O prirodi plesova tog vremena govore i brojne slike plesača i plesača na bareljefima, u slikama na vazama i skulpturama.

U drevnim civilizacijama ples i glazba imali su veliku društvenu i ideološku ulogu. U Bibliji se mnogo spominje ples (na primjer, u pričama o kralju Davidu, koji je "skakao i plesao"). Poput glazbe, ples je često dobivao kozmogonijsku interpretaciju, duboko filozofsko razumijevanje i smatran je otkrivačem suštine stvari. Glazba i ples dobili su konotaciju ekskluzivnosti i nedostupnosti, a podrijetlo plesa smatralo se božanskim. U staroj Indiji ples se često nazivao plesom bogova. Prema hinduizmu, njihov tvorac i prvi izvođač bio je bog Šiva. U svojoj inkarnaciji kao Nataraja, on je, izvodeći kozmički ples, uništio sve staro u Svemiru i istovremeno otvorio novi ciklus života. U staroj Grčkoj raznoliki plesni oblici bili su usko povezani s kultom boga Dioniza: rituali, procesije i sakramenti, koji su bili masovne prirode, bili su jedinstvene koreografske kompozicije. S druge strane, ples i glazba za ples oduvijek su bili u središtu emotivnosti i erotike; ljubav je jedna od glavnih tema plesova svih naroda. Štoviše, osjetilno je načelo, prema prevladavajućim filozofskim konceptima, bilo oblik otkrivanja duhovne suštine.

Glazba i ples dugo su bili sredstva obrazovanja, pa je poučavanje ovih umjetnosti postalo rašireno u zemljama antičkog svijeta. Na prijelazu u 1. tisućljeće u Kini je veliki utjecaj imao konfucijanizam - službena ideologija tog vremena, koja je plesu pridavala posebnu važnost u etičkom odgoju čovjeka. Ples je u staroj Grčkoj imao visoku etiku, gdje se svrha plesa vidjela u usavršavanju i oplemenjivanju čovjeka. Zauzimajući značajno mjesto u životu naroda, koreografska umjetnost nije bila samo dio kulta (spori svečani plesovi u čast Apolona, ​​ekstatični bakhički plesovi posvećeni Bachusu itd.), nego i sredstvo odgoja (npr. "pir" - vojni atletski plesovi spartanskih mladića, koji doprinose skladnom razvoju tijela). “Ples razvija gipkost, snagu i ljepotu”, rekao je Platon. Aristotel je značenje plesa definirao sljedećim riječima: “Ples svojim ritmičkim pokretima oponaša moral, strasti i običaje i utjelovljuje nevidljivu misao.”

Općenito, podaci o plesnim žanrovima tog vremena prilično su raštrkani i malobrojni. Često se ne može govoriti o određenim žanrovima, već o skupinama žanrova koji se razlikuju ovisno o tome kakvu su svrhu imali u životu ljudi. S pojavom staleškog društva ples i glazba za ples dijele se na narodnu, svakodnevnu i profesionalnu (svečanu, kazališnu) varijantu.

Plesni žanrovi starog svijeta Narodni plesovi dugo su ostali povezani s radnim procesima, poganskim i svakodnevnim ritualima (plesne pantomime u staroj Kini i staroj Indiji, starogrčke dionizijske igre, ruske igre Maslenice itd.) i pratile su obitelj, grad i državni praznici, svaki događaj u životu čovjeka. Žanr narodnih plesova jedan je od najširih. Različiti po tematici, kompozicijskom oblikovanju i sastavu izvođača, imali su veliki utjecaj na nastanak scenskog plesa. Prije svega, valja istaknuti obredne plesove i igre koji odražavaju radne procese i koji su se dugo vremena izvodili u strogom skladu s vremenom određenih poljoprivrednih radova. Na primjer, često su u to vrijeme poljoprivrednici, pokušavajući izazvati kišu potrebnu za usjeve, rekreirali glazbene i plastične slike lebdećih oblaka, tutnjave grmljavine, tekućih potoka vode itd. Paralelno s temom rada otkrivaju i ljubavnu temu. Igre plesova dugo su zadržale tragove svakodnevnog života, rada i drevnih poganskih vjerovanja, a djelomično (u transformiranom obliku) preživjele su do danas (ruska igra pjesma-ples "A mi smo proso sijali"). U najstarije plesove spadaju i lovački plesovi, koji kopiraju pokrete i navike životinja i ptica i obično se izvode prije i poslije lova. Postavili su sebi jasan, jednostavan zadatak - magijom utjecati na rezultate lova, odnosno umilostiviti božanstvo, ojačati samopouzdanje i zastrašiti lovljenu životinju i tako pobijediti, dobiti hranu za sebe i pleme. Ludi skokovi, oponašanje navika životinje, zastrašujući krici i toptanje nogama stvarali su konvencionalnu sliku lova. Čovjek je vjerovao da mu ples stvarno, praktički pomaže u obavljanju jedne od najvažnijih funkcija u njegovom životu.

Međusobna borba naroda dovela je do međusobnih sukoba i potaknula ratne plesove. Često su to bile složene koreografske kompozicije koje reproduciraju bitke i različite borbene formacije. Sudjelovanje u njima značilo je pristanak na pohod. U rukama plesača bili su lukovi, strijele, štitovi, upaljene baklje, mačevi, koplja i strijele. Zapleti takvih herojskih plesova u pravilu su odražavali mitove i legende o herojima. Obredni, kultni plesovi odigrali su veliku ulogu u razvoju plesne umjetnosti, a posebno scenskog plesa. Štovanje apstraktnih sila prirode i obogotvorenje životinja, karakteristično za svjetonazor tadašnjeg čovjeka, odrazili su se u plesnim pokretima, čime su pridonijeli razvoju tehnika stilizacije i konvencija plastičnog jezika. Linije pokreta plesača, njihove geste i poze imale su tajanstveno sveto značenje. Čovjek je, želeći objasniti njemu nedokučive prirodne pojave, njihovu pojavu pripisivao volji tajanstvenih viših bića (božanstava) i, da bi postigao povoljne uvjete za svoj rad, na sve je moguće načine pokušavao ugoditi bogovima posebnim magijskim radnjama - rituali. Stari su Kinezi imali, na primjer, plesove žrtvovanja neba i njegovih duhova, plesove koji su oponašali kretanje vode koju vjetar potresa. Egipćani su imali astralni ples, koji je plesalo dvanaest svećenica oko oltara, prikazujući dvanaest znakova zodijaka. Kao obavezna komponenta božanske službe, vjerski plesovi imali su veličanstven, strog, svečan karakter; pokreti i glazba često su bili strogo regulirani i određeni osobitostima ceremonije. Nastale u dubinama svakodnevne umjetnosti, kasnije su znatno nadišle okvire primijenjenog žanra i za svoju izvedbu zahtijevale profesionalce u području plesa i glazbe. Profesionalizacija glazbene i plesne umjetnosti dovela je do pojave kazališnih (scenskih) plesnih žanrova. Za izvođenje takvih plesova i njihovu glazbenu pratnju bili su potrebni plesači i glazbenici visoke profesionalne razine (obično su odgajani od djetinjstva, primajući zvanje nasljeđivanjem). Na primjer, u indijskoj školi klasičnog plesa “Kathak” glazbenik je zapravo usmjeravao kretanje plesa, mijenjajući njegov tempo i ritam, a plesačičina vještina određena je njezinom sposobnošću da točno prati glazbu. U starogrčkoj tragediji već u 4. st. pr. e. Nastupili su profesionalni pjevači i plesači. Nije slučajno što su mnoge rasprave plesnoj umjetnosti postavljale visoke umjetničke zahtjeve. Lucijan je od “voditelja kola” zahtijevao poznavanje svih u to vrijeme poznatih znanosti i umjetnosti. „Moramo poznavati ritam i glazbu da bismo svojim pokretima dali mjeru, geometriju da bismo ih konstruirali, filozofiju i retoriku da bismo prikazali moral i pobudili strasti, slikarstvo i skulpturu da bismo sastavili poze i skupine; što se tiče mitologije, on mora savršeno poznavati događaje od kaosa i stvaranja svijeta do danas.” Posebno mjesto među plesnim žanrovima i oblicima antičkog svijeta i antike zauzima kolo - sinkretička vrsta narodne umjetnosti koja u različitim omjerima spaja glazbu (pjesmu ili instrumental), ples i igru. Kultna i svakodnevna kola opisivala su oblik kruga - najstariji savršeni oblik, koji je simbolizirao solarno božanstvo, ciklus prirode i smjenu generacija. Izvedbu ovog masovnog plesa pratila je zborska pjesma. Koreografski obrazac reproducirali su djevojke i mladići držeći se za ruke.

Drevni Egipt

U starom Egiptu velika se pažnja pridavala plesnoj umjetnosti. O tome svjedoče slike i reljefi na zidovima grobnica koji su sačuvani iz davnih vremena. Na njima se mogu vidjeti obredni plesovi, plesovi na svakodnevnim slavljima i povorke ratnika. U pravilu, pored plešućih ljudi postoji grupa glazbenika koji sviraju razne udaraljke, kao i najjednostavnije vrste puhačkih i gudačkih instrumenata. Na temelju pronađenih slika može se procijeniti stil drevnih egipatskih plesova. Prvo, primjetno je da najčešće muškarci i žene plešu odvojeno. Štoviše, neki istraživači smatraju da su većinu plesova izvodile žene. Među plesačima su uglavnom bili robovi ili svećenici nekih kultova, koji su izvodili samo mimički dio rituala. Drugo, pokreti su vrlo grafički, s elementima akrobacije, ali u isto vrijeme prilično elegantni. Formacije plesača unutar grupe odgovaraju geometrijskim oblicima (krug, kvadrat, trokut) ili ravnoj liniji. Treće, prevladavaju ritualni plesovi - religiozni, koji se održavaju u čast božanstava tijekom bogoslužja, te ritualni plesovi (na vjenčanjima i sahranama). Pokreti takvih plesova bili su strogo regulirani; svaki element improvizacije u izvedbi bio je potpuno isključen. Do danas su preživjeli podaci o Svetom astralnom plesu Zodijaka, koji je bio iznimno raširen među starim Egipćanima. N. Vashkevich u svojoj knjizi “Povijest koreografije svih vremena i naroda” daje sljedeći opis: “Noću, pod vedrim zvjezdanim nebom, oko oltara na kojem je gorjela vatra, dvanaest djevojaka, plesačica-svećenica , okupili se i, držeći se za ruke, obišli oko njega u kolu, prikazujući dvanaest znakova Zodijaka oko sunca (boga Ra), koje je žrtvenik predstavljao. Kolo se kretalo polako, baš kao što se kretanje svjetiljki događa polako; zatim je svaki izvođač oponašao ono što je bilo povezano s pojavom pojedinog zviježđa (tako je žetva jesenskih mjeseci prikazana odgovarajućim radosnim gestama itd.); Možda je u to vrijeme kolo prestalo, dajući vremena za mimičku igru. Gudačka glazba davala je ritam ovom sporom, jedva pokretnom plesu.” Isti autor daje primjer još jednog religijskog plesa - Ozirisovog plesa. Ona je “mimički izražavala ideje o veličini i milosti božanstva i često je zamjenjivana pantomimom, prikazujući na licima epizode rođenja, adolescencije božanstva, njegove ljubavi i sjedinjenja s Izidom i njegovog ubojstva zle braće; sve je to pratila polagana, svečana glazba. Ali tada se glazba i pjevanje, a nakon njih i ples, pretvara u fortissimo, izražavajući oduševljenje božanstvu: skakutanje širokim pokretima ruku, savijanje tijela, trešenje podignutih ruku... Ispred hrama, iz kojeg izvire kolosalni kip. Oziris je vidljiv i gdje se Apis predstavlja, plesači se počinju brzo okretati i padati ničice, a nakon njih svi ljudi padaju ničice.” U plesnoj kulturi starog Egipta, osim ritualnih plesova, istraživači identificiraju i druge skupine žanrova: - nereligiozni plesovi javnih proslava (na festivalima, na gozbama); - ples u haremima; - vojnički plesovi; - Ulični ples. Javni plesovi privilegiranih slojeva bitno su se razlikovali od plesova običnih ljudi - njihov stil izvedbe bio je svečan i staložen. Vjerovalo se da je općenito nepristojno za plemenitu osobu sudjelovati u plesovima na državnim praznicima; on bi trebao samo snishodljivo promatrati zabave običnih ljudi. Svojedobno je plesna zabava u visokom društvu starog Egipta bila čak i službeno zabranjena zbog prevladavajućeg mišljenja da ples negativno utječe na moral stanovništva i nema praktične koristi. Naprotiv, ples je bio iznimno popularan u narodu. Ne samo festivali, već i brojne procesije (na primjer, tijekom procesa rada) bile su ispunjene elementima plesa. Pokreti su se odlikovali većom prirodnošću, jednostavnošću i grubošću, a kompoziciju plesova karakterizirale su manje regulirane figure. Dugo se vremena plesna umjetnost u starom Egiptu razvijala izolirano, na temelju vlastite tradicije, praktički ne osjećajući utjecaj susjednih zemalja. Od 1500-1000 PRIJE KRISTA. u njemu su se uočljiva obilježja plesova Asirije, okolnih afričkih zemalja pa čak i Indije. S druge strane, ples Egipćana imao je obrnuti utjecaj na druge kulture (uključujući staru Grčku), kako izravno na koreografsku komponentu plesa (njegove pokrete, forme), tako i na njegovu umjetničku stranu (mitologija u osnovi plesova, itd.). ).

Stara Indija

Plesna umjetnost drevne Indije nastala je kao dio religijskog kulta. Hramovi koji su preživjeli do danas sadrže na svojim zidovima brojne skulpture i freske plesnih figura, kako običnih ljudi, tako i raznih bogova. Na primjer, na pročeljima Shivinog hrama u Chidambaramu (Južna Indija) skulpture su prikazane u svih 108 kanonskih mudri (položaja) klasičnog plesa Bharat Natyam. Čak i sama struktura hramova, u kojima su posebni prostori i dvorane bili namijenjeni za ples, svjedoči o golemoj ulozi plesa u životu Indijaca. Radnje hramskih plesačica devadasis (kasnije u europskoj tradiciji nazvanih bayaderes) i njihovih glazbenika imale su sveto značenje i simbolizirale su božansko prosvjetljenje, te su djelovale kao način za postizanje oslobođenja od beskonačnog lanca ponovnih rođenja. U brojnim mitovima i svetim staroindijskim tekstovima ples je dobio simboličko značenje i duboko filozofsko opravdanje. S tim u vezi, prije svega možemo spomenuti ideju plešućeg Shiva-Nataraje, čija se glavna misija - uništenje svjetova i njihovo naknadno stvaranje - ostvaruje kroz ples. Jedne od prvih plesačica u budističkim tekstovima su apsare - rajske ljepotice-plesačice u Indrinom kraljevstvu, koje su uz pomoć nenadmašnog plesa, pjevanja, sviranja i ljubavi bile pozvane da unište kraljevstva bogova i asketizam. od mudraca. Njihove slike bile su utjelovljene u mnogim freskama, skulpturama i reljefima drevnih indijskih hramova. Ples u Indiji dugo se dijeli na klasični i narodni. I ako su u “usmenoj” tradiciji postojali brojni narodni primjeri, pokreti klasičnog plesa bili su duboko razvijeni i kanonizirani već u 2.-1.st. PRIJE KRISTA. Tako traktat “Natyashastra” govori o “nritya” - ekspresivnom plesu pantomime, čija je osnova bila određena radnja (iz mitova, legendi), i o “nritti” - čistom plesu radi plesa, u kojem se izvođač se potpuno prepušta elementima ritma. Klasični stilovi indijskog plesa, koji je postao neizostavnim elementom staroindijskog kazališta, također su potekli iz ritualnih plesova. Tako su Bharata Natyam izvodili devadasi u Shivinim hramovima kao ples-molitva, ples-razgovor. U Kathaku, na temelju mitoloških priča iz života boga Krišne i njegove žene Radhe, brahmanski su svećenici kroz ples i pantomimu izložili povijest svoje vjere. Drugi ples, Manipuri, bio je posvećen odnosu boga Krišne i njegove žene Radhe. Kakhkali je umjetnička priča, pantomimska plesna drama, ilustrirana legendama iz staroindijskih epova Ramayana i Mahabharata.

Drevna grčka

Najviše proučavana i sistematizirana je plesna umjetnost antičke Grčke, čija je priroda shvaćena zahvaljujući velikom broju arheoloških nalaza (s brojnim slikama plešućih ljudi) i opisima u književnim izvorima. Istina, u većini slučajeva nalaze se samo kratki opisi plesova ili se spominju samo imena, pokazujući u čast kojim bogovima ili za koji događaj je ples izveden. Nazivi kako samih plesnih žanrova tako i pojedinačnih figura koji su preživjeli do danas su prilično brojni (preko 200). U pravilu, muškarci i žene u staroj Grčkoj plesali su odvojeno jedni od drugih, a samo su dječaci i djevojčice mogli formirati zajedničko kolo. Istraživači identificiraju sljedeće vrste plesova koji su postojali u staroj Grčkoj: - vjerski (umjereni i orgijastički); - gimnastičke i vojne, obrazovne svrhe; - izrazi lica; - kazališni; - ritual (na primjer, vjenčanje); - kućanstvo. Kao i kod drugih naroda antičkog doba, ples i razne vrste akrobatskih i gimnastičkih trikova bili su neizostavni atribut starogrčkog vjerskog kulta. Svako božanstvo moglo je imati svoj zasebni plesni ritual. Tako se među najranijim spomenima može pronaći podatak o plesu frigijskog podrijetla Aloenes, koji su izvodile Kibeline svećenice u čast njezine kćeri Cerere. Bilo je i drugih plesova ovog kulta - Anthema, Bookolos, Epicredros i mnoge lokalne varijante. Rašireni su bili plesovi koji su slavili Afroditu - pristojnu, suzdržanu, savršenu, baš poput svoje zaštitnice. Ritualne procesije u staroj Grčkoj također su bile popraćene plesom, glazbom i pjevanjem. Jedna od tih plesnih povorki bio je Komos, čiji su sudionici - komaste - izvodili ležerne i neozbiljne pokrete uz pratnju kitara i svirala. No možda najpopularnija u svakodnevnom životu starih Grka bila su religiozna slavlja posvećena Apolonu i Dionizu popraćena brojnim plesovima, raznolikih oblika i karaktera. Štoviše, plesovi povezani s Apolonovim kultom značajno su se razlikovali od plesova dionizijskih (bakanskih) svetkovina: u prvom slučaju njihov je stil bio ceremonijalniji, staloženiji i svečaniji; u drugom - slobodnije, strastvenije i čak erotično. Slična se suprotnost kasnije jasno očituje iu profesionalnoj umjetnosti, prvenstveno na području starogrčkog kazališta (plesovi tragedije i komedije). Među edukativnim gimnastičkim plesovima koji igraju veliku ulogu u poticanju hrabrosti i domoljublja kod mladih, mogu se istaknuti vojnički plesovi, a posebno piri (pirovi) i njima srodni piri. Vjeruje se da naziv "pirski" dolazi od riječi "pira", što znači vatra oko koje je Ahilej navodno plesao na Patroklovoj sahrani. Rani oblici pirika bili su poznati na Kreti još 2000-1500. PRIJE KRISTA e. Postupno prodirući u staru Grčku, piro je postao izuzetno raširen u svim njezinim krajevima, a posebno u Sparti i Ateni, gdje je bio jedan od elemenata u obrazovanju mladića i ratnika. Složeni pokreti gimnastičke prirode u ovom plesu trebali su pomoći skladnom razvoju ljudskog tijela. “Figure, pokreti i manipulacije oružjem u ritmu glazbe, uz zvuke frule, bili su vrlo raznoliki. Izvođači su reproducirali vojne akcije i pojedinačne bitke, kao u pravim bitkama” (Khudekov S. Povijest plesa. T. 1. St. Petersburg, 1913.). Kasnije su pirhu počeli izvoditi profesionalni plesači tijekom gozbe; njen karakter je dobio element čarolije i spektakularne raskoši, a naziv žanra počeo se koristiti u odnosu na bilo koji ansambl ples. Ratni plesovi uključuju frigijski ples Corybantum. Ime je dobio po mitskim prethodnicima svećenika Cybele ili Rhea u Frigiji, zvanim "Koribanti". Uz pomoć zvonjave oružja otjerali su mračne sile. Izvođači koji su portretirali Corybante plesali su goli, sa štitom i kacigom, a ponekad su dosegnuli isti mahnit kao Bacchante svećenice - Menade. Corybantum je također poznat kao Dance of the Curetes - tako su zvali Corybantes na Kreti. Pyrrhiha je također bila bliska drugoj vrsti starogrčkog plesa - gimnopediji. U biti gimnastičke vježbe uz zvukove flaute ili lire, izvodili su je goli mladići na agori u Sparti tijekom jednog od godišnjih praznika. Gimnopedijske figure sličile su pokretima i položajima koji se koriste u hrvanju i boksu. Kazališne predstave antičkih vremena bile su kombinacija dramske radnje, poetskih recitacija, pjevanja, plesa, gestikulacije i pokreta lica. Zboru je bilo povjereno pjevanje i plesanje u starogrčkoj drami. Njegovi pokreti (u pravilu nekada u jednom, nekada u suprotnom smjeru) mogli su biti koračnica u prirodi (parod i exod) ili kolo (stasim). Svaki tip kazališne predstave u staroj Grčkoj karakterizirao je svoj specifičan raspon plesnih žanrova. U plesovima tragedije nije bilo virtuoznih elemenata; pokrete glumaca karakterizirala je konvencionalnost i neaktivnost, a ekspresivnost gesta u življim epizodama. U komedijskim predstavama plesovi su bili virtuozni, tehnički složeni i često mahnitog, grubog, a ponekad i opscenog karaktera. Među brojnim žanrovima starogrčkog kazališta treba istaknuti nekoliko temeljnih - emmelia, kordak i sikkinida (Emmeleia) izvorno je kolo kultne namjene (često uz postelju umirućeg), svečano, veličanstveno i uzvišeno. u prirodi, sporim ili odmjerenim tempom. Za razliku od pirovih plesova, izvodile su ga žene i odlikovale su se ljepotom oblika i gracioznošću plastičnosti. Osobito su bili izražajni pokreti ruku plesača – složenog obrasca i izražajnog karaktera, dok su noge i tijelo bili relativno nepomični. Nastala kao vjerski ples, emmelia je kasnije postala sastavni dio starogrčke tragedije. Glavni plesni žanr komedije bio je kordax, čiji su pokreti uključivali različite vrtnje i skokove u mahnitom tempu. Iako je bila vezana uz sadržaj predstave, ipak nije bila jednostavna ilustracija radnje. Kordak se najvjerojatnije sastojao od umetnutih komičnih scena, svojevrsne koreografske bahatije. Zanimljivo je da se ovaj ples smatrao nedostojnim ozbiljnih muškaraca. Ples satirične drame - Sikinnis, koji je bio orijentiran na ukuse običnih ljudi i često predstavljao parodiju mnogih aspekata javnog života, imao je mnogo toga zajedničkog s njim. Osim samog plesa, u satiričnoj drami i komediji mogli su postojati pantomimski plesovi, u kojima su se svi obrati i zapleti radnje prenosili uz pomoć konvencionalnih gesta i izraza lica. U starogrčkim izvorima koji su se sačuvali do danas spominju se i sljedeći plesovi: Epilinios (Epilinios, Epilinios) - dionizijski ples koji se izvodio penjanjem na bačvu dok se nogama gnječilo grožđe. Imeneos (ime, Imeneos) - svadbeni ples mladenke s majkom i prijateljima. Odlikovao se svojim naglim karakterom, brzim tempom i prisutnošću mnogih zavoja. Ierakio - ženski ples na festivalima i proslavama u čast božice Ere. Hormos (Ormos, Hormos) prema Lucijanu bio je ples koji je povezivao muškarce i žene jednog za drugim u lanac. Povorku je predvodio mladić koji je kroz različite pokrete pokazao svoje plesne sposobnosti i vojnu obučenost. A djevojka koja ga je pratila bila je primjer pristojnosti za sve ostale plesačice. Iporchima je kritski ples, koji je kasnije postao raširen u Sparti, koji je spajao ples, pantomimu, pjevanje i glazbu. Izveli su je dječaci i djevojčice uz zvuke vlastitog pjevanja. Geranos je ples koji su također izvodili dječaci i djevojčice i koji je ilustrirao mit o Tezeju i labirintu. Pokreti su bili kružni (poput serpentina), figure su se izvijale, oponašajući zamršene hodnike labirinta. Na čelu povorke bio je glazbenik koji je svirao citru i glumio Tezeja. Naziv "geranos" - u prijevodu "ždral" - ukazivao je na to da su izvođači oponašali pokrete ove ptice, ponekad se saginjući i čučeći, ponekad se protežući do svoje pune visine. Iz pokreta i elemenata navedenih žanrova nastali su mnogi drugi plesovi koji su se koristili za javne proslave i blagdane, kao iu svakodnevnom životu naroda. Kasnije su većinu njih posudili stari Etruščani i Rimljani, ali su istodobno doživjeli značajnu transformaciju: u novim društvenim uvjetima plesovi su izgubili svoj prethodno visoko umjetnički izgled, nekadašnju gracioznost i ljepotu.

Stari Rim

Ples starog Rima naslijedio je tradiciju starogrčke umjetnosti helenističkog razdoblja. Međutim, oplemenjujuća i sveta svrha plesa postupno prestaje biti relevantna. Pod utjecajem ukusa i zahtjeva starorimskog društva, koje je težilo luksuzu i bogaćenju, ples postaje jednostavna zabava, gubeći strogoću i čistoću. Čak su i plesovi posuđeni od Grka stekli mnogo senzualniji, neozbiljniji, a ponekad čak i vulgaran karakter. U Rimu se, u doba procvata velikog carstva, osjećao utjecaj drugih plesnih tradicija – etruščanske, egipatske, azijske. Tako su neko vrijeme bili rašireni etruščanski obredni plesovi Lupercalia i Ambarvalia. Pirovi plesovi, ritualni plesovi (ali u čast rimskih bogova - na primjer, Mars, Venera), ritualni plesovi-procesije povezani s drevnim kultovima plodnosti i postupno prerasli u javne praznike (na primjer, Saturnalije) još su se izvodili. Opći stil ovih spektakala je kombinacija grandiozne ekstravagancije i ekstremnog naturalizma. Tako je Ples himena, koji su Rimljani posudili od Grka, bio toliko opscen spektakl da su vlasti čak zakonski progonile one koji su ga izvodili ili poučavali. Kazališne predstave starog Rima imale su sličan karakter. S vremenom je nedostatak bilo kakve estetske i filozofske osnove u shvaćanju plesa kao umjetnosti doveo do toga da se on jednostavno prestao razvijati. Time je pantomima došla do izražaja. U njoj je moglo sudjelovati od jedne do stotinu osoba. Glumeći pred publikom složene mitološke scene mimikom, gestama i pokretima (dok je zbor skriven iza pozornice pjevao i objašnjavao o čemu se radi), umjetnici su izvodili svojevrsni pantomimski ples. No, usprkos očitom kontinuitetu između plesa u starogrčkom kazalištu i rimske pantomime, pretjerani naturalizam i ilustrativnost nisu dopuštali da se pantomima uzdigne na razinu visoke umjetnosti, kakvu je dosegao klasični ples u staroj Grčkoj.

Članci o plesu ->

Prvi plesovi bili su vrlo česti među narodima starog svijeta, ali su, naravno, bili malo slični današnjima. Čovjek je raznim gestama i pokretima prenosio svoje osjećaje iz svijeta oko sebe, izražavajući u njima svoje duševno stanje, dojmove i raspoloženje. Pantomima, pjevanje i uzvici bili su neraskidivo povezani s plesom. Plesači su nastojali da izrazi lica, geste i svaki plesni pokret izražavaju neko djelo, radnju ili misao.

Nauči plesati" sirtaki " - jednostavno je.

Danas se starogrčki narodni ples "sirtaki" izvodi u cijelom svijetu, a ne samo kod Grka. Melodija sirtakija je svima poznata, plesni pokreti su jednostavni. Probati...

Izvođači stoje u redu (jedan ili više), zatvaraju krug, stavljaju ruke na ramena susjeda lijevo i desno. Tijelo treba biti ravno, noge ravne, pete zajedno.

Uvod. Na "jedan" koljena se brzo savijaju, na "dva" se brzo ispravljaju, na "tri" - "osam" ponavljaju se isti pokreti.

Kuckanje. Na "jedan" lagano iskoračite lijevom nogom ulijevo, lagano je podižući na "dva", polako pomaknite desnu nogu s lijeve. Na "tri" - "četiri" polako ponovite isti pokret udesno, na "pet" - "šest" polako ponovite isti pokret ulijevo. Na "sedam" - "osam", polako napravite isti pokret udesno, težina tijela treba ostati na lijevoj nozi.

Kretanje "tamo i natrag". U "jedan", polako izbacite desnu nogu naprijed s malim skokom na lijevoj nozi. Na "dva" polako prijeđite na desnu nogu, oslanjajući se na nju, lagano odskačući unatrag. Na "tri" polako napravite korak natrag lijevom nogom, oslanjajući se na nju; na "četiri" polako premjestite težinu tijela u stranu na desnu nogu. Na "pet" brzo napravite korak naprijed lijevom nogom, snažno savijajući koljena; na "šest" brzo prenesite težinu tijela natrag na desnu nogu. Na "sedam" brzo postavite lijevu nogu uz desnu, ostavljajući oslonac na desnoj nozi; na "osam" brzo pomaknite lijevu nogu na prste dijagonalno naprijed i udesno. Na “devet” ponovno brzo postavite lijevo stopalo uz desno, a na “deset” brzo pomaknite lijevu nogu dijagonalno naprijed i udesno, prenoseći na nju težinu tijela.

Bočni križni pomak u stranu. Na "jedan" brzo izbacite desnu nogu naprijed, na "dva" brzo stavite desnu nogu ispred i malo ulijevo od lijeve - prijeđite ulijevo i naprijed. Na "tri" brzo zakoračite lijevom nogom ulijevo, na "četiri" brzo postavite desnu nogu iza i malo ulijevo od lijeve - prijeđite ulijevo i natrag. Na "pet" brzo napravite korak lijevom nogom ulijevo, na "šest" ponovite pokret izveden na "dva". Na "sedam" - "dvanaest" izvodite iste pokrete kao na "jedan" - "šest", ali u drugom smjeru i na drugoj nozi, odnosno vraćajući se udesno. Ponovno ponovite pokret.

Zatim se izvodi pokret "naprijed-natrag", ali na koraku "jedan" tapnite desnom petom i brzo izbacite desnom nogom naprijed.

Savijanje koljena. Na "jedan" brzo prekrižite desnu nogu široko ispred lijeve i savijte koljena, na "dva" ostanite u istom položaju. Na "tri", brzo se uspravite, njišući tijelo "četiri", brzo prenesite težinu tijela na lijevu nogu. Na "pet" - ​​"osam" učinite isto što i na "jedan" - "četiri", ali s desnom nogom natrag i lijevo. Na "devet" izvedite isti pokret naprijed, na "deset" se uspravite i izvedite pokret "naprijed i natrag".

Plesovi drugih naroda bili su raznoliki i sadržajno bogati. Oštri rimski ratovi prvih stoljeća naše ere. Posebno su voljeli ratni ples u spomen na otmicu Sabinjanki, koji je, prema legendi, uveo Romul. Ciceron i Horacije pisali su o plesovima Rimljana u svojim raspravama.

Plesovi stare Grčke, sirtaki:

Tema 2

Plesna kultura starih civilizacija.

Ples antike. Ples antičke Grčke. Povezanost plesa i mitologije. Terpsihora. Vjerski, društveni, kazališni plesovi. Ples starog Rima. Ples mimova. Ples drevne Indije i starog Egipta.

Ples antike. Ples antičke Grčke. Povezanost plesa i mitologije. Terpsihora. Vjerski, društveni, kazališni plesovi.

U starim civilizacijama plesu i glazbi pripisana je duboka ideološka i društvena uloga (sredstvo odgoja, vjerskog štovanja, ljudskog oplemenjivanja).

Profesionalizacija glazbene i plesne umjetnosti dovela je do pojave kazališnih (scenskih) plesnih žanrova. Postupno se odvajajući od neposredne veze s radom i svakodnevnim ritualima, ples je dobio značenje umjetnosti, utjelovljujući ljepotu tijela, različita stanja ljudskog duha te se transformirao u kazališnu predstavu. Za izvođenje takvih plesova i njihovu glazbenu pratnju bili su potrebni plesači i glazbenici visoke profesionalne razine (obično su odgajani od djetinjstva, primajući zvanje nasljeđivanjem).

Plesna umjetnost antičke Grčke najviše je proučavana i sistematizirana, zahvaljujući ogromnom broju arheoloških nalaza (s brojnim slikama plešućih ljudi) i opisima u književnim izvorima. Istina, u većini slučajeva nalaze se samo kratki opisi plesova ili se spominju samo imena koja pokazuju u čast kojim bogovima ili u kojoj se prigodi ples izvodio.

Od država antičkog svijeta samo je Grčka bila posebno jasna da je ples, u svojim različitim oblicima, izraz ljubavi, veselja i zabave ljudi. U cijelosti, plesnu umjetnost, koju smo navikli nazivati ​​riječju "koreografija", Grci su izražavali riječju "orhestika". Sama grčka riječ "choreo" u doslovnom smislu znači ekstaza, pa se podjednako može odnositi na vjerske orgije i na sve vrste javnih i svakodnevnih plesova. U staroj Grčkoj umjetnosti su bile blisko povezane jedna s drugom. Zvali su Grci ritam red i proporcionalnost uočeni u pokretima tijela. Nazvali su isti red i proporcionalnost u odnosu na zvukove sklad. Jedinstvo ritma i harmonije Grci su izražavali riječju orchestika, odnosno ples, u našem razumijevanju.

Ples je zauzimao istaknuto mjesto u vjerskom, kućnom i društvenom životu Grka. Razne ulične procesije, slavlja, pa naposljetku, otajstva i sakramenti bili su u biti plesne predstave u kojima su ulogu vještih redatelja imali svećenici. A prve uloge dodijeljene su plesačici, kao najboljoj predstavnici pokretnog slikarstva i plastike.

Antički plesovi zadržali su do danas posebnu, očaravajuću čar koja leži u iznimnoj čistoći plastičnih oblika i skladu jasno definiranih linija. Slavni baletni reformator Noverre pokušao ih je objasniti; cijelo doba francuskog klasicizma nadahnulo je pionirku modernog plesa, Isadora Duncan.

Antički plesovi proizlaze iz simbola grčke mitologije. Kako god objašnjavali podrijetlo mitova, njihova bit ipak leži u činjenici da su bogovi Olimpa, posjedujući različite funkcije, u potpunosti upravljali dušom Grka, njegovim društvenim i moralnim životom, te su oblikovani u žive slike pomoću kojih Grk je imao gotovo pravu komunikaciju. Stoga je u grčkoj povijesti mitove teško razlikovati od stvarnosti, a plesovi koji su se izvodili uvijek su ostali neraskidivo povezani s mitologijom. Mitološki zaplet u potpunosti je dominirao antičkom koreografijom, te je poslužio kao bogat materijal za inspiraciju koreografima svih sljedećih stoljeća.

Mit je pružao obilnu hranu glazbenicima i pjevačima koji su slavili život olimpijskih bogova; mit je bio izvor filozofskih sustava za mislioce; mit su koristili povjesničari i pjesnici; i naravno, mit je imao ogroman utjecaj na grčku kreativnost u vizualnim umjetnostima i koreografiji.

Sve male stvari u svakodnevnom životu bile su pod brigom bogova. Zahvaljujući takvom zahvatu i slobodnom svjetonazoru starih Grka stvoren je poseban moralni kodeks koji nije imao ništa zajedničko s kršćanskim moralom. Neovisnost o vanjskim utjecajima i poštivanje isključivo vlastitih zakona i normi uvelike je pridonijelo razvoju ljepote u staroj Grčkoj. Tako se, oslobođena predrasuda, razvila polugola koreografija slobodnih tjelesnih pokreta. Ono što se može činiti nemoralnim za naše vrijeme bilo je prirodno za slobodnog, neovisnog Grka koji je vjerovao u svoje ideale. Na primjer, u grčkim školama (palestra), gdje je Grk vježbao svoje tijelo za najbolji izraz duha, sve su tjelesne vježbe izvodili oba spola, i štoviše, gotovo potpuno goli. Osjećaj lažnog srama i stida vlastitog tijela izgubljen je od djetinjstva. Plesovi, čak i uz potpunu odsutnost kostima na izvođačima, predstavljali su čistoću morala vrijednu poštovanja, uvijek su bili smisleni, sadržavali su naglašeno duhovno raspoloženje.

Antički filozofi tvrde da grčki plesovi imaju božansko porijeklo. Doista, Grci su na božanstvo gledali kao na sklad svijeta, pa bi stoga najbolje sredstvo za njegovo veličanje trebali biti ispravni, proporcionalni pokreti tijela, kao pokazatelji stalnog kruženja sila prirode.

Postoje mnogi mitovi o podrijetlu plesa u staroj Grčkoj, ali svi su se spojili u jednu zajedničku ideju, zbog koje je umjetnost koreografije izražena u ženskom božanstvu - Terpsihori, jednoj od devet muza koje su okruživale Apolona. Terpsihora, tj. "ljubavni ples" (od riječi "zabavljam", "plešem"), personificirala je simbol plastične ljepote i sklada. Prema Grcima, Terpsihora je predsjedavala grčkim zborovima pjevača, glazbenika i plesača. Prikazivali su je ili s lirom u rukama ili s tamburinom, a glava joj je bila ukrašena perjem i cvijećem.

Grci su ples shvaćali vrlo široko, i kao gimnastiku, i kao odgojno sredstvo, i kao način liječenja tijela, i kao mimičku umjetnost.

Istraživači ističu sljedeće vrste plesova koja je postojala u staroj Grčkoj:

Religiozno (sveto);

Gimnastičke i vojne (obrazovne svrhe);

Mimic;

Kazališna (pozornica);

Ritual (vjenčanje);

Kućanstvo.

Kao i kod drugih naroda antičkog doba, ples i razne vrste akrobatskih i gimnastičkih trikova bili su neizostavni atribut starogrčkog vjerskog kulta. Svako božanstvo moglo je imati svoj zasebni plesni ritual. Plesovi koji su slavili Afroditu bili su široko rasprostranjeni. Bili su to pristojni, suzdržani i savršeni plesovi, baš kao i njihova zaštitnica.

Ritualne procesije u staroj Grčkoj također su bile popraćene plesom, glazbom i pjevanjem. Jedna od tih plesnih povorki bila je Komos(Komos), čiji su sudionici - komasti - izvodili opuštene i frivolne pokrete uz pratnju citara i flauta.

No možda najpopularnija u svakodnevnom životu starih Grka bila su vjerska slavlja posvećena Apolonu i Dionizu. Pratili su ih brojni plesovi, različiti po obliku i karakteru. Štoviše, plesovi povezani s kultom Apolona bili su ceremonijalni, svečani, mirni, dok su plesovi dionizijskih svetkovina imali slobodan, strastven, pa čak i erotski karakter. Slična se suprotnost kasnije jasno očituje iu profesionalnoj umjetnosti, prvenstveno na području starogrčkog kazališta (plesovi tragedije i komedije).

Među edukativnim gimnastičkim plesovima koji imaju veliku ulogu u poticanju hrabrosti i domoljublja kod mladih, posebno se mogu istaknuti vojnički plesovi. Pyrrhikhu i srodnih pirovih plesova. Rani oblici pirika bili su poznati na Kreti još 2000-1500. PRIJE KRISTA e. Postupno prodirući u staru Grčku, piro je postao izuzetno raširen u svim njezinim krajevima, a posebno u Sparti i Ateni, gdje je bio jedan od elemenata u obrazovanju mladića i ratnika. Složeni pokreti gimnastičke prirode u ovom plesu trebali su pomoći skladnom razvoju ljudskog tijela. Figure, pokreti i manipulacije oružjem uz ritmove glazbe, uz zvuke frule, bili su vrlo raznoliki. Izvođači su reproducirali vojne akcije i pojedinačne bitke, kao u pravim bitkama. Kasnije su pirhu počeli izvoditi profesionalni plesači tijekom gozbe; njen karakter je dobio element čarolije i spektakularne raskoši, a naziv žanra počeo se koristiti u odnosu na bilo koji ansambl ples.

Frigijski ples može se klasificirati kao ratni ples. Corybantum. Ime je dobio po mitskim prethodnicima svećenika Cybele ili Rhea u Frigiji, zvanim "Koribanti". Uz pomoć zvonjave oružja otjerali su mračne sile. Izvođači koji su portretirali Koribante plesali su goli, sa štitom i kacigom, a ponekad su dolazili i do točke ludila.

Pyrrhiha je također bila bliska drugoj vrsti starogrčkog plesa - Gimnopedija. U biti su to bile gimnastičke vježbe uz zvukove flaute ili lire. Izvodili su je goli mladići na agori u Sparti tijekom jednog od godišnjih festivala. Gimnopedijske figure sličile su pokretima i položajima koji se koriste u hrvanju i boksu.

Kazališne predstave antičkog doba bile su kombinacija dramske radnje, poetskog govora, pjevanja, plesa, gesta i pokreta lica. Zboru je bilo povjereno pjevanje i plesanje u starogrčkoj drami. Njegovi pokreti odvijali su se u pravilu u jednom, zatim u suprotnom smjeru, a mogli su biti marširanje u prirodi ili ples.

Svaka vrsta kazališne predstave u staroj Grčkoj imala je svoj specifični krug plesnih žanrova. U plesu tragedija Nije bilo virtuoznih elemenata, pokrete glumaca karakterizirala je konvencionalnost i neaktivnost, a ekspresivnost gesta u animiranijim epizodama. U komedija U izvedbama su plesovi bili virtuozni, tehnički složeni i često mahnitog, grubog, a ponekad i opscenog karaktera.

Među brojnim žanrovima starogrčkog kazališta treba istaknuti nekoliko temeljnih - emmelia, cordacium i syckinidae.

Emmelia- izvorno kolo plesa kultne namjene (često uz krevet umiruće osobe), svečanog, veličanstvenog i uzvišenog karaktera, u sporom ili odmjerenom tempu. Za razliku od pirovih plesova, izvodile su ga žene i odlikovale su se ljepotom oblika i gracioznošću plastičnosti. Osobito su bili izražajni pokreti ruku plesača – složenog obrasca i izražajnog karaktera, dok su noge i tijelo bili relativno nepomični. Nastala kao vjerski ples, emmelia je kasnije postala sastavni dio starogrčke tragedije.

Glavni plesni žanr komedije bio je Cordak,čiji su pokreti uključivali razne vrtnje i skokove u mahnitom tempu. Iako je bila vezana uz sadržaj predstave, ipak nije bila jednostavna ilustracija radnje. Kordak se najvjerojatnije sastojao od umetnutih komičnih scena, svojevrsne koreografske bahatije. Zanimljivo je da se ovaj ples smatrao nedostojnim ozbiljnih muškaraca.

Ples satirične drame imao je mnogo toga zajedničkog s njim - sikkinida, fokusirajući se na ukuse običnih ljudi i često predstavljajući parodiju mnogih aspekata javnog života.

Treba napomenuti da su u svim grčkim plesovima dominirali izrazi lica. Bila je neraskidivo povezana s mehaničkim pokretima. Prema istraživačima, grčki ples cijelo vrijeme "oponaša". Nema druge nacije u kojoj su ples i mimika tako blisko povezani. Grk u plesu ne vidi samo prirodnu želju za kretanjem, nego također osigurava da svaki gimnastički pokret odgovara usmenom govoru. Svakoj gesti pridavao je posebno simboličko značenje. Dakle, grčki ples je tihi, animirani razgovor, pokrenut ritmičkim pokretima.

Memi(od starogrčkog - "imitacija") - scenski nastupi masovne prirode po ukusu gledatelja iz nižih slojeva, nastupi akrobata i mađioničara itd., scene s pjevanjem i plesom, i na kraju cijela stvarna satirična farsa . Glumci u ovoj vrsti kazališta nazivani su i mimovima.

Nastao među širokim masama u različitim mjestima Grčke, mim je bio smiješne scene sa živim dijalogom, koje su bile izvučene iz života malih obrtnika, seljaka i njima bliskih slojeva. Ovaj se žanr široko razvio u helenističkom razdoblju Grčke u 4.-3. stoljeću. PRIJE KRISTA. U to vrijeme mimovi nisu stvoreni za pozornicu, već samo za zabavno štivo i ušli su u orbitu interesa ne samo obrtnika, već i viših društvenih slojeva.

Mimi su također postali rašireni u starom Rimu. Nakon što su dugo cvjetali na jugu Italije i postojali u Rimu kao masovno kazalište, mimi su čvrsto zauzeli pozornicu krajem 2. i 1. stoljeća. Kr., kada su ih pobjede demokracije izoštrile kao oružje klasne borbe, učinivši kazalište mjestom društveno-političke satire. Odražavajući život malih zanatlija (bojača, izrađivača užadi itd.), ti su memi često usmjereni protiv vladajućih klasa - velikih zemljoposjednika itd. - ponekad s oštrom satirom na religiju. Ovdje su prevladavale najbezobraznije priče. Tradicionalni lik mima bio je budala, obasut svim vrstama zlostavljanja; u tekst često upada improvizacijski element na temu dana. Kao klasni žanr nižih staleža, rimski mim pisan je jezikom ovih slojeva sa svim vulgarizmima i slengom gradskih krčmi.

Dokazi su u skulpturi i vaznom slikarstvu, u djelima pjesnika, pisaca i umjetnika. Podjela na sudionike i gledatelje, slobodne u svojim željama - plesati ili ne plesati, gledati ili ne gledati. Ritual je počeo zamjenjivati ​​fizički i zabava. Cijeli život Grčke prožet je euritmijom. Ples je bio jedna od obrazovnih disciplina, a odrasli i punopravni građani nastavili su učiti. Ples je za gledatelje, a ne za zadovoljstvo skakanja i ne za vlastitu zabavu. Svi građani su posjedovali neku plesnu tehniku. Pet skupina: ratni plesovi - obredni i poučni; kultni umjereni - emmelia, ples vela i plesovi karijatida, kao i plesovi pri rođenju, vjenčanju i sprovodu; orgijski ples; javni plesovi i kazališni plesovi; ples u svakodnevnom životu. Sveti plesovi odražavali su određene dane radne kalendarske godine. Dva su glavna plesna kulta: “svijetli” u čast boga Apolona i “tamni” u čast boga Dioniza. Vojni plesovi u staroj Grčkoj imali su veliku ulogu u usađivanju hrabrosti, domoljublja i osjećaja dužnosti kod mladih ("pirihion", "pirih") Društveni i svakodnevni plesovi (kućni, gradski, seoski) pratili su obiteljska i osobna slavlja, gradske i Nacionalni praznici. Scenski plesovi Dr.Gr. bili su dio kazališnih predstava, a svaki je žanr imao svoje plesove: emmelia je karakteristična za tragediju, cordak za komediju, a sikkanida za satiričnu dramu. Ples vela i ples karijatida. Sikkanida Kubiki - akrobatski plesovi. Mina mima.

Plesna tehnika H. Limona.

Jose Arcadio Limon rođen je 12. siječnja 1908. godine u meksičkom gradu Culiacanu i bio je najstariji od dvanaestero djece u obitelji. Godine 1915., u dobi od 7 godina, emigrirao je s roditeljima u SAD, u Los Angeles.

Nakon što je završio srednju školu Lincoln, Limon je upisao Kalifornijsko sveučilište u Los Angelesu kako bi studirao likovnu umjetnost. Godine 1928. preselio se u New York, gdje je započeo studij na New York School of Design. Godine 1929., nakon što je vidio nastup učenika Rudolfa von Labana, Harolda Kretzberga i Yvonne Giorgi, Limón se zainteresirao za ples.

Počevši studirati u školi Doris Humphrey] i Charlesa Weidmana], godinu dana kasnije debitirao je na Broadwayu. Istodobno, Limon se prvi put okušao i kao koreograf: za sebe i Laetitiu Ide postavio je “Etidu u d-molu” kao “statisti”;

Tijekom 1930-ih Lemon je plesao s trupom Humphrey-Weidman, sudjelujući u produkcijama Doris Humphrey i Charlesa Weidmana, a radio je i na Broadwayu: 1932.-1933. nastupao je u reviji Americana i u mjuziklu Irvinga Berlina. Dok tisuće navijaju(koreografija Charlesa Weidmana), surađivao je kao koreograf s New Amsterdam Theatreom.

Godine 1937. Lemon je sudjelovao u programu Bennington Dance Festivala. Na festivalu 1939., održanom na Mills Collegeu, stvorio je svoje prvo veliko koreografsko djelo, Meksičke plesove ( Danzas Mexicanas).

Sljedeće godine Lemon je nastupio kao solist u reviji “Don’t Walk on Lawns” (koreografija Georgea Balanchinea).

Godine 1941. napustio je trupu Humphrey-Weidman da bi surađivao s May O'Donnell]. Zajedno su postavljali djela kao npr Ratna lirika I Podizač zavjesa međutim, onda se vratio Humphreyu i Weidmanu. Otprilike u to vrijeme upoznao je Pauline Lawrence i vjenčali su se 3. listopada 1942. Iste godine, zajedno s Mary-Ellen Moylan, Lemon je plesao u mjuziklu Rosalind (u koreografiji Georgea Balanchinea), koji je postao posljednja predstava na Broadwayu s njegovim sudjelovanjem.

Zatim je stvarao numere o klasičnoj glazbi i folklornim temama u Studio Theatreu, sve dok u travnju 1943. nije unovačen u Specijalnu službu američke vojske], stvorenu 1940. posebno za održavanje duha vojnika tijekom rata. Tijekom svoje službe surađivao je sa skladateljima kao što su Frank Loesser i Alex North], te stvorio nekoliko produkcija od kojih je najpoznatija Koncert Grasso.

Nakon odsluženja vojnog roka 1946. Limón je dobio američko državljanstvo.

Godine 1947. Limón je osnovao vlastitu trupu, José Limón Dance Company ( José Limón Dance Company), čije je umjetničko vodstvo ponudio Doris Humphrey (tako je Limonova trupa postala prva američka moderna plesna kompanija čiji umjetnički ravnatelj nije ujedno i njezin osnivač). Trupa, čiji su plesači bili Paolina Kohner, Lucas Howing, Betty Jones, Ruth Carrier i sam Limón José, debitirala je na Bennington College Festivalu u produkcijama Doris Humphrey Jadikovati I Priča o čovječanstvu.

Plesač i koreograf Louis Falco također je plesao s trupom između 1960.-1970., a 1974.-1975. nastupio u "Mavarovoj pavani" u režiji Josea Limona zajedno s Rudolfom Nurejevim. Radeći s Humphreyjem, Lemon je razvio repertoar i postavio principe vlastitog stila. Godine 1947. trupa je debitirala u njujorškom kazalištu Belasco s Humphreyjevom produkcijom Dana na Zemlji. Godine 1948. trupa je prvi put nastupila na Festivalu američkog plesa Collegea u Connecticutu, a potom je na njemu sudjelovala niz godina. Nakon što je postavio "Mavrovu pavanu", Limón je dobio godišnju nagradu Dance Magazina za izvrsnu koreografiju. U proljeće 1950. Limon i njegova trupa nastupaju u Parizu s Page Ruth, postavši prvi predstavnici američkog modernog plesa u Europi. Za Limonova života njegova je trupa obišla cijeli svijet, a nastavila je s radom i nakon njegove smrti.

Godine 1951. Limon se pridružio fakultetu Juilliard School, gdje je stvoren novi pravac plesa. Također je prihvatio poziv Nacionalnog instituta za likovnu umjetnost u Mexico Cityju, za koji je napravio šest produkcija. Između 1953. i 1956. Limon je koreografirao i izvodio uloge u predstavi Ruševine i vizije I Ritmo Jondo Doris Humphrey. Godine 1954. Limónova trupa postala je jedna od prvih koja je iskoristila Međunarodni program studentske razmjene američkog State Departmenta i obišla Južnu Ameriku. Ubrzo su krenuli na petomjesečnu turneju po Europi, Bliskom istoku, te ponovno Južnoj i Srednjoj Americi. Tijekom tog vremena, Lemon je dobio svoju drugu nagradu Dance Magazine.

Godine 1958. umrla je Doris Humphrey, koja je sve ove godine bila umjetnička voditeljica trupe, a na njezino je mjesto morao sam doći Jose Limon. Od 1958. do 1960. nastaju zajedničke produkcije s Poalinom Koner. Tijekom tog vremena Lemon je dobio počasni doktorat Sveučilišta Wesleyan. Godine 1962. trupa je nastupila u Central Parku na otvaranju New York Shakespeare Festivala. Sljedeće godine, pod pokroviteljstvom američkog State Departmenta, trupa je napravila dvanaestotjedno putovanje na Daleki istok, nastupajući u produkciji Deamon, čija je glazbena pratnja pripala skladatelju Paulu Hindemithu. Hindemith je osobno dirigirao premijerom.

Godine 1964. Limón je dobio nagradu tvrtke Capezio te je imenovan umjetničkim ravnateljem American Dance Theatre u Lincoln Centeru. Sljedeće godine Limón se pojavio u nacionalnom obrazovnom televizijskom programu pod nazivom José Limón Dance Theatre. Nekoliko godina kasnije osnovao je zakladu Jose Limon Dance Foundation, te dobio još jedan počasni doktorat Sveučilišta Sjeverne Karoline. Godine 1966., nakon nastupa s trupom u Washingtonskoj katedrali, Limón je primio vladinu potporu od 23.000 dolara od Nacionalne zaklade za umjetnost. Sljedeće godine Limón je radio na koreografiji za produkciju Psalam, što mu je donijelo počasni doktorat Colby Collegea. On i njegova trupa također su pozvani da nastupe u Bijeloj kući za predsjednika Lyndona Johnsona i marokanskog kralja Hassana II. José Limón se posljednji put pojavio na pozornici kao plesač 1969., kada je nastupio u produkcijama The Traitor i The Moor's Pavane Brooklynske akademije za glazbu. Iste godine dovršio je još dva rada i dobio počasni doktorat Oberlin Collegea.

U početku je ples bio kompleks koji se sastojao od izraza lica, gesta, pokreta tijela i nogu.

U davnim stoljećima izrazi lica - prvi jezik čovječanstva - bili su neraskidivo povezani s plesnom umjetnošću. Štoviše, svi pokreti u davna vremena nazivani su samo plesom! Grci nisu prepoznavali ples samo kao izgovor za ritmične pokrete i lijepe poze - naprotiv, nastojali su osigurati da svaki plesni pokret izražava neku misao, radnju, djelo, nešto što govori gledatelju. A španjolski plesovi i dan danas svojom superekspresivnošću ponekad mogu prenijeti puno više od običnog ljudskog govora. Vjerovalo se da su ljudi u davna vremena plesali jer su bogovi vukli ljude za konce vezane za ruke i noge. Ples je zapravo nastao iz potrebe primitivnih ljudi da komuniciraju i prenose neke vitalne informacije. Kopirajući pokrete životinja, primitivni ljudi su pokušavali proniknuti u mentalno stanje ove životinje, shvatiti njenu “bit” koja je primitivnim ljudima značajno pomagala u lovu, a samim time bila je i neophodna za preživljavanje!

Primitivni ples je, naravno, nastao iz emocija i bio je izravno povezan s akutnim iskustvima. U početku su plesovi sadržavali i određeni element igre: u prirodi, u drugom “ja”, u “novom” i dobro zaboravljenom “starom”. Primitivni čovjek bio je obdaren s nekoliko pokreta, ali svaki je dan donosio nove poteškoće, zbog čega su se razvili algoritmi ponašanja i tipizacija novih gesta. Jedan od načina nadopunjavanja drevnog plesnog arsenala bilo je imitiranje pokreta životinja. Osnova primitivnih plesova bila je magija i ritual. Pokreti koji su se izvodili tijekom obredne radnje uvijek su bili nekako usmjereni i imali su strogo određenu svrhu. Ples je ovdje djelovao kao sredstvo dovođenja u specifično stanje, drugačije od svakodnevnog života. Ples je tako bio svojevrsni kanal u nepoznato i djelovao je kao prilika za kontrolu iracionalnih aspekata ljudskog života.

Svaki ples kod starih označavao je vezu osobe sa snažnim kozmičkim energijama potrebnim da doživi važne, prekretničke događaje u svom životu: rođenje - ulazak u odraslu dob - vjenčanje - rođenje potomstva - lov - rat - smrt. Odnosno, nisu plesali zbog viška snage, već da bi je stekli.

Totemski plesovi, koji su trajali nekoliko dana, obično su bili scenarij mitova o fantastičnim putovanjima iz života prvih predaka. U totemskim plesovima različitih plemena jasno se očituje njihova glavna značajka - potpuna asimilacija totemu. Rječnik totemskog plesa određen je prirodom plastičnosti određene vrste životinje, ptice ili kukca. Ti su plesovi uvijek bili dinamični po svojoj strukturi, s naglaskom na pokrete, a ne na poze. U totemskim plesovima osoba se doslovno transformirala, postajući sličnija životinji koja je prikazana nego sebi (to jest, izvana je plesač poprimio životinjske osobine). Ovi drevni plesovi također su uključivali scene iz scena lova, igre s pticama i životinjama. Najstariji ljudi znali su vješto kopirati navike životinja, kao da se pretvaraju u njih u plesu. Takva je transformacija, po njihovom mišljenju, pomogla da se stekne hrabrost i izdržljivost karakteristična za ovu ili onu životinju. Svako pleme je imalo svoju svetu životinju, koju su obožavali, u čiju čast su plesali dok ne bi pali. Za to ih je u borbi nagradio svim svojim vrijednim osobinama, donoseći sreću i pobjedu. Svaki je imao od deset do trideset vrsta muških lovačkih plesova, svaki s posebnim nazivom, posebnim pjesmama, glazbalima, koracima, figurama i nošnjama sudionika. Svaki je pokret imao svoje sveto značenje.

U lovačkim plesovima muškarci su vježbali svoju moć zapažanja, učili pratiti životinje i kamuflirati se, odnosno u plesu se odvijala psihička i fizička priprema koja je pridonosila uspjehu u lovu.

Što se tiče ženskih rituala, oni su bili jedni od najraširenijih u umjetnosti gornjeg paleolitika. Rituali vatre i razmnožavanja, biljnih sila prirode, razmnožavanja životinja i uspjeha u lovu bili su povezani sa slikom žene u njezinim oblicima. Među nekim plemenima jugozapadne Afrike, veliku povorku s bakljama, organiziranu tijekom neuspješnog lova, predvodila je samo Velika žena. Osim ženskih plesnih rituala povezanih s kultom plodnosti, bili su rašireni plesovi u kojima su žene bile utjelovljene u slici jedne ili druge biljke korisne za pleme.

Žene su izvodile ratne plesove ili s oružjem u rukama, s vremena na vrijeme bacajući ga naprijed (što je simboliziralo potjeru za neprijateljem u bijegu) i natrag (čime se željelo udaljiti vlastite muževe od opasnosti). Često su se ovi plesovi izvodili s ritualnim bijelim metlama napravljenim od repa bivola ili konja - žene su široko mahale tim predmetima tijekom plesa (kako bi njihovi muževi "počistili" svoje neprijatelje s lica zemlje). Ratni plesovi oduvijek su bili najznačajnije ritualne radnje plemena. Izvodile su se bez prekida, dan i noć, sve dok se muškarci nisu vratili iz pohoda.

Najstariji i najrašireniji simbolički znak u plesu bilo je kolo. Oblikovanje u krug smatralo se talismanom protiv zlih sila i jamčilo uspješan ishod obreda. U lovačkim plesovima kolo je značilo krug, u poljoprivrednim plesovima simboliziralo je plodnost. U krugu su se liječili i vjenčavali. Međutim, kolo nije jedini poznati oblik masovnog plesa. Linije su također bile raširen oblik plesne izvedbe, posebice vojničkih. Plesovi starih također su reproducirali tako složene figure kao što su labirint i crtež puzeće zmije.

Za primitivnog čovjeka stvarnost i fikcija bile su jednake. I nije slučajno da su ritualne radnje mogle trajati nekoliko tjedana - što znači da je bilo vitalno potrebno!
Ali postupno se ritualni početak, u kojem je ples imao duboko značenje, počinje zamjenjivati ​​čisto tjelesnim, zabavnim. Tako je došlo do glatkog prijelaza iz primitivnog plesa u drevni ples.

U Grčkoj su plesali svi: od seljaka do Sokrata. Ples nije bio samo jedna od odgojnih disciplina, već su ga rado nastavili učiti i odrasli. Svi plesovi antike izvodili su se za gledatelje, a ne za zadovoljstvo i osobnu zabavu. Procjenjuje se da je ukupan broj starogrčkih plesova veći od dvije stotine. Konvencionalno se mogu svrstati u pet skupina:
- ratni plesovi - obredni i edukativni;
- umjereni kultovi - emmelije, ples velova i plesovi karijatida, kao i plesovi pri rođenju, vjenčanju i sprovodu;
- orgijski plesovi;
- javni i kazališni plesovi;
- ples u svakodnevnom životu.

Obilježimo najznačajnije plesne skupine:

A) Ratni plesovi
„Pir“ je jedan od najupečatljivijih ratnih plesova. Bio je poznat i kao "pirihij", "pirih". Nastala je u Sparti. Ovaj ples počeli smo učiti s pet godina. U suštini, piriha je virtuozan ples sa mačevima i štitovima. Pir je bio jedna od omiljenih gozbenih zabava, osobito kad su ga izvodile plesačice.

B) Kultni plesovi
Emmelia je vrlo odmjeren ples u sporim ritmovima, poput kola i farandola.

Življi su ples vela i ples karijatida. Karijatide su iste one plesačice koje su u svojim plesovima prve upotrijebile tehniku ​​plesa na špic cipelama. Doista, špic cipele su se koristile u antici, ali nisu bile slične modernim. Antikne špic cipele stoje na vrhovima prstiju, ali bose, bez posebnih cipela. I muškarci su plesali na ovaj način.

B) Kazališni plesovi
Svaka od tri vrste kazališnih predstava klasičnog doba imala je svoj ples: tragediju karakterizira emellia; za komediju - kordak; za satiričnu dramu – sikkanida.

Plesove kao spektakularnu zabavu vodili su mimičari (bufoni, klaunovi, akrobati, žongleri). Bez njih nije prošla ni jedna gozba bogatih i uglednih građana. Nabrojimo karakteristične značajke virtuoznog mimičkog plesa:
- tehnika se temelji na okretanju nogu;
- vježbali ples na špic cipelama i razne poskoke;
- omiljeni način - oštar zaokret tijela u ravninu okomitu na noge;
- akrobatski kubizam (ples na rukama u različitim pozama) i virtuozni pirov stil karakteriziraju plesači;
- popularan je ples s šalicama i košarama;
- karakteristična tehnika u grčkim plesovima je savijanje šake prema gore pod pravim kutom.

Grci su također imali cijeli sustav, složenu tehniku ​​sviranja rukama u plesovima - kironomiju. Ruke su uvijek govorile konvencionalnim jezikom čiji je ključ danas, nažalost, izgubljen.
Ritualni plesovi u staroj Grčkoj vrlo su raznoliki, ali se konvencionalno dijele na dva glavna plesna kulta: "svjetlo" u čast boga Apolona i "tamno" u čast boga Dioniza. Ostatke starogrčkih ritualnih plesova u čast Apolona i drugih svjetlosnih bogova možemo promatrati u običnom dječjem novogodišnjem kolu. Jedina razlika je u tome što predmet obožavanja nije kip, već stablo smreke. Korijenska veza ovih rituala seže u davna vremena, kada je bilo uobičajeno provoditi ritualno čišćenje prije početka Nove godine. Međutim, u antičkom su svijetu postojali i drugi plesni rituali koji su koncentrirali upravo sve ono što je izbačeno iz svečanog apolonskog kulta: nered gesta, nadmoć tijela nad duhom. Sve mračno i opsceno izlilo se na festival posvećen Dionizu, bogu plodnosti.

Razvoj plesa u starom Rimu, njegova razlika od starogrčkog plesa.

Dok je Grčka svaku proslavu slavila raznim plesovima, stari Rimljani su koristili samo ratničke i divlje plesove. Ako su stari Grci u različitim vrstama svojih plesova kombinirali i racionalna i orgijastička načela, onda su se stari Rimljani, po svemu sudeći, odlikovali racionalnijim načinom razmišljanja. To može potvrditi činjenicu da o starorimskim plesovima gotovo da i nema detaljnijih dokaza.

Analiza kulture Starog Rima pokazuje nam jasnu podjelu na kulturu “elite” i kulturu običnih narodnih masa. To se nedvojbeno odrazilo i na razvoj plesne kulture. Ako nemamo podataka o plesovima elite, onda postoji mnogo referenci na plesove robova. Tek kasnije, za vrijeme vladavine Nume Pompilija, nimfa Egerija dala je Rimljanima nova pravila za nove plesove. Bili su to salijski plesovi, za koje je izabrano dvanaest svećenika među predstavnicima plemićkih obitelji - morali su plesati u hramovima, slaveći bogove i heroje.
Osim toga, piro je procvjetao u Rimu. Istina, riječ "pira" ovdje je dobila novo značenje - tako se počeo nazivati ​​ansambl ples općenito, za razliku od solo plesa.

U Etruriji, koja je bila civiliziranija, sve su umjetnosti cvjetale davno prije osnutka Rima - bilo je izvrsnih mimičara i širok izbor plesova. Iz ove su zemlje u Rim dolazili plesači koji su svoje bizarne plesove pratili na flautama - zvali su ih histrioni (od riječi "histor", što je značilo "mitski glumac"). Tijekom svojih nastupa izgovarali su čitave pjesme, a sva rimska mladež počela ih je oponašati. Rimljani su najviše zavoljeli pantomimu: još uvijek su bili zgroženi orgijastičkim početkom dionizijskih svečanosti, a od apolonskih ritmova ostavili su samo kulturu lijepe geste (starorimski izrazi lica koriste se gotovo nepromijenjeni do danas). ). Rimljanska strast za pantomimom i divljenje određenim izvođačima dosegli su točku da je tijekom vladavine Augusta cijeli Rim bio, takoreći, podijeljen u dva neprijateljska tabora: jedni su bili pristaše slavnog plesača i mimičara Pyladesa, drugi su priznavali samo Baphila. .

Nakon toga, s rastom Rimskog Carstva, utjecaj Grčke i Istoka doveo je do razvoja plesne kulture u starorimskom društvu, pa čak i do pojave plesnih škola. Najvjerojatnije su njihovi prvi osnivači bili mimovi.

Značenje i raznolikost plesa u starom Egiptu.

Spomenici umjetnosti i književnosti koji su stigli do nas dokazuju da je ples u starom Egiptu bio od velike važnosti. Gotovo niti jedan festival, niti jedan svečani vjerski obred nije prošao bez plesa. Ples je dominirao u Egiptu kao izraz radosti i bio je sinonim za riječ "radovanje". Među nazivima plesova starog Egipta najčešći su ib, mww, tereb, nebeb, čiji je prikaz dobro očuvan na reljefima. Odrednica svih plesova je figura osobe s podignutom rukom i nogom. Mww ples je očito služio i kao pogrebni ples.

Većina svetih staroegipatskih kultova bila je okružena plesnim ritualima. Predstave vezane uz mit o Ozirisu i Izidi, koje su trajale nekoliko dana zaredom, bile su graciozne i svečane. U slične kultne radnje spada i ples koji prati službu žena pred svetim egipatskim bikom Apisom. Bogovi zaštitnici zabave, glazbe i plesa kod Egipćana su, osim Hathor, bili i Nehemaut te bradati patuljasti Hatiy (prikazivali su ga kako pleše i svira na glazbalima ispred božice Hator). Navodno je već u doba Starog kraljevstva vjerski ples patuljaka igrao istaknutu ulogu u egipatskim ritualima i bio je vrlo cijenjen. U Egiptu su postojali i takozvani astronomski plesovi svećenika koji su prikazivali kretanje raznih nebeskih tijela skladno raspoređenih u Svemiru. Pokušajmo ukratko opisati ovaj jedinstveni, po našem mišljenju, ples. To se događalo u hramu: oko oltara, smještenog u sredini i predstavljao sunce, svećenici odjeveni u svijetle haljine, koji su predstavljali znakove zodijaka, glatko su se kretali i kružili. Prema Plutarhovom objašnjenju, prvo su se kretale od istoka prema zapadu (podsjećajući na kretanje neba), zatim od zapada prema istoku (oponašajući kretanje planeta), zatim su se zaustavile kao znak nepomičnosti Zemlje. Ovaj ples je jasan primjer kako su različiti plesni rituali u ljudima formirali ne samo predodžbu o planetarnom sustavu i harmoniji neprestanog kretanja (kao u ovom slučaju), već su općenito odredili duhovni razvoj svakog naroda.

S obzirom na važnu ulogu koju je ples imao u egipatskim ritualima, možemo zaključiti da su u Egiptu postojale posebne ustanove u kojima su se obučavali plesači. U prilog tome, naišli smo na nekoliko indicija da je Amonov hram imao svoju koreografsku školu koja je obučavala svećenice – plesačice.

Uz plesove koji se sastoje od skladnih ritmičkih pokreta, u starom su Egiptu bili vrlo česti plesovi koji su bili izravne vježbe okretnosti, gipkosti, a ponekad su se potpuno pretvorili u čisto gimnastičke vježbe. Što se nošnje tiče, samo smo saznali da su plesačice nosile kratku pregaču, ponekad s pojasom oko struka, koji se vezivao na omču. Žene su plesale ili gole ili u dugim i prozirnim haljinama. Ali u obrednim plesovima plesači su morali biti odjeveni (tako su izražavali poštovanje prema svetoj životinji ili božanstvu). Ruke i noge plesačica uvijek su bile ukrašene narukvicama, prsa ogrlicom, a glave vrpcom ili lotosovim cvijetom. Također imamo podatak da su u starom Egiptu plesali uz pratnju glazbenih instrumenata (harfe, lire, lutnje i dvostruke flaute), pjevajući i pljeskajući.

U Novom kraljevstvu dominirao je ples koji je i danas vrlo čest na istoku - ples Almey koji se plesao u dugim prozirnim haljinama s resicama uz zvukove tamburice ili kastanjete.

Nakon što smo tako ispitali razvoj i utvrdili značenje plesa u glavnim državama antike, jasno smo se uvjerili da je ples nužan za duhovni razvoj svakog naroda.

Nacionalni plesovi Španjolske i Indije kao odraz nacionalnog karaktera ovih zemalja.

Nacionalni plesovi neraskidivo su povezani s osobitostima nacionalnog karaktera bilo kojeg naroda. Nije ni čudo što je Lav Nikolajevič Tolstoj napisao: "duša naroda je u plesu." Odavde možemo izvući zaključak: da bi se razotkrila duša jednog naroda, dovoljno je samo potanko se upoznati s njegovim narodnim plesom. Pokušajmo na primjeru dviju zemalja: Španjolske i Indije ispitati nacionalne duše naroda ovih zemalja kroz nacionalne plesove.

Maximilian Voloshin je početkom dvadesetog stoljeća napisao: “Španjolska uvijek pleše, pleše posvuda. Pleše ritualne plesove na sahranama uz lijes pokojnika; ona pleše u seviljskoj katedrali pred oltarom; plesovi na barikadama i prije smrtne kazne; pleše dan i noć..."

Ne možemo govoriti o španjolskim plesovima općenito, jer je folklor svake pokrajine izuzetno originalan i jedinstven. Tako su, primjerice, sjevernošpanjolski Baski hrabro - strogi i arhaični, Kastiljanci suzdržani - napeti, Aragonci su, naprotiv, zarazno veseli i jasni, ali plesovi juga Španjolske - Andaluzije i Murcije - su posebno strastveni. Ali bilo je i plesova koji su bili zajednički za cijelu zemlju. Među tim plesovima prvenstveno je bio ples fandango. To je nacionalni motiv Španjolske. Fandango glazba imala je ogromnu moć nad dušom i srcem svakog pravog Španjolca, kao da je iskrom zapalila njihova srca. Ples je počeo polako, ali se postupno ubrzavao. Neke su se plesačice naoružale kastanjetama, druge su jednostavno pucketale prstima, žene su otkucavale takt potpeticama uz zvuke gitara i violina. Fandango se pleše u tri koraka, brzo, poput vjetra, vrlo karakterno i temperamentno. Klasični fandango bio je ples u paru, baziran na igri partnera, u kojoj je zabranjeno bilo kakvo dodirivanje, na svađi, natjecanju koje se sastojalo od približavanja i udaljavanja plesača, ovdje igra izražajnost očiju i gesta. veliku ulogu.

Pogledajmo ukratko još jedan nacionalni ples - bolero. Ovaj ples pojavio se tek krajem 16. stoljeća, a izumio ga je Sebastian Seretso (slavni koreograf za vrijeme vladavine Karla III.). Bolero je vrsta španjolskog baleta koji polako, ali neumoljivo utvrđuje svoje mjesto u kanonima klasičnog plesa. Rekli su da "fandango pali, a bolero opija". Naravno, govoreći o španjolskim karakterističnim nacionalnim plesovima, ne možemo ne spomenuti slavni flamenco. To zapravo nije ples, nego cijela skupina plesova. Flamenko potječe iz južne španjolske pokrajine, Andaluzije. Još uvijek nije moguće točno odrediti značenje riječi "flamenko". Iako postoje mnoge verzije, po našem mišljenju najprikladnija je ona da “flamenco” dolazi od latinske riječi “flamma” (vatra), budući da je ples doista “vatrene” prirode; izvorno je bila obredna i datira još iz vremena kulta vatre. Postoji i zanimljiva verzija da ova riječ dolazi od imena ptice flamingo, budući da kostimi plesača naglašavaju vitku figuru, kao i hirovite pokrete ove egzotične ptice. Sam ples je vrlo originalan; u njemu nećemo naći ni traga pantomimi ili specifičnim kazališnim gestama. "Bailaor" (plesač flamenka) je mogao plesati sam, što je naglašavalo njegovu neovisnost od svijeta. Bailaor je samostalno izražavao sve osjećaje karakteristične za kolektivni ples. Općenito, pojedinačni ples podrazumijevao je tihu kolektivnu akciju. Baylaor se u ovom plesu natječe sam sa sobom – otud nevjerojatna ekspresivnost i strast plesa, duboki osjećaji i duhovni rad. Posebna važnost u izvedbi svih flamenco plesova pridaje se pokretima ruku, koji predstavljaju jezik plesa. Nije ni čudo što je Ovidije rekao: "Ako imaš glas, pjevaj, ako imaš meke ruke, pleši." Ruke žena u flamenku su fleksibilne, izražajne, osjetljive; prsti su u stalnom pokretu. Kod muškaraca, naprotiv, pokreti ruku su strogi, uzvišeni, s jasnom plastičnošću; sijeku zrak poput udarca mača.

Na temelju opisa glavnih plesova u Španjolskoj, možemo identificirati tri glavne komponente španjolskog plesa: ponosan stav tijela, koji podsjeća na matadora, fleksibilni i izražajni zavoji ruku plesača i zapateado (ritmično škljocanje plesača potpetice plesačica). Sve to savršeno karakterizira nacionalnu dušu španjolskog naroda, koji je neobično strastven, izražajan, emotivan, gorljiv i temperamentan.

Značajke razvoja indijske plesne kulture (ljubavna orijentacija).

Prema jednoj legendi, ples u Indiji nastao je zahvaljujući bogu Šivi Razaraču. Sam Shiva je bio izvrstan plesač i svoju je ženu Parvati naučio plesnoj umjetnosti koju je najviše volio. Plesao je tandavu, energičniji oblik, a Parvati je plesala lasyu, profinjeniji, graciozniji oblik. Predaje također govore da je Brahma, Stvoritelj, bio vrlo zabrinut zbog sukoba i nereda koji su vladali na Zemlji. Budući da su četiri Vede brahmane držale u strogoj tajnosti, odlučio je stvoriti petu Vedu, dostupnu svima. Umijeću kazališne glume, kojoj je posvećena Natyaveda, Brahma je prvi poučio mudraca Bharatu. Bharata je Shivi pokazao svoju trojnu umjetnost - dramu, glazbu i ples. Prisjećajući se vlastitog energičnog plesa, Shiva je naredio glavnom pomoćniku iz svoje pratnje da Bharatu nauči umijeću tandave. Bharata je spojio ovu umjetnost sa znanjem koje je već imao i napisao Natyashastru, sveobuhvatno djelo o umjetnosti kazališta. Bharata i drugi mudraci proširili su ovu umjetnost među narodima Zemlje.

Dakle, ove tradicije jasno definiraju vezu umjetnosti plesa, glazbe i drame s božanstvom i besmrtnošću. Još uvijek možemo vidjeti koliko je klasični ples u Indiji snažno povezan s religijom i mitologijom. To se najjasnije ogleda ne samo u izboru utjelovljenih tema, već iu načinu izvedbe plesa. Što zauzvrat izravno utječe na formiranje duhovnog života u Indiji.

Središnji motiv kulta Vishnitza stoljećima je bila želja čovjeka za jedinstvom s božanstvom. Bogovi su odgovorili ne samo reciprocitetom, već i "individualnim pristupom". Ples rias lila, koji se izvodi u Braju, mjestu u regiji Mathura u državi Uttar Pradesh, gdje se kaže da je Krišna rođen i živio, prikazuje Krišninu sposobnost da u svakoj od gopija (djevojaka pastirica) koje na njemu plešu stvori iluziju da ona sama pleše s njim. Tako je izražena alegorija smrtne duše koja se s povjerenjem i ljubavlju približava božanstvu, tradicionalna za duhovni život Indije. Rias-lila je prekrasan ples, izvodi se i danas uz prigodne napjeve.

To su indijska božanstva s više lica s brojnim pričama vezanim uz njih i čine tematsku osnovu indijskog plesa. U plesu se događaji ne iskazuju jednostavno, već se otkriva njihova simbolička bit i afirmira vjera – snagom stiha, glazbe i pokreta. Sve klasične plesne forme u Indiji imaju dva aspekta: Nritta i Nritya. Nritya se može opisati kao čisti ples, to jest apstraktni pokreti tijela usklađeni s hastama (kretnjama rukama). Nritya je kombinacija čistog plesa sa zapletom. Ali zapletni ples ovdje se uvelike razlikovao od pantomime. Ovo nije samo imitacija ljudskog ponašanja. Uz nrittu i nrityu, postoji i treći aspekt plesne tradicije Indije. Ovo je natya, odnosno izvedba radnje i geste s plesom ili bez njega. Općenito, ovo je vrsta dramske umjetnosti. Međutim, sva tri ova aspekta smatraju se blisko povezanima jedan s drugim. Govoreći o plesnoj umjetnosti, po našem mišljenju, potrebno je primijetiti jednu od najupečatljivijih značajki razvoja indijske kulture u cjelini. Riječ je o dubokoj povezanosti različitih vrsta umjetnosti. Ako su glazba, ples i drama bili izrazito bliski plesnoj kulturi, onda ni književnost, slikarstvo, kiparstvo, pa čak ni arhitektura nisu bile odvojene ili izolirane od plesne tradicije. Uloga književnosti u plesu bila je i ostaje iznimno važna, jer je nritya, na primjer, interpretacija poezije plesom. U Indiji čak postoje cijele pjesme posebno napisane za plesnu izvedbu. Najbolji primjer je, po našem mišljenju, klasično djelo sanskrtske književnosti 12. stoljeća “Gida - Govinda” Jayadeve. Budući da je ples u početku zauzimao veliko mjesto u ritualima hrama, arhitekt je osigurao posebnu platformu na tlu hrama. Poznati hram Brihadeeswara u okrugu Thanjavur u Tamil Naduu ima veliku dvoranu izgrađenu isključivo za plesne nastupe. Hram sunca u Kanaraki, Orissa, ima ogromnu i složeno ukrašenu plesnu dvoranu, Nata Mandal, čija blizina mora daje eteričnu ljepotu.

Zidovi hramova u različitim dijelovima Indije, posebno na jugu i Orissi, ukrašeni su raznim frizovima i pločama s prikazima plesača i glazbenika.

Glavne vrste dvoranskih plesova u 16. - 17. stoljeću

U Shakespeareovoj komediji Mnogo vike ni oko čega, jedan od likova, po našem mišljenju, sjajno karakterizira glavne plesove koji su postojali na prijelazu iz 16. u 17. stoljeće: „Udvaranje, brak i pokajanje isto su što i škotski jig, odmjereni ples i galijard: prvi je gorljiv i žuran kao škotski jig, i pun mašte; brak je pristojno skroman, poput odmjerenog plesa, pun dostojanstva i starine; a onda krene pokajanje i sa svojim razvijenim nogama pada u galijaru sve brže i brže dok ne padne u kabur.” To su bili glavni pravci plesa na prijelazu iz 16. u 17. stoljeće. Valja također napomenuti da ako su do kraja 16. stoljeća i dijelom u 17. stoljeću dominirali parterni, “niski” plesovi (bas plesovi) koji nisu zahtijevali skakanje od izvođača - branles, pavane, zvončići, onda započela je era laganih “letećih” francuskih plesova.

1. Branle.

Školska plesna škola nastala je tijekom renesanse i može se smatrati da je branle, pučka i salonska, temeljni početak daljnjeg razvoja plesne umjetnosti. Ovaj ples je izvorno bio narodni ples, a njegov plesni oblik nastao je iz te seljačke forme i odlikovao se samo velikim brojem naklona i glatkih pokreta, dok je u narodnom plesu prevladavalo tapkanje. Glavni pokreti branlea uključivali su pavante, courante i gavotte. Glazbena pratnja ovog plesa sastojala se od prilično monotonih taktova tamburice, zvukova frule i monotonog pjevanja plesača. Ako su stariji voljeli plesati spori dvostruki bran, sredovječni branč s reprizom, onda su mladi više voljeli veseli branč sa poskakivanjem i dizanjem nogu naprijed u zrak. Tako je jednostavan branle bio izvor svih salonskih plesova koji su se kasnije pojavili.

2. Pavana.
Pavana je jedan od najstarijih nama poznatih španjolskih plesova. Pavane i zvonjava u 16. stoljeću bili su glavni i najomiljeniji plesovi. Tek pojava menueta natjerala je ljude da zaborave prvo zvonce, a potom i pavante. Vjeruje se da je pavana talijanskog podrijetla, budući da je Katarina de' Medici bila zaštitnica svega talijanskog. Glavna je zasluga pavana, po našem mišljenju, što su prvi put javni plesovi dobili određene oblike, karakter i stil izvedbe. Prije pavane, brojni branleyi međusobno su se razlikovali samo po nazivu. Pavana je imala i poseban cilj - pokazati društvu veličanstvenost plesača i bogatstvo njihove nošnje. Pokret pavane bio je pokret šepurene paunice. Druga razlika između pavane i branle bila je u tome što su figure pavane započinjale s početkom glazbene fraze, dok je u branleu postojao samo tempo. Pavanu su plesali po jedan ili dva para, a postojao je i strog redoslijed njihova reda ovisno o podrijetlu i društvenom statusu. Bal su otvorili kralj i kraljica, zatim druge plemenite osobe.

3. Menuet.
Niti jedan ples 16. - 17. stoljeća nije bio tako popularan kao menuet, koji je općepriznati primjer salonske plesne umjetnosti. Tijekom nekoliko stoljeća menuet se ili uzdigao do vrhunca plesne slave ili je bio podložan privremenom zaboravu, ali nikada nije u potpunosti zamijenjen drugim plesom. Povjesničari plesa kažu da je "menuet ples kraljeva i kralj plesova". Na prijelazu iz 18. u 18. stoljeće aristokratsko društvo izrazilo je svoj odnos prema menuetu sljedećom rečenicom: „tko dobro pleše menuet, sve dobro čini“. Glavna obilježja izvedbe menueta bile su ceremonijalnost, galantnost i svečanost. Korak menueta bio je vrlo gladak i jedan je pokret slijedio za drugim. Pas grave - što znači "važan, veličanstven korak" - jedan je od glavnih plesnih elemenata menueta. U 18. stoljeću, u razdoblju baroka, javlja se dinamičniji, “brzi menuet”. No, menuet se na balovima u 19. stoljeću prikazuje nešto drugačije. U tim scenskim menuetima, kao iu poznatom menuetu iz Mozartova Don Giovannija, koji je oduvijek smatran klasičnim primjerom ovog plesa, niz plesnih pozicija ne odgovara izvornom menuetu iz 17. stoljeća. Što, po našem mišljenju, nimalo ne umanjuje draž scenskog menueta, već, naprotiv, svjedoči o ogromnom plastičnom bogatstvu ovog plesa. Nakon što je preživio mnoga razdoblja, menuet, nažalost, nije preživio do danas, a ovaj ples možemo gledati samo na kazališnoj pozornici.

Dakle, nakon što smo se detaljno zadržali na opisu glavnih dvoranskih plesova 16. - 7. stoljeća, bili smo jasno uvjereni da među najvažnijim značajkama plesova ovog vremena možemo razlikovati kao što su glatkoća, pravilnost, važnost, koja prirodno bio je karakterističan za ideologiju cjelokupnog života toga doba .

Formiranje i razvoj plesne kulture u Rusiji

Pojam "plesa" Rusima su dali Poljaci koji su stigli u Moskvu tijekom Smutnog vremena s Dmitrijem Pretendentom. Prije toga u Rusiji nije bilo "salonskih plesova", kao u zapadnoj Europi. U kulama su se igrala ženska kola, a u narodu je cvjetao ples. Općenito, stav prema plesu bio je oprezan. “Luda zabava” u kombinaciji s plesom smatrana je “dušegubnim izumom đavla”, “demonskom igrom”.

Pod Mihailom Fjodorovičem Romanovim, zabavljači su pozvani na kraljevsku zabavu - Nijemci i Poljaci, uključujući plesače. Godine 1673. Orfej, predstava s pjevanjem i plesom, izvedena je u dvorani za komedije u Kremlju. U prologu je Orfej pjevao kraljeve pohvale, a zatim je plesao s dvije piramide. U to se vrijeme ljubav prema plesu razvila ne samo na kraljevskom dvoru, već i među moskovskim plemićima koji su osnivali svoja kućna kazališta (bojar Morozov, knez Golicin, Dolgoruki).
Mladi car Fedor, koji je zamijenio Alekseja Mihajloviča, nije bio ljubitelj zabave. Ljubav prema plesu podržavala je jedino vladarica Sofija koja je u svojim dvorima okupljala djevojke i “priređivala plesove”.

Preokret se dogodio pod Petrom I. Nakon zamjene dugih muških odijela kratkim kamizolima, ruski plesovi napustili su dvorski život. Umjesto toga, Petar je uveo strane plesove. Ukazom cara, pod prijetnjom okrutne kazne, svim je ruskim djevojkama naređeno da plešu. Ruske dame i gospoda učili su menuet, polonezu i seoski ples od zarobljenih švedskih časnika. Sam Petar, njegova supruga Katarina i kći Elizabeta sudjelovali su u plesovima i to, prema suvremenicima, učinili prilično graciozno. Odnos prema plesu u to je vrijeme više nalikovao ozbiljnoj, gotovo „državnoj“ stvari, što se odražavalo na cjelokupni poredak plesnih ansambala.

Tako su se u to vrijeme u Rusiji na prvi pogled “bezazleni” plesovi pretvorili u svojevrsno oružje društvene borbe protiv “reakcionarnih bojara”. Nesposobnost plesanja postaje sramotna, pa bojari počinju sami sebi postavljati učitelje (majstore plesa). Na skupštinama su utvrđena strogo razvijena pravila ponašanja, način komuniciranja s damom u plesu, pa čak iu naklonu. Bilo je tu i brzih plesova, pa i onih improvizacijskih. Rekli su da je sam Peter volio mijenjati figure, namjerno plašeći i ismijavajući one koji ne znaju plesati.
Jedna od okolnosti koja karakterizira odnos prema plesu je ta da sada plesni pokreti više nisu bili ni na koji način određeni: ni ritualom, ni jednostavno prirodnom ljudskom tjelesnošću, stoga se, po našem mišljenju, javlja tupi osjećaj protesta protiv obveza nametnutih iz vani.

Uvođenje balova (“skupština”) Petra I. izazvalo je negodovanje starijih ljudi i veliko oduševljenje mladih. Budući da je ruski život u predpetrovsko doba bio prilično turoban iz dana u dan: glavna aktivnost bila je odlazak u crkvu, a zatim sjedenje u dvorcu. Javna zabava nije se prakticirala, samo su se vjenčanja odlikovala izuzetnom pompom. Zanimljivo je, po našem mišljenju, da Rusi nikada nisu razvili plesove u paru; to se, po našem mišljenju, može objasniti posebnostima pravoslavne vjere, gdje nikada nije postojao kult Majke Božje, kao u katoličanstvu. Osim toga, pravoslavlje je ljudima postavljalo strože moralne zahtjeve, pa je oslobađanje tjelesne energije bilo nemoguće u očitom, otvorenom obliku. Odnos prema dionizijskim plesovima u Rusiji bio je vrlo strog; smatrali su ih velikim grijehom. Petrove reforme učinile su život društva skladnijim: više nije bilo potrebe skrivati ​​želju za zabavom, štoviše, ta je želja postala glavni prioritet među bogatašima. Najčešći plesovi na Petrovskim saborima bili su menuet, pavane, zvonjava i drugi. Ali Peter ih je smatrao jako dosadnima i izmislio je svoj ples, puno živahniji. Kasnije, pod Anom Ionovnom, u modu nije ušla samo strana zabava. Carica je također voljela ruske plesove ("bychok" ili "kamarinskaya").

Društveni život u 19. stoljeću, njegov odraz u razvoju plesne kulture.

U odnosu na prethodno doba, 19. stoljeće je pojedincima omogućilo mnogo veću slobodu u izboru životnog puta. Oslobođenje se dogodilo i na čisto duhovnoj razini. Ideja o Bogu postupno je nestala u 19. stoljeću. Svjetovni život, koji je postao toliko popularan u prethodnom razdoblju, zamjenjuje crkveni život do te mjere da se Bog spominje samo nedjeljom. Ideali društva opet se okreću individualizmu. Romantična poletnost, gravitacija duhovnog ropstva, težnja ka drugim, višim idealima, karakteristični za javno raspoloženje tog razdoblja, jasno su se očitovali u plesu. Valcer postaje kralj svih plesova, što je način emancipacije od konvencija koje su još uvijek bile okosnica društvenog života.

U 19. stoljeću postupno se gasi škola francuskog plesnog salona. Tako se lagani skokovi, koji su se u 18. stoljeću smatrali obveznima, postupno zamjenjuju jednostavnim koracima. Na balovima se pojavljuje mjesto “dirigenta plesa” (“stjuarda”), koji je bio neka vrsta zapovjednika koji je pratio vođenje bala. Običaj je bio da se bal otvara valcerom, čiji se prvi krug obično davao najuglednijim osobama među uzvanicima, ako domaćini večeri tu čast nisu dodijelili samom upravitelju.

U 19. stoljeću u Sankt Peterburgu su se dvorski balovi održavali u Zimskoj i Aničkovoj palači i bili su iznimno popularni. Bal je započeo polonezom, nakon koje je uslijedio menuet. Bal ne bi bio potpun bez mazurke i, naravno, valcera. U to vrijeme pojavio se još jedan ples, čiji je uspjeh zasjenio popularnost svih ostalih - polka. Bal je završio plesom – igrom kotiljona, svojevrsnom oproštajnom izvedbom svih sudionika.

Pogledajmo pobliže valcer.

Valcer nije imao obilježja pomodnog salonskog plesa. Osim toga, prije valcera nije bilo salonskog plesa na kojem bi damu grlili oko struka, gledajući je ravno u oči. A upravo u valceru dama i gospodin po prvi put postaju jedan plesni par. Bilo je službenih i neslužbenih protesta protiv valcera. U Beču je u prvom desetljeću 19. stoljeća bilo zabranjeno plesati valcer dulje od deset minuta. Na balovima u palačama njemačkih kajzera valcer je bio zabranjen gotovo cijelo 19. stoljeće jer se smatrao “senzualnim i opscenim plesom”. Konzervativno englesko društvo usvojilo je valcer četvrt stoljeća kasnije od većine drugih europskih zemalja. U Rusiji je valcer također bio progonjen. Katarina II ga nije voljela, a pod Pavlom I. objavljena je policijska naredba kojom se zabranjuje "korištenje plesa zvanog walsen". Ali sve je to samo povećalo žudnju za plesom, a 19. stoljeće je prošlo pod simbolom valcera; plesalo se u svim krugovima društva. Valcer je imao značajan utjecaj na razvoj cjelokupne europske glazbe 19. i 20. stoljeća.

Četrdesete godine 19. stoljeća bile su vrijeme brze strasti za polkom ne samo u Parizu, već iu cijeloj Europi, uključujući Rusiju. Jer plesali su doslovno svi i svugdje, bez obzira na godine i društveni status.

Najmodernije toalete i posuđe zvali su se “a la Polka”. Engleske novine tada su se čak šalile da je politika izblijedjela u drugi plan, ustupivši mjesto Poljakinji.
Pod Katarinom II, mazurka se prvi put pojavila u Rusiji, ali tada nije imala gotovo nikakav uspjeh. Tek početkom 19. stoljeća ovaj je ples postao vrlo popularan u ruskim gradovima. U to vrijeme mazurka je postala raširena iu drugim europskim zemljama, posebice u Češkoj, Mađarskoj i Francuskoj. U Rusiji su postojale dvije mazurke: salonska i narodna. Modni francuski plesni majstori dali su narodnom plesu salonski karakter i potreban sjaj. U ovoj verziji mazurka se plesala u najvišem petrogradskom društvu. Mazurka je postupno zamijenila francuski quadrille i postala vrhunac bala, označavajući njegov vrhunac.

Možemo reći da s pojavom cancana počinje novo plesno doba. Cancan je nastao u Parizu oko 1830. Bio je to ženski ples koji se izvodio na pozornici uz visoko udaranje nogu. Godine 1860. u Sankt Peterburgu otvaraju se mnogi plesni tečajevi, gdje se uglavnom pleše cancan.
Dakle, nakon što smo detaljno ispitali najpopularnije plesove 19. stoljeća i jasno pratili odraz društvenog života u tadašnjoj plesnoj kulturi, možemo zaključiti o značaju plesa u tom razdoblju. Glavna zadaća plesa, po našem mišljenju, bila je održati kulturu tijela ravnopravnom s kulturom duha. No, za razliku od ranijih razdoblja, kultura tijela nije podrazumijevala duhovnu, religioznu osnovu, a razvoj kulture tijela sve je više postajao sam sebi svrhom za ples.

Razvoj plesne kulture u Rusiji u prvoj polovici 20. stoljeća.

Do 20. stoljeća u Rusiji je već bilo oko 17 plesova, među kojima su najpopularniji bili: polka, mađarski, minion, fandango, figurirani valcer, mazurka i mnogi drugi. Do 20. stoljeća puno se toga u plesnoj kulturi promijenilo. Prije svega, mijenja se kvaliteta plesne izvedbe, mijenja se osnova, put kojim je išao razvoj svjetske plesne umjetnosti. Nakon tisućljetne pauze, Olimpijske igre ponovno postaju iznimno popularne, a odavde dolazi do zbližavanja plesa i sporta, a povećava se i stupanj dinamičnosti novonastalih plesova: tanga, foxtrota, twista, rock and rolla.

Nakon nestanka balova kao oblika masovne zabave u 19. stoljeću, restorani su počeli djelomično zamjenjivati ​​njihove funkcije (vjerojatno zato što se na balovima ne samo plesalo, nego i večeralo). Tako su u drugoj polovici 19. stoljeća restorani kombinirali i kuhinju i često kazalište (u Rusiji, na primjer, restorani: “Yar”, “Strelna” i mnogi drugi). Francuski restorani s kraja 19. stoljeća bili su poznati po svojim kabareima s polupristojnim ženskim plesom, čije su plesačice, po našem mišljenju, imale mnogo toga zajedničkog s plesačicama antičke Grčke i Rima. Prisutnost takve zabave i njezina dostupnost imali su veliki utjecaj na društveni život tog razdoblja, na cjelokupnu plesnu kulturu ranog 20. stoljeća.

Početak 20. stoljeća u plesnoj kulturi može se okarakterizirati riječima: „u potrazi za stilom“, budući da je tada sve staro uništeno, a novo maglovito i nejasno. I u određivanju stila ovog doba, ples je igrao značajnu ulogu, jer je, po našem mišljenju, odražavao estetske težnje svog stoljeća s izvanrednom svjetlinom; bio je svojevrsni most između svijeta svakodnevnog života i svijeta fantazije . Prekretnica u političkom životu s početka 20. stoljeća povlači za sobom i prekretnicu u stvaralačkom životu ovog razdoblja. To se nije moglo ne odraziti na ples. Prava revolucija u plesnom životu tog razdoblja bila je pojava plesa tango. Tango je bio plesni, salonski ples, a ne pop ples. Za izvođenje ovog plesa bio je potreban besprijekoran frak i elegantna, pripijena haljina, jer je ovaj ples bio vrlo strog po prirodi i nisu bile dopuštene nikakve slobode. Plesačica tanga nalikovala je čvrsto napetoj tetivi luka, stabilnih izraza lica i maksimalne nepomičnosti tijela. To je glavna razlika između tanga i prijašnjih plesova, koji su uvijek uključivali trčanje, skakanje, poskakivanje, općenito, sve ono što je tijelo izvlačilo iz njegovog sputanog stanja.

Tango se temeljio na ritmičkom kretanju, što je, po našem mišljenju, bio razlog velike popularnosti ovog plesa, jer su sada mogli plesati svi, čak i oni koji prije nisu mogli “skakati kao jarac” po dvorani. Dakle, možemo zaključiti da je tango odredio stil cjelokupne plesne kulture prve polovice 20. stoljeća.

20 stoljeće se nastavlja...

Umorni stari plesovi, promjenjiva društvena klima, želja mladih ljudi da pronađu i ostvare vlastiti stil, drugačiji od drugih - sve je to dovelo do nesvakidašnjeg rasta različitih pravaca plesne kulture u 20. stoljeću. Možemo reći da je u 20. stoljeću ples prvi put dobio tako neviđen opseg i pretvorio se u masovni oblik slobodnog vremena. A ni najpopularniji balovi 19. stoljeća ne mogu se, po našem mišljenju, usporediti s tako snažnom plesnom “epidemijom” koja nas je zahvatila u 20. stoljeću. Rap, hip-hop, breakdance, rave, house, techno, trance samo su mali dio trendova koji su zahvatili cijeli svijet u drugoj polovici 20. stoljeća.

Platon je također rekao: "Priroda svih mladih stvorenja je vatrena i stoga ne može ostati smirena ni u tijelu ni u glavi, već stalno vrišti i nasumice skače." Po našem mišljenju, ove se riječi najbolje mogu pripisati opisu duha plesne kulture s kraja 20. stoljeća. Općenito, duh ovog vremena karakterizira temperament i dinamičnost. I sada možemo sa sigurnošću reći da je većina modernih plesova prerasla u sport. To je, naravno, povezano i s duhom vremena; nisu bez razloga sport i Olimpijske igre ponovno rođeni u 20. stoljeću. Drugi važan čimbenik približavanja plesa i sporta za žene bila je, po našem mišljenju, promjena standarda ljepote. Uhranjene ljepotice 19. stoljeća zamjenjuju mršave manekenke. Mnoge žene, djevojke koje plešu u diskotekama ili pohađaju trening u bilo kojem plesnom studiju, teže prvenstveno ispravljanju svoje figure i mršavljenju.
Što se tiče mladih, ovdje je glavni kriterij pri odabiru plesova bila sloboda i mogućnost samoizražavanja. Jedan od plesova koji je mladima najbolje pružao tu slobodu je hip-hop.

Moderni hip-hop uključuje tri smjera: rap, breakdance i grafite. Zahtijeva poseban stil odijevanja i poseban svjetonazor. Ovaj ples je dostupan svima; po našem mišljenju, pomaže tinejdžerima da svoju agresiju pretvore u kreativnost.

Još jedan ples koji pomaže u ublažavanju živčane napetosti je rave. Vjeruje se da su čak i Indijci nakon uboda škorpiona započinjali ples sličan modernim plesovima, koji je trajao nekoliko sati dok nisu potpuno iscrpljeni. Ova metoda je donijela oporavak. Nešto slično vidimo u raveu. Rave (u prijevodu s engleskog "bijes, gužva, nered") rođen je u Nizozemskoj 1985. godine. U početku je rave bio usmjeren na one koji koriste droge. Mnogi različiti stilovi glazbe pojavili su se u raveu; rave dance je vrlo brzo apsorbirao većinu onoga što je postojalo prije ovog trenda.

Najpoznatiji stilovi su “trance”, “techno”, “house”, “deep house”...

“Trance” je kozmička glazba s glatkim pokretima i željom da nježno izađete iz vlastite ljušture.
"Techno" - ovdje su pokreti kruti, fiksni, ima puno impulsa na rukama i nogama, svi pokreti su široki i jasno definirani.
"Kuća" - u njoj nema jasnih, oštrih pokreta, oni su zamagljeniji; glazba je fiziološka, ​​cijeli ritam je osmišljen za pokrete tijela. Ovaj ples dopušta veliku improvizaciju.

I naravno, govoreći o kraju 20. stoljeća, ne možemo ne spomenuti takav trend u plesnoj kulturi kao što je breakdance. U biti, breakdance je spoj plesa, pantomime, hrvanja i boksa. Ispravno je, po našem mišljenju, mišljenje da razbijanje ne razvija samo tijelo, već i karakter. Zahtijeva ogromnu izdržljivost i strpljenje, jer većinu elemenata pauze treba ponavljati više puta. Vjeruje se da je brejk rođen na njujorškim pločnicima, a njegovi tvorci bile su dvije zaraćene frakcije kojima je jednog dana dosadilo međusobno obračunavanje vatrenim oružjem i noževima te su radije odmjerili snage u nezamislivim plesnim koracima. Vjerojatno se zato razbijanje izvorno temeljilo na raznim vrstama hrvanja - karateu, kung fuu, boksu. Postupno su im dodani glatki pokreti ruku i nogu. Svatko je, pokušavajući postati najbolji, dodavao sve složenije akrobatske elemente. Možemo pretpostaviti da je to izgledalo otprilike ovako: postrojile su se dvije skupine, posebno odjevene za borbu, ali bez oružja, zatim je upaljena glazba i počela je pauza. Pobijedili su oni koji su bili izdržljiviji, spretniji, brži i fleksibilniji. Postupno je ovaj ples privukao pažnju koreografa. Sam break se izvodi ili na podu (salto, razni okreti na leđima), ili blizu poda, a breakdance uključuje i razne valovite pokrete rukama i trupom.

Dakle, nakon što smo ispitali nekoliko najupečatljivijih, po našem mišljenju, plesnih stilova, možemo na primjeru ovih plesova izvući zaključak o jedinstvenosti umjetničke kulture kasnog 20. stoljeća. Vi ste, naravno, primijetili da su najkarakterističnije značajke umjetničke kulture ovog razdoblja bile sloboda i želja i samoizražavanje, kao i originalnost, potraga za nečim novim i neobičnim.

Općenito, kraj 20. stoljeća predstavlja, po našem mišljenju, ogroman potencijal za razvoj umjetničke kulture u svim njezinim smjerovima, a posebno u plesu.