Cos'è il jazz, la storia del jazz. Abstract - Il jazz (Jazz inglese) è una forma di arte musicale nata tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo negli Stati Uniti come risultato della sintesi delle culture africana ed europea e successivamente diffusa - Miscellaneous Jazz

Argomento della lezione: “Il jazz è un'arte XX secolo"

Metadati della lezione

WMC “Musica, prima media. Libro di testo di GP Sergeeva, E.D. Creta"

Classe : 6

Tipo di lezione : Una lezione per imparare nuovo materiale e consolidamento primario

Argomento : Il jazz è arteXXsecolo"

Lo scopo della lezione: Creare le condizioni per comprendere e comprendere un blocco di nuove informazioni educative sul tema "Jazz - l'arte del 20° secolo".

Modulo di lezione: performance di lezione-beneficio (performance di beneficenza - esibizione in onore di un attore)

Compiti:

Esercitazione: creare le condizioni per comprendere e comprendere le origini del jazz, le sue direzioni principali, per conoscere i fondatori dell'arte jazz; creare le condizioni per espandere il vocabolario musicale-intonazionale e gli orizzonti musicali;

Sviluppando: creare le condizioni per lo sviluppo di idee sul jazz come una sorta di arte musicale professionale; creare le condizioni per lo sviluppo delle capacità mentali, del pensiero associativo e creativo, per lo sviluppo della capacità di analizzare, confrontare, generalizzare; creare le condizioni per lo sviluppo delle capacità vocali e corali, lo sviluppo della sfera emotiva e volitiva degli studenti;

Educativo: sulla base della percezione emotiva della musica jazz, coltivare il bisogno del lato spirituale della vita, infondere amore e interesse per l'arte della musica, coltivare un atteggiamento tollerante verso la cultura musicale di altri popoli del mondo, creare le condizioni per l'educazione delle qualità personali: attenzione, determinazione, abilità artistica.

Metodi di insegnamento: esplicativo e illustrativo, in parte esplorativo.

Le forme organizzazione dell'attività cognitiva degli studenti: frontale, di gruppo.

Logistica della lezione

Prodotti stampati

"Musica, 6a elementare". Libro di testo di GP Sergeeva, E.D. Cretese.

SI Ozhegov. Dizionario esplicativo della lingua russa.

Cartella di lavoro, grado 6 GP Sergeeva, E.D. Cretese.

"Musica. 5-7 gradi. Linee guida. Una guida per l'insegnante.

Schede individuali per il compito

Ausili per la formazione tecnica

Lavagna con una serie di dispositivi per attaccare tavoli, poster e immagini.

Un computer.

CD è un lettore per ascoltare musica.

Proiettore.

Attrezzatura: complesso multimediale, CD - registrazioni di opere di S. Joplin, J. Gershwin, L. Armstrong, videoclip, spartiti, pianoforte, un set di strumenti musicali per bambini, una presentazione PowerPoint, dispense per gli studenti.

Risultati attesi (PEL)

Personale

Gli studenti avranno:

la posizione interna dello studente a livello di atteggiamento positivo nei confronti delle lezioni di musica;

interesse per vari tipi di attività educative, inclusi elementi di attività di ricerca tematica.

Regolamentare

Gli studenti impareranno:

accettare il compito di apprendimento e seguire le istruzioni dell'insegnante;

controllare il processo e il risultato delle proprie attività;

evidenziare e realizzare ciò che è già stato appreso e ciò che deve ancora essere appreso.

cognitivo

Gli studenti impareranno:

cercare le informazioni necessarie utilizzando libri di testo e materiali del dizionario;

trasformare i modelli in funzione del contenuto del materiale didattico e dell'obiettivo educativo prefissato.

Comunicativo

Gli studenti impareranno:

prendere parte attiva al lavoro in coppia e in gruppo, utilizzando strumenti di comunicazione vocale.

Struttura della lezione:

1. Fase organizzativa.

2. Aggiorna. Definizione degli obiettivi e motivazione.

3. Assimilazione primaria del materiale educativo.

4. Consapevolezza e comprensione del materiale didattico.

5. Consolidamento del materiale didattico.

6. Riassumendo. Riflessione (introspezione).

Piano di lezione:

Saluti

Domande. Creare una situazione problematica

Ascoltando il ragtime di S. Joplin

Risposte alle domande

scena

Determinazione dell'argomento della lezione

domanda problematica

Epigrafe alla lezione

Giornata internazionale del jazz

La storia del jazz: la migrazione di un popolo (mappa)

Compito di ascolto creativo (lavorare con un dizionario di emozioni estetiche)

Le origini del jazz: spiritual, blues, ragtime.

strumenti jazz

suonare strumentiragtime di S.Joplin “Variety Artist” (ORCHESTRA)

Base del Jazz

Notevoli artisti jazz

D.Gershwin. sinfojazz

Jazz in Russia

Ascolto di una canzone eseguita da L. Utyosov. "Quante brave ragazze"

Lavora con il testo. Sincwine.

Ascolto di una canzone.

Apprendimento della canzone

Esecuzione della canzone

Riflessione (introspezione)

Compiti a casa: scrivi una poesia in forma di burime. Risolvi il cruciverba.

Materiale musicale:

Ragtime di S. Joplin “Variety Artist”.

LouisArmstrongspirituale"Lascia andare il mio popolo"Blues».

Frammento del video "Merry Fellows" canzone "Quante brave ragazze" - Leonid Utyosov.

Canzone per l'apprendimento "Adulti e bambini".

Durante le lezioni

io . fase organizzativa.

Diapositiva 2. Benvenuto

Che ci sia un gioioso incontro! In una tale conoscenza, l'amicizia è l'essenza.

Stiamo iniziando la nostra performance di benefit. Come si suol dire, buona fortuna!

II. Attualizzazione. Definizione degli obiettivi e motivazione.

Diapositiva 3. Domande

Oggi la nostra lezione è dedicata a una celebrità famosa.

(sulle slide, cliccando sulle domande, ne escono una dopo l'altra)

Chi è questo misterioso ospite?

Da che paese vieni?

Qual è il suo carattere?

Vorrebbe essere nostro amico?

Per noi, questo è ancora un mistero. Forse la musica ti aiuterà a rispondere a tutte queste domande. Allora ascoltiamo

Ragtime di Scott Joplin "Variety Artist"

(estratto 22 secondi)

Chi ha indovinato quale eroe è venuto da noi?

I bambini rispondono: questo è jazz.

E come hai indovinato?

(Esatto, la musica suonava molto ritmica, brillante, un po' insolita.)

Ragazzi, che ne sapete del jazz?

Chi può aggiungere?

E se vuole fare amicizia con noi, lo scopriremo durante la lezione.

Diapositiva 4. Scena

Quando è apparso il jazz, ed era all'inizioXXsecolo. Ci sono state molte polemiche. Vediamo come è successo.

Ora chiederò a ogni gruppo di uscire uno per uno, secondo te, lo studente più artistico ed emotivo. (La scena si svolge).

Guarda come percepivano in modo diverso l'aspetto di una musica insolita!

Quindi, ragazzi, provate a determinare l'argomento della lezione.

Diapositiva 5. Argomento della lezione: “Il jazz è un'arte XX secolo"

Nella lezione impareremo:

dove e quando è apparso il jazz;

conoscere le sue caratteristiche;

ascolteremo la musica eseguita dai migliori musicisti jazz e proveremo a cantare e persino a suonare il jazz noi stessi.

E alla fine della lezione, dovrai rispondere alla domanda: "La musica jazz è leggera o seria?"

Diapositiva 6. "La musica jazz è leggera o seria?"

Diapositiva 7. Epigrafe per la lezione

E come epigrafe alla nostra lezione, prenderemo le parole di uno dei musicisti più famosi del secolo scorso, Louis Armstrong:"Se non batti i piedi mentre ascolti questa musica, non capirai mai cos'è il jazz."

III. Assimilazione primaria del materiale didattico.

La parola jazz è apparsa all'inizio del XX secolo. Ha cominciato a designare un tipo di nuovo

musica che suonava allora per la prima volta, così come l'orchestra che eseguiva questa musica.

Ma già nel nostro secolo, abbastanza recentemente - 5 anni fa, nel novembre 2011, la Conferenza Generale dell'UNESCO ha annunciato l'introduzione di una nuova data nel calendario mondiale - questa30 aprile - Giornata internazionale del jazz.

Ormai da un secolo, il jazz è il linguaggio universale dell'umanità, che unisce le persone, nonostante le loro diverse appartenenze culturali, religiose e nazionali. E la caratteristica più importante del jazz è la fusione di musica africana ed europea.

Diapositiva 8. Mappa

Diamo un'occhiata alla mappa.

Come sono arrivati ​​i negri in America? Ed è andata così:

Il popolo europeo venne a conoscenza del Nuovo Mondo, che si trovava dall'altra parte dell'oceano. Volevano cambiare la loro vita, sviluppare nuove terre, sono andati in America. Sulle navi che si dirigevano verso il Nuovo Mondo navigavano persone di diverse nazionalità, si sentivano discorsi diversi: spagnolo, italiano, inglese, scozzese, francese. Così è apparsa la musica europea in America.

Ma nelle stive di queste navi c'era un "carico vivo": erano schiavi neri che furono portati fuori dai loro luoghi nativi africani per lavorare nelle piantagioni di bianchi.

La gente veniva nel sud americano. E qui a New Orleans ci sono le prime orchestre che si esibiscono nel jazz. Sono diventati noti come gruppi jazz.

Diapositiva 9. Gruppo jazz

Quindi c'è stata una fusione di due culture.

Diapositiva 10. La fusione di due culture

I neri vivevano principalmente nel sud del Nord America. Vivevano duramente, ma si divertivano con entusiasmo e ispirazione.

Diapositiva 11. Divertimento e festa

Ora ascolteremo tre diverse opere. Hai tra le mani un dizionario di emozioni estetiche. Dopo aver ascoltato, dovresti enfatizzare il carattere che si adatta al pezzo in esecuzione.

Diapositiva 11. Divertimento e festa

Per rafforzare l'obbedienza nei loro schiavi, dovevano essere attirati al cristianesimo. E mentre cantavano preghiere cristiane, i negri portavano in loro il loro ritmo insolito. Rivolgendosi a Dio, hanno cantato della loro dura vita in canti di preghiera chiamati spirituals.

Spiritual in traduzione dall'inglese significa spirituale, chiesa. Sono stati composti su storie e testi biblici.

Questo genere è stato accompagnato da battimani, passi e passi di danza.

Diapositiva 12. Spirituale

VIDEO

Louis Armstrong "Lascia andare il mio popolo!"

Diapositiva 13. Blues

Sono apparse anche altre canzoni: canzoni-lamentele, canzoni di protesta. Sono diventati noti come il blues. Il blues parla di bisogno, di duro lavoro. Il blues ha tutto: dramma, conflitto, satira e umorismo.

VIDEO Visualizzazione e ascolto di un frammento di un'opera

Louis Armstrong "Blues"

Diapositiva 14. Ragtime

Ragtime ha un carattere completamente diverso. Ragtime (ritmo irregolare) - musica da ballo di uno speciale magazzino ritmico. Ora ricordiamo il primo

Diapositiva 15. Le origini del jazz

Spiritual, blues, ragtime: queste sono tutte le origini del jazz.

Ora dai un'occhiata alla prossima diapositiva.

Diapositiva 16. Strumenti jazz preferiti

(Elenco per diapositiva)

Ragazzi, ora proveremo a creare la nostra orchestra jazz.Vi invito ragazzi a partecipare all'esecuzione del pezzo che suonava all'inizio della lezione. È chiamato"Artista di varietà" il re del ragtime Scott Joplin.

Chiederò a 2 persone per ogni gruppo. Di fronte a te ci sono strumenti: tamburelli, tamburi, maracas (gli studenti prendono gli strumenti e sono divisi in 3 gruppi).

Proviamoimprovvisando , crea un accompagnamento ritmico a questo pezzo. (La batteria suona su un ritmo forte, un gruppo di tamburelli - su uno debole e le maracas - suonano costantemente).

Diapositiva 17. Orchestra jazz

ORCHESTRA

Vedo che è piaciuto a tutti, musicisti e ascoltatori! La musica jazz, infatti, non lascia nessuno indifferente.

E ora controlliamo quale caratteristica hai dato alle melodie sonore

(risposte degli studenti)

Diapositiva 18. Caratteristiche della musica jazz.

Ricorda: questo è un ritmo complesso, improvvisazione e assolo orchestrale di diversi strumenti.

Diapositive 19-23. interpreti famosi.

Prima di te ci sono famosi artisti jazz: Louis Armstrong, Bessie Smith, Glenn Miller, Duke Ellington, Ella Ftzgerald.

Ed ecco il famoso compositore americano. George Gershwin - il creatore di un nuovo stile musicale - SYMPHOJAZZ.

Diapositive 24. George Gershwin.

Ha unito la tradizione classica e quella jazz. E ha scritto l'opera "Porgy and Bess"

Diapositive 25

classica+jazz

Diapositiva 26. Il jazz in URSS

Il jazz era amato anche nel nostro paese. Negli anni '20 e '30 avevamo le nostre celebrità del jazz.

Tra questi c'è Valentin Parnakh, il creatore della prima orchestra jazz in Russia e il primo a scrivere la parola jazz in russo.

Diapositiva 27. Leonid Utyosov

E Leonid Osipovich Utyosov e la sua orchestra "Tea Jazz". Insieme alla sua orchestra jazz teatrale, Utyosov ha recitato nella commedia musicale "Merry Fellows", che ha debuttato nel dicembre 1934.

VIDEO Guardare e ascoltare un frammento del film "Merry Fellows".

Grazie al jazz, sono apparse danze come foxtrot, twist, boogie-woogie, Charleston, rock and roll, ecc.. Sono apparse musica pop e rock.

IV. Consapevolezza e comprensione del materiale didattico.

Diapositiva 28. Lavorare con il testo.

Diapositiva 29. Testi della canzone "Adulti e bambini"

Esibizione a memoria dell'intera classe della canzone di V. Shainsky "Adults and Children" con accompagnamento acustico (applausi e clic) nell'introduzione e perdite e improvvisazione di danza.

Testi della canzone "Adulti e bambini"

Quindi, quale mezzo musicale ti ha aiutato a definire lo stile di questa canzone? (La canzone è scritta in uno stile jazz. Il ritmo è particolare, ci sono sincopi, un'enfasi su un ritmo debole, un personaggio di danza, l'aggiunta di battimani e clic.)

VI. Riassumendo la lezione. Riflessione.

Diapositiva 30. Jazz: musica leggera o seria?

Finora, ci sono controversie su quale tipo di musica - leggera o seria - può essere attribuito al jazz? Durante la lezione suonavano diversi pezzi jazz, diversi sia nell'umore che nel contenuto. Qual è la tua opinione? (Gli studenti danno le loro opinioni)

Diapositive 31

E ora ti invito a riassumere le impressioni della lezione sull'argomento "Jazz - l'arte del ventesimo secolo" e lavorare in gruppo.

Lavoro autonomo in gruppo.

Lavorare con le dispense

L'insegnante ascolta le risposte degli studenti, valuta il lavoro dei gruppi e ciascuno per la lezione.

Spero che oggi tu abbia trovato un buon amico di fronte al Jazz, che ti delizierà nei momenti felici della tua vita e ti sosterrà nei momenti difficili.

Diapositiva 32. Riflessione

Compiti a casa.

“Scrivi una poesia sotto forma di “burime”. Risolvi il cruciverba.

Diapositiva 33. Grazie per l'attenzione!

Ragazzi, vi ringrazio per la lezione. È stato molto interessante lavorare con te. Ti auguro successo creativo, buona fortuna e salute! Grazie per la lezione!

Letteratura.

1. Konen V. "La nascita del jazz". Mosca, "Compositore sovietico", 1990

2. Mikheeva L. "Dizionario musicale nelle storie". Mosca, "Compositore sovietico", 1984

3. Finkelstein E. "Musica dalla A alla Z". Casa editrice "Compositore", San Pietroburgo, 1992

DIZIONARIO DELLE EMOZIONI ESTETICHE

gioioso

giocoso

vivace

cattivo

Solare

danza

triste

Rimostranza

triste

Cupola

Offeso

pianto

Buona

Morbido

Liscio

Cortese

calmante

Liscio

MISTERIOSO

GENTILE

CELEBRAZIONE

favoloso

miracoloso

magico

Misterioso

a scatti

Acuto

premuroso

sognante

Facile

Leggero

trasparente

romantico

Orgoglioso

Allegro

Importante

In marcia

Chiaro

vittorioso

Compito creativo

Riassumi le impressioni della lezione sotto forma di syncwine (poesia giapponese) sull'argomento "Il jazz è un'arteXX secolo":

Compiti a casa

Scrivi un burime (una poesia con le ultime parole di ogni riga):

Oh jazz!

Leggero.

Illuminismo.

No.

Ispirazione.

RISOLVI IL cruciverba:

Orizzontalmente:

1. Strumento in ottone

2. Compositore americanoxx secolo

3. Comporre musica durante l'esecuzione

4. Il genere della canzone negra che ha influenzato lo sviluppo dello stile jazz

5. Stile musicale

6. Strumento jazz

7. Strumento a tastiera

Verticalmente:

1. Strumento in ottone

8. Canto religioso negro

10. Grande cantante e trombettista negro

11. Strumento a fiato

12. Strumento a pizzico a corde africano, ampiamente utilizzato nella musica country.

SCENE

Nota:

Durante il dialogo, è opportuno sottolineare la parola selezionata con un'intonazione adeguata.

Primo studente dice indifferente: " Quale strano nome?"

Secondo studente dice interrogativamente: "Forse è soprannome una sorta?"

terzo studente dice indignato: "Interessante… Chi è lui ?»

Quarto studente parla con ammirazione e ammira, mentre è molto importante: « Come chi? Musicista! »

terzo studente (indignato): "Sì attaccare con un nome da gangster non conosce le regole della decenza!

Primo studente (interrogando): "Hai sentito cosarumore Da lui?"

Secondo studente (quasi urlando, indignato) : « Hai visto come luiscatenato in movimento? Calpestare, sbattere . E tutto fa tropporitmicamente! »

terzo studente (aggiunge molto importante): "E poi, lui analfabeta! Giocare da note non può!!!"

Quarto studente (con ammirazione, alzando il dito indice): « Sbagliato, amici! Lui ragazzo quello di cui hai bisogno! E si comporta così perché non sa fingere! Ma lo dicesente. E già più interessante e luminoso che personaggi famosi!

Jazz - una forma di arte musicale nata tra la fine dell'800 e l'inizio del 1900 negli USA, a New Orleans, come risultato della sintesi delle culture africana ed europea e successivamente diffusa. Le origini del jazz furono il blues e altra musica popolare afroamericana. Le caratteristiche del linguaggio musicale del jazz inizialmente divennero l'improvvisazione, il poliritmo basato su ritmi sincopati e un insieme unico di tecniche per eseguire la trama ritmica: lo swing. Un ulteriore sviluppo del jazz si è verificato a causa dello sviluppo di nuovi modelli ritmici e armonici da parte di musicisti e compositori jazz. I sub-jaz del jazz sono: jazz d'avanguardia, bebop, jazz classico, cool, modal jazz, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop e molti altri.

Storia dello sviluppo del jazz

Wilex College Jazz Band, Texas

Il jazz è nato come una combinazione di diverse culture musicali e tradizioni nazionali. Originariamente proveniva dall'Africa. Qualsiasi musica africana è caratterizzata da un ritmo molto complesso, la musica è sempre accompagnata da danze, che sono veloci battimani e battimani. Su questa base, alla fine del XIX secolo, emerse un altro genere musicale: il ragtime. Successivamente, i ritmi del ragtime, uniti ad elementi del blues, diedero vita a una nuova direzione musicale: il jazz.

Il blues nasce alla fine del 19° secolo come fusione di ritmi africani e armonia europea, ma le sue origini vanno cercate dal momento in cui gli schiavi furono portati dall'Africa nel Nuovo Mondo. Gli schiavi portati non provenivano dallo stesso clan e di solito non si capivano nemmeno. La necessità di consolidamento ha portato all'unificazione di molte culture e, di conseguenza, alla creazione di un'unica cultura (compresa la musica) degli afroamericani. I processi di commistione tra cultura musicale africana ed europea (che subirono gravi mutamenti anche nel Nuovo Mondo) ebbero luogo a partire dal 18° secolo e nel 19° secolo portarono alla nascita del "proto-jazz", e poi del jazz in ambito generalmente accettato senso. La culla del jazz è stato il sud americano, e soprattutto New Orleans.
Pegno di eterna giovinezza del jazz - improvvisazione
La particolarità dello stile è l'esibizione individuale unica del virtuoso del jazz. La chiave dell'eterna giovinezza del jazz è l'improvvisazione. Dopo l'apparizione di un brillante interprete che ha vissuto tutta la sua vita al ritmo del jazz e rimane ancora una leggenda - Louis Armstrong, l'arte della performance jazz ha visto nuovi orizzonti insoliti per se stessa: l'esibizione vocale o strumentale solista diventa il centro dell'intera performance , cambiando completamente l'idea di jazz. Il jazz non è solo un certo tipo di performance musicale, ma anche un'era allegra unica.

jazz di new orleans

Il termine New Orleans è comunemente usato per descrivere lo stile dei musicisti che hanno suonato jazz a New Orleans tra il 1900 e il 1917, così come i musicisti di New Orleans che hanno suonato a Chicago e registrato dischi dal 1917 circa fino agli anni '20. Questo periodo della storia del jazz è anche conosciuto come l'era del jazz. E il termine è anche usato per descrivere la musica suonata in diversi periodi storici dai revivalisti di New Orleans che cercavano di suonare jazz nello stesso stile dei musicisti della scuola di New Orleans.

Il folklore afroamericano e il jazz si sono separati dall'apertura di Storyville, il quartiere a luci rosse di New Orleans famoso per i suoi luoghi di intrattenimento. Chi voleva divertirsi e divertirsi qui aspettava molte opportunità seducenti che offrivano piste da ballo, cabaret, spettacoli di varietà, circo, bar e ristoranti. E ovunque in queste istituzioni la musica risuonava e i musicisti che padroneggiavano la nuova musica sincopata potevano trovare lavoro. A poco a poco, con la crescita del numero di musicisti che lavorano professionalmente negli stabilimenti di intrattenimento di Storyville, il numero di bande musicali e di ottoni di strada è diminuito e, al loro posto, sono sorti i cosiddetti ensemble di Storyville, la cui manifestazione musicale diventa più individuale , rispetto al suono delle bande di ottoni. Queste composizioni, spesso chiamate "orchestre combinate" e diventarono i fondatori dello stile del jazz classico di New Orleans. Tra il 1910 e il 1917, le discoteche di Storyville divennero l'ambiente ideale per il jazz.
Tra il 1910 e il 1917, le discoteche di Storyville divennero l'ambiente ideale per il jazz.
Lo sviluppo del jazz negli Stati Uniti nel primo quarto del XX secolo

Dopo la chiusura di Storyville, il jazz iniziò a trasformarsi da genere folk regionale in una direzione musicale nazionale, diffondendosi nelle province settentrionali e nord-orientali degli Stati Uniti. Ma ovviamente, solo la chiusura di un quartiere dell'intrattenimento non potrebbe contribuire alla sua ampia distribuzione. Insieme a New Orleans, St. Louis, Kansas City e Memphis hanno svolto un ruolo importante nello sviluppo del jazz sin dall'inizio. Ragtime nasce a Memphis nel XIX secolo, da dove si è poi diffuso in tutto il continente nordamericano nel periodo 1890-1903.

D'altra parte, le esibizioni di menestrelli, con il loro variopinto mosaico di folklore afroamericano di ogni tipo, dal jig al ragtime, si sono rapidamente diffuse ovunque e hanno preparato il terreno per l'avvento del jazz. Molte future celebrità del jazz hanno iniziato il loro viaggio nello spettacolo dei menestrelli. Molto prima della chiusura di Storyville, i musicisti di New Orleans erano in tournée con le cosiddette compagnie di "vaudeville". Jelly Roll Morton del 1904 fece regolarmente tournée in Alabama, Florida, Texas. Dal 1914 aveva un contratto per esibirsi a Chicago. Nel 1915 si trasferì a Chicago e alla White Dixieland Orchestra di Tom Brown. I principali tour di vaudeville a Chicago sono stati effettuati anche dalla famosa Creole Band, guidata dal cornettista di New Orleans Freddie Keppard. Dopo essersi separati dall'Olympia Band in una sola volta, gli artisti di Freddie Keppard già nel 1914 si esibirono con successo nel miglior teatro di Chicago e ricevettero un'offerta per effettuare una registrazione sonora delle loro esibizioni anche prima della Original Dixieland Jazz Band, che, tuttavia, Freddie Keppard miope respinto. Ampliò notevolmente il territorio coperto dall'influenza del jazz, le orchestre suonavano sui piroscafi da diporto che risalivano il Mississippi.

Dalla fine del XIX secolo, i viaggi fluviali da New Orleans a St. Paul sono diventati popolari, prima per il fine settimana e poi per l'intera settimana. Dal 1900, le orchestre di New Orleans si esibiscono su questi battelli fluviali, la cui musica è diventata l'intrattenimento più attraente per i passeggeri durante i tour fluviali. In una di queste orchestre iniziò Suger Johnny, la futura moglie di Louis Armstrong, la prima pianista jazz Lil Hardin. La band fluviale di un altro pianista, Faiths Marable, comprendeva molte future star del jazz di New Orleans.

I battelli a vapore che percorrevano il fiume si fermavano spesso nelle stazioni di passaggio, dove le orchestre organizzavano concerti per il pubblico locale. Sono stati questi concerti che sono diventati debutti creativi per Bix Beiderbeck, Jess Stacy e molti altri. Un altro famoso percorso correva lungo il Missouri fino a Kansas City. In questa città, dove, grazie alle forti radici del folklore afroamericano, il blues si è sviluppato e finalmente ha preso forma, il virtuosismo dei jazzisti di New Orleans ha trovato un ambiente eccezionalmente fertile. All'inizio degli anni '20, Chicago divenne il centro principale per lo sviluppo della musica jazz, in cui, grazie agli sforzi di molti musicisti che si riunirono da diverse parti degli Stati Uniti, fu creato uno stile che fu soprannominato Chicago jazz.

Grandi bande

La forma classica e consolidata delle big band è nota nel jazz dall'inizio degli anni '20. Questa forma ha mantenuto la sua rilevanza fino alla fine degli anni '40. I musicisti che entravano nella maggior parte delle big band, di regola, quasi nell'adolescenza, suonavano parti abbastanza definite, imparate durante le prove o dalle note. Un'attenta orchestrazione, insieme a massicce sezioni di ottoni e fiati, producevano ricche armonie jazz e producevano il suono sensazionalmente forte che divenne noto come "il suono della big band".

La big band divenne la musica popolare del suo tempo, raggiungendo il suo apice a metà degli anni '30. Questa musica è diventata la fonte della mania della danza swing. I leader delle famose band jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet hanno composto o arrangiato e registrato su dischi una vera e propria hit parade di brani che suonavano non solo alla radio ma anche ovunque nelle sale da ballo. Molte big band hanno mostrato i loro improvvisatori-solisti, che hanno portato il pubblico in uno stato vicino all'isteria durante le ben pubblicizzate "battaglie delle orchestre".
Molte big band hanno mostrato i loro improvvisatori solisti, che hanno portato il pubblico in uno stato vicino all'isteria.
Sebbene la popolarità delle big band fosse diminuita dopo la seconda guerra mondiale, le orchestre guidate da Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James e molti altri andarono in tournée e registrarono frequentemente nei decenni successivi. La loro musica è stata gradualmente trasformata sotto l'influenza delle nuove tendenze. Gruppi come ensemble guidati da Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Thad Jones-Mal Lewis hanno esplorato nuovi concetti in armonia, strumentazione e libertà di improvvisazione. Oggi, le big band sono lo standard nell'educazione jazz. Orchestre di repertorio come la Lincoln Center Jazz Orchestra, la Carnegie Hall Jazz Orchestra, la Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra e il Chicago Jazz Ensemble suonano regolarmente arrangiamenti originali di composizioni di big band.

jazz del nord-est

Sebbene la storia del jazz sia iniziata a New Orleans con l'avvento del 20° secolo, questa musica ha conosciuto una vera ascesa all'inizio degli anni '20, quando il trombettista Louis Armstrong lasciò New Orleans per creare nuova musica rivoluzionaria a Chicago. La migrazione dei maestri jazz di New Orleans a New York, iniziata di lì a poco, ha segnato una tendenza di continuo movimento dei musicisti jazz dal sud al nord.

Louis Armstrong

Chicago ha abbracciato la musica di New Orleans e l'ha resa popolare, accendendola non solo con i famosi ensemble Hot Five e Hot Seven di Armstrong, ma anche con altri, inclusi artisti del calibro di Eddie Condon e Jimmy McPartland, la cui squadra della Austin High School ha contribuito a far rivivere la New Orleans scuole. Altri importanti abitanti di Chicago che hanno spinto i confini del jazz classico di New Orleans includono il pianista Art Hodes, il batterista Barrett Deems e il clarinettista Benny Goodman. Armstrong e Goodman, che alla fine si sono trasferiti a New York, hanno creato lì una specie di massa critica che ha aiutato questa città a trasformarsi in una vera capitale mondiale del jazz. E mentre Chicago è rimasta principalmente il centro della registrazione del suono nel primo quarto del 20° secolo, New York è anche emersa come il principale locale jazz, ospitando club leggendari come il Minton Playhouse, il Cotton Club, il Savoy e il Village Vanguard e così come arene come la Carnegie Hall.

Stile Kansas City

Durante l'era della Grande Depressione e del Proibizionismo, la scena jazz di Kansas City divenne una mecca per i suoni nuovi della fine degli anni '20 e '30. Lo stile che fiorì a Kansas City è caratterizzato da brani soul con una sfumatura blues, eseguiti sia da big band che da piccoli ensemble swing, dimostrando assoli molto energici, eseguiti per i clienti delle taverne con liquori venduti illegalmente. Fu in questi pub che si cristallizzò lo stile del grande Count Basie, a cominciare da Kansas City con l'orchestra di Walter Page e poi con Benny Moten. Entrambe queste orchestre erano rappresentanti tipici dello stile di Kansas City, che era basato su una peculiare forma di blues, chiamata "blues urbano" e formata nell'esecuzione delle suddette orchestre. La scena jazz di Kansas City si distingueva anche per un'intera galassia di eccezionali maestri del blues vocale, il "re" riconosciuto tra i quali era il solista di lunga data della Count Basie Orchestra, il famoso cantante blues Jimmy Rushing. Il famoso sassofonista contralto Charlie Parker, nato a Kansas City, al suo arrivo a New York, utilizzò ampiamente i caratteristici "chips" blues che aveva appreso nelle orchestre di Kansas City e costituì in seguito uno dei punti di partenza negli esperimenti dei bopper negli anni '40.

Jazz della costa occidentale

Gli artisti catturati dal movimento cool jazz negli anni '50 hanno lavorato a lungo negli studi di registrazione di Los Angeles. In gran parte influenzati da Miles Davis, questi artisti con sede a Los Angeles hanno sviluppato quello che ora è noto come West Coast Jazz. Il jazz della West Coast era molto più morbido del bebop furioso che lo aveva preceduto. La maggior parte del jazz della West Coast è stata scritta in modo molto dettagliato. Le linee contrappuntistiche spesso utilizzate in queste composizioni sembravano far parte dell'influenza europea che era penetrata nel jazz. Tuttavia, questa musica ha lasciato molto spazio a lunghe improvvisazioni lineari da solista. Sebbene il West Coast Jazz fosse eseguito principalmente negli studi di registrazione, club come il Lighthouse di Hermosa Beach e l'Haig di Los Angeles presentavano spesso i suoi maestri, tra cui il trombettista Shorty Rogers, i sassofonisti Art Pepper e Bud Shenk, il batterista Shelley Mann e il clarinettista Jimmy Giuffrey .

La diffusione del jazz

Il jazz ha sempre suscitato interesse tra musicisti e ascoltatori di tutto il mondo, indipendentemente dalla loro nazionalità. Basta tracciare i primi lavori del trombettista Dizzy Gillespie e la sua fusione delle tradizioni jazz con la musica dei cubani neri negli anni '40 o successivi, la combinazione del jazz con la musica giapponese, eurasiatica e mediorientale, famosa nell'opera del pianista Dave Brubeck, così come nel brillante compositore e leader del jazz - la Duke Ellington Orchestra, che combinava l'eredità musicale dell'Africa, dell'America Latina e dell'Estremo Oriente.

Dave Brubeck

Il jazz ha costantemente assorbito e non solo le tradizioni musicali occidentali. Ad esempio, quando diversi artisti hanno iniziato a provare a lavorare con gli elementi musicali dell'India. Un esempio di questo sforzo può essere ascoltato nelle registrazioni del flautista Paul Horn al Taj Mahal, o nel flusso di "musica mondiale" rappresentato, ad esempio, dalla band dell'Oregon o dal progetto Shakti di John McLaughlin. La musica di McLaughlin, precedentemente in gran parte basata sul jazz, iniziò a utilizzare nuovi strumenti di origine indiana, come il khatam o tabla, durante il suo lavoro con Shakti, suonavano ritmi intricati e la forma del raga indiano era ampiamente utilizzata.
Mentre la globalizzazione del mondo continua, il jazz è costantemente influenzato da altre tradizioni musicali.
L'Art Ensemble di Chicago è stato uno dei primi pionieri nella fusione di forme africane e jazz. Il mondo in seguito conobbe il sassofonista/compositore John Zorn e la sua esplorazione della cultura musicale ebraica, sia all'interno che all'esterno della Masada Orchestra. Questi lavori hanno ispirato interi gruppi di altri musicisti jazz, come il tastierista John Medeski, che ha registrato con il musicista africano Salif Keita, il chitarrista Marc Ribot e il bassista Anthony Coleman. Il trombettista Dave Douglas trae ispirazione dai Balcani nella sua musica, mentre l'Asian-American Jazz Orchestra è emersa come uno dei principali sostenitori della convergenza del jazz e delle forme musicali asiatiche. Mentre la globalizzazione del mondo continua, il jazz è costantemente influenzato da altre tradizioni musicali, fornendo cibo maturo per la ricerca futura e dimostrando che il jazz è veramente world music.

Jazz in URSS e Russia

Il primo nella jazz band RSFSR di Valentin Parnakh

La scena jazz ha avuto origine in URSS negli anni '20, contemporaneamente al suo periodo di massimo splendore negli Stati Uniti. La prima orchestra jazz nella Russia sovietica fu creata a Mosca nel 1922 dal poeta, traduttore, ballerino, personaggio teatrale Valentin Parnakh e fu chiamata "La prima orchestra di banda jazz eccentrica di Valentin Parnakh nella RSFSR". Il 1 ottobre 1922 è tradizionalmente considerato il compleanno del jazz russo, quando ebbe luogo il primo concerto di questo gruppo. L'orchestra del pianista e compositore Alexander Tsfasman (Mosca) è considerata il primo ensemble jazz professionale ad esibirsi in onda e registrare un disco.

I primi gruppi jazz sovietici specializzati nell'esecuzione di danze alla moda (foxtrot, Charleston). Nella coscienza di massa, il jazz iniziò a guadagnare ampia popolarità negli anni '30, in gran parte grazie all'ensemble di Leningrado guidato dall'attore e cantante Leonid Utesov e dal trombettista Ya.B. Skomorovsky. La popolare commedia cinematografica con la sua partecipazione "Merry Fellows" (1934) era dedicata alla storia di un musicista jazz e aveva una colonna sonora corrispondente (scritta da Isaac Dunayevsky). Utyosov e Skomorovsky hanno formato lo stile originale del "tea-jazz" (jazz teatrale), basato su una miscela di musica con teatro, operetta, numeri vocali e un elemento di performance ha avuto un ruolo importante in esso. Un notevole contributo allo sviluppo del jazz sovietico è stato dato da Eddie Rosner, compositore, musicista e leader d'orchestra. Dopo aver iniziato la sua carriera in Germania, Polonia e altri paesi europei, Rozner si è trasferito in URSS ed è diventato uno dei pionieri dello swing in URSS e l'iniziatore del jazz bielorusso.
Nella coscienza di massa, il jazz iniziò a guadagnare ampia popolarità in URSS negli anni '30.
L'atteggiamento delle autorità sovietiche nei confronti del jazz era ambiguo: gli artisti jazz domestici, di regola, non erano banditi, ma era diffusa la critica aspra del jazz in quanto tale, nel contesto della critica alla cultura occidentale in generale. Alla fine degli anni Quaranta, durante la lotta contro il cosmopolitismo, il jazz in URSS visse un periodo particolarmente difficile, in cui i gruppi di musica "occidentale" furono perseguitati. Con l'inizio del "disgelo", le repressioni contro i musicisti furono interrotte, ma le critiche continuarono. Secondo la ricerca della professoressa di storia e cultura americana Penny Van Eschen, il Dipartimento di Stato americano ha cercato di usare il jazz come arma ideologica contro l'URSS e contro l'espansione dell'influenza sovietica nei paesi del terzo mondo. Negli anni '50 e '60. a Mosca, le orchestre di Eddie Rozner e Oleg Lundstrem hanno ripreso le loro attività, sono apparse nuove composizioni, tra cui spiccano le orchestre di Iosif Weinstein (Leningrado) e Vadim Ludvikovsky (Mosca), nonché la Riga Variety Orchestra (REO).

Le big band hanno allevato un'intera galassia di arrangiatori di talento e improvvisatori solisti, il cui lavoro ha portato il jazz sovietico a un livello qualitativamente nuovo e lo ha avvicinato agli standard mondiali. Tra questi ci sono Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Inizia lo sviluppo del jazz da camera e da club in tutta la sua diversità di stile (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan , Igor Bril, Leonid Chizhik, ecc.)

Jazz Club "Blue Bird"

Molti dei suddetti maestri del jazz sovietico hanno iniziato la loro carriera creativa sul palco del leggendario jazz club di Mosca "Blue Bird", che esisteva dal 1964 al 2009, scoprendo nuovi nomi di rappresentanti della moderna generazione di star del jazz russo (fratelli Alexander e Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko e altri). Negli anni '70, il trio jazz "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTC) composto dal pianista Vyacheslav Ganelin, dal batterista Vladimir Tarasov e dal sassofonista Vladimir Chekasin, che esisteva fino al 1986, ha guadagnato ampia popolarità. Negli anni '70 e '80 erano conosciuti anche il quartetto jazz dell'Azerbaigian "Gaya", gli ensemble vocali e strumentali georgiani "Orera" e "Jazz-Khoral".

Dopo il declino dell'interesse per il jazz negli anni '90, ha ricominciato a guadagnare popolarità nella cultura giovanile. Ogni anno a Mosca si tengono festival di musica jazz, come Usadba Jazz e Jazz in the Hermitage Garden. Il locale jazz club più famoso di Mosca è l'Union of Composers jazz club, che invita artisti jazz e blues di fama mondiale.

Jazz nel mondo moderno

Il mondo moderno della musica è tanto vario quanto il clima e la geografia che impariamo attraverso i viaggi. Eppure, oggi assistiamo a una mescolanza di un numero crescente di culture del mondo, che ci avvicina costantemente a quella che, in sostanza, sta già diventando “world music” (world music). Il jazz di oggi non può non essere influenzato da suoni che vi penetrano da quasi ogni angolo del globo. Lo sperimentalismo europeo con sfumature classiche continua a influenzare la musica di giovani pionieri come Ken Vandermark, un gelido sassofonista d'avanguardia noto per il suo lavoro con importanti contemporanei come i sassofonisti Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann. Altri giovani musicisti più tradizionalisti che continuano a cercare la propria identità includono i pianisti Jackie Terrasson, Benny Green e Braid Meldoa, i sassofonisti Joshua Redman e David Sanchez e i batteristi Jeff Watts e Billy Stewart.

La vecchia tradizione del suono viene rapidamente portata avanti da artisti come il trombettista Wynton Marsalis, che lavora con un team di assistenti sia nelle sue piccole band che nella Lincoln Center Jazz Band, che dirige. Sotto il suo patrocinio, i pianisti Marcus Roberts ed Eric Reed, il sassofonista Wes "Warmdaddy" Anderson, il trombettista Markus Printup e il vibrafonista Stefan Harris sono diventati grandi musicisti. Il bassista Dave Holland è anche un grande scopritore di giovani talenti. Tra le sue numerose scoperte ci sono artisti come il sassofonista / bassista M Steve Coleman, il sassofonista Steve Wilson, il vibrafonista Steve Nelson e il batterista Billy Kilson. Altri grandi mentori di giovani talenti includono il pianista Chick Corea e il compianto batterista Elvin Jones e la cantante Betty Carter. Il potenziale per un ulteriore sviluppo del jazz è attualmente piuttosto ampio, poiché le modalità di sviluppo del talento e i mezzi della sua espressione sono imprevedibili, moltiplicandosi per gli sforzi combinati di vari generi jazz incoraggiati oggi.

Jazzè un fenomeno unico nella cultura musicale mondiale. Questa poliedrica forma d'arte è nata all'inizio del secolo (XIX e XX) negli Stati Uniti. La musica jazz è diventata un'idea delle culture dell'Europa e dell'Africa, una sorta di fusione di tendenze e forme delle due regioni del mondo. Successivamente, il jazz andò oltre gli Stati Uniti e divenne popolare quasi ovunque. Questa musica prende le sue basi nelle canzoni, nei ritmi e negli stili popolari africani. Nella storia dello sviluppo di questa direzione del jazz, sono note molte forme e tipi che sono apparsi quando sono stati padroneggiati nuovi modelli di ritmi e armoniche.

Caratteristiche del jazz

La sintesi di due culture musicali ha reso il jazz un fenomeno radicalmente nuovo nell'arte mondiale. Le caratteristiche specifiche di questa nuova musica erano:

• Ritmi sincopati che generano poliritmi.
• Pulsazione ritmica della musica - battito.
• Batti il ​​complesso di deviazione - swing.
• Improvvisazione costante nelle composizioni.
• Una ricchezza di armoniche, ritmi e timbri.

La base del jazz, soprattutto nelle prime fasi di sviluppo, era l'improvvisazione combinata con una forma ben congegnata (allo stesso tempo, la forma della composizione non era necessariamente fissata da qualche parte). E dalla musica africana, questo nuovo stile ha preso i seguenti tratti caratteristici:

• Comprendere ogni strumento come una percussione.
• Intonazioni colloquiali popolari nell'esecuzione di composizioni.
• Un'imitazione simile della conversazione quando si suonano gli strumenti.

In generale, tutte le aree del jazz si distinguono per le proprie caratteristiche locali, e quindi è logico considerarle nel contesto dello sviluppo storico.

L'emergere del jazz, ragtime (1880-1910)

Si ritiene che il jazz abbia avuto origine tra gli schiavi neri portati dall'Africa negli Stati Uniti d'America nel XVIII secolo. Poiché gli africani catturati non erano rappresentati da una singola tribù, dovettero trovare una lingua comune con i loro parenti nel Nuovo Mondo. Questo consolidamento ha portato all'emergere di una cultura africana unificata in America, che includeva una cultura musicale. Fu solo tra il 1880 e il 1890 che la prima musica jazz emerse come risultato. Questo stile è stato guidato dalla domanda mondiale di musica dance popolare. Poiché l'arte musicale africana era piena di tali danze ritmiche, è stato sulla base che è nata una nuova direzione. Migliaia di americani della classe media, che non avevano l'opportunità di padroneggiare le danze classiche aristocratiche, iniziarono a ballare al pianoforte nello stile del ragtime. Ragtime ha portato alla musica diverse future basi jazz. Quindi, il principale rappresentante di questo stile, Scott Joplin, è l'autore dell'elemento "3 contro 4" (incrocio di pattern ritmici rispettivamente con 3 e 4 unità).

New Orleans (1910-1920)

Il jazz classico è apparso all'inizio del XX secolo negli stati meridionali dell'America, e in particolare a New Orleans (il che è logico, perché la tratta degli schiavi era diffusa nel sud).

Le orchestre africane e creole hanno suonato qui, creando la loro musica sotto l'influenza del ragtime, del blues e delle canzoni dei lavoratori neri. Dopo l'apparizione in città di molti strumenti musicali di bande militari, iniziarono ad apparire anche gruppi di dilettanti. Anche il leggendario musicista di New Orleans e fondatore della sua stessa orchestra, King Oliver, era autodidatta. Una data importante nella storia del jazz fu il 26 febbraio 1917, quando la Original Dixieland Jazz Band pubblicò il suo primo disco di grammofono. Le caratteristiche principali dello stile sono state poste anche a New Orleans: un ritmo di strumenti a percussione, un assolo magistrale, improvvisazione vocale con sillabe - scat.

Chicago (1910-1920)

Negli anni '20, chiamati dai classici i "ruggenti anni Venti", la musica jazz entra gradualmente nella cultura di massa, perdendo i titoli di "vergognoso" e "indecente". Le orchestre iniziano a esibirsi nei ristoranti, si spostano dagli stati del sud ad altre parti degli Stati Uniti. Chicago sta diventando il centro del jazz nel nord del paese, dove le esibizioni serali gratuite di musicisti stanno guadagnando popolarità (durante tali spettacoli c'erano frequenti improvvisazioni e solisti di terze parti). Nello stile della musica compaiono arrangiamenti più complessi. L'icona del jazz di questo periodo fu Louis Armstrong, che si trasferì a Chicago da New Orleans. Successivamente, gli stili delle due città iniziarono a essere combinati in un genere di musica jazz: Dixieland. La caratteristica principale di questo stile era l'improvvisazione collettiva di massa, che elevava l'idea principale del jazz all'assoluto.

Swing e big band (anni '30-'40)

L'ulteriore aumento di popolarità del jazz ha creato una richiesta di grandi orchestre per suonare brani ballabili. È così che è apparso lo swing, che rappresenta le deviazioni caratteristiche in entrambe le direzioni dal ritmo. Lo swing divenne la principale direzione stilistica di quel tempo, manifestandosi nel lavoro delle orchestre. L'esecuzione di snelle composizioni di danza richiedeva un'esecuzione più coordinata dell'orchestra. I musicisti jazz dovevano partecipare in modo uniforme, senza troppa improvvisazione (tranne il solista), quindi l'improvvisazione collettiva di Dixieland è un ricordo del passato. Negli anni '30 vi fu un fiorire di tali gruppi, che furono chiamati big band. Una caratteristica delle orchestre di quel tempo è la competizione di gruppi di strumenti, sezioni. Tradizionalmente ce n'erano tre: sassofoni, trombe, tamburi. I musicisti jazz più famosi e le loro orchestre sono Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Quest'ultimo musicista è famoso per il suo impegno per il folklore negro.

Bebop (anni '40)

L'allontanamento di Swing dalle tradizioni del primo jazz e, in particolare, dalle melodie e dagli stili classici africani, ha causato malcontento tra gli appassionati di storia. Big band e artisti swing, che lavoravano sempre più per il pubblico, iniziarono a essere osteggiati dalla musica jazz di piccoli ensemble di musicisti neri. Gli sperimentatori hanno introdotto melodie ultra veloci, riportato in vita lunghe improvvisazioni, ritmi complessi e padronanza dello strumento solista. Il nuovo stile, posizionandosi come esclusivo, iniziò a chiamarsi bebop. Stravaganti musicisti jazz come Charlie Parker e Dizzy Gillespie divennero le icone di questo periodo. La rivolta dei neri americani contro la commercializzazione del jazz, il desiderio di riportare questa musica all'intimità e all'unicità divennero un punto chiave. Da questo momento e da questo stile inizia la storia del jazz moderno. Allo stesso tempo, i leader delle big band vengono alle piccole orchestre, desiderando prendersi una pausa dalle grandi sale. Negli ensemble chiamati combo, tali musicisti hanno aderito allo stile swing, ma hanno avuto la libertà di improvvisare.

Cool jazz, hard bop, soul jazz e jazz funk (anni '40-'60)

Negli anni '50, un genere musicale come il jazz iniziò a svilupparsi in due direzioni opposte. I sostenitori della musica classica hanno "raffreddato" il bebop, riportando alla moda musica accademica, polifonia e arrangiamento. Il cool jazz è diventato famoso per la sua moderazione, secchezza e malinconia. I principali rappresentanti di questa tendenza jazzistica furono: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Ma la seconda direzione, al contrario, iniziò a sviluppare le idee del bebop. Lo stile hard bop predicava l'idea di tornare alle origini della musica nera. Le melodie folcloristiche tradizionali, i ritmi brillanti e aggressivi, gli assoli esplosivi e l'improvvisazione sono tornati di moda. Nello stile dell'hard bop sono noti: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Questo stile si è sviluppato organicamente insieme al soul jazz e al jazz funk. Questi stili si sono avvicinati al blues, rendendo la ritmica un aspetto chiave della loro performance. Il jazz funk, in particolare, è stato introdotto da Richard Holmes e Shirley Scott.

Il jazz è un fenomeno unico dell'arte musicale.

Una volta qualcuno mi ha chiesto:
Il jazz è davvero musica?
Ero così sconvolto che non potevo nemmeno rispondere. Il tempo è volato. La vita cambia, le persone cambiano...

— Il jazz è un fenomeno unico dell'arte musicale...

Molto tempo fa, quando le note non esistevano ancora, la musica, come mi sarebbe più facile dire, si trasmetteva “da orecchio a orecchio”. Dopotutto, la creatività musicale dai tempi antichi ed esiste ancora su tre piani: uno è il compositore di musica, il secondo è l'esecutore e il terzo combina questi due concetti e l'autore e l'esecutore in un'unica persona.
La composizione per musica, che chiameremo composizioni, si basa sul principio di un lungo processo che realizza l'impulso creativo direttamente nei suoni, che viene poi registrato come opera finita.
Al centro delle arti dello spettacolo ci sono le funzioni della performance stessa, basata sul principio dello sviluppo di una grande quantità di memoria musicale, nonché lo sviluppo di tecniche tecniche virtuose di esecuzione.
Ma il terzo principio, che combina performance e composizione in una persona, dovrebbe avere un'altra importante funzione: il cosiddetto talento per l'improvvisazione, cioè il principio della creazione e dell'esecuzione simultanea della musica (senza un processo di preparazione preliminare) durante l'esecuzione. Anche se questo è abbastanza discutibile. Perché ci sono esempi in cui il compositore aveva una scarsa padronanza della tecnica dell'esecuzione e non sapeva improvvisare, ma scriveva opere uniche e virtuose. E viceversa, un interprete che sappia improvvisare perfettamente su standard già pronti di melodie e armonie non ha composto nemmeno un pezzo, anche il più piccolo.
Questa breve introduzione è necessaria per capire alcune cose, di cui parlerò poco dopo.
È stato scritto così tanto sullo sviluppo e sulla storia del jazz che è già molto difficile aggiungere qualcosa. Tuttavia, vale la pena ripetere da qualche parte, e da qualche parte, concentrandosi su quelle cose che a volte sfuggono alla nostra attenzione. Oppure può trasformare la consapevolezza del significato di alcuni elementi del jazz, come fenomeno unico dell'arte musicale del XX secolo, in una nuova direzione.
Comprendendo perfettamente che ogni elemento del processo vitale ha il suo tempo, non posso dire che la musica accademica sia viva e vegeta, anche la musica rock, per non parlare del tesoro mondiale - il folklore. Ma chi può dire che il jazz è già morto?
Le principali culture musicali che hanno creato capolavori unici e potenti rimarranno nel futuro sviluppo della terra - per sempre. Allontanandomi dai grandi temi dell'intera cultura musicale mondiale, vorrei pormi la domanda: - cosa rende il jazz diverso da tutto il resto?
Per fare questo, dobbiamo tornare indietro e analizzare una domanda importante: che tipo di processo è l'improvvisazione? Questa necessità è necessaria per qualche connessione e conclusione futura.

Quindi, improvvisazione. L'improvvisazione musicale è molto più antica della composizione musicale. Improvvisazione è una parola italiana, ma deriva dal latino - "improvvisus" (imprevisto, improvviso). Questo è un tipo speciale di creatività artistica, in cui la creazione (composizione) avviene direttamente nel processo di azione (performance). È noto che nelle culture musicali dei popoli extraeuropei l'improvvisazione svolge ancora la funzione più importante, che si manifesta in varie forme. Anche i tipi di creatività improvvisata dominarono il territorio europeo e iniziarono a perdere gradualmente le loro posizioni, a partire dal (comparsa di un primo sistema di notazione) dal IX al XVI secolo. Durante questo periodo critico (l'inizio dell'influenza attiva della sottocultura scritta), la parola improvvisazione è apparsa, come manifestazione di un certo spartiacque. Nella cultura musicale - variazioni, canone, toccata, fantasia e persino fuga e forma della sonata erano una volta attivamente improvvisate, e precisamente in procinto di essere eseguite in pubblico. Ma con l'avvento della cosiddetta età della notazione musicale, è stata la notazione musicale europea a diventare, nel vero senso della parola, l'elemento prevalente per l'arte musicale del mondo intero, e questo è stato uno dei fattori di la sua universalità e significato globale, e l'improvvisazione scompare dal palco del concerto. È buono o cattivo? Qui puoi esprimere migliaia di ipotesi. Ma per ora lasceremo questa conversazione non per questo contesto.
Quindi, il metodo scritto (notazione) - porta un nuovo concetto di arte musicale, altri criteri estetici, una diversa psicologia creativa, altre qualità uditive, nuovi metodi di formazione professionale. E naturalmente, le tradizioni scritte hanno portato a un metodo più perfetto (fissazione) della musica stessa e a una cronologia più accurata della storia musicale. Nelle viscere della cultura musicale scritta europea, le capacità di improvvisazione iniziarono a diventare gradualmente evirate. La manifestazione di questo fenomeno è evidente già nei secoli XII-XVI. Nei secoli XVIII-XIX l'improvvisazione musicale era vista con particolare ostilità, come manifestazione di puro analfabetismo e ciarlataneria. E alla fine del 19° secolo, fu praticamente completamente dimenticato. Anche se sappiamo con certezza quali fossero gli straordinari improvvisatori: Bach, Mozart, Chopin, Liszt, Scriabin, Rachmaninoff... Eppure, l'era dell'improvvisazione come processo storico per la comune cultura musicale europea è finita. Ma cosa è successo dopo? Per rispondere a questa domanda, dobbiamo spostarci dalla vecchia Europa alla giovane America.
Ci sono varie voci sulla giovane America. Penso che alcuni americani progressisti, dopo tutto, conoscano la storia della formazione della giovane America meglio di me e di te. Pertanto, dirigerò i miei pensieri in una direzione diversa. Per dirla semplicemente, persone diverse si riversano in America, rappresentando naturalmente culture musicali diverse, principalmente dall'Europa. Vengono anche portati dall'Africa, ma come schiavi ... Le persone dai paesi panasiatici arrivano in numero minore. I popoli indigeni d'America, per lo più indiani, sono sfollati. Qui, molti hanno attirato l'attenzione su un dettaglio importante.
Persone provenienti da tutto il mondo hanno iniziato ad affluire in America per guadagnare molti soldi in questo giovane paese e quindi cambiare la loro vita in meglio. È una buona idea. Ma l'ambiente sociale, e dietro di esso il modo di vivere e la cultura, è stato costruito su un principio completamente diverso, su "materiale diverso" rispetto all'Europa conservatrice (se così si può, ovviamente, chiamarla). Naturalmente, una tale inimmaginabile sintesi di culture e dello stesso modo di vivere, non poteva non intaccare l'organizzazione, la nascita di qualche nuova sottocultura, “un po'” diversa dalla cultura europea. A cosa sto arrivando?
La storia secondo cui gli schiavi neri hanno dato vita al jazz non è del tutto plausibile e, inoltre, estremamente dannosa.
La lotta dei neri americani per i loro diritti è rispettata. Gli storici, che vedevano in questo alcune radici sociali, iniziarono a destreggiarsi francamente tra i fatti, vale a dire gli elementi strutturali della nuova sottocultura musicale, perché loro stessi non ne capivano nulla in quel momento. E subito dopo, l'Europa ha risposto, e poi l'Unione Sovietica, ed è andata e ritorno. La logica più semplice in quei tempi lontani non era appropriata. Ma ancora, anche in quei tempi lontani dell'inizio del 20° secolo, più di una volta gli scienziati progressisti hanno scritto (ma in qualche modo non ci hanno prestato attenzione, o non hanno voluto prestare attenzione, tutti i tipi di rivoluzioni erano troppo di moda a quei tempi, e la lotta per il diritto sociale), che in Africa il jazz, in qualche modo, non nasceva, non metteva nemmeno radici. Sì, e anche in India in misura maggiore. Anche se si può dire con certezza che molti ritmi del folklore indiano sono assolutamente accettabili e si identificano con ritmi jazz, non meno di quelli africani. Come mai?
Interessante confronto. Karate-do. In tutto il mondo, questa arte marziale è considerata giapponese. Così è. Come si formerebbero in Giappone la scuola stessa e l'ambiente sociale per questa arte marziale. Ma qual è il modo per ottenere questo, diciamo, esercizi, alle isole giapponesi. E tutto è semplice. Dall'India la strada passa per la Cina, poi per l'isola giapponese di Okinawa, che a quei tempi era ancora cinese. Allora che dire di questi fattori?
Torniamo alla fine del 19° secolo. L'Europa godeva dell'arte dei grandi maestri della musica. Quello costa solo uno - Chopin. E che dire di Liszt, Wagner, Tchaikovsky, Rachmaninov?.. E tutti in qualche modo hanno perso il momento in cui l'integrazione di molti sistemi musicali in America, che stava già guadagnando forza economica, ha iniziato a dare origine a una sorta di simbiosi, una nuova sottocultura musicale , che avrebbe poi conquistato il mondo intero nel 20° secolo, ma questo non è solo jazz, ma anche rock, come naturale continuazione di esso.
I miei pensieri si baseranno su concetti e confronti molto semplici, oltre a frasi liberamente espresse da alcune opere, per non indurti in una sorta di fornicazione con termini teorici, ne ricordo ancora molti. Ma, naturalmente, non abbandoneremo completamente la terminologia, poiché spesso contiene un conglomerato di concetti difficili da elaborare in una frase.
Se vuoi viaggiare con me, sarò felice. Se vuoi toglierti dai miei pensieri, chiudi questo materiale.

Così. La confluenza degli eventi storici, l'intreccio dei destini, l'ambiente sociale, la sintesi delle culture, questa è solo una piccola componente dei presupposti per la generazione di una nuova sottocultura musicale. Sì. Si può parlare molto di chi è stato il primo interprete di una particolare direzione musicale. Tuttavia, la cosa più importante è che dobbiamo capire esattamente in che direzione si trova e cosa esiste in questa direzione.
Dopotutto, non puoi andare da nessuna parte ("ti innamorerai e ti sposerai"), eppure tutta la musica si basa su tre, come si suol dire, balene: melodia, armonia e ritmo.

Melodia.
Ogni generazione, per così dire, sviluppa il proprio repertorio melodico, che meglio si adatta alle idee storiche del tempo dato. Ma la melodia è parte integrante del ritmo e, spesso, dell'armonia, e dipende in gran parte da questi fattori. Fine del XIX secolo, inizio del XX secolo. La principale componente melodica di quel tempo in America è il modello melodico europeo, e solo allora l'introduzione di elementi inerenti al folklore di neri americani, indiani, inglesi, scozzesi, francesi, spagnoli e altri popoli che abitano l'America al suo interno. Ma i metodi più caratteristici per eseguire la melodia sono apparsi nella nuova sottocultura musicale in alcuni dei cosiddetti toni blues (note blu), che sono caratteristici del folklore dei neri americani, ma non solo (lo "sfarfallio" di major e minor è inerente anche al folklore antico russo). Alcuni effetti "sporchi", "instabili" (sporchi, labili), grida (urlo). Questi sono gli elementi caratteristici delle tecniche melodiche (sottolineo, tecniche) per quel tempo, che poi divennero caratteristiche del jazz, cioè divennero standard, ma non elementi fondamentali della melodia.

Armonia.
L'armonia nella sua accezione classica è un elemento della musica inerente alla principale direzione europea. Nella nuova sottocultura musicale dell'inizio del XX secolo nel continente americano, il processo di sviluppo dell'armonia ha avuto luogo con il processo stesso di comporre, suonare musica ed è associato a quei mezzi espressivi che il musicista voleva esprimere in quel momento . Nel jazz, l'armonia è inerente al lineare (coerente, diatonico), questa struttura della sequenza di armonie è caratteristica della musica popolare di molti popoli europei e non solo di loro, sebbene non tutte le opere jazz siano tali. Un vivido esempio: la struttura armonica (sequenza di armonie) del Blues, molti dicono che questa sia completamente la creazione dei neri americani, e questa è una sequenza di accordi prettamente europea (ma qui ci sono accordi di settima/sesta - cioè la colorazione di questi accordi è già caratteristico del jazz stesso): I-IV- I-II-VI (messo intenzionalmente al posto di IV - II passo per togliere il discorso che usavano gli africani analfabeti il ​​giro del V-IV passo, il giro armonico proibito in Musica europea, e II-V - si scopre che è consentito, ma è quasi impercettibile, anche se lascia che sia V-IV). Abbiamo scoperto che l'armonia nel Blues è puramente europea. Il numero di cicli è dodici. Ma questo non è il risultato della creazione di una nuova struttura musicale (forma) non standard negra, ma semplicemente l'aggiunta di altre quattro misure a otto misure (un sistema di modellatura assolutamente europeo) dovuta alla semplice ripetizione di un quattro- stanghetta di un testo poetico. Nel 1965, il maestro, scapolo, insegnante della Juilliard School, John Mehegan, pubblicò un'opera utilizzando un sistema di designazione dell'armonia digitale (basso generale - "basso generale", che esiste da 200 anni nella cultura musicale europea), in tal modo accuratamente e visualizzare completamente l'intero sistema di organizzazione dell'armonia nel jazz, tracciando un parallelo tra l'origine dell'armonia jazz e quella classica. Ma voglio sottolineare che le triadi non si usano praticamente nel jazz, ma si usano gli accordi, almeno quattro suoni.

Ritmo.
Nell'area del ritmo, i musicisti jazz hanno fatto i progressi più significativi. "Sono le qualità ritmiche del jazz che affascinano molte persone in tutto il mondo e sono diventate emblematiche del suono del jazz." Ma l'organizzazione ritmica basata su metro standard e indicazioni di tempo è un modello puramente europeo, insito nella sua intera cultura musicale. Sì. Non c'è analogia nella musica classica europea per gli elementi ritmici unici del jazz. Per la musica classica europea, forse sì, ma non per il modello ritmico folcloristico di vari paesi extraeuropei. Questo vale per i paesi panasiatici, la Turchia (sakal...), l'India (detsy-talas...), i ritmi bulgari, russi e, naturalmente, i ritmi del continente africano. Ecco un esempio di semplice contrappunto ritmico inerente al pensiero europeo:
1. crome - melodia;
2. metà - armonia;
3. quarti - metro, tempo.
È su queste tre verticali del jazz che si realizza una certa nuova organizzazione ritmica, che non si presta ad alcuna notazione musicale. Anche se questa è una questione controversa. Puoi registrare tutto... Non voglio parlare troppo di shuffle, drive, cross-ritmo — tutto questo può essere combinato con la parola swing, ma questo è anche un nome condizionale e naturalmente è impossibile combinare tutti i concetti dell'organizzazione del ritmo jazz con questa parola, in particolare il ritmo incrociato (ritmi incrociati). Molto è stato scritto sui ritmi, sulla storia dello sviluppo dei ritmi, sulla bioritmica dei maggiori compositori del 20° secolo come Messiaen, Boulez, Webern... Vorrei sottolineare che i compositori romantici del tardo 19° secolo avevano già un tendenza crescente verso una sorta di accentuazione libera-dinamica contro la funzione metrica del battito. Era già una specie di swing, ma più libero e sofisticato. Tuttavia, il ritmo jazz ha segnato l'inizio di una nuova era di organizzazione del ritmo nel 20° secolo.

Seguendo la logica del mio ragionamento, diventa chiaro che nessuno a quei tempi creava nulla di soprannaturale, e non era necessario. La "raccolta di tutte le opere" nel campo della cultura musicale popolare (sottolineo - folk, allo stesso tempo, popoli diversi) alla fine del XIX e all'inizio del XX secolo nel continente americano ha portato alla nascita di una potente direzione musicale - Jazz, che è diventato un incontro solo per la cultura musicale accademica. Allo stesso tempo, l'uso di strumenti musicali europei, comprese anche le percussioni, sottolinea ancora una volta la logica secondo cui il novanta per cento del jazz si basa sul metodo e sulle regole europee di fare musica allora accettate.
Melodia. Armonia. Ritmo. Modificando, queste tre balene sono rimaste ancora fondamentalmente fondamentali nel jazz. Ma il jazz non sarebbe jazz se tu e io lasciassimo comunque andare l'elemento che è il suo nucleo nel jazz: questa è l'improvvisazione. L'ottanta per cento della musica jazz è improvvisazione. Senza l'improvvisazione, il jazz, come quello che abbiamo oggi, non esisterebbe affatto.
Ma torniamo all'improvvisazione. Tu ed io sappiamo già che alla fine del 19° secolo l'improvvisazione nella musica accademica era vista con particolare ostilità. Ma nel continente americano, in generale, alla fine del 19° secolo, la musica accademica, per usare un eufemismo, era trattata con freddezza.
Ma... Eppure, molti brani musicali e canzoni dell'epoca, anche come: il primo ragtime, la musica country e l'inizio del blues, venivano suonati senza possibilità di improvvisazione. Hanno appena imparato.
Ma come è iniziato il processo di restituzione dell'improvvisazione alla cultura musicale, anche nuova?
L'improvvisazione, come forma d'arte, richiede un talento speciale, che distingue un musicista che improvvisa da un musicista che legge solo le note.
Un improvvisatore deve padroneggiare la materia della sua arte: forma musicale, melodia, armonia, ritmo, struttura, polifonia, ecc., non peggio di un compositore. Cioè, i prerequisiti per la rinascita dell'improvvisazione sono l'emergere di persone (musicisti-improvvisatori) che potrebbero incarnare tutti gli elementi di questa forma d'arte. E il processo è iniziato. Cioè, è iniziato il processo di autoespressione dei musicisti (fortunatamente, la nuova direzione della musica - il jazz lo ha permesso), sia in termini di composizione che in termini di capacità esecutive.
C'è una legge in psicologia, che si chiama "riflessione anticipata". Nell'attività musicale, ciò si esprimeva nella capacità dei musicisti di prevedere l'ulteriore sviluppo di un'opera musicale. Questo fattore, insieme a molti altri (di cui poco dopo), è importante nel lavoro di un improvvisatore. Dato il numero significativo di operazioni eseguite da un improvvisatore, va notato che la maggior parte delle abilità dovrebbe essere automatizzata, poiché la coscienza di un musicista al momento dell'improvvisazione è principalmente occupata dalla ricerca dello sviluppo del pensiero musicale. Ogni musicista improvvisatore deve avere un "complesso musicale elementare":
1 capacità di rispondere emotivamente alla musica;
2 sensazione modale (armonica);
3 senso della forma;
4 rappresentazione uditiva;
5 senso ritmico;
6 la capacità di analizzare la musica nel processo di esecuzione e prevederne lo sviluppo.
Questo è il minimo che un improvvisatore dovrebbe avere.
Tuttavia, vorrei dare un'occhiata più da vicino ai due fattori principali di un improvvisatore, che già conosciamo:
1) apparato compositore;
2) apparato esecutivo.
L'improvvisazione musicale è una forma di attività artistica produttiva che si traduce in un nuovo lavoro o in una nuova versione di un tema musicale esistente. Lo strumento principale per questo è il pensiero creativo. Il lavoro dell'immaginazione e la gestione delle abilità acquisite è centrale per la creatività. Durante la creazione di un'opera, il compositore risolve in una certa misura problemi mentali di livello analitico, agendo secondo il metodo della selezione, confrontando ciò che è stato raggiunto con l'obiettivo verso il quale si sta muovendo. Il pensiero costruttivo spesso agisce in modo indipendente come il principale fattore trainante. Al pensiero costruttivo segue subito il cosiddetto pensiero artistico-figurativo. Entrambi i tipi di pensiero costituiscono la base dell'apparato del compositore dell'improvvisatore. Le componenti della valutazione, cioè il gusto estetico dell'apparato del compositore, sono il senso della proporzione e il senso della forma.
E un improvvisatore che contemporaneamente esegue la musica e la crea deve avere anche un apparato performativo non inferiore a quello di un compositore. L'apparato esecutivo è diverso da quello del compositore. Nel linguaggio della filosofia, l'esecutore contempla. E se ci addentriamo ancora più a fondo nel tessuto del processo creativo dell'artista, allora egli, per così dire, perfeziona, contempla l'attività del compositore, trasformando il suo tema (l'opera) in un'immagine completa e altamente artistica. Ciò significa che il tipo di pensiero (riproduttivo) e il suo derivato, un tipo di immaginazione altamente organizzato, sono considerati l'elemento principale dell'esecutore. E, naturalmente, è già stato detto che la padronanza dell'esecuzione dell'improvvisatore si basa sui principi dello sviluppo di una grande quantità di memoria musicale, nonché sullo sviluppo di tecniche tecniche di esecuzione virtuose.
E così queste due immagini globali, due direzioni di pensiero e abilità musicali unite in una certa sostanza che hanno dato vita a una generazione completamente nuova di musicisti improvvisatori, chiudendo così la catena del ritorno dell'elemento improvvisativo nella cultura musicale del XX secolo nel complesso. Naturalmente, questo processo non è stato fulmineo e inequivocabile. Tutto si sviluppò e tornò gradualmente al suo posto.
Le prime abilità dell'improvvisatore risiedono nel piano della cosiddetta improvvisazione da parafrasi, cioè l'improvvisazione della variabilità appropriata, l'abbellimento della melodia, una piccola varietà di ritmi, ecc.
Inoltre, le capacità di improvvisazione dei musicisti si sono sviluppate e hanno portato a un certo sistema di improvvisazione lineare. Questo sistema di improvvisazione domina, praticamente fino ad ora, ma naturalmente, sviluppandosi. Oggi tutto rientra nell'elemento improvvisativo: melodia, armonia, ritmo e persino forma, come struttura generale dell'opera. Quindi, l'improvvisazione lineare è una sorta di composizione di una nuova versione di una linea melodica per un'armonia, un tema, una forma esistente, o forse solo per l'armonia, o anche solo per la struttura modale dell'opera.
Ma ci sono varie voci sul terzo tipo (sistema) di improvvisazione: spontanea. L'improvvisazione spontanea, la libera improvvisazione è qualcosa che è difficile da analizzare. Diciamo che mi offro questa opzione per l'improvvisazione: g-moll (modo mixolidico), più basato su un qualche tipo di ritmo, oppure scelgo il carattere del pezzo, determini il tempo, la trama, ecc. Questo suggerisce che non esiste una cosa come l'improvvisazione assolutamente libera. Il processo di improvvisazione non è affatto un rituale segreto eseguito arbitrariamente senza conoscenze e abilità pregresse e precise. Piuttosto, è l'applicazione consapevole di idee musicali logiche e complete che raggiungono altezze espressive in collaborazione con un talento musicale formato dotato di capacità di immaginazione.
Queste piccole briciole di conoscenza dell'apparato improvvisativo di un musicista le presento in questo lavoro, sapendo, ovviamente, non per intero, ma pur sapendo come l'elemento improvvisativo si sia sviluppato nella storia della cultura musicale.
Lo sviluppo dell'improvvisazione nel 20° secolo è praticamente una ripetizione di questa storia, ma in una nuova fase del tempo. Questo è il revival e il ritorno dell'improvvisazione nel mondo musicale in generale. E questo è successo grazie alla nascita e allo sviluppo di un'arte musicale unica, grande, bella e inimitabile: il jazz.
Eppure, per non essere infondati, facciamo una breve digressione nella storia dell'arte dell'improvvisazione. Questo è estremamente utile. Si scrive molto poco su questo. Ma chi non vuole leggere questo, o conosce questo materiale, può saltarlo.

Nei primi secoli della nostra era, nella tradizione musicale del Mediterraneo, esisteva solo la cosiddetta tradizione orale di trasmettere materiale musicale. Le antiche scuole di cultura tardoantica, giunte fino a noi, insegnavano: "bisogna cantare secondo la propria intuizione". Nel filosofo Boezio del 480-525 incontriamo le parole: “ma chi non sa cantare piacevolmente canta ancora a se stesso”… Nel VII secolo, arriva il tempo del canto spirituale. All'inizio, la chiesa non escludeva l'improvvisazione. Nel momento in cui era necessario comporre qualcosa all'istante, il cantante ha naturalmente utilizzato le sue capacità di improvvisazione. Le tradizioni gregoriane delle chiese hanno lasciato il segno. Il cantante vissuto nel primo millennio non aveva bisogno di una notazione precisa, poiché la musica letteralmente ripetibile non esisteva ancora. Ogni musicista ha portato qualcosa di nuovo nel materiale musicale, ad es. improvvisato.
All'inizio del secondo millennio, nei trattati musicali sull'arte della musica, la parola improvvisazione si incontra sempre più spesso, come precursore della creatività scritta. A quanto pare, i musicisti di quell'epoca stavano già pensando al fenomeno stesso dell'improvvisazione. L'eccezionale riformatore della pedagogia musicale e della notazione musicale, Guido Aretinsky, propone un metodo di composizione basato sul caso. Questo è molto simile a quella che sarebbe un'improvvisazione sull'armonia di lettere (o numeri) nel gioco di oggi. Ma in questo tipo di composizione spontanea proposta da Aretinsky, è più visibile il sistema dei moderni compositori accademici che lavorano nella composizione seriale e aleatoria.
Nei secoli XII-XIV, il modo di improvvisare di menestrelli, giocolieri, stalloni e il grado del loro virtuosismo dipendeva in gran parte da condizioni specifiche. L'intrattenimento aristocratico (tornei di caccia) era accompagnato dalla musica e un corteo medievale poteva combinare elementi di spettacolo folcloristico, dramma religioso, danza, canti e improvvisazione d'insieme, come confermano le parole del cronista della corte borgognona:
"e trombe d'argento, sei o più, e altre trombe menestrelli, suonatori d'organo, suonatori di arpa e innumerevoli altri strumenti, facevano tutti un tale rumore con la potenza del loro modo di suonare che l'intera città squillò." Forme, metodi e metodi di improvvisazione collettiva nel Medioevo si svilupparono quasi spontaneamente.
L'emergere e lo sviluppo delle prime forme di polifonia nella musica professionale europea del XV secolo si basava su un equilibrio tra tendenze scritte e improvvisative. In sostanza, tutte le forme polifoniche scritte utilizzate dagli autori medievali hanno avuto origine dall'improvvisazione collettiva. In questo periodo si diffuse in Europa una forma di polifonia improvvisata, il cosiddetto foburdon. Questa è essenzialmente una sorta di forma mista, in cui le voci estreme sono state composte e quella centrale è stata improvvisata. Ma nel XV secolo apparve un altro principio di polifonia improvvisata: l'imitazione ...
Nel Rinascimento dei secoli XVI-XVII fu molto apprezzata la cosiddetta creatività spontanea. L'improvvisazione non era più equiparata a qualche elemento incontrollabile, ma richiedeva un'elevata abilità, un miglioramento continuo, una conoscenza universale, capacità di pensiero strutturale e il possesso di un intero sistema di tecniche, cioè una vera scuola. Anche l'arte dell'improvvisazione stessa era universale, e comprendeva non solo la musica, ma anche la poesia e l'arte drammatica. Dal maestro (come veniva chiamato il musicista o il poeta-improvvisatore) non pretendevano la ripetizione di un'opera memorizzata e appositamente preparata, ma l'abilità dell'improvvisazione, cioè introdurre sempre qualcosa di nuovo. Non solo un ricordo, ma una capacità virtuosa di creare ogni minuto. In questo momento furono create scuole speciali di improvvisatori, dove l'insegnante stesso doveva padroneggiare quest'arte nella pratica. La tecnica dell'improvvisazione in questo momento raggiunge un alto grado di sviluppo professionale e comprende diverse varietà.
Il primo è la trasformazione di una melodia in un pezzo polifonico (linea verticale). Ora si esprime nel pensiero armonico del moderno musicista-improvvisatore.
Un'altra variazione è la variazione di nuovi motivi e frasi che trasformano la linea melodica (linea orizzontale). Questa è ora chiamata improvvisazione lineare.
La musica strumentale rinascimentale propone un'ulteriore varietà: l'improvvisazione "libera". Questo è già l'aspetto tessuto-motorio dell'improvvisazione, che porta alle prime forme indipendenti di preludio, toccata, ecc. Ora si chiamerebbe improvvisazione spontanea, ma su basi ben definite.
Si sta sviluppando un'altra varietà di passaggio, ornamentus o diminuetion: modelli ornamentali di improvvisazione, ad es. decorazioni improvvisate. Ora si chiamerebbe improvvisazione parafrasata, non esattamente, ma comunque...
La fase successiva nello sviluppo della cultura musicale (XVIII-XIX secolo) fu il processo di esclusione dell'improvvisazione dalle arti dello spettacolo. L'arte dell'improvvisazione diventa il destino dei singoli compositori esecutivi (organisti, pianisti, violinisti...).
Quindi è quello che è successo. Tale è la storia.
Prima di tornare al XX secolo, al secolo della nascita, formazione e sviluppo del jazz, vorrei intendere l'improvvisazione stessa, ma ora, come una sorta di processo interno dell'esecuzione musicale.

Così.
Ecco una delle opzioni per il punto di vista sul processo di improvvisazione stesso.
L'improvvisazione si basa su alcuni tipi di memoria. L'improvvisatore crea materia musicale da alcuni blocchi già pronti, segmenti musicali una volta ricordati. L'improvvisatore manipola questi blocchi, combinandoli come un mosaico. Più piccolo è il blocco, più bello è il mosaico, più originale è la sua colorazione e maggiore è l'immagine artistica della tela stessa. Questo processo si basa sulla volontà normativa e sul gusto dell'esecutore. L'improvvisazione è fissata nella memoria come un evento musicale memorabile, il cui valore non è solo nella qualità intonazionale, ma nella sua unicità. I modelli (tonemes), i giri sorti durante questo atto musicale vengono raccolti, catalogati nella memoria dell'improvvisatore stesso. Questa lava di calore improvvisato si indurisce gradualmente e può essere contemplata e migliorata. Pertanto, nel dizionario compositivo della musica europea, forse, non c'è una sola frase che non sia stata trovata una volta nel processo di improvvisazione. Già nel 1753, nell'opera "L'esperienza del modo corretto di suonare il clavicembalo", è stata dimostrata una metodologia per insegnare la tecnica dell'improvvisazione. L'improvvisazione individuale ha sempre richiesto una preparazione approfondita: la scuola. Gli improvvisatori erano molto apprezzati a quei tempi. Handel improvvisava spesso mentre si esibiva. Beethoven si preparava sempre in anticipo per le sue improvvisazioni pubbliche. Il giovane Weber ha praticato sistematicamente la tecnica dell'improvvisazione sotto la supervisione dell'abate Vogler. Ogni grande musicista ha sviluppato il proprio metodo per padroneggiare l'arte dell'improvvisazione. Questo era collegato alle tecniche di esecuzione e composizione individuali e rappresentava la consapevolezza della propria tecnica di esecuzione. Uno studente che sa improvvisare scoprirà in se stesso una speciale iniziativa creativa nel suo atteggiamento nei confronti della musica, uno sviluppato senso della forma, dello stile e una tenace memoria. Certo, il fenomeno dell'improvvisazione ha sollevato molti problemi scientifici, poiché si è fatta sentire una certa lacuna storica in questo ambito. Di particolare interesse sono gli studi sugli aspetti psicologici e sociali dell'improvvisazione, lo sviluppo dei problemi nella teoria dell'intuizione, la creazione di un manuale sul contrappunto improvvisato, le diminuzioni, una scuola di ritmo più dettagliata e sviluppata, l'armonia; è necessario studiare il rapporto della memoria con gli incidenti, il polistilismo dell'improvvisazione, ecc. Ma il processo è iniziato e sta andando bene.

Riassumiamo.
Nel primo jazz abbiamo concetti come ritmo, armonia, melodia, improvvisazione... Questi concetti hanno radici puramente europee, come ho sottolineato sopra. Strumenti del primo jazz: ottoni, pianoforte (o banjo), contrabbasso, percussioni. Questi sono strumenti europei, senza contare, forse, il banjo e la batteria, che si sono sviluppati e sviluppati nel tempo, e in seguito è apparso il sassofono. Cosa è già cambiato nel jazz moderno? La base è rimasta la stessa. In termini musicali, il jazz si è sviluppato e vive il polistilismo. Agli strumenti fu aggiunta una chitarra elettrica (a proposito, nel 1936), in seguito furono aggiunti un basso, tastiere (sintetizzatori), vari strumenti di un'orchestra sinfonica e strumenti etnici di diverse nazioni.
Eppure il jazz è una specie di sostanza completamente nuova, è una nuova arte unica nata nel 20° secolo.
Con cosa è collegato?
Ma prima di rivolgerci ai musicisti stessi, senza i quali questa direzione naturalmente non esisterebbe nella cultura musicale moderna, voglio analizzare un po' il tessuto musicale stesso del jazz.
In che modo il jazz iniziò a differenziarsi dall'intera cultura musicale tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo? Qui dobbiamo capire che l'infrastruttura della musica accademica in America era insufficiente e sottosviluppata per molte ragioni. Qui è dove tutto è appena iniziato. Il riempimento del vuoto della cultura musicale è stato naturalmente riempito dalle culture musicali etniche dei popoli che abitano questo paese. E, soprattutto perché qui è tutto confuso.
1. Naturalmente, gli stili folcloristici dei diversi popoli personificavano nella maggior parte dei casi le cosiddette forme piccole. Erano praticamente canzoni e pezzi strumentali, soprattutto di carattere dance.
2. Più lontano — minimizzazione di strumenti. Se le città avevano ancora strumenti musicali: pianoforte, contrabbasso, strumenti a fiato, violini, percussioni europee, allora gli strumenti country erano: l'armonica, qualche piccola percussione: bonghi, maracas, forse anche una specie di violino campestre...
3. Lo stile musicale, in primo luogo, personificava una certa simbiosi di canti e danze etniche di culture non europee ed europee. Ciò si esprimeva, in primo luogo, con l'introduzione di elementi peculiari caratteristici delle culture musicali di popoli diversi nel tessuto musicale degli stessi canti, o brani di danza. Inoltre, le radici sociali iniziarono anche a influenzare il tessuto musicale della nuova arte musicale emergente. Tutto è venuto dalla vita stessa, dal suo modo di vivere, dalla base sociale ed economica ... Inoltre, la musica rurale (paese) ha avuto una grande influenza sulla cultura musicale urbana e viceversa.
4. E certo, trattandosi di fusione di culture musicali etniche, allora, in primis, la musica popolare si è sempre sviluppata come tradizione orale, cioè attraverso il trasferimento "da orecchio a orecchio" e questo certamente ha avuto un impatto sulla formazione e lo sviluppo delle capacità improvvisative dei musicisti dell'epoca. La rinascita di questo potente strato di cultura musicale (improvvisazione) è iniziata, come una sorta di base per una scuola di perfezionamento per la formazione e lo sviluppo delle capacità di esecuzione e composizione di virtuosismi di giovani musicisti che eseguono questa musica.
Così, l'emergente cultura musicale unica, poi chiamata jazz, alle soglie del XX secolo si è rivelata una sorta di sintesi delle culture etniche dei popoli che abitavano l'America. Naturalmente non si poteva parlare di musica classica (accademica) all'inizio della formazione del jazz. Anche se la musica strumentale dei primi reg-times può essere vagamente descritta come dei piccoli brani strumentali per pianoforte, vicini alle aree accademiche della musica pianistica, ma di un magazzino musicale completamente “speciale”. Non vorrei ripetermi sull'influenza di correnti come il country/end/western e il primo blues sulla formazione del jazz. Su tutto questo è stato scritto e riscritto un numero enorme di opere... Si tratta di qualcos'altro. Il jazz, come arte musicale, si è rivelato un mezzo assolutamente nuovo per trasferire le informazioni musicali provenienti dall'Uomo del Secolo e dall'Uomo del Secolo. Il jazz ha dato origine a una certa sostanza che ha continuato la sua vita nella musica rock. Voglio sottolineare che non si tratta dell'atteggiamento nei confronti della musica rock, come la musica di alcuni tossicodipendenti pelosi, sporchi, selvaggi e ignoranti, ma come un enorme strato di cultura musicale della seconda metà del XX secolo, che ha creato un gran numero di capolavori musicali. Quindi, il jazz ha completamente cambiato il concetto generale di performance e percezione della musica. Tutto sembra essere lo stesso. Sembra che non sia stato inventato nulla di speciale. Ma tutto è cambiato. Non voglio parlarne molto. Metti accanto alla composizione accademica (classica) dell'ensemble e alla composizione jazz, e poi al gruppo rock. Sembra che ci sia lo stesso numero di musicisti, ma è sorprendentemente tutto diverso. Quello che è successo?
Ma qualcosa è successo... Tutti i processi in corso nella formazione di un nuovo modello di arte musicale incentrato sulle persone. Come in altre cose e molto su questa terra.
Le radici sociali della giovane America si svilupparono in modo non uniforme. Era una specie di imbracatura delle contraddizioni sociali e politiche a cui non potevamo sopravvivere nemmeno per un minuto nella vecchia Europa. Non ci sarebbero nemmeno. Per il giovane nuovo stato, in cui esisteva ancora il sistema degli schiavi e gli africani erano schiavi, la base era un'economia in crescita. Tutto è stato lanciato al suo sviluppo. Molte persone erano dipendenti da lei. Eppure le persone sono ancora persone. Non importa quali shock abbiano attraversato le loro teste, non importa quali difficoltà, crimini e violenze abbiano attraversato se stessi, le fondamenta dell'Uomo dell'Età sono state preservate: la sua anima. Dopotutto, ciò che è interessante è che quando l'America si costruiva e si arricchiva, c'erano anche molti cinesi nei lavori più sporchi, ma l'influenza dei cinesi sulla nascita del jazz è qualcosa di poco evidente, perché politicamente erano relativamente libero.
Sia nei ranch che nelle città, le persone hanno sviluppato una sorta di consapevolezza della divisione delle persone in proprietari e lavoratori sulla base dell'economia, questo modello esiste fondamentalmente fino ad oggi. Anche se c'è anche un secondo livello - questi sono i politici ei loro dipendenti - i funzionari. Forse questo è un vecchio modello per le persone, ma in America doveva essere stabilito. Naturalmente i “padroni” dovrebbero essere serviti da “schiavi”, ed erano già nella giovane America, che però persistette a lungo, anche quando la schiavitù fu abolita. Così, diventa chiara la domanda su chi avrebbe dovuto eseguire più musica per i gentiluomini.
Quello che segue è ancora più interessante. Molto è stato scritto su questo. Se da qualche parte nel ranch, per così dire, gli africani potessero essere conservati nella loro forma ereditaria, ma nelle città il processo di assimilazione con la popolazione bianca è naturalmente proseguito. Questo ha creato ciò che abbiamo oggi: i cosiddetti creoli o neri americani. Sempre più interessante. L'assimilazione crea un mondo fantastico che ora chiamiamo latinoamericano. A loro si aggiunge quella che gli etnografi chiamano la popolazione afro-cubana. Queste sono le origini che oggi hanno un enorme impatto sul jazz e non solo sul jazz. Sì. Si può dire che molte componenti etniche musicali africane erano ed esistono ancora nel jazz. Sì, possiamo dire che molte delle prime star del jazz erano creole, cioè. Neri americani mischiati a bianchi. Ma chi può calcolare quanto altre fonti etno-musicali europee abbiano influenzato la componente jazz: francese, inglese, spagnola, ecc.? Oppure, in che modo le origini musicali di altri popoli non europei hanno influenzato la componente del jazz? Sembra essere stato dimenticato, ma invano. Ho già parlato delle origini musicali europee del jazz, e qui, per così dire, tutto è già chiaro. Ma non è chiaro perché in qualche modo ci siamo abituati al fatto che sono stati gli africani ad “inventare” il jazz?! Forse sto sbagliando. Forse nessuno ci è abituato. Ma in qualche modo è successo che la popolazione nera d'America sia associata al jazz. Questo non è del tutto vero. E anche, per niente.
Mi rimprovereranno, ma perché dividere chi è stato il primo e come si suonava il jazz?
C'è solo un'obiezione: dopo tutto, i giapponesi, come combattenti di karate-do, sono naturalmente forti, ma anche molti combattenti nel mondo non sono più deboli.
Ma questa non è una lotta o una lotta.
Dopotutto, Basie Smith, Louis Armstrong e Duke Ellington sono i principali musicisti jazz, ma anche Gene Krupa, Benny Goodman, George Gershwin, dopotutto. Ulteriore. Oscar Peterson, Charlie Parker, John Coltrane, ma anche Bill Evans, Chick Corea, Randy e Michael Brecker... Ma non è un paragone. Il confronto non è appropriato qui. Il fatto è che chi ha diviso il jazz in bianco e nero? Per me il jazz è una nuova arte unica del 20° secolo, nata in America, o meglio negli USA e appartenente all'intero universo. Non è proprietà di nessuno. Questa è la proprietà dell'intero mondo terreno. Proprio come la musica rock. Di chi è la proprietà della musica rock? Suona divertente?
Quando vivi in ​​questo mondo, molte cose vengono rivelate in modo diverso. Puoi guardare i tuoi piedi, puoi guardare le stelle, o puoi guardare da una parte e dall'altra.
C'è e ci sarà libertà di scelta.

Libero arbitrio e consapevolezza dell'armonia universale.
E quanta armonia nel jazz!

Il ritmo è energia e movimento.
E che ritmo straordinario e cosmico nel jazz!

Il pensiero è il motore dello sviluppo. La melodia è pensata. Il pensiero è infinito e immortale.
E che squisita melodia nel jazz!

La creatività è il flusso universale che conduce l'Uomo dell'Era all'immortalità.
E quanta creatività nel jazz!

Una volta qualcuno mi ha chiesto:
Il jazz è davvero musica?
Ero così sconvolto che non potevo nemmeno rispondere. Il tempo è volato. La vita è cambiata, le persone sono cambiate...
E ora per il terzo anno inizio le lezioni sul corso di improvvisazione jazz con le parole:
— Il jazz è un fenomeno unico dell'arte musicale...

Sandrova Tatiana Fedorovna
Posizione: insegnante di musica
Istituto d'Istruzione: MBOU "Palestra Zubovo-Polyanskaya"
Località: Repubblica di Mordovia Zubova Polyana
Nome materiale: Sviluppo metodico
Argomento: Il jazz è l'arte del 20° secolo.
Data di pubblicazione: 24.03.2016
Capitolo: educazione secondaria

Nome della lezione:
"L'eroe della nostra epoca è il jazz".
Riassunto della lezione sul GEF. Musica

Mappa tecnologica della lezione

Argomento:
Musica. Classe 6 "b".
Libro di testo (UMK):
ED Kritskaya "Musica" Grado 6.
Argomento della lezione:
Il jazz è l'arte del 20° secolo.
Tipo di lezione:
Combinato.
Attrezzatura:
Un computer.
Lo scopo della lezione:
Conoscere una delle tendenze musicali moderne del 20° secolo: il jazz.
Risultati di apprendimento:

Argomento:
Conoscere la storia del jazz, le origini del jazz, i tratti caratteristici della musica jazz.
Personale:
Per educare e instillare negli studenti il ​​gusto estetico, l'amore per la musica jazz. Innalzare un atteggiamento positivo nei confronti dell'art.
Metasoggetto:
La capacità di condurre la cooperazione educativa in classe con un insegnante, compagni di classe in un gruppo e una squadra. Capacità di lavorare con il testo, evidenziare la cosa principale. Migliora le capacità di comunicazione orale, le capacità di analisi del testo. Sviluppo delle capacità di ascolto e comprensione di un brano musicale.
Attività di apprendimento universale:

Regolamentazione:
Imposta un compito di apprendimento. Formattare e conservare correttamente le note in un taccuino. Pianifica le tue attività.
Educazione generale:
Cerca le informazioni necessarie. Scrivi un riassunto del discorso.
Rompicapo:
Formulare conclusioni. Evidenzia la cosa principale.
Comunicativo:
Ascoltatevi l'un l'altro. Per avere un dialogo. Esibirsi davanti a un pubblico. Esprimi brevemente i tuoi pensieri. Poni domande chiarificatrici.
Struttura della lezione:
1. Fase organizzativa. 2. Aggiorna. Definizione degli obiettivi e motivazione. 3. Assimilazione primaria del materiale educativo. 4. Consapevolezza e comprensione del materiale didattico. 5. Consolidamento del materiale didattico. 6. Riassumendo. Riflessione.
Durante le lezioni

I. Fase organizzativa.

Diapositiva 1. Benvenuto

Che ci sia un gioioso incontro! In una tale conoscenza, l'amicizia è l'essenza. Stiamo iniziando la nostra performance di benefit. Come si suol dire, buona fortuna!
II. Attualizzazione. Definizione degli obiettivi e motivazione.

Diapositiva 2. Il jazz è l'eroe della nostra era
Oggi la nostra lezione è dedicata a una celebrità famosa. Chi è questo misterioso ospite? Da che paese vieni? Qual è il suo carattere? Vorrebbe essere nostro amico? Per noi, questo è ancora un mistero. Forse la musica ti aiuterà a rispondere a tutte queste domande. la canzone "Nakhodka" di A. Yermolov suona alle parole di A. Bochkovskaya. Chi ha indovinato quale eroe è venuto da noi? (Jazz, perché la musica suonava molto ritmica, brillante, un po' insolita.) Oggi parleremo con te di uno stile musicale straordinario: il jazz. Il jazz è un vero eroe del suo tempo! Scopriremo dove e quando è apparso il jazz, conosceremo le sue caratteristiche, ascolteremo la musica eseguita dai migliori musicisti jazz e proveremo a cantare e suonare noi stessi il jazz.
Diapositiva 3. Epigrafe alla lezione
Cos'è il jazz? Louis Armstrong, uno dei musicisti più famosi del secolo scorso, disse: "Se ascolti questa musica, non battere i piedi, non capirai mai cos'è il jazz".
Diapositiva 4. Argomento della lezione: "Il jazz è l'arte del ventesimo secolo"
La storia del jazz fa parte della storia del 20° secolo. Nel novembre 2011, la Conferenza Generale dell'UNESCO ha annunciato l'introduzione di una nuova data nel calendario - 30 aprile - Giornata Internazionale del Jazz. I fondatori della vacanza ritengono che il jazz sia una forza che promuove "la pace, l'unità, il dialogo e l'espansione dei contatti tra le persone". "Da un secolo il jazz - il linguaggio universale della passione e della filantropia - unisce le persone, nonostante le loro diverse affiliazioni culturali, religiose e nazionali", afferma il messaggio del Direttore Generale dell'UNESCO Irina Bokova e dell'Ambasciatrice di buona volontà dell'UNESCO, Rettore del Jazz Istituto. Thelonious Monk di Herbie Hancock.
III. Assimilazione primaria del materiale didattico.

Diapositiva 5. Diamo un'occhiata ai dizionari ... La definizione di "Jazz"
Il jazz è nato tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo negli Stati Uniti come sintesi delle culture africane ed europee e fino ad oggi rimane una forma unica di arte musicale che unisce razze e nazionalità e offusca i confini tra persone e stati. La parola Jazz fu menzionata per la prima volta sul Los Angeles Times il 2 aprile 1912. Per immaginare meglio l'immagine del Jazz, proviamo a ripercorrere la storia della sua vita. Avanti veloce all'inizio del 20° secolo...
Diapositiva 6. Diamo un'occhiata ai dizionari... La definizione di "Jazz band"
A quel tempo, sia il Nuovo che il Vecchio Mondo ribollivano di chiacchiere su una specie di jazz band. Ascoltiamo?
Gli studenti preparati mostrano una piccola scenetta Tutti, amici e nemici di Jazz, erano d'accordo su una cosa: volevano sapere da dove veniva questa persona scandalosa.
Diapositiva 7. Cronologia dell'occorrenza. I primi gruppi jazz
E Jazz a quel tempo aveva circa 10 anni, non di più. Nacque nel sud degli Stati Uniti e chiamò amorevolmente la sua terra Dixieland. Ricordava particolarmente con affetto New Orleans, la città in cui apparvero le prime orchestre, composte da 5-10 musicisti, che chiamavano jazz o gruppi jazz. A New Orleans, così come in tutto il Sud America, vivevano molti neri, ex schiavi delle piantagioni. I negri vivevano duramente, ma si divertivano con passione e ispirazione. A proposito, è stato a New Orleans che è stato registrato il primo disco jazz. La registrazione apparteneva alla famosa "Original Dixieland Jazz Band". I Dixielands erano anche chiamati ensemble jazz composti da artisti bianchi che imitavano i tradizionali gruppi jazz neri.
Diapositiva 8. I primi gruppi jazz
Piccole bande giravano su camion. A volte capitava che si incontrassero nella stessa piazza, nella stessa città. Quindi furono organizzate vere battaglie musicali. La folla riunita ha giudicato. Ma sai quale destino attendeva l'orchestra sconfitta?... Con un rumoroso divertimento, la folla legò un camion all'altro: i perdenti trascinarono i vincitori. Questo è il tipo di educazione di strada che il nostro Jazz ha ricevuto durante l'infanzia.
Diapositiva 9. I primi gruppi jazz
Il maschiaccio della strada è cresciuto, e a circa 15 anni è andato dalla sua città natale per vedere la gente e mostrarsi. E poi, è tempo di pensare a fare soldi.
Diapositiva 10. Febbre del jazz
In molte città d'America, il nostro eroe ha trovato riparo, cibo e ammiratori. Ci arrivò lungo il fiume Mississippi su un vecchio battello a vapore. All'inizio del XX secolo, le orchestre di New Orleans si esibivano su tali piroscafi da diporto, la cui musica divenne l'intrattenimento più attraente per i passeggeri durante i tour fluviali. Ma la maggior parte del lavoro per il Jazz era a Chicago e New York. Il lavoro è venuto a suo piacimento: intrattenere il pubblico nei club e negli stabilimenti di intrattenimento con musica e ballo. Così è passata la giovinezza del Jazz...
Diapositiva 11. Popolarità mondiale
Alcuni anni dopo, il Jazz aveva già fama mondiale. Grazie al rapido sviluppo della registrazione, il nostro eroe ha guadagnato un'immensa popolarità. Il jazz suonava sia in America che in Europa. E ovunque è riuscito a farsi dei veri amici. Ora il jazz era suonato non solo da musicisti neri, ma anche da europei.
Diapositiva 12. Il jazz in URSS
Il jazz era amato anche nel nostro paese. Negli anni '20 e '30 avevamo le nostre celebrità del jazz. Tra questi - Leonid Osipovich Utyosov e la sua orchestra "Tea Jazz", la prima esibizione di cui il pubblico vide l'8 marzo 1929 a Leningrado.
Diapositiva 13
Insieme alla sua orchestra jazz teatrale, Utyosov ha recitato nella commedia musicale "Merry Fellows", che ha debuttato nel dicembre 1934.
Guardando un frammento video della commedia jazz "Merry Fellows". Quindi, sappiamo già in quale paese è apparso il jazz (negli USA), quale città è considerata la culla del jazz (New Orleans), come venivano chiamate le orchestre che suonavano il jazz (bande jazz, dixielands).
Diapositiva 14. Nozioni di base sul jazz
Quando il jazz divenne abbastanza famoso, tutti intorno iniziarono a chiedersi da dove avesse ereditato i suoi talenti. E hanno imparato - dal serio zio Spiritual, dal triste zio Blues, dall'allegro zio Ragtime.
Diapositiva 15. Spirituale
Spiritual in traduzione dall'inglese significa spirituale, chiesa. Negro spiritual - un inno corale spirituale, spesso composto su storie e testi biblici. Gli inni delle piantagioni venivano cantati in coro dagli schiavi delle piantagioni, imitando gli inni spirituali dei coloni bianchi. Questo è un genere di canto e danza religiosa, la cui esibizione è accompagnata da movimenti di battimani, calpestio e danza. Lo spirituale si compie collettivamente, esprimendo le idee e le aspirazioni dell'intera comunità. Ora ascolteremo la voce del grande Louis Armstrong. Ascolta attentamente un frammento dell'opera e determina la natura della musica, le sue caratteristiche. (Per aiutare gli studenti - “Dizionario delle emozioni estetiche”, Ascoltando un frammento di “Let my people go” di Louis Armstrong! Quali tratti caratteriali ha ereditato il signor Jazz da Spiritual? (Importanza, orgoglio, cortesia, religiosità, solennità. La musica era prima eseguita da un solista, e poi coro Hanno cantato senza accompagnamento, e poi è apparso l'accompagnamento.)
Diapositiva 16. Blues
Alla fine del XIX secolo apparvero altre canzoni: canzoni di denuncia, canzoni di protesta. Sono diventati noti come il blues. Il blues parla di bisogno, di fatica, di speranze deluse. I musicisti blues di solito si accompagnavano su qualche strumento fatto in casa. Ad esempio, hanno adattato il manico e le corde alla vecchia scatola. Solo in seguito sono stati in grado di acquistare chitarre vere per se stessi. A differenza dello spirituale, il blues è un genere di canzoni soliste. Il blues ha tutto: dramma, conflitto, satira e umorismo. Ascoltiamo "Western Country Blues" di Louis Armstrong e proviamo a determinare quali tratti caratteriali il jazz ha ereditato dal blues. Ascoltando un frammento di "Western Outskirts Blues" di Louis Armstrong. Così cantava L. Armstrong: “Il blues mi riempie dalla testa ai piedi, sono triste oggi, sono pieno di lugubri presentimenti quando vado nella periferia occidentale, dove tanta sofferenza mi aspetta...”. Come suonava questa musica? (La musica era premurosa, gentile, liscia. Si può dire che il jazz ha ereditato il romanticismo, il sogno, la tenerezza dal blues.)
Diapositiva 17. Ragtime
Ragtime ha un carattere completamente diverso. Ragtime (ritmo irregolare) - musica da ballo di uno speciale magazzino ritmico. L'avvento del ragtime è stato preceduto dalla popolarità della passeggiata della torta e dei balli in due passi. In queste danze i negri parodiavano i loro padroni, imitandone i modi e l'andatura. Alla fine, gli attori sono stati premiati con una piccola fetta di torta dalle mani del "proprietario".
Diapositiva 18. Scott Joplin

Ora ascolterai la musica del primo re del ragtime, Scott Joplin, un compositore e pianista afroamericano. Ascolto del ragtime "Variety Artist" di S. Joplin.
IV. Consapevolezza e comprensione del materiale didattico.
Vi invito ragazzi a partecipare all'esecuzione di questo lavoro. Di fronte a te ci sono strumenti: tamburelli, tamburi, maracas (gli studenti prendono gli strumenti e sono divisi in 3 gruppi). Proviamo, improvvisando, a creare un accompagnamento ritmico a questo lavoro. Per favore suggerisci uno schema ritmico che solo il tuo gruppo di strumenti eseguirà. (Gli studenti suggeriscono che il gruppo di tamburi suoni su un ritmo forte, il gruppo di tamburelli - su un ritmo debole e le maracas - di suonare costantemente). Ascoltando vedo che è piaciuto a tutti, musicisti e ascoltatori! In effetti, la musica jazz non lascia nessuno indifferente, colpisce per la sua originalità, bellezza e originalità. Ora possiamo dire quali tratti caratteriali ha ereditato Jazz da Ragtime? (Carattere allegro, allegro e brillante.) Spirituals, blues, ragtime non sono ancora jazz, ma solo approcci ad esso. Ne parleremo la prossima volta.
Diapositiva 19. Caratteristiche della musica jazz
Quando Jazz è diventato abbastanza famoso, un vero eroe del giorno (dagli anni '30 del 20 ° secolo), molti hanno cercato di catturare il suo aspetto insolito. “Sembra di sì”, convennero le persone guardando i suoi ritratti, “ma qualcosa di molto importante non può essere “afferrato” in alcun modo. Nella vita, è molto più interessante. Cerca di trasmettere cosa e come dice, il suo sguardo, la sua andatura. Forse allora capirete qual è il segreto di questa straordinaria personalità”. Quindi, proviamo a disegnare un ritratto di Jazz. Quali tratti caratteriali speciali ha? (Con un ritmo insolito.) Esatto. Il nostro Mr. Jazz è una natura molto complessa - nonostante tutta la sua costanza (pulsazione regolare - "battito"), è completamente imprevedibile (deviazioni dalla pulsazione - "oscillazione", cioè suono in movimento). Quando io e te suonavamo il ragtime, tu componevi l'accompagnamento ritmico proprio durante la lezione, e alcuni ragazzi lo componevano proprio mentre suonava la musica, cioè ... (improvvisato). L'improvvisazione è uno dei tratti distintivi più importanti del nostro Mr Jazz. E, naturalmente, l'emotività è qualcosa che non può essere tolto al nostro Jazz! Certo, capisci che solo un vero professionista può suonare jazz liberamente, emotivamente e disinibito. Il jazz è sempre un insieme di solisti, a differenza di altre orchestre. Quali strumenti sono inclusi in un'orchestra jazz? (risposte dei bambini)
Diapositiva 20. Composizione di un'orchestra jazz.
Come hai giustamente notato, molti degli strumenti di un'orchestra sinfonica fanno parte del jazz. Ma a differenza di una sinfonia, un'orchestra jazz non ha una composizione permanente di strumenti.
V. Consolidamento del materiale didattico.

Così, abbiamo conosciuto le origini del jazz, i suoi tratti distintivi. Proviamo a definire noi stessi questo stile musicale. (Il jazz è una fusione di musica europea e africana con melodie e ritmi insoliti. Il jazz è musica basata sull'improvvisazione e sul ritmo. Il jazz è la musica dei virtuosi. Il jazz è una musica originale speciale che viene ascoltata in tutto il mondo.)
Diapositiva 21. Diamo un'occhiata ai dizionari ...
Grazie. E apro il "Dizionario esplicativo della lingua russa", perché voglio leggerti la definizione data da S.I. Ozhegov: "JAZZ, -a, m. 1. Musica di improvvisazione originale con ritmo e tempo irregolari, che combinano caratteristiche dell'Europa e tradizioni africane. ...”. Come puoi vedere, hai capito bene, ben fatto. Ma quale definizione "capiente" è stata data alla musica jazz nel 1917 - la rivista americana Literary Digest ha spiegato che "il jazz è musica che fa tremare, saltare e contorcersi". Bene, hanno ragione a modo loro, perché grazie al jazz sono apparse nel mondo balli come il foxtrot, il twist, il boogie-woogie, il charleston, il rock and roll, ecc.. A proposito, il rock and roll può suonare bene in classe adesso.
Diapositiva 22
L'esecuzione da parte dell'intera classe della canzone di O. Khromushin "Rock and Roll Lesson" Quindi, quali mezzi musicali ti hanno aiutato a determinare lo stile di questa canzone? (La canzone è scritta in uno stile jazz. Il ritmo è particolare, ci sono sincopi, un'enfasi su un ritmo debole, un personaggio di danza, l'aggiunta di battimani e clic.)
Diapositiva 23. Famosi interpreti jazz
Il tempo è passato e il Jazz è maturato. Il jazz ha fatto molta strada sin dal suo inizio a New Orleans. Era stanco della fama di un ragazzo allegro e irrequieto e ballerino. Voleva essere amato non solo nei momenti di intrattenimento chiassoso, ma trattato con attenzione e serietà. I nomi di eccezionali maestri del jazz sono conosciuti in tutto il mondo. Questi sono Louis Armstrong, Duke Ellington, Benny Goodman, la cantante Ella Fitzgerald e altri.
Diapositiva 24
Ora ascolterai la voce della "first lady del jazz" - la cantante americana Ella Fitzgerald. La sua voce vellutata affascina con la sua bellezza. In che genere è la canzone? Ascoltando un frammento di "Summertime" dall'opera "Porgy and Bess" di J. Gershwin. Come suonava questa musica? (La musica è molto calma, gentile, gentile, morbida, ammaliante. Questo è blues.) Quale strumento era il solista? (La tromba è uno strumento d'ottone.)
Diapositiva 25
Oggi abbiamo già sentito più di una volta il nome di questo musicista. Dissero di lui: "Questa non è la tua pipa, ma sei alla pipa". In effetti, Louis Armstrong suonava la tromba in modo inimitabile. La sua tromba era capace di esprimere tutto e sapeva cantare come una voce umana.
Diapositiva 26
Il più grande clarinettista jazz di tutti i tempi, Benny Goodman si è guadagnato il titolo di "King of Swing" per il suo modo di suonare impeccabile, diventando il primo jazzista a suonare musica classica.

Diapositiva 27. Duke Ellington - pianista jazz
Edward Kennedy "Duke" Ellington - Pianista, compositore, bandleader, arrangiatore negro. Soprannome "Duke" (Duke) Ellington ha ricevuto da amici a causa del suo amore per i vestiti eleganti. Con la sua grande orchestra jazz, ha viaggiato in tutto il mondo e nel 1971 Ellington ha visitato il nostro paese in tournée.
VI. Riassumendo la lezione. Riflessione.

Diapositiva 28. Jazz: musica leggera o seria?
Finora, ci sono controversie su quale tipo di musica - leggera o seria - può essere attribuito al jazz? Durante la lezione suonavano diversi pezzi jazz, diversi sia nell'umore che nel contenuto. Qual è la tua opinione? (Gli studenti esprimono le loro opinioni) Considerando le vostre risposte, concluderemo: il jazz è uno stile musicale in cui le sfere della musica si compenetrano.
Diapositive 29-30. Un momento di creatività
E ora ti invito a riassumere le impressioni della lezione sull'argomento "Jazz - l'arte del ventesimo secolo" e lavorare in gruppo. Lavoro autonomo in gruppo.  Lavorare con le dispense,  L'insegnante ascolta le risposte degli studenti, valuta il lavoro dei gruppi e di ciascuno per la lezione.
Diapositiva 31
Il jazz ha la stessa età del 20° secolo e una delle sue più grandi celebrità, è l'eroe della nostra era. Ha più di 100 anni. Per gli standard umani - un vecchio. E musicalmente, la sua età è una sciocchezza. Dopotutto, molte cose nella musica vivono per secoli e persino millenni. Spero che nella persona del signor Jazz tu abbia trovato oggi un buon amico che ti delizierà nei momenti felici della tua vita e ti sosterrà nei momenti difficili. Ci vediamo presto!
Diapositiva 32. Grazie per l'attenzione.

Letteratura.
1. Konen V. "La nascita del jazz". Mosca, “Compositore sovietico”, 1990. 2. Mikheeva L. “Dizionario musicale nelle storie”. Mosca, "Compositore sovietico", 1984. 3. Finkelstein E. "Musica dalla A alla Z". Casa editrice "Compositore", San Pietroburgo, 1992