Le origini della rappresentazione teatrale russa. Storia del teatro russo introduzione storia del teatro russo. Modello del palcoscenico teatrale "Cattedrale di Notre Dame"

La danza russa è parte integrante dei giochi e delle celebrazioni popolari. Era sempre legata alla canzone. Era questa combinazione che era uno dei principali mezzi espressivi del teatro popolare. Sin dai tempi antichi, la danza popolare russa si è basata sull'audacia dei partner in competizione, da un lato, e sull'unità e sulla fluidità dei movimenti, dall'altro. La danza russa è parte integrante dei giochi e delle celebrazioni popolari. Era sempre legata alla canzone. Era questa combinazione che era uno dei principali mezzi espressivi del teatro popolare. Sin dai tempi antichi, la danza popolare russa si è basata sull'audacia dei partner in competizione, da un lato, e sull'unità e sulla fluidità dei movimenti, dall'altro.

La danza russa nasce da rituali pagani. Dopo l'XI secolo, con l'avvento degli attori buffoni professionisti, anche la natura della danza cambiò. I buffoni avevano una tecnica di danza sviluppata; Sorsero varietà di ballerini buffoni. C'erano ballerini buffoni che non solo ballavano, ma eseguivano anche spettacoli di pantomima con l'aiuto della danza, che molto spesso erano di natura improvvisata. Apparivano ballerine, di solito erano mogli di buffoni. La danza russa nasce da rituali pagani. Dopo l'XI secolo, con l'avvento degli attori buffoni professionisti, anche la natura della danza cambiò. I buffoni avevano una tecnica di danza sviluppata; Sorsero varietà di ballerini buffoni. C'erano ballerini buffoni che non solo ballavano, ma eseguivano anche spettacoli di pantomima con l'aiuto della danza, che molto spesso erano di natura improvvisata. Apparivano ballerine, di solito erano mogli di buffoni.

Le guide con gli orsi sono menzionate nelle fonti sin dal XVI secolo, anche se è possibile che siano apparse molto prima. L'atteggiamento rispettoso verso questa bestia ha origine in epoca pagana. L'orso è il progenitore. È un simbolo di salute, fertilità, prosperità, è più forte degli spiriti maligni. Le guide con gli orsi sono menzionate nelle fonti sin dal XVI secolo, anche se è possibile che siano apparse molto prima. L'atteggiamento rispettoso verso questa bestia ha origine in epoca pagana. L'orso è il progenitore. È un simbolo di salute, fertilità, prosperità, è più forte degli spiriti maligni.

Tra i buffoni, l'orso era considerato il capofamiglia della famiglia, il suo membro a pieno titolo. Tali artisti erano chiamati con il loro nome e patronimico: Mikhailo Potapych o Matryona Ivanovna. Nelle loro esibizioni, le guide di solito rappresentavano la vita della gente comune; gli intermezzi riguardavano un'ampia varietà di argomenti quotidiani. Il proprietario ha chiesto, ad esempio: "E come, Misha, i bambini piccoli vanno a rubare i piselli?" - oppure: "Come fanno le donne a vagare lentamente verso il lavoro del loro padrone?" - e la bestia ha mostrato tutto. Alla fine dello spettacolo, l'orso ha eseguito diversi movimenti memorizzati e il proprietario li ha commentati. Tra i buffoni, l'orso era considerato il capofamiglia della famiglia, il suo membro a pieno titolo. Tali artisti erano chiamati con il loro nome e patronimico: Mikhailo Potapych o Matryona Ivanovna. Nelle loro esibizioni, le guide di solito rappresentavano la vita della gente comune; gli intermezzi riguardavano un'ampia varietà di argomenti quotidiani. Il proprietario ha chiesto, ad esempio: "E come, Misha, i bambini piccoli vanno a rubare i piselli?" - oppure: "Come fanno le donne a vagare lentamente verso il lavoro del loro padrone?" - e la bestia ha mostrato tutto. Alla fine dello spettacolo, l'orso ha eseguito diversi movimenti memorizzati e il proprietario li ha commentati.

La "commedia dell'orso" nel XIX secolo consisteva di tre parti principali: in primo luogo, la danza dell'orso con una "capra" (la capra veniva solitamente rappresentata da un ragazzo che si metteva un sacco in testa; un bastone con la testa di una capra e le corna venivano trafitte dall'alto attraverso la borsa; alla testa era attaccata una lingua di legno, il cui battito produceva un rumore terribile), poi veniva l'esibizione dell'animale con gli scherzi della guida, e poi il suo combattimento con il " capra” o proprietario. Le prime descrizioni di tali commedie risalgono al XVIII secolo. Questa pesca esisteva da molto tempo, fino agli anni '30 del secolo scorso. La "commedia dell'orso" nel XIX secolo consisteva di tre parti principali: in primo luogo, la danza dell'orso con una "capra" (la capra veniva solitamente rappresentata da un ragazzo che si metteva un sacco in testa; un bastone con la testa di una capra e le corna venivano trafitte dall'alto attraverso la borsa; alla testa era attaccata una lingua di legno, il cui battito produceva un rumore terribile), poi veniva l'esibizione dell'animale con gli scherzi della guida, e poi il suo combattimento con il " capra” o proprietario. Le prime descrizioni di tali commedie risalgono al XVIII secolo. Questa pesca esisteva da molto tempo, fino agli anni '30 del secolo scorso.

Fin dall'antichità, in molti paesi europei, a Natale era consuetudine installare al centro della chiesa un presepe con le statuine della Vergine Maria, un bambino, un pastore, un asino e un toro. A poco a poco, questa usanza si trasformò in una sorta di spettacolo teatrale che, con l'aiuto di bambole, raccontava le famose leggende del Vangelo sulla nascita di Gesù Cristo, sull'adorazione dei Magi e sul crudele re Erode. La rappresentazione natalizia è stata ben diffusa nei paesi cattolici, in particolare in Polonia, da dove si è diffusa in Ucraina, Bielorussia e poi, in forma leggermente modificata, in Villikorossiya. Fin dall'antichità, in molti paesi europei, a Natale era consuetudine installare al centro della chiesa un presepe con le statuine della Vergine Maria, un bambino, un pastore, un asino e un toro. A poco a poco, questa usanza si trasformò in una sorta di spettacolo teatrale che, con l'aiuto di bambole, raccontava le famose leggende del Vangelo sulla nascita di Gesù Cristo, sull'adorazione dei Magi e sul crudele re Erode. La rappresentazione natalizia è stata ben diffusa nei paesi cattolici, in particolare in Polonia, da dove si è diffusa in Ucraina, Bielorussia e poi, in forma leggermente modificata, in Villikorossiya.

Quando l'usanza natalizia andò oltre la chiesa cattolica, acquisì il nome di presepe (antico slavo e antico russo - grotta). Era un teatro di marionette. Immagina una scatola divisa internamente in due piani. Il palco terminava in alto con un tetto, con il lato aperto rivolto al pubblico. Sul tetto c'è un campanile. Dietro il vetro è stata posta una candela, che bruciava durante lo spettacolo, conferendo all'azione un carattere magico e misterioso. Le bambole per il presepe erano fatte di legno o di stracci e attaccate a un'asta. La parte inferiore dell'asta era tenuta dal burattinaio, quindi le bambole si muovevano e addirittura giravano. Il burattinaio stesso era nascosto dietro la scatola. Al piano superiore della tana venivano rappresentate scene bibliche, al piano inferiore quelle quotidiane: quotidiane, comiche, a volte sociali. E il set di bambole per il piano inferiore era il solito: uomini, donne, diavoli, zingari, gendarmi e l'uomo semplice si rivelava sempre più astuto e intelligente del gendarme. Quando l'usanza natalizia andò oltre la chiesa cattolica, acquisì il nome di presepe (antico slavo e antico russo - grotta). Era un teatro di marionette. Immagina una scatola divisa internamente in due piani. Il palco terminava in alto con un tetto, con il lato aperto rivolto al pubblico. Sul tetto c'è un campanile. Dietro il vetro è stata posta una candela, che bruciava durante lo spettacolo, conferendo all'azione un carattere magico e misterioso. Le bambole per il presepe erano fatte di legno o di stracci e attaccate a un'asta. La parte inferiore dell'asta era tenuta dal burattinaio, quindi le bambole si muovevano e addirittura giravano. Il burattinaio stesso era nascosto dietro la scatola. Al piano superiore della tana venivano rappresentate scene bibliche, al piano inferiore quelle quotidiane: quotidiane, comiche, a volte sociali. E il set di bambole per il piano inferiore era il solito: uomini, donne, diavoli, zingari, gendarmi e l'uomo semplice si rivelava sempre più astuto e intelligente del gendarme. Fu dal presepe che nacque il Teatro Petrushka, così popolare tra la gente.

Tutti balleranno, ma non come un buffone”, dice il proverbio russo. In effetti, molte persone potrebbero giocare, ma non tutti potrebbero essere dei buffoni professionisti. Il buffone professionista preferito dalla gente era l'attore del teatro delle marionette, e la più popolare era la commedia su Petrushka. Tutti balleranno, ma non come un buffone”, dice il proverbio russo. In effetti, molte persone potrebbero giocare, ma non tutti potrebbero essere dei buffoni professionisti. Il buffone professionista preferito dalla gente era l'attore del teatro delle marionette, e la più popolare era la commedia su Petrushka. Il prezzemolo è l'eroe preferito sia dei buffoni che hanno dato spettacolo che del pubblico. È un audace temerario e un prepotente che mantiene il senso dell'umorismo e l'ottimismo in ogni situazione. Ha sempre ingannato i ricchi e i funzionari governativi e, come manifestante, ha goduto del sostegno del pubblico.

In uno spettacolo così teatrale, due eroi hanno agito contemporaneamente (secondo il numero di mani del burattinaio): Prezzemolo e il dottore, Prezzemolo e il poliziotto. Le trame erano le più comuni: Petrushka si sposa o compra un cavallo, ecc. Ha sempre partecipato a situazioni di conflitto e le rappresaglie di Petrushka sono state piuttosto brutali, ma il pubblico non lo ha mai condannato per questo. Alla fine dello spettacolo, Petrushka veniva spesso sopraffatto dalla "punizione celeste". Il teatro delle marionette più popolare di Prezzemolo risale al XVII secolo. In uno spettacolo così teatrale, due eroi hanno agito contemporaneamente (secondo il numero di mani del burattinaio): Prezzemolo e il dottore, Prezzemolo e il poliziotto. Le trame erano le più comuni: Petrushka si sposa o compra un cavallo, ecc. Ha sempre partecipato a situazioni di conflitto e le rappresaglie di Petrushka sono state piuttosto brutali, ma il pubblico non lo ha mai condannato per questo. Alla fine dello spettacolo, Petrushka veniva spesso sopraffatto dalla "punizione celeste". Il teatro delle marionette più popolare di Prezzemolo risale al XVII secolo.

Rajek è arrivato da noi dall'Europa e torna ai grandi panorami. Lo storico dell'arte D. Rovinsky nel suo libro “Russian Folk Pictures” lo descrive come segue: “Il rack è una piccola scatola alta un arshin in tutte le direzioni con due lenti d'ingrandimento davanti. All'interno, da una pista di pattinaggio all'altra, si riavvolge una lunga striscia con immagini nostrane di diverse città, grandi personaggi ed eventi. Gli spettatori, “un soldo a testa”, guardano nel bicchiere. Rayoshnik muove le immagini e racconta storie per ogni nuovo numero, spesso molto intricate. Rajek è arrivato da noi dall'Europa e torna ai grandi panorami. Lo storico dell'arte D. Rovinsky nel suo libro “Russian Folk Pictures” lo descrive come segue: “Il rack è una piccola scatola alta un arshin in tutte le direzioni con due lenti d'ingrandimento davanti. All'interno, da una pista di pattinaggio all'altra, si riavvolge una lunga striscia con immagini nostrane di diverse città, grandi personaggi ed eventi. Gli spettatori, “un soldo a testa”, guardano nel bicchiere. Rayoshnik muove le immagini e racconta storie per ogni nuovo numero, spesso molto intricate.

Raek era molto popolare tra la gente. In esso si poteva vedere un panorama di Costantinopoli e della morte di Napoleone, la Chiesa di S. Pietro a Roma e Adamo con la sua famiglia, eroi, nani e mostri. Inoltre, il Raeshnik non si è limitato a mostrare le immagini, ma ha commentato gli eventi in esse rappresentati, spesso criticando le autorità e l'ordine esistente, in una parola, toccando i problemi più urgenti. Rayek esisteva come fiera di intrattenimento fino alla fine del XIX secolo. Raek era molto popolare tra la gente. In esso si poteva vedere un panorama di Costantinopoli e della morte di Napoleone, la Chiesa di S. Pietro a Roma e Adamo con la sua famiglia, eroi, nani e mostri. Inoltre, il Raeshnik non si è limitato a mostrare le immagini, ma ha commentato gli eventi in esse rappresentati, spesso criticando le autorità e l'ordine esistente, in una parola, toccando i problemi più urgenti. Rayek esisteva come fiera di intrattenimento fino alla fine del XIX secolo.

Nessuna fiera del XVIII secolo era completa senza uno stand. Le cabine teatrali divennero gli spettacoli preferiti di quell'epoca. Furono costruiti proprio sulla piazza e da come era decorato lo stand si capiva subito se il suo proprietario era ricco o povero. Di solito erano costruiti con assi, il tetto era di tela o lino. Nessuna fiera del XVIII secolo era completa senza uno stand. Le cabine teatrali divennero gli spettacoli preferiti di quell'epoca. Furono costruiti proprio sulla piazza e da come era decorato lo stand si capiva subito se il suo proprietario era ricco o povero. Di solito erano costruiti con assi, il tetto era di tela o lino.

All'interno c'erano un palco e un sipario. Gli spettatori ordinari si sedevano sulle panchine e durante lo spettacolo mangiavano vari dolci, focaccine e persino zuppa di cavolo. Successivamente, nelle cabine apparve un vero e proprio auditorium con platea, palchi e fossa dell'orchestra. L'esterno degli stand era decorato con ghirlande, insegne e quando appariva l'illuminazione a gas, poi con lampade a gas. La troupe era solitamente composta da attori professionisti e itineranti. Davano fino a cinque spettacoli al giorno. Nello stand teatrale si poteva vedere un'arlecchino, trucchi di magia e spettacoli collaterali. Qui si sono esibiti cantanti, ballerini e persone semplicemente “stravaganti”. Popolare era l'uomo che beveva un liquido infuocato, o il “cannibale africano” che mangiava i piccioni. Il cannibale era solitamente un artista imbrattato di catrame e la colomba era un animale di pezza con un sacchetto di mirtilli rossi. Naturalmente la gente comune attendeva sempre con impazienza la fiera con la sua farsa teatrale. All'interno c'erano un palco e un sipario. Gli spettatori ordinari si sedevano sulle panchine e durante lo spettacolo mangiavano vari dolci, focaccine e persino zuppa di cavolo. Successivamente, nelle cabine apparve un vero e proprio auditorium con platea, palchi e fossa dell'orchestra. L'esterno degli stand era decorato con ghirlande, insegne e quando appariva l'illuminazione a gas, poi con lampade a gas. La troupe era solitamente composta da attori professionisti e itineranti. Davano fino a cinque spettacoli al giorno. Nello stand teatrale si poteva vedere un'arlecchino, trucchi di magia e spettacoli collaterali. Qui si sono esibiti cantanti, ballerini e persone semplicemente “stravaganti”. Popolare era l'uomo che beveva un liquido infuocato, o il “cannibale africano” che mangiava i piccioni. Il cannibale era solitamente un artista imbrattato di catrame e la colomba era un animale di pezza con un sacchetto di mirtilli rossi. Naturalmente la gente comune attendeva sempre con impazienza la fiera con la sua farsa teatrale.

C'erano anche spettacoli circensi, i cui attori erano "tuttofare". Yu Dmitriev nel libro “Circo in Russia” cita un messaggio sull'arrivo dei comici dall'Olanda che “camminando su una corda, ballando, saltando in aria, sulle scale, senza aggrapparsi a nulla, suonano il violino, e mentre camminano sulle scale, ballano, immensamente." saltano in alto e fanno altre cose incredibili." C'erano anche spettacoli circensi, i cui attori erano "tuttofare". Yu Dmitriev nel libro “Circo in Russia” cita un messaggio sull'arrivo dei comici dall'Olanda che “camminando su una corda, ballando, saltando in aria, sulle scale, senza aggrapparsi a nulla, suonano il violino, e mentre camminano sulle scale, ballano, immensamente." saltano in alto e fanno altre cose incredibili." Nel corso dei lunghi anni della loro esistenza, le cabine cambiarono e alla fine del XIX secolo erano quasi scomparse per sempre dalla storia del teatro russo.

1672 - iniziano le esibizioni della troupe di corte dello zar Alessio Mikhailovich 1672 - iniziano le esibizioni della troupe di corte dello zar Alessio Mikhailovich Artamon Matveev ordina di "recitare una commedia", "e per quell'azione di organizzare una khoromina" Il 17 ottobre, la prima lo spettacolo ha avuto luogo nel villaggio di Preobrazhenskoye

A quel tempo il teatro entrò di moda. Molti nobili che si rispettino di quel tempo crearono home theater in cui suonavano i loro servi, per intrattenere gli ospiti che si riunivano a casa loro per la sera. Un simile teatro della servitù viene creato anche a Kuskovo. A quel tempo il teatro entrò di moda. Molti nobili che si rispettino di quel tempo crearono home theater in cui suonavano i loro servi, per intrattenere gli ospiti che si riunivano a casa loro per la sera. Un simile teatro della servitù viene creato anche a Kuskovo. Il periodo di massimo splendore e declino del Teatro Kuskovsky avvenne durante il periodo di Nikolai Petrovich Sheremetyev, noto come mecenate.

N.P. Sheremetev ha organizzato corsi di arti dello spettacolo per i servi. La troupe del suo teatro ha quasi raggiunto le 100 persone. Molte persone hanno visitato con grande piacere il teatro Kuskovo di Mosca, preferendolo ai teatri di Mosca di N.P. Sheremetev ha organizzato corsi di arti dello spettacolo per i servi. La troupe del suo teatro ha quasi raggiunto le 100 persone. Molte persone hanno visitato con grande piacere il teatro Kuskovo di Mosca, preferendolo ai teatri di Mosca di N.P. Sheremetev era innamorato di una delle attrici del suo teatro, che aveva lo pseudonimo di Zhemchugova. Quindi, invece dei loro semplici cognomi, a molte attrici serve furono dati nomi basati sui nomi di pietre preziose.

Sheremetev diede a Zhemchugova un'istruzione eccellente, ma a quel tempo l'amore del nobile per un servo non era approvato dalla società. Ci sono stati casi in cui Zhemchugova è stata messa in ridicolo. Sheremetev diede a Zhemchugova un'istruzione eccellente, ma a quel tempo l'amore del nobile per un servo non era approvato dalla società. Ci sono stati casi in cui Zhemchugova è stata messa in ridicolo. Dicono che è proprio a causa del ridicolo di Zhemchugova che Sheremetev si trasferisce nell'altra sua tenuta - Ostankino e trasporta lì l'attrice.

L'opera può essere utilizzata per lezioni e relazioni sul tema "Filosofia"

In questa sezione del sito è possibile scaricare presentazioni già pronte sulla filosofia e sulle scienze filosofiche. La presentazione finita sulla filosofia contiene illustrazioni, fotografie, diagrammi, tabelle e le tesi principali dell'argomento studiato. Una presentazione filosofica è un buon metodo per presentare materiale complesso in modo visivo. La nostra raccolta di presentazioni già pronte sulla filosofia copre tutti gli argomenti filosofici del processo educativo sia a scuola che all'università.

Il teatro russo IL TEATRO RUSSO (TEATRO DELLA RUSSIA) ha attraversato un percorso di formazione e sviluppo diverso rispetto al teatro europeo, orientale o americano. Le tappe di questo percorso sono legate all'unicità della storia della Russia: la sua economia, i cambiamenti nelle formazioni sociali, la religione, la mentalità speciale dei russi, ecc. TEATRO

L'origine e la formazione del teatro russo Il teatro nelle sue forme rituali e cerimoniali, come in ogni comunità antica, era diffuso in Rus', esisteva in forme misteriche. In questo caso, intendiamo il mistero non come un genere del teatro medievale europeo, ma come un'azione di gruppo associata a scopi quotidiani e sacri, molto spesso - per ricevere l'aiuto di una divinità in situazioni importanti per il funzionamento della comunità umana

L'origine e la formazione del teatro russo. Queste erano le fasi del ciclo agricolo - semina, raccolto, disastri naturali - siccità, epidemie ed epizoozie, eventi di carattere tribale e familiare - matrimonio, nascita di un bambino, morte, ecc. Si trattava di spettacoli prateatrali basati sull'antica magia tribale e agricola, quindi il teatro di questo periodo è studiato principalmente da folcloristi ed etnografi, e non da storici del teatro. Ma questa fase è estremamente importante, come ogni inizio che definisce il vettore dello sviluppo.

L'origine e la formazione del teatro russo Da tali azioni rituali è nata la linea di sviluppo del teatro russo come teatro popolare, teatro popolare, presentato in molte forme: teatro delle marionette (Petrushka, presepe, ecc.), Stand (raek, divertirsi, ecc.), attori itineranti (guslars, cantanti, cantastorie, acrobati, ecc.), ecc. Fino al XVII secolo il teatro in Russia si è sviluppato solo come teatro popolare; altre forme teatrali, a differenza dell'Europa, qui non esistevano. Fino al X-XI secolo. Il teatro russo si è sviluppato lungo il percorso caratteristico del teatro tradizionale dell'Oriente o dell'Africa: folklore rituale, sacro, costruito sulla mitologia originale

L'origine e la formazione del teatro russo Intorno all'XI secolo. la situazione sta cambiando, dapprima gradualmente, poi sempre più fortemente, il che ha portato a un cambiamento fondamentale nello sviluppo del teatro russo e nella sua ulteriore formazione sotto l'influenza della cultura europea.

Teatro professionale I primi rappresentanti del teatro professionale erano buffoni, che lavoravano in quasi tutti i generi di spettacoli di strada. Le prime testimonianze di buffoni risalgono all'XI secolo, il che permette di verificare che l'arte buffonesca era un fenomeno formatosi da tempo ed entrato nella vita quotidiana di tutti gli strati della società di allora. La formazione dell'arte buffoneria originale russa, proveniente da riti e rituali, fu influenzata anche dai "tour" di comici itineranti europei e bizantini: istrioni, trovatori, vaganti

La cattedrale della chiesa-scuola "Stoglavy" della Chiesa ortodossa russa nel 1551 svolse un ruolo decisivo nello stabilire l'idea dell'unità religioso-statale e affidò al clero la responsabilità di creare istituzioni educative religiose. Durante questo periodo apparvero spettacoli teatrali scolastici e spettacoli scolastici, che furono messi in scena nei teatri di queste istituzioni educative (college, accademie). Sul palco sono apparse figure che personificavano lo stato, la chiesa, l'antico Olimpo, la saggezza, la fede, la speranza, l'amore, ecc., Trasferite dalle pagine dei libri.

Teatro scolastico-ecclesiastico Originario di Kiev, il teatro scolastico scolastico cominciò ad apparire in altre città: Mosca, Smolensk, Yaroslavl, Tobolsk, Polotsk, Tver, Rostov, Chernigov, ecc. Cresciuto tra le mura di una scuola teologica, ha completato la teatralizzazione dei riti ecclesiali: liturgia, servizi della Settimana Santa, Natale, Pasqua e altri rituali. Sorto nelle condizioni dell'emergente vita borghese, il teatro scolastico per la prima volta sul nostro territorio separò l'attore e la scena dallo spettatore e dall'auditorium, e per la prima volta condusse ad una certa immagine scenica sia per il drammaturgo che per l'attore.

Teatro di corte La formazione del teatro di corte in Russia è associata al nome dello zar Alessio Mikhailovich. Il tempo del suo regno è associato alla formazione di una nuova ideologia focalizzata sull'espansione dei rapporti diplomatici con l'Europa. L'orientamento verso lo stile di vita europeo portò a molti cambiamenti nella vita della corte russa. I. Rozanov. Ritratto del fondatore del primo teatro di corte Artamon Sergeevich Matveev

Teatro di corte. Il tentativo di Alexei Mikhailovich di organizzare il primo teatro di corte risale al 1660: nella “lista” di ordini e acquisti per lo zar, il mercante inglese Hebdon fu scritto da Alexei Mikhailovich con il compito di “Chiamare allo stato di Mosca dalle terre tedesche maestri per fare commedie. Tuttavia, questo tentativo è rimasto infruttuoso; La prima rappresentazione del teatro di corte russo ebbe luogo solo nel maggio 1672. Lo zar emanò un decreto in cui il colonnello Nikolai von Staden (un amico del boiardo Matveev) veniva incaricato di trovare persone all'estero che potessero "recitare commedie".

Gli spettacoli teatrali di corte divennero uno degli spettacoli più amati alla corte di Mosca. C'erano 26 attori russi. I ragazzi interpretavano ruoli femminili. Il ruolo di Ester nello spettacolo Artaserse è stato interpretato dal figlio di Blumentrost. Sia gli stranieri che gli attori russi furono formati in una scuola speciale, che fu aperta il 21 settembre 1672 nel cortile della casa di Gregory nell'insediamento tedesco. Si rivelò difficile formare studenti russi e stranieri e nella seconda metà del 1675 iniziarono ad operare due scuole di teatro: alla corte polacca - per stranieri, a Meshchanskaya Sloboda - per russi

Teatro di corte La comparsa del primo teatro di corte coincise con la nascita di Pietro I (1672), che da bambino vide le ultime rappresentazioni di questo teatro. Salito al trono e iniziato l'enorme lavoro di europeizzazione della Russia, Pietro I non poté fare a meno di rivolgersi al teatro come mezzo per promuovere le sue idee politiche e sociali innovative.

Teatro Petrovsky Teatro Petrovsky Dalla fine del XVII secolo. In Europa, le mascherate divennero di moda, cosa che piaceva al giovane Pietro I. Nel 1698, vestito con il costume di un contadino della Frisia, partecipò alla mascherata viennese. Peter ha deciso di rendere popolari le sue riforme e innovazioni attraverso l'arte del teatro. Progettò di costruire un teatro a Mosca, ma non per pochi eletti, ma aperto a tutti. Nel 1698-1699, a Mosca lavorò una compagnia teatrale di marionette, guidata da Jan Splavsky, e alla quale Pietro ordinò nel 1701 di invitare comici dall'estero. Nel 1702 la compagnia di Johann Kunst arrivò in Russia.

L'emergere di un teatro pubblico (pubblico) Dopo che Elisabetta Petrovna salì al trono nel 1741, l'introduzione del teatro europeo continuò. Compagnie straniere erano in tournée a corte: italiane, tedesche, francesi, tra cui teatro, opera e balletto e commedia dell'arte. Nello stesso periodo furono gettate le basi del teatro professionale nazionale russo; fu durante il regno di Elisabetta che il futuro “padre del teatro russo” Fëdor Volkov studiò a Mosca, prendendo parte agli spettacoli natalizi e assorbendo l'esperienza delle tournée. truppe europee.

Teatri nelle istituzioni educative A metà del XVIII secolo. furono organizzati teatri in istituzioni educative (1749 - Corpo nobiliare di San Pietroburgo, 1756 - Università di Mosca), spettacoli teatrali russi furono organizzati a San Pietroburgo (organizzatore I. Lukin), a Mosca (organizzatori K. Baykulov, impiegati guidati da Khalkov e Glushkov, "maestro degli affari d'inchiostro" Ivanov e altri), a Yaroslavl (organizzatori N. Serov, F. Volkov). Nel 1747 ebbe luogo un altro evento importante: fu scritta la prima tragedia poetica: Khorev di A. Sumarokova.

Teatro pubblico nazionale Tutto ciò crea i presupposti per l'emergere di un teatro pubblico nazionale. A questo scopo, nel 1752 la troupe di Volkov fu chiamata da Yaroslavl a San Pietroburgo. Attori dilettanti di talento vengono selezionati per studiare nel Gentry Corps: A. Popov, I. Dmitrevsky, F. e G. Volkov, G. Emelyanov, P. Ivanov, ecc. Tra loro ci sono quattro donne: A. Musina-Pushkina, A Mikhailova, sorelle M. e O. Ananyev.

Teatro Petrovsky Teatro Petrovsky Sotto Pietro I, l'inizio degli spettacoli in Siberia fu posto dal metropolita di Tobolsk Filofei Leshchinsky. In una cronaca manoscritta datata 1727 si dice: “Filofej era un amante delle rappresentazioni teatrali, ha realizzato commedie gloriose e ricche, quando avrebbe dovuto essere spettatore di una commedia per un collezionista, poi lui, Vladyka, ha realizzato le campane della cattedrale per la collezione di riverenza, e i teatri erano tra la Cattedrale e le chiese di San Sergio e trasportati, dove andava il popolo." L'innovazione del metropolita Filoteo fu continuata dai suoi successori, alcuni dei quali erano studenti dell'Accademia di Kiev.

Teatro di Anna Ioannovna Anna Ioannovna spese ingenti somme in varie celebrazioni, balli, mascherate, ricevimenti per ambasciatori, fuochi d'artificio, illuminazioni e cortei teatrali. Alla sua corte, la cultura clownesca rinasce, continuando le tradizioni dei buffoni “sedentari”: aveva giganti e nani, giullari e petardi. La celebrazione teatrale più famosa fu il matrimonio "curioso" del principe giullare Golitsyn con il petardo Kalmyk Buzheninova nella ghiacciaia il 6 febbraio 1740.

Teatro pubblico permanente Il primo teatro pubblico permanente russo fu inaugurato nel 1756 a San Pietroburgo, nella Casa Golovkin. Agli attori formati nel Corpo dei nobili si aggiunsero un certo numero di attori della troupe Yaroslavl di F. Volkov, incluso l'attore comico Ya. Shumsky. Il teatro era diretto da Sumarokov, le cui tragedie classiciste costituivano la base del repertorio. Il primo posto nella troupe fu occupato da Volkov, che sostituì Sumarokov come regista, e occupò questo posto fino alla sua morte nel 1763 (questo teatro nel 1832 riceverà il nome Alexandrinsky - in onore della moglie di Nicola I.)

Creazione di un teatro drammatico Le prime rappresentazioni pubbliche a Mosca risalgono al 1756, quando gli studenti del ginnasio universitario, sotto la guida del loro direttore, il poeta M. Kheraskov, formarono una compagnia teatrale all'interno delle mura dell'università. Alle esibizioni sono stati invitati rappresentanti della più alta società di Mosca. Nel 1776, sulla base dell'ex compagnia universitaria, fu creato un teatro drammatico, che ricevette il nome Petrovsky (noto anche come Teatro Medox). I teatri Bolshoi (opera e balletto) e Maly (dramma) della Russia fanno risalire i loro pedigree a questo teatro.

Storia del Teatro Maly Il Teatro Maly è il teatro più antico della Russia. La sua compagnia fu creata all'Università di Mosca nel 1756, subito dopo il famoso decreto dell'imperatrice Elisabetta Petrovna, che segnò la nascita del teatro professionale nel nostro paese: Abbiamo ora ordinato l'istituzione di un teatro russo per la rappresentazione di commedie e tragedie. La casa del mercante Vargin, dove nel 1824 aprì il Teatro Maly

Storia del Teatro Maly Nel 1824, Bove ricostruì la villa del mercante Vargin per il teatro, e la parte drammatica della troupe moscovita del Teatro Imperiale ricevette un proprio edificio in piazza Petrovskaya (ora Teatralnaya) e il proprio nome: Maly Teatro. Nel 1824, Bove ricostruì la villa del mercante Vargin per il teatro, e la parte drammatica della compagnia moscovita del Teatro Imperiale ricevette il proprio edificio in piazza Petrovskaya (ora Teatralnaya) e il proprio nome: il Teatro Maly. L'edificio del Teatro Maly di Mosca, fotografia degli anni '90 del XIX secolo

Teatro dell'era del sentimentalismo Il periodo del classicismo in Russia non durò a lungo: la formazione del sentimentalismo iniziò a metà degli anni Sessanta del Settecento. Apparvero le "commedie lacrimevoli" di V. Lukinsky, M. Verevkin, M. Kheraskov, l'opera comica e il dramma borghese. Il rafforzamento delle tendenze democratiche nel teatro e nel dramma fu facilitato dall'aggravarsi delle contraddizioni sociali durante il periodo della guerra contadina del 1773-1775 e dalle tradizioni del teatro popolare. Pertanto, secondo i contemporanei, Shumsky utilizzava tecniche di gioco vicine a quelle dei buffoni. È in fase di sviluppo una commedia satirica: Minor di D. Fonvizin

Teatri della fortezza Entro la fine del XVIII secolo. i teatri dei servi si stanno diffondendo. Specialisti del teatro - attori, coreografi, compositori - sono stati invitati qui per allenarsi con gli attori. Alcuni teatri dei servi (Sheremetev a Kuskovo e Ostankino, Yusupov ad Arkhangelsk) superarono i teatri statali nella ricchezza delle loro produzioni. All'inizio del XIX secolo. i proprietari di alcuni teatri dei servi iniziano a trasformarli in imprese commerciali (Shakhovskoy e altri). Molti famosi attori russi provenivano dai teatri dei servi, che spesso venivano rilasciati in affitto per recitare in teatri "gratuiti" - incl. sul palcoscenico imperiale (M. Shchepkin, L. Nikulina-Kositskaya, ecc.). Ballerina del teatro della fortezza

Il teatro di fine secolo In generale, il processo di formazione del teatro professionale in Russia nel XVIII secolo. conclusa. Il successivo, il XIX secolo, divenne un periodo di rapido sviluppo di tutte le direzioni del teatro russo. Il Teatro Hermitage, costruito per ordine di Caterina la Grande nel

Il teatro russo nel XIX secolo Il teatro russo nel XIX secolo Domande relative allo sviluppo del teatro all'inizio del XIX secolo. sono stati discussi nelle riunioni della Libera Società degli Amanti della Letteratura, delle Scienze e delle Arti. Il seguace di Radishchev I. Pnin, nel suo libro Experience on Enlightenment in relazione alla Russia (1804), sostenne che il teatro dovrebbe contribuire allo sviluppo della società. In secondo luogo, la rilevanza delle tragedie patriottiche messe in scena in questo periodo, piene di allusioni alla situazione moderna (Edipo ad Atene e Dmitry Donskoy di V. Ozerov, opere di F. Schiller e W. Shakespeare), contribuì alla formazione del romanticismo. Ciò significa che sono stati stabiliti nuovi principi di recitazione, il desiderio di individualizzare i personaggi della scena, rivelare i loro sentimenti e la loro psicologia.

Nel primo quarto del XIX secolo il teatro fu diviso in due compagnie. Si verificò la prima separazione ufficiale del teatro drammatico russo in una direzione separata (in precedenza, la compagnia teatrale lavorava insieme alla compagnia dell'opera e del balletto, e gli stessi attori spesso si esibivano in spettacoli di generi diversi). Nel 1824, l'ex Teatro Medox fu diviso in due compagnie: una compagnia teatrale (Teatro Maly) e una compagnia d'opera e balletto (Teatro Bolshoi). Il Teatro Maly ottiene un edificio separato. (A San Pietroburgo, la compagnia teatrale fu separata dalla compagnia musicale nel 1803, ma prima di trasferirsi in un edificio separato del Teatro Alexandrinsky nel 1836, collaborava ancora con la compagnia d'opera e di balletto al Teatro Mariinsky.)

Teatro Alexandrinsky Per il Teatro Alexandrinsky, seconda metà del XIX secolo. si è rivelato un periodo più difficile. Nonostante le produzioni individuali di opere teatrali di Ostrovsky, I. Turgenev, A. Sukhovo-Kobylin, A. Pisemsky, per volontà della Direzione dei Teatri Imperiali, la base principale del repertorio a quel tempo era il vaudeville e il dramma pseudo-folk. La troupe comprendeva molti artisti di talento i cui nomi sono iscritti nella storia del teatro russo: A. Martynov, P. Vasiliev, V. Asenkova, E. Guseva, Yu. Linskaya, V. Samoilov, e più tardi, entro la fine del XIX secolo secolo. – P. Strepetova, V. Komissarzhevskaya, M. Dalsky, K. Varlamov, M. Savina, V. Strelskaya, V. Dalmatov, V. Davydov, ecc. Tuttavia, ciascuno di questi brillanti attori è apparso come se fosse da solo, recitando le stelle non formavano un insieme scenico. In generale, lo stato del Teatro Alexandrinsky a quel tempo non era molto invidiabile: i leader della troupe cambiavano costantemente, non c'era una direzione forte, il numero di anteprime aumentava e il tempo delle prove veniva ridotto.

Il più grande teatro dell'opera e del balletto in Russia, uno dei teatri musicali più antichi del nostro paese. Proviene dal Teatro Stone (Bolshoi), inaugurato nel 1783. Esiste in un edificio moderno (ricostruito dopo un incendio al Teatro del Circo) dal 1860, momento in cui ha ricevuto un nuovo nome: Teatro Mariinsky.

Il teatro di fine secolo Il periodo di rapida ascesa e rapida fioritura del teatro russo fu la svolta tra il XIX e il XX secolo. Questa volta fu un punto di svolta per l'intero teatro mondiale: apparve una nuova professione teatrale: il regista, e in relazione a ciò si formò un'estetica fondamentalmente nuova del teatro del regista. In Russia, queste tendenze si sono manifestate in modo particolarmente chiaro. Questo fu un periodo di crescita senza precedenti in tutta l'arte russa, che in seguito divenne noto come l'età dell'argento. E il teatro drammatico - insieme alla poesia, alla pittura, alla scenografia, al balletto - è apparso in un'enorme varietà di direzioni estetiche, focalizzando l'attenzione della comunità teatrale mondiale.

Il teatro russo a cavallo tra il XIX e il XX secolo Il teatro russo a cavallo tra il XIX e il XX secolo Per considerare la Russia a cavallo tra il XIX e il XX secolo. al centro delle conquiste teatrali mondiali, basterebbe a K. Stanislavskij da solo con le sue straordinarie idee innovative e al Teatro d'Arte di Mosca da lui creato insieme a V. Nemirovich-Danchenko (1898). Nonostante il fatto che il Teatro d'Arte di Mosca sia stato inaugurato con la commedia Lo zar Fyodor Ioannovich di A.K. Tolstoj, la bandiera del nuovo teatro era la drammaturgia di A. Cechov, misteriosa, non completamente rivelata fino ad oggi. Non c'è da stupirsi che sul sipario del Teatro d'Arte di Mosca ci sia un gabbiano, che si riferisce al titolo di una delle migliori opere di Cechov ed è diventato un simbolo del teatro. Ma uno dei principali servizi di Stanislavskij al teatro mondiale è l'educazione di studenti di talento che hanno assorbito l'esperienza del suo sistema teatrale e l'hanno sviluppata ulteriormente nelle direzioni più inaspettate e paradossali (esempi lampanti sono V. Meyerhold, M. Chekhov, E. Vachtangov).

VERA FEDOROVNA KOmissarzhevskaya A San Pietroburgo, la “figura chiave” di questo periodo fu V. Komissarzhevskaya. Dopo aver fatto il suo debutto sul palco del Teatro Alexandrinsky nel 1896 (prima aveva recitato in spettacoli amatoriali di Stanislavskij), l'attrice conquistò quasi immediatamente l'ardente amore del pubblico. Il suo teatro, da lei creato nel 1904, ha avuto un ruolo enorme nella formazione della brillante galassia della regia russa. Al Teatro Komissarzhevskaya nel 1906-1907, per la prima volta sul palcoscenico della capitale, Meyerhold stabilì i principi del teatro convenzionale (in seguito continuò i suoi esperimenti nei teatri imperiali - Alexandrinsky e Mariinsky, così come alla Scuola Tenishevskij e nel studio teatrale in via Borodinskaya)

Teatro d'Arte di Mosca Teatro d'Arte di Mosca A Mosca, il centro della vita teatrale era il Teatro d'Arte di Mosca. Lì si è riunita una brillante costellazione di attori che hanno recitato in spettacoli che hanno attirato un numero enorme di spettatori: O. Knipper, I. Moskvin, M. Lilina, M. Andreeva, A. Artem, V. Kachalov, M. Chekhov, ecc. Molti qui si formarono tendenze di regia moderna: oltre a Stanislavskij e Nemirovich-Danchenko, queste erano le opere di L. Sulerzhitsky, K. Mardzhanov, Vakhtangov; Alla produzione è venuto anche il famoso G. Craig. Il Teatro d'Arte di Mosca gettò le basi per la scenografia moderna: M. Dobuzhinsky, N. Roerich, A. Benois, B. Kustodiev e altri furono coinvolti nel lavoro sulle sue rappresentazioni. Il Teatro d'Arte di Mosca a quel tempo determinò effettivamente l'intera vita artistica di Mosca, incl. – e lo sviluppo di piccole forme teatrali; Il più popolare teatro di cabaret di Mosca “The Bat” è creato sulla base delle scenette del Teatro d'Arte di Mosca.

Il teatro russo dopo il 1917 Il nuovo governo capì l'importanza dell'arte teatrale: il 9 novembre 1917 il Consiglio dei commissari del popolo emanò un decreto sul trasferimento di tutti i teatri russi sotto la giurisdizione del dipartimento artistico della Commissione statale per l'istruzione. E il 26 agosto 1919 apparve un decreto sulla nazionalizzazione dei teatri, per la prima volta nella storia della Russia il teatro divenne completamente una questione statale (nell'antica Grecia tale politica statale fu attuata nel V secolo a.C.) . Ai teatri più importanti vengono assegnati titoli accademici: nel 1919 - il Teatro Maly, nel 1920 - il Teatro d'Arte di Mosca e il Teatro Alexandrinsky (ribattezzato Teatro drammatico accademico statale di Pietrogrado). Stanno aprendo nuovi teatri. A Mosca - il 3o Studio del Teatro d'Arte di Mosca (1920, poi Teatro Vakhtangov); Teatro della Rivoluzione (1922, successivamente - Teatro Mayakovsky); Teatro MGSPS (1922, oggi – Teatro Mossovet); Teatro per bambini di Mosca (1921, dal 1936 - Teatro centrale per bambini). A Pietrogrado - Teatro drammatico Bolshoi (1919); GOSET (1919, dal 1920 si trasferisce a Mosca); Teatro per giovani spettatori (1922).

Teatro intitolato a Evgeniy Vakhtangov Storia del teatro intitolato a Evgeniy Vakhtangov. Vakhtangov iniziò molto prima della sua nascita. Alla fine del 1913, un gruppo di giovanissimi dai diciotto ai venti studenti moscoviti organizzò lo Student Drama Studio, decidendo di studiare arte teatrale secondo il sistema Stanislavskij.

Teatro negli anni '30 Il nuovo periodo del teatro russo iniziò nel 1932 con il decreto del Comitato Centrale del Partito Comunista All-Union dei Bolscevichi “Sulla ristrutturazione delle organizzazioni letterarie e artistiche”. Il metodo principale nell'arte è stato riconosciuto come il metodo del realismo socialista. Il tempo della sperimentazione artistica è finito, anche se ciò non significa che gli anni successivi non abbiano portato nuove conquiste e successi nello sviluppo dell'arte teatrale. È solo che il "territorio" dell'arte consentita si è ristretto; sono state approvate le rappresentazioni di alcuni movimenti artistici, di regola realistici. E è apparso un ulteriore criterio di valutazione: ideologico e tematico. Quindi, ad esempio, il successo incondizionato del teatro russo dalla metà degli anni '30 sono state le rappresentazioni dei cosiddetti. “Leniniani”, in cui veniva portata in scena l'immagine di V. Lenin (L'uomo con la pistola nel teatro Vakhtangov, nel ruolo di Lenin - B. Shchukin; Pravda nel teatro della rivoluzione, nel ruolo di Lenin - M. Strauch, ecc.). Qualsiasi spettacolo basato sulle opere del "fondatore del realismo socialista" M. Gorky era praticamente destinato al successo. Ciò non significa che ogni performance ideologicamente coerente fosse cattiva, semplicemente i criteri artistici (e talvolta il successo del pubblico) nella valutazione statale delle performance hanno smesso di essere decisivi.

Il teatro negli anni '30 Per molti operatori teatrali russi, gli anni '30 (e la seconda metà degli anni '40, quando la politica ideologica continuò) divennero tragici. Tuttavia, il teatro russo ha continuato a svilupparsi. Sono comparsi nuovi nomi alla regia: A. Popov, Y. Zavadsky, R. Simonov, B. Zakhava, A. Dikiy, N. Okhlopkov, L. Vivien, N. Akimov, N. Gerchakov, M. Kedrov, M. Knebel, V Sakhnovsky, B. Sushkevich, I. Bersenev, A. Bryantsev, E. Radlov e altri.Questi nomi erano principalmente associati a Mosca e Leningrado e alla scuola di regia dei principali teatri del paese. Tuttavia, diventano famose anche le opere di molti registi in altre città dell'Unione Sovietica: N. Sobolshchikov-Samarin (Gorky), N. Sinelnikov (Kharkov), I. Rostovtsev (Yaroslavl), A. Kanin (Ryazan), V. Bityutsky (Sverdlovsk), N. Pokrovsky (Smolensk, Gorky, Volgograd), ecc.
Il teatro durante la Grande Guerra Patriottica Durante la Grande Guerra Patriottica, i teatri russi si dedicarono principalmente a temi patriottici. Sono state messe in scena opere teatrali scritte in questo periodo (L'invasione di L. Leonov, Il fronte di A. Korneychuk, Un ragazzo della nostra città e Popolo russo di K. Simonov) e opere con temi storici e patriottici (Pietro I di A.N. Tolstoj, Feldmaresciallo Kutuzov). fasi
Il teatro durante la Grande Guerra Patriottica Il periodo 1941-1945 ebbe un'altra conseguenza per la vita teatrale della Russia e dell'Unione Sovietica: un significativo aumento del livello artistico dei teatri provinciali. L'evacuazione dei teatri di Mosca e Leningrado e il loro lavoro alla periferia hanno dato nuova vita ai teatri locali, hanno contribuito all'integrazione delle arti dello spettacolo e allo scambio di esperienze creative.

Il teatro russo nel 1950–1980 Il teatro russo nel 1950–1980 Molti attori di Leningrado hanno dato un grande contributo alla formazione dell'arte teatrale russa: I. Gorbachev, N. Simonov, Y. Tolubeev, N. Cherkasov, B. Freundlich, O. Lebzak , L. Shtykan, N. Burov e altri (Teatro Pushkin); D. Barkov, L. Dyachkov, G. Zhzhenov, A. Petrenko, A. Ravikovich, A. Freundlich, M. Boyarsky, S. Migitsko, I. Mazurkevich e altri (Teatro Lensovet); V. Yakovlev, R. Gromadsky, E. Ziganshina, V. Tykke e altri (Teatro Lenin Komsomol); T. Abrosimova, N. Boyarsky, I. Krasko, S. Landgraf, Y. Ovsyanko, V. Osobik e altri (Teatro Komissarzhevskaya); E. Junger, S. Filippov, M. Svetin e altri (Teatro Commedia); L. Makariev, R. Lebedev, L. Sokolova, N. Lavrov, N. Ivanov, A. Khochinsky, A. Shuranova, O. Volkova e altri (Teatro dei giovani spettatori); N. Akimova, N. Lavrov, T. Shestakova, S. Bekhterev, I. Ivanov, V. Osipchuk, P. Semak, I. Sklyar e altri (MDT, noto anche come Teatro d'Europa). Teatro dell'Esercito Russo IL TEATRO DELL'ESERCITO RUSSO è il primo teatro drammatico professionale nel sistema del Ministero della Difesa. Fino al 1946 si chiamava Teatro dell'Armata Rossa, poi fu ribattezzato Teatro dell'Esercito Sovietico (in seguito Teatro Accademico Centrale dell'Esercito Sovietico). Dal 1991 – Teatro accademico centrale dell'esercito russo. IL TEATRO DELL'ESERCITO RUSSO è il primo teatro drammatico professionale nel sistema del Ministero della Difesa. Fino al 1946 si chiamava Teatro dell'Armata Rossa, poi fu ribattezzato Teatro dell'Esercito Sovietico (in seguito Teatro Accademico Centrale dell'Esercito Sovietico). Dal 1991 – Teatro accademico centrale dell'esercito russo.

Teatro dell'Esercito Russo Nel 1930-1931, il Teatro dell'Armata Rossa era diretto da Yu.A. Zavadsky. Qui ha messo in scena una delle rappresentazioni più importanti della Mosca dell'epoca, Mstislav the Daring I. Prut. C'era uno studio a teatro, i suoi diplomati si unirono alla troupe. Nel 1935, il teatro era diretto da A.D. Popov, il cui nome è associato all'ascesa del Teatro dell'Armata Rossa. L'architetto K.S. Alabyan ha realizzato un progetto per un edificio teatrale molto speciale - a forma di stella a cinque punte, con due auditorium (Sala Grande per 1800 posti), con un palcoscenico spazioso, caratterizzato fino ad allora da una profondità senza precedenti, con molte sale adattate per laboratori, servizi teatrali, sale prove. Nel 1940 l'edificio fu costruito, fino ad allora il teatro si esibiva nella Sala della Bandiera Rossa della Casa dell'Armata Rossa e faceva lunghe tournée.

Teatro russo del periodo post-sovietico Teatro russo del periodo post-sovietico Il cambiamento nella formazione politica all'inizio degli anni '90 e un lungo periodo di rovina economica hanno cambiato radicalmente la vita del teatro russo. Il primo periodo di indebolimento (e poi – e abolizione) del controllo ideologico è stato accompagnato dall’euforia: ora puoi mettere in scena e mostrare qualsiasi cosa al pubblico. Dopo l'abolizione della centralizzazione dei teatri, furono organizzati in gran numero nuovi gruppi teatrali-studio, imprese, ecc. Tuttavia, pochi di loro sono sopravvissuti alle nuove condizioni: si è scoperto che, oltre al dettato ideologico, c'è un dettato per lo spettatore: il pubblico guarderà solo ciò che vuole. E se nelle condizioni del finanziamento statale del teatro, riempire l'auditorium non è molto importante, allora con l'autosufficienza il tutto esaurito nella sala è la condizione più importante per la sopravvivenza.

Il teatro oggi L'attuale teatro russo in termini di numero e varietà di tendenze estetiche è associato all'età dell'argento. I registi degli stili teatrali tradizionali convivono con gli sperimentali. Insieme a maestri riconosciuti - P. Fomenko, V. Fokin, O. Tabakov, R. Viktyuk, M. Levitin, L. Dodin, A. Kalyagin, G. Volchek, K. Ginkas, G. Yanovskaya, G. Trostyanetsky stanno avendo successo lavorando, I. Raikhelgauz, K. Raikin, S. Artsibashev, S. Prokhanov, S. Vragova, A. Galibin, V. Pazi, G. Kozlov, così come artisti d'avanguardia ancora più giovani e radicali: B. Yukhananov, A. Praudin, A.Moguchiy, V.Kramer, Klim e altri.

Il teatro oggi Nel periodo post-sovietico, i contorni della riforma del teatro sono cambiati radicalmente; si sono spostati principalmente nell'area del finanziamento dei gruppi teatrali, della necessità di sostegno statale per la cultura in generale e per i teatri in particolare, ecc. La possibile riforma sta generando opinioni molto diverse e accesi dibattiti. Il primo passo di questa riforma è stato il decreto del governo russo del 2005 sui finanziamenti aggiuntivi per una serie di teatri e istituzioni teatrali educative a Mosca e San Pietroburgo. Tuttavia, c’è ancora molta strada da fare prima dello sviluppo sistematico di un programma di riforma del teatro. Di cosa si tratterà non è ancora chiaro.

Diapositiva 1

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 2

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 3

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 4

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 5

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 6

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 7

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 8

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 9

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 10

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 11

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 12

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 13

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 14

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 15

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 16

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 17

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 18

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 19

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 20

Diapositiva 1

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 2

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 3

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 4

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 5

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 6

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 7

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 8

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 9

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 10

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 11

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 12

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 13

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 14

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 15

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 16

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 17

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 18

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 19

Descrizione diapositiva:

Diapositiva 20

La storia del teatro russo

introduzione

La storia del teatro russo è divisa in diverse fasi principali. La fase iniziale e ludica ha origine nella società dei clan e termina nel XVII secolo, quando, insieme a un nuovo periodo della storia russa, inizia una nuova fase più matura nello sviluppo del teatro, culminando con l'istituzione di un professionista statale permanente. teatro nel 1756.

I termini “teatro” e “dramma” sono entrati nel dizionario russo solo nel XVIII secolo. Alla fine del XVII secolo era in uso il termine “commedia” e nel corso del secolo – “divertimento” (Poteshny Chulan, Amusing Chamber). Tra le masse, il termine "teatro" era preceduto dal termine "disgrazia", il termine "dramma" - "gioco", "gioco". Nel Medioevo russo, le definizioni con loro sinonimi erano comuni: giochi di buffoni "demoniaci" o "satanici". Anche tutti i tipi di meraviglie portate dagli stranieri nei secoli XVI-XVII, così come i fuochi d'artificio, erano chiamati divertimento. Divertimento venivano chiamate anche le attività militari del giovane zar Pietro I. Il termine "gioco" è vicino al termine "gioco" ("giochi di buffoni", "giochi di festa"). In questo senso sia i matrimoni che le mamme venivano chiamati “gioco”, “giochi”. "Giocare" ha un significato completamente diverso in relazione agli strumenti musicali: suonare tamburelli, tiri su col naso, ecc. I termini "gioco" e "gioco" applicati al dramma orale furono conservati tra la gente fino ai secoli XIX e XX.

Arte popolare

Il teatro russo ha avuto origine in tempi antichi. Le sue origini risalgono all'arte popolare: rituali, vacanze legate al lavoro. Nel tempo, i rituali hanno perso il loro significato magico e si sono trasformati in giochi di spettacolo. In loro sono nati elementi di teatro: azione drammatica, recitazione, dialogo. Successivamente, i giochi più semplici si trasformarono in drammi popolari; sono stati creati nel processo di creatività collettiva e sono stati conservati nella memoria delle persone, passando di generazione in generazione.

Nel processo del loro sviluppo, i giochi si sono differenziati, suddividendosi in varietà correlate e allo stesso tempo allontanandosi sempre più l'una dall'altra: in drammi, rituali, giochi. L'unica cosa che li univa era che tutti riflettevano la realtà e usavano metodi espressivi simili: dialogo, canto, danza, musica, travestimento, recitazione, recitazione.

I giochi hanno instillato il gusto per la creatività drammatica.

I giochi erano originariamente un riflesso diretto dell'organizzazione della comunità del clan: avevano una danza rotonda, un carattere corale. Nei giochi di danza rotonda, la creatività corale e drammatica si fondevano organicamente. Canzoni e dialoghi abbondantemente inclusi nei giochi hanno contribuito a caratterizzare le immagini dei giochi. Anche le commemorazioni di massa avevano un carattere ludico; coincidevano con la primavera e venivano chiamate “Rusalia”. Nel XV secolo il contenuto del concetto di “Rusalia” era definito come segue: demoni in forma umana. E già l’Azbukovnik di Mosca del 1694 definisce i rusalia come “giochi di buffoni”.

L'arte teatrale dei popoli della nostra Patria ha origine in rituali e giochi, azioni rituali. Nel feudalesimo l'arte teatrale era coltivata da un lato dalle “masse popolari”, dall'altro dalla nobiltà feudale, e i buffoni venivano di conseguenza differenziati.

Nel 957, la granduchessa Olga conobbe il teatro di Costantinopoli. Gli affreschi della Cattedrale di Santa Sofia di Kiev dell'ultimo terzo dell'XI secolo raffigurano spettacoli dell'ippodromo. Nel 1068 i buffoni furono menzionati per la prima volta nelle cronache.

Kievan Rus era nota per tre tipi di teatri: corte, chiesa e popolare.

Buffoneria

Il "teatro" più antico erano i giochi di attori popolari: i buffoni. La buffoneria è un fenomeno complesso. I buffoni erano considerati una specie di stregoni, ma questo è errato, perché i buffoni, partecipando ai rituali, non solo non esaltavano il loro carattere magico-religioso, ma, al contrario, introducevano contenuti mondani e secolari.

Chiunque poteva fare uno scherzo, cioè cantare, ballare, scherzare, recitare scenette, suonare strumenti musicali e recitare, cioè ritrarre qualche tipo di persona o creatura. Ma solo coloro la cui arte si distingueva dal livello dell'arte delle masse per la sua abilità artistica divennero e furono chiamati abili buffoni.

Parallelamente al teatro popolare si sviluppò l'arte teatrale professionale, i cui portatori nell'antica Rus' erano buffoni. La comparsa del teatro delle marionette nella Rus' è associata ai giochi dei buffoni. Le prime informazioni di cronaca sui buffoni coincidono con l'apparizione sulle pareti della Cattedrale di Kiev-Sofia di affreschi raffiguranti spettacoli di buffoni. Il monaco cronista chiama i buffoni servi dei diavoli e l'artista che dipinse le pareti della cattedrale ritenne possibile includere la loro immagine nelle decorazioni della chiesa insieme alle icone. I buffoni erano associati alle masse e uno dei loro tipi di arte era il "cupo", cioè la satira. Gli Skomorokh sono chiamati "beffardi", cioè schernitori. La presa in giro, la presa in giro, la satira continueranno ad essere saldamente associate ai buffoni.

L'arte mondana dei buffoni era ostile alla chiesa e all'ideologia clericale. L'odio che il clero nutriva per l'arte dei buffoni è testimoniato dai resoconti dei cronisti ("Il racconto degli anni passati"). Gli insegnamenti della Chiesa dei secoli XI-XII dichiarano che anche le mummers a cui ricorrono i buffoni sono un peccato. I buffoni furono sottoposti a persecuzioni particolarmente gravi durante gli anni del giogo tartaro, quando la chiesa iniziò a predicare intensamente uno stile di vita ascetico. Nessuna persecuzione ha sradicato l'arte della buffoneria tra la gente. Al contrario, si è sviluppato con successo e la sua punta satirica è diventata più acuta.

Nell'antica Rus' erano conosciuti i mestieri legati all'arte: pittori di icone, gioiellieri, intagliatori di legno e ossa, scribi di libri. I buffoni appartenevano al loro numero, essendo “astuti”, “maestri” di canto, musica, danza, poesia, teatro. Ma erano considerati solo intrattenitori e divertitori. La loro arte era ideologicamente legata alle masse popolari, agli artigiani, che di solito si opponevano alle masse dominanti. Ciò rendeva la loro abilità non solo inutile, ma, dal punto di vista dei feudatari e del clero, ideologicamente dannosa e pericolosa. I rappresentanti della Chiesa cristiana collocarono i buffoni accanto ai saggi e agli stregoni. Nei rituali e nei giochi non esiste ancora la divisione tra artisti e spettatori; mancano di trame sviluppate e di trasformazione in immagini. Appaiono nel dramma popolare, permeato di acuti motivi sociali. L'emergere dei teatri pubblici di tradizione orale è associato al dramma popolare. Gli attori di questi teatri popolari (buffoni) ridicolizzavano i poteri costituiti, il clero, i ricchi e mostravano con simpatia la gente comune. Gli spettacoli di teatro popolare erano basati sull'improvvisazione e includevano pantomima, musica, canto, danza e numeri di chiesa; gli artisti hanno utilizzato maschere, trucco, costumi e oggetti di scena.

La natura delle esibizioni dei buffoni inizialmente non richiedeva la loro unione in grandi gruppi. Per eseguire fiabe, poemi epici, canzoni e suonare uno strumento, era sufficiente un solo artista. Gli Skomorokh lasciano i loro luoghi nativi e vagano per la terra russa in cerca di lavoro, spostandosi dai villaggi alle città, dove servono non solo le zone rurali, ma anche i cittadini e talvolta anche le corti principesche.

I buffoni erano anche coinvolti in spettacoli popolari di corte, che si moltiplicarono sotto l'influenza della conoscenza di Bisanzio e della sua vita di corte. Quando alla corte di Mosca furono allestiti l'Amusing Closet (1571) e la Amusing Chamber (1613), i buffoni si ritrovarono nella posizione di giullari di corte.

Le esibizioni dei buffoni combinavano diversi tipi di arti: drammatica, sacra e pop.

La Chiesa cristiana contrapponeva ai giochi popolari e all'arte dei buffoni l'arte rituale, satura di elementi religiosi e mistici.

Le esibizioni dei buffoni non si sono sviluppate nel teatro professionale. Non c'erano condizioni per la nascita di compagnie teatrali, dopotutto le autorità perseguitavano i buffoni. La Chiesa perseguitava anche i buffoni, chiedendo assistenza alle autorità secolari. Contro i buffoni furono inviate una Carta del Monastero della Trinità-Sergio del XV secolo e una Carta dell'inizio del XVI secolo. La Chiesa poneva persistentemente i buffoni alla pari dei portatori della visione del mondo pagana (magi, stregoni). Eppure le rappresentazioni dei buffoni continuarono a vivere e si sviluppò il teatro popolare.

Allo stesso tempo, la chiesa ha adottato tutte le misure per affermare la propria influenza. Ciò ha trovato espressione nello sviluppo del dramma liturgico. Alcuni drammi liturgici ci sono pervenuti insieme al cristianesimo, altri - nel XV secolo, insieme alla carta solenne della "grande chiesa" recentemente adottata ("Processione della spazzata", "Lavanda dei piedi").

Nonostante l'uso di forme teatrali e di intrattenimento, la Chiesa russa non ha creato un proprio teatro.

Nel XVII secolo Simeone di Polotsk (1629-1680) cercò di creare un dramma letterario artistico sulla base del dramma liturgico; questo tentativo si rivelò isolato e infruttuoso.

Teatri del XVII secolo

Nel XVII secolo si svilupparono i primi drammi orali, semplici nella trama, che riflettevano i sentimenti popolari. La commedia di marionette su Petrushka (il suo nome inizialmente era Vanka-Ratatouille) raccontava le avventure di un ragazzo intelligente e allegro che non aveva paura di nulla al mondo. Il teatro apparve veramente nel XVII secolo: teatro di corte e scolastico.

Teatro di Corte

L'emergere del teatro di corte fu causato dall'interesse della nobiltà di corte per la cultura occidentale. Questo teatro è apparso a Mosca sotto lo zar Alexei Mikhailovich. La prima rappresentazione dell'opera "L'atto di Artaserse" (la storia della biblica Ester) ebbe luogo il 17 ottobre 1672. All'inizio il teatro di corte non aveva locali propri; scene e costumi venivano spostati da un luogo all'altro. Le prime rappresentazioni furono messe in scena dal pastore Gregory dell'insediamento tedesco; anche gli attori erano stranieri. Successivamente iniziarono ad attrarre e formare con forza i “giovani” russi. Venivano pagati irregolarmente, ma non lesinavano su addobbi e costumi. Le esibizioni erano caratterizzate da grande sfarzo, a volte accompagnate da suoni di strumenti musicali e danze. Dopo la morte dello zar Alessio Mikhailovich, il teatro di corte fu chiuso e gli spettacoli ripresero solo sotto Pietro I.

Teatro scolastico

Oltre al teatro di corte, in Russia nel XVII secolo si sviluppò anche un teatro scolastico presso l'Accademia slavo-greco-latina, nei seminari teologici e nelle scuole di Lvov, Tiflis e Kiev. Gli insegnanti hanno scritto opere teatrali e gli studenti hanno messo in scena tragedie storiche, drammi allegorici vicini ai miracoli europei, spettacoli collaterali - scene satiriche quotidiane in cui c'era una protesta contro il sistema sociale. Gli spettacoli teatrali scolastici hanno gettato le basi per il genere commedia nel dramma nazionale. Le origini del teatro scolastico furono il famoso personaggio politico e drammaturgo Simeon Polotsky.

L'emergere dei teatri scolastici di corte ha ampliato la sfera della vita spirituale della società russa.

Teatro dell'inizio del XVIII secolo

Per ordine di Pietro I, nel 1702 fu creato il Teatro Pubblico, destinato al pubblico di massa. Un edificio fu costruito appositamente per lui sulla Piazza Rossa a Mosca: il "Tempio Comediale". Lì si è esibita la compagnia tedesca di J. H. Kunst. Il repertorio comprendeva opere straniere che non ebbero successo di pubblico e il teatro cessò di esistere nel 1706, quando cessarono i sussidi di Pietro I.

Conclusione

Una nuova pagina nella storia delle arti dello spettacolo dei popoli della nostra Patria è stata aperta dai teatri servi e amatoriali. Le compagnie di servi che esistevano dalla fine del XVIII secolo mettevano in scena vaudeville, opere comiche e balletti. Sulla base dei teatri della gleba, sorsero imprese private in numerose città. L'arte teatrale russa ha avuto un'influenza benefica sulla formazione del teatro professionale dei popoli della nostra Patria. Le compagnie dei primi teatri professionali includevano dilettanti di talento, rappresentanti dell'intellighenzia democratica.

Il teatro in Russia nel XVIII secolo acquisì un'enorme popolarità, divenne proprietà delle grandi masse, un'altra sfera accessibile al pubblico dell'attività spirituale delle persone.