Mis on jazz, jazzi ajalugu. Abstraktne – Jazz (inglise jazz) on muusikakunsti vorm, mis tekkis 19. sajandi lõpus 20. sajandi alguses Ameerika Ühendriikides Aafrika ja Euroopa kultuuride sünteesi tulemusena ning sai seejärel laialt levinud – Varia jazz

Tunni teema: “Džäss on kunst XX sajand”

Tunni metaandmed

WMC “Muusika, 6. klass. Õpik G.P. Sergeeva, E.D. Kreeta"

Klass : 6

Tunni tüüp : Õppetund uue materjali õppimisest ja esmasest kinnistusest

Teema : Jazz on kunstXXsajand”

Tunni eesmärk: Luua tingimused uue haridusteabe ploki mõistmiseks ja mõistmiseks teemal “Džäss - 20. sajandi kunst”.

Tunni vorm: õppetund-kasulik etendus (kasuetendus - etendus ühe näitleja auks)

Ülesanded:

Õpetus: luua tingimused džässi päritolu, selle põhisuundade mõistmiseks ja mõistmiseks, tutvuda jazzkunsti rajajatega; luua tingimused muusikalis-intonatsioonilise sõnavara ja muusikalise silmaringi laiendamiseks;

Arendamine: luua tingimused ideede arendamiseks džässist kui professionaalsest muusikakunstist; luua tingimused vaimsete võimete, assotsiatiivse ja loova mõtlemise arendamiseks, analüüsi-, võrdlemis-, üldistusvõime arendamiseks; luua tingimused vokaal- ja koorioskuste arendamiseks, õpilaste emotsionaalse ja tahtelise sfääri arendamiseks;

Hariduslik: džässmuusika emotsionaalse taju põhjal kasvatada vajadust elu vaimse poole järele, sisendada armastust ja huvi muusikakunsti vastu, kasvatada tolerantset suhtumist teiste maailma rahvaste muusikakultuuri, luua tingimused isikuomaduste kasvatamiseks: tähelepanelikkus, eesmärgipärasus, kunstilisus.

Õppemeetodid: selgitav ja näitlik, osaliselt uurimuslik.

Vormid õpilaste kognitiivse tegevuse korraldamine: frontaalne, rühm.

Tunni logistika

Trükitud tooted

"Muusika, 6. klass". Õpik G.P. Sergeeva, E.D. Kreeta.

S.I. Ožegov. Vene keele seletav sõnaraamat.

Töövihik, 6. klass G.P. Sergeeva, E.D. Kreeta.

"Muusika. 5-7 klassi. Juhised. Juhend õpetajale.

Üksikud kaardid ülesande jaoks

Tehnilised koolituse abivahendid

Armatuurikomplektiga tahvel laudade, plakatite ja piltide kinnitamiseks.

Arvuti.

CD on pleier muusika kuulamiseks.

Projektor.

Varustus: multimeediakompleks, CD - S. Joplini, J. Gershwini, L. Armstrongi teoste salvestised, videoklipid, noodid, klaver, laste muusikariistade komplekt, PowerPointi esitlus, jaotusmaterjalid õpilastele.

Oodatavad tulemused (PEL)

Isiklik

Õpilastel on:

õpilase sisemine positsioon positiivse suhtumise tasemel muusikatundi;

huvi erinevat tüüpi õppetegevuse, sealhulgas ainealase uurimistegevuse elementide vastu.

Reguleerivad

Õpilased õpivad:

vastu võtma õpiülesande ja järgima õpetaja juhiseid;

kontrollida oma tegevuse protsessi ja tulemust;

tõsta esile ja realiseerida seda, mis on juba õpitud ja mis vajab veel õppimist.

kognitiivne

Õpilased õpivad:

otsida vajalikku teavet õpiku- ja sõnaraamatumaterjalide abil;

mudeleid ümber kujundada vastavalt õppematerjali sisule ja seatud hariduslikule eesmärgile.

Kommunikatiivne

Õpilased õpivad:

osaleda aktiivselt töös paaris ja rühmas, kasutades kõnesuhtlusvahendeid.

Tunni struktuur:

1. Organisatsioonietapp.

2. Värskenda. Eesmärkide seadmine ja motivatsioon.

3. Õppematerjali esmane assimilatsioon.

4. Õppematerjali tundmine ja mõistmine.

5. Õppematerjali koondamine.

6. Kokkuvõtete tegemine. Peegeldus (sisekaemus).

Tunniplaan:

Tervitused

Küsimused. Probleemse olukorra loomine

S. Joplini ragtime'i kuulamine

Vastused küsimustele

stseen

Tunni teema määramine

probleemne küsimus

Tunni epigraaf

Rahvusvaheline jazzipäev

Jazzi ajalugu: inimeste ränne (kaart)

Loov kuulamisülesanne (töö esteetiliste emotsioonide sõnaraamatuga)

Jazzi päritolu: spirituaal, bluus, ragtime.

jazzinstrumendid

pillimänguS.Joplini ragtime “Variety Artist” (ORKESTER)

Jazzi alused

Märkimisväärsed jazzartistid

D. Gershwin. sümfojazz

Jazz Venemaal

L. Utjosovi esituses laulu kuulamine. "Kui palju häid tüdrukuid"

Töö tekstiga. Sincwine.

Laulu kuulamine.

Laulu õppimine

Laulu esitus

Peegeldus (sisekaemus)

Kodutöö: kirjutage luuletus burime kujul. Lahenda ristsõna.

Muusikamaterjal:

Ragtime S. Joplin “Variety Artist”.

LouisArmstrongvaimne"Lase mu inimesed minna"Blues».

Fragment videost "Merry Fellows" laulust "Kui palju häid tüdrukuid" - Leonid Utjosov.

Laul õppimiseks "Täiskasvanud ja lapsed".

Tundide ajal

ma . korralduslik etapp.

Slaid 2. Tere tulemast

Olgu tore kohtumine! Sellise tutvuse puhul on sõprus põhiolemus.

Alustame oma kasuandmist. Nagu öeldakse, palju õnne!

II. Aktualiseerimine. Eesmärkide seadmine ja motivatsioon.

Slaid 3. Küsimused

Täna on meie tund pühendatud ühele kuulsale kuulsusele.

(slaididel küsimustel klõpsates kerkib üksteise järel)

Kes on see salapärane külaline?

Mis riigist sa tulid?

Milline on tema iseloom?

Kas ta tahaks meiega sõber olla?

Meie jaoks on see endiselt mõistatus. Võib-olla aitab muusika teil kõigile neile küsimustele vastata. Nii et kuulame

Ragtime Scott Joplin "Variety Artist"

(katkend 22 sekundit)

Kes arvas, milline kangelane meie juurde tuli?

Lapsed vastavad: See on jazz.

Ja kuidas sa arvasid?

(See on õige, muusika kõlas väga rütmiliselt, eredalt, veidi ebatavaliselt.)

Poisid, mida te teate jazzist?

Kes saab lisada?

Ja kas ta tahab meiega sõbruneda, saame teada tunni jooksul.

Slaid 4. Stseen

Kui jazz ilmus, ja see oli algusesXXsajandil. Vaidlusi oli palju. Vaatame, kuidas see juhtus.

Nüüd palun igal rühmal ükshaaval välja tulla, teie arvates kõige kunstilisem, emotsionaalsem õpilane. (stseen mängib läbi).

Vaadake, kui erinevalt nad ebatavalise muusika ilmumist tajusid!

Niisiis, poisid, proovige määrata tunni teema.

Slaid 5. Tunni teema: “Džäss on kunst XX sajand"

Tunnis õpime:

kus ja millal džäss ilmus;

tutvuda selle iseloomulike tunnustega;

kuulame muusikat parimate jazzmuusikute esituses ning proovime ise laulda ja isegi džässi mängida.

Ja tunni lõpus peate vastama küsimusele: "Kas jazzmuusika on kerge või tõsine?"

Slaid 6. "Kas jazzmuusika on kerge või tõsine?"

Slaid 7. Tunni epigraaf

Ja meie õppetunni epigraafiks võtame eelmise sajandi ühe populaarseima muusiku Louis Armstrongi sõnad:"Kui te seda muusikat kuulates jalgu ei trampi, ei saa te kunagi aru, mis on jazz."

III. Õppematerjali esmane assimilatsioon.

Sõna jazz ilmus 20. sajandi alguses. See hakkas tähistama uut tüüpi

muusika, mis kõlas siis esimest korda, samuti orkester, kes seda muusikat esitas.

Kuid juba meie sajandil, üsna hiljuti - 5 aastat tagasi 2011. aasta novembris teatas UNESCO peakonverents uue kuupäeva kehtestamisest maailma kalendris - see30. aprill - rahvusvaheline jazzipäev.

Juba sajand on džäss olnud inimkonna universaalne keel, mis ühendab inimesi vaatamata nende erinevale kultuurilisele, usulisele ja rahvuslikule kuuluvusele. Ja jazzi kõige olulisem omadus on Aafrika ja Euroopa muusika sulandumine.

Slaid 8. Kaart

Vaatame kaarti.

Kuidas neegrid Ameerikasse sattusid? Ja see läks nii:

Euroopa inimesed said teada uuest maailmast, mis asus ookeani taga. Nad tahtsid oma elu muuta, uusi maid arendada, läksid Ameerikasse. Uude Maailma suunduvatel laevadel seilasid eri rahvusest inimesed, kuuldus erinevat kõnet: hispaania, itaalia, inglise, šoti, prantsuse. Nii tekkis Euroopa muusika Ameerikas.

Kuid nende laevade trümmides oli "eluslast" - need olid neegriorjad, kes viidi nende Aafrika paikadest välja valgete inimeste istandustele tööle.

Inimesed tulid Ameerika lõunaossa. Ja siin New Orleansis on esimesed orkestrid, kes esitavad jazzi. Nad said tuntuks kui jazzbänd.

Slaid 9. Jazzbänd

Seega toimus kahe kultuuri sulandumine.

Slaid 10. Kahe kultuuri ühinemine

Mustanahalised elasid peamiselt Põhja-Ameerika lõunaosas. Nad elasid kõvasti, kuid nautisid põnevust ja inspiratsiooni.

Slaid 11. Lõbu ja pidu

Nüüd kuulame kolme eriilmelist teost. Teie käes on esteetiliste emotsioonide sõnastik. Pärast kuulamist tuleks rõhutada esitatavale teosele sobivat karakterit.

Slaid 11. Lõbu ja pidu

Orjade kuulekuse tugevdamiseks tuli neid meelitada kristluse juurde. Ja kristlikke palveid lauldes tõid neegrid neisse oma ebatavalise rütmi. Pöördudes Jumala poole, laulsid nad oma raskest elust palvelauludes, mida kutsuti spirituaalideks.

Spirituaalne tähendab inglise keelest tõlkes vaimset, kirikut. Need olid koostatud piiblilugude ja tekstide põhjal.

Seda žanrit saatsid plaksutamine, trampimine ja tantsuliigutused.

Slaid 12. Vaimne

VIDEO

Louis Armstrong "Laske mu inimesed minna!"

Slaid 13. Blues

Ilmusid ka teised laulud - laulud-kaebused, protestilaule. Neid hakati kutsuma bluusiks. Blues räägib vajadusest, raskest tööst. Bluesis on kõike – draamat, konflikte, satiiri ja huumorit.

VIDEO Teose katkendi vaatamine ja kuulamine

Louis Armstrong "Blues"

Slaid 14. Ragtime

Ragtime on hoopis teise iseloomuga. Ragtime (ragged rhythm) - spetsiaalse rütmilao tantsumuusika. Nüüd meenutame esimest

Slaid 15. Jazzi päritolu

Spirituaal, bluus, ragtime – need on kõik jazzi alged.

Heitke nüüd pilk järgmisele slaidile.

Slaid 16. Lemmikdžässipillid

(loend slaidide kaupa)

Poisid, nüüd proovime luua oma jazzorkestri.Kutsun teid osalema tunni alguses kõlanud teose esituses. Seda nimetatakse"Varieteekunstnik" ragtime'i kuningas Scott Joplin.

Küsin igast grupist 2 inimest. Teie ees on pillid - tamburiinid, trummid, marakrad (õpilased võtavad pillid ja jagunevad 3 rühma).

Proovimeimproviseerides , looge sellele teosele rütmiline saate. (Trummid mängivad tugeval taktil, tamburiinide rühm - nõrgal ja marakad - pidevalt).

Slaid 17. Jazzorkester

ORKESTER

Ma näen, et see meeldis kõigile, nii muusikutele kui ka kuulajatele! Tõepoolest, jazzmuusika ei jäta kedagi ükskõikseks.

Ja nüüd vaatame üle, millise tunnuse sa kõlanud meloodiatele andsid

(õpilane vastab)

Slaid 18. Jazzmuusika tunnused.

Pidage meeles: see on erinevate instrumentide keeruline rütm, improvisatsioon ja orkestrisool.

Slaidid 19-23. kuulsad esinejad.

Enne teid on kuulsad jazziesinejad: Louis Armstrong, Bessie Smith, Glenn Miller, Duke Ellington, Ella Ftzgerald.

Ja siin on kuulus Ameerika helilooja. George Gershwin – uue muusikastiili – SYMPHOJAZZ – looja.

Slaidid 24. George Gershwin.

TA ühendas klassika ja jazzi traditsioonid. Ja kirjutas ooperi "Porgy ja Bess"

Slaidid 25

klassika+džäss

Slaid 26. Džäss NSV Liidus

Jazzi armastati ka meil. 20ndatel ja 30ndatel olid meil omad jazzikuulsused.

Nende hulgas on Valentin Parnakh, Venemaa esimese jazzorkestri looja ja esimene, kes kirjutas vene keeles sõna jazz.

Slaid 27. Leonid Utjosov

Ja Leonid Osipovich Utyosov ja tema orkester "Tea Jazz". Koos oma teatri jazzorkestriga mängis Utjosov muusikalises komöödias "Merry Fellows", mis esietendus 1934. aasta detsembris.

VIDEO Filmi "Merry Fellows" katkendi vaatamine ja kuulamine.

Tänu džässile ilmusid sellised tantsud nagu fokstrot, twist, boogie-woogie, Charleston, rock and roll jne. Ilmusid popmuusika ja rokkmuusika.

IV. Õppematerjali tundmine ja mõistmine.

Slaid 28. Töö tekstiga.

Slaid 29. Laulu "Täiskasvanud ja lapsed" sõnad

V. Šainski laulu "Täiskasvanud ja lapsed" peast esituses akustilise saatega (plaksud ja klõpsud) sissejuhatuses ja kaotuste ja tantsulise improvisatsiooniga terve klassiga.

Laulu "Täiskasvanud ja lapsed" sõnad

Niisiis, milline muusikaline meedium aitas teil selle laulu stiili määratleda? (Laul on kirjutatud džäss-stiilis. Rütm on omapärane, on sünkoopiaid, nõrga löögi rõhku, tantsulist karakterit, lisandub plaks ja klõps.)

VI. Õppetunni kokkuvõte. Peegeldus.

Slaid 30. Jazz – kerge või tõsine muusika?

Siiani on vaidlusi selle üle, millisele muusikale – kergele või tõsisele – saab džässi omistada? Tunnis kõlasid erinevad jazzipalad - erinevad nii meeleolult kui sisult. Milline on Teie arvamus? (Õpilased avaldavad oma arvamust)

Slaidid 31

Ja nüüd kutsun teid üles võtma kokku muljed teemal "Džäss - kahekümnenda sajandi kunst" ja töötama rühmades.

Iseseisev töö rühmades.

Jaotusmaterjalidega töötamine

Õpetaja kuulab ära õpilaste vastused, hindab rühmade ja igaühe tööd tunnis.

Loodan, et olete täna leidnud Jazzi ees hea sõbra, kes rõõmustab teid teie elu õnnelikel hetkedel ja toetab teid rasketel aegadel.

Slaid 32. Peegeldus

Kodutöö.

"Kirjutage luuletus "burime" kujul. Lahenda ristsõna.

Slaid 33. Täname tähelepanu eest!

Poisid, tänan teid õppetunni eest. Teiega oli väga huvitav koostööd teha. Soovin teile loomingulist edu, õnne ja tervist! Aitäh õppetunni eest!

Kirjandus.

1. Konen V. "Džässi sünd". Moskva, "Nõukogude helilooja", 1990

2. Mihheeva L. “Muusikaline sõnaraamat lugudes”. Moskva, "Nõukogude helilooja", 1984

3. Finkelstein E. “Muusika A-st Z-ni”. Kirjastus "Helilooja", Peterburi, 1992

ESTEETILISTE EMOTSIOONIDE SÕNARAV

Rõõmsameelne

mänguline

ülemeelik

ulakas

Päikeseline

tantsida

kurb

Kaebus

igav

Sünge

Solvunud

nutt

Hea

Pehme

Sujuv

viisakas

rahustav

Sujuv

MÜSTILINE

ÕRN

PIDU

vapustav

imeline

maagiline

Salapärane

tõmblev

Äge

läbimõeldud

unistav

Lihtne

Valgus

läbipaistev

romantiline

Uhke

Rõõmsameelne

Tähtis

Marsimine

Selge

võidukas

Loominguline ülesanne

Tehke tunni muljetest kokkuvõte sünkviini vormis (jaapani luule) teemal “Džäss on kunstXX sajand":

Kodutöö

Kirjutage burime (luuletus iga rea ​​viimaste sõnadega):

Oh jazz!

Valgus.

Valgustus.

Ei.

Inspiratsioon.

LAHENDAGE RISTSÕNA:

Horisontaalselt:

1. Vaskpuhkpill

2. Ameerika heliloojaxx sajandil

3. Muusika loomine selle esitamise ajal

4. Jazz-stiili kujunemist mõjutanud neegrilaulu žanr

5. Muusikaline stiil

6. Jazzpill

7. Klahvpill

Vertikaalselt:

1. Vaskpuhkpill

8. Neegri vaimulik laul

10. Suur neegri laulja ja trompetist

11. Puhkpill

12. Aafrika keelpill, kantrimuusikas laialdaselt kasutatav.

STEENID

Märge:

Dialoogi ajal on soovitav rõhutada valitud sõna sobiva intonatsiooniga.

Esimene õpilane ütleb ükskõikselt: "Milline imelik nimi?"

Teine õpilane ütleb küsivalt: "Võib-olla see hüüdnimi mingisugune?"

kolmas õpilane ütleb nördinult: "Huvitav… Kes ta on ?»

Neljas õpilane räägib imetlevalt ja imetleb, kuigi see on väga oluline: « Nagu kes? Muusik! »

kolmas õpilane (nördinult): " Jah see Metslane gangsteri nimega ei tunne sündsusreegleid!

Esimene õpilane (küsib): "Kas sa kuulsid midamüra Temalt?"

Teine õpilane (peaaegu karjudes, nördinult) : « Kas olete näinud, kuidas tavallandanud liikumises? Tampimine, põrutamine . Ja kõik teeb liiga paljurütmiliselt! »

kolmas õpilane (lisab väga olulise): "Ja siis ta kirjaoskamatu! Mängi märkmete järgi ei saa!!!"

Neljas õpilane (imetlevalt, nimetissõrme üles tõstes): « Vale, sõbrad! Ta kutt mida sa vajad! Ja ta käitub nii, sest ta ei tea, kuidas teeselda! Aga ta ütleb sedatunneb. Ja juba huvitavam ja säravam kui kuulsad isiksused!

Jazz - muusikakunsti vorm, mis tekkis 19. sajandi lõpus - 20. sajandi alguses USA-s, New Orleansis Aafrika ja Euroopa kultuuride sünteesi tulemusena ning sai hiljem laialt levinud. Jazzi päritolu oli bluus ja muu Aafrika-Ameerika rahvamuusika. Džässi muusikakeele iseloomulikeks joonteks said algul improvisatsioon, sünkopeeritud rütmidel põhinev polürütm ja ainulaadne rütmilise faktuuri esitamise tehnikate komplekt – swing. Jazzi edasine areng toimus tänu uute rütmiliste ja harmooniliste mudelite väljatöötamisele jazzmuusikute ja heliloojate poolt. Jazzi alajazzid on: avangardjazz, bebop, klassikaline jazz, cool, modaaljazz, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop ja hulk teisi.

Jazzi arengulugu

Wilexi kolledži jazzbänd, Texas

Džäss tekkis mitme muusikakultuuri ja rahvusliku traditsiooni kombinatsioonina. Algselt tuli see Aafrikast. Igasugust Aafrika muusikat iseloomustab väga keeruline rütm, muusikat saadavad alati tantsud, mis on kiired trampivad ja plaksutavad. Selle põhjal tekkis 19. sajandi lõpus teine ​​muusikažanr – ragtime. Seejärel tekkis ragtime'i rütmidest koos bluusi elementidega uus muusikaline suund - jazz.

Blues sai alguse 19. sajandi lõpus Aafrika rütmide ja euroopaliku harmoonia sulandumisena, kuid selle päritolu tuleks otsida hetkest, kui orjad Aafrikast Uude Maailma toodi. Toodud orjad ei olnud pärit samast suguvõsast ega mõistnud tavaliselt isegi üksteist. Konsolideerimise vajadus tõi kaasa paljude kultuuride ühendamise ja selle tulemusena ühtse afroameeriklaste kultuuri (sh muusika) loomise. Aafrika ja Euroopa muusikakultuuri segunemise protsessid (mis ka Uues Maailmas tegid läbi tõsiseid muutusi) toimusid alates 18. sajandist ja viisid 19. sajandil "proto-jazzi" tekkeni ja seejärel džässi tekkeni üldiselt. aktsepteeritud mõte. Jazzi häll oli Ameerika lõunaosa ja eriti New Orleans.
Jazzi igavese nooruse pant – improvisatsioon
Stiili omapäraks on džässivirtuoosi ainulaadne individuaalne esitus. Jazzi igavese nooruse võtmeks on improvisatsioon. Pärast särava interpreedi, kes elas kogu oma elu džässirütmis ja on endiselt legendiks – Louis Armstrongi ilmumist, nägi džässiesinemiskunst enda jaoks uusi ebatavalisi horisonte: vokaal- või instrumentaalne sooloesitus saab kogu esituse keskpunktiks. , muutes täielikult džässi ideed. Jazz pole mitte ainult teatud tüüpi muusikaline esitus, vaid ka ainulaadne rõõmsameelne ajastu.

new orleansi jazz

Mõistet New Orleans kasutatakse tavaliselt nende muusikute stiili kirjeldamiseks, kes mängisid New Orleansis džässi aastatel 1900–1917, samuti New Orleansi muusikuid, kes mängisid Chicagos ja salvestasid plaate umbes 1917. aastast kuni 1920. aastateni. Seda jazziajaloo perioodi tuntakse ka džässiajastuna. Ja seda terminit kasutatakse ka muusika kirjeldamiseks, mida mängisid erinevatel ajalooperioodidel New Orleansi taaselustajad, kes püüdsid mängida jazzi samas stiilis nagu New Orleansi koolimuusikud.

Aafrika-Ameerika folkloori ja džässi teed on lahku läinud pärast New Orleansi meelelahutuskohtade poolest tuntud punaste laternate linnaosa Storyville'i avamist. Neid, kes tahtsid siin lõbutseda ja lõbutseda, ootasid palju võrgutavaid võimalusi, mis pakkusid tantsupõrandaid, kabareed, varieteeetendusi, tsirkust, baare ja söögikohti. Ja kõikjal neis asutustes kõlas muusika ja muusikud, kes valdasid uut sünkroonmuusikat, said tööd leida. Järk-järgult, koos Storyville'i meelelahutusasutustes professionaalselt töötavate muusikute arvu kasvuga, vähenes marsi- ja tänavapuhkpilliorkestrite arv ning nende asemele tekkisid nn Storyville'i ansamblid, mille muusikaline ilming muutub individuaalsemaks. , võrreldes puhkpilliorkestrite mängimisega. Need kompositsioonid, mida sageli nimetatakse "komboorkestriteks" ja millest said New Orleansi klassikalise jazzi stiili rajajad. Aastatel 1910–1917 said Storyville'i ööklubid ideaalseks džässipaigaks.
Aastatel 1910–1917 said Storyville'i ööklubid ideaalseks džässipaigaks.
Jazzi areng USA-s 20. sajandi esimesel veerandil

Pärast Storyville'i sulgemist hakkas džäss muutuma regionaalsest folkžanrist üleriigiliseks muusikasuunaks, levides USA põhja- ja kirdeprovintsidesse. Kuid mõistagi ei saanud selle laialdasele levikule kaasa aidata vaid ühe meelelahutuskvartali sulgemine. New Orleansi kõrval mängisid džässi arengus algusest peale olulist rolli St. Louis, Kansas City ja Memphis. Ragtime sündis 19. sajandil Memphises, kust see seejärel levis aastatel 1890-1903 üle kogu Põhja-Ameerika mandri.

Seevastu minstrelite etteasted oma kirju mosaiigiga afroameerika folkloorist, alates jigist kuni ragtime'ini, levisid kiiresti kõikjale ja panid aluse jazzi tulekule. Paljud tulevased jazzikuulsused alustasid oma teekonda minstrelisaates. Ammu enne Storyville'i sulgemist tuuritasid New Orleansi muusikud koos niinimetatud "vaudeville" truppidega. Jelly Roll Morton aastast 1904 tuuritas regulaarselt Texases Florida osariigis Alabamas. Alates 1914. aastast oli tal leping Chicagos esinemiseks. 1915. aastal kolis ta Chicagosse ja Tom Browni White Dixieland Orchestrasse. Suuremaid vodevillituure Chicagos tegi ka kuulus Creole Band, mida juhtis New Orleansi kornetimängija Freddie Keppard. Olles omal ajal Olympia Bandist eraldunud, esinesid Freddie Keppardi artistid juba 1914. aastal edukalt Chicago parimas teatris ja said pakkumise teha oma esinemistest helisalvestus juba enne Original Dixieland Jazz Bandi, mida aga Freddie Keppard. lühinägelikult tõrjutud. Suurendas märkimisväärselt džässi mõju all olevat territooriumi, orkestrid mängisid lõbusõidulaevadel, mis sõitsid mööda Mississippi.

Alates 19. sajandi lõpust on populaarseks saanud jõereisid New Orleansist St. Paulisse, algul nädalavahetuseks ja hiljem terveks nädalaks. Alates 1900. aastast on neil jõelaevadel esinenud New Orleansi orkestrid, mille muusikast on saanud jõetuuride ajal reisijatele kõige atraktiivsem meelelahutus. Ühes neist orkestritest alustas Suger Johnny, Louis Armstrongi tulevane abikaasa, esimene jazzpianist Lil Hardin. Teise pianisti Faiths Marable jõelaevabändis esines palju tulevasi New Orleansi jazzstaare.

Mööda jõge sõitnud aurulaevad peatusid sageli möödasõitvates jaamades, kus orkestrid korraldasid kohalikule publikule kontserte. Just need kontserdid said Bix Beiderbecki, Jess Stacy ja paljude teiste loomingulisteks debüüdideks. Teine kuulus marsruut kulges mööda Missourit Kansas Citysse. Selles linnas, kus tänu afroameerika folkloori tugevatele juurtele bluus arenes ja lõpuks vormi võttis, leidis New Orleansi jazzmeeste virtuoosne mäng erakordselt viljaka keskkonna. 1920. aastate alguseks sai Chicagost džässmuusika peamine arenduskeskus, kus paljude USA erinevatest piirkondadest kogunenud muusikute jõupingutustega loodi stiil, mis sai hüüdnime Chicago jazz.

Suured bändid

Bigbändide klassikaline väljakujunenud vorm on jazzis tuntud juba 1920. aastate algusest. See vorm säilitas oma aktuaalsuse kuni 1940. aastate lõpuni. Enamikku bigbände astunud muusikud mängisid reeglina peaaegu teismeeas üsna kindlaid osi, kas siis proovides või nootidest õpitud. Hoolikad orkestratsioonid koos massiivsete vask- ja puupuhkpilliosadega tekitasid rikkalikke jazziharmooniaid ja tekitasid sensatsiooniliselt valju heli, mida hakati nimetama "bigbändi heliks".

Bigbändist sai oma aja levimuusika, mis saavutas haripunkti 1930. aastate keskel. Sellest muusikast sai swingtantsuhulluse allikas. Kuulsate džässbändide juhid Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet koostasid või arranžeerisid ja salvestasid plaatidele ehtsa hittparaadi lugudest, mis kõlasid mitte ainult. raadios, aga ka kõikjal tantsusaalides. Paljud bigbändid näitasid oma improvisaatoreid-soliste, kes tõid publiku hüsteerialähedasse olekusse hästi õhutatud "orkestrite lahingute" ajal.
Paljud bigbändid demonstreerisid oma sooloimprovisaatoreid, kes tõid publiku hüsteerialähedasse seisu.
Kuigi bigbändide populaarsus pärast Teist maailmasõda vähenes, käisid Basie, Ellingtoni, Woody Hermani, Stan Kentoni, Harry Jamesi ja paljude teiste juhitud orkestrid järgmistel aastakümnetel sageli turneel ja salvestasid. Nende muusika muutus järk-järgult uute suundumuste mõjul. Sellised kollektiivid nagu Boyd Ryburni, Sun Ra, Oliver Nelsoni, Charles Minguse, Thad Jones-Mal Lewise juhitud ansamblid uurisid uusi harmoonia, instrumentatsiooni ja improvisatsioonivabaduse kontseptsioone. Tänapäeval on bigbändid džässihariduse standard. Sellised repertuaariorkestrid nagu Lincoln Centeri džässorkester, Carnegie Halli džässorkester, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra ja Chicago Jazz Ensemble mängivad regulaarselt bigbändi kompositsioonide originaalseadeid.

kirde jazz

Kuigi džässi ajalugu algas New Orleansis 20. sajandi tulekuga, koges see muusika tõelist tõusu 1920. aastate alguses, kui trompetist Louis Armstrong lahkus New Orleansist, et luua Chicagos uut revolutsioonilist muusikat. Varsti pärast seda alanud New Orleansi jazzmeistrite ränne New Yorki tähistas džässmuusikute pidevat liikumist lõunast põhja poole.

Louis Armstrong

Chicago võttis omaks New Orleansi muusika ja muutis selle kuumaks, muutes seda mitte ainult Armstrongi kuulsate Hot Five ja Hot Seven ansamblitega, vaid ka teistega, sealhulgas Eddie Condoni ja Jimmy McPartlandiga, kelle Austini keskkooli meeskond aitas New Orleansi taaselustada. koolid. Teised märkimisväärsed chicagolased, kes on nihutanud klassikalise New Orleansi jazzi piire, on pianist Art Hodes, trummar Barrett Deems ja klarnetist Benny Goodman. Armstrong ja Goodman, kes lõpuks kolisid New Yorki, lõid seal omamoodi kriitilise massi, mis aitas sellel linnal muutuda tõeliseks maailma jazzipealinnaks. Ja kuigi Chicago jäi 20. sajandi esimesel veerandil peamiselt helisalvestuse keskuseks, tõusis New York ka peamiseks jazzipaigaks, kus toimusid sellised legendaarsed klubid nagu Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy ja Village Vanguard ning samuti areenid nagu Carnegie Hall.

Kansas City stiil

Suure depressiooni ja keelu ajastul sai Kansas City džässistseen 1920. aastate lõpu ja 1930. aastate uudsete helide mekaks. Kansas Citys õitsele löönud stiili iseloomustavad illegaalselt müüdud likööriga kõrtside patroonidele ette kantud bluusivarjundiga hingestatud palad, mida esitavad nii bigbändid kui ka väikesed swing-ansamblid, demonstreerides väga energilisi soolosid. Just nendes pubides kristalliseerus välja suure krahv Basie stiil, alustades Kansas Cityst Walter Page'i orkestriga ja hiljem Benny Moteniga. Mõlemad orkestrid olid tüüpilised Kansas City stiili esindajad, mis põhines omapärasel bluusivormil, mida kutsuti "urban bluesiks" ja mis kujunes välja ülalnimetatud orkestrite mängus. Kansas City džässimaastikku eristas ka terve galaktika silmapaistvaid vokaalbluusi meistreid, kelle hulgas oli tunnustatud "kuningas" Count Basie Orchestra kauaaegne solist, kuulus bluusilaulja Jimmy Rushing. Kansas Citys sündinud kuulus altsaksofonist Charlie Parker kasutas New Yorki saabudes laialdaselt Kansas City orkestrites õpitud iseloomulikke bluusi "kiipe" ja moodustas hiljem ühe bopperite katsetamise lähtepunkti. 1940. aastatel.

Lääneranniku džäss

1950. aastate lahe džässiliikumise poolt haaratud artistid töötasid palju Los Angelese salvestusstuudiotes. Need Los Angeleses tegutsevad esinejad, keda mõjutasid suures osas Miles Davis, arendasid välja nn West Coast Jazzi. West Coast jazz oli palju pehmem kui sellele eelnenud raevukas bebop. Enamik lääneranniku džässi on väga üksikasjalikult välja kirjutatud. Nendes kompositsioonides sageli kasutatud kontrapunktiliinid näisid olevat osa džässi tunginud Euroopa mõjust. See muusika jättis aga palju ruumi pikkadele lineaarsetele sooloimprovisatsioonidele. Kuigi West Coast Jazzi esitati peamiselt salvestusstuudiotes, esinesid sellistes klubides nagu Lighthouse Hermosa Beachil ja Haig Los Angeleses sageli oma meistrid, kelle hulka kuulusid trompetist Shorty Rogers, saksofonistid Art Pepper ja Bud Shenk, trummar Shelley Mann ja klarnetist Jimmy Giuffrey. .

Jazzi levik

Jazz on alati äratanud huvi muusikute ja kuulajate seas üle maailma, olenemata nende rahvusest. Piisab, kui jälgida trompetist Dizzy Gillespie varast loomingut ja tema džässitraditsioonide sulandumist mustanahaliste kuubalaste muusikaga 1940. aastatel või hiljem, džässi kombinatsiooni Jaapani, Euraasia ja Lähis-Ida muusikaga, mis on kuulus pianist Dave’i loomingus. Brubeckis, aga ka hiilgavas heliloojas ja džässijuhis - Duke Ellingtoni orkestris, mis ühendas Aafrika, Ladina-Ameerika ja Kaug-Ida muusikalise pärandi.

Dave Brubeck

Jazz neelas pidevalt ja mitte ainult lääne muusikatraditsioone. Näiteks kui erinevad artistid hakkasid proovima töötada India muusikaliste elementidega. Selle pingutuse näidet võib kuulda flötist Paul Horni salvestustel Taj Mahalis või "maailmamuusika" voos, mida esindab näiteks Oregoni bänd või John McLaughlini Shakti projekt. Varem suuresti jazzil põhinev McLaughlini muusika hakkas Shaktiga töötamise ajal kasutama uusi India päritolu instrumente nagu khatam või tabla, kõlasid keerulised rütmid ja laialdaselt kasutati India raga vormi.
Maailma globaliseerumise jätkudes on jazz pidevalt mõjutatud teistest muusikatraditsioonidest.
Chicago kunstiansambel oli Aafrika ja džässivormide ühinemise varane teerajaja. Hiljem hakkas maailm tundma saksofonisti/heliloojat John Zorni ja tema juudi muusikakultuuri uurimist nii Masada orkestris kui ka väljaspool. Need teosed on inspireerinud terveid rühmitusi teistest jazzmuusikutest, nagu klahvpillimängija John Medeski, kes on salvestanud koos Aafrika muusiku Salif Keitaga, kitarrist Marc Ribot ja bassimees Anthony Coleman. Trompetist Dave Douglas toob oma muusikasse inspiratsiooni Balkanilt, Aasia-Ameerika džässorkester on aga tõusnud džässi ja Aasia muusikavormide lähendamise juhtivaks pooldajaks. Maailma globaliseerumise jätkudes on džäss pidevalt mõjutatud teistest muusikatraditsioonidest, pakkudes küpset toitu tulevasteks uuringuteks ja tõestades, et jazz on tõeliselt maailmamuusika.

Džäss NSV Liidus ja Venemaal

Esimene Valentin Parnakhi RSFSR-i jazzbändis

Džässiskeene sai alguse NSV Liidust 1920. aastatel, samaaegselt oma hiilgeaegadega USA-s. Nõukogude Venemaa esimene džässorkester loodi Moskvas 1922. aastal luuletaja, tõlkija, tantsija, teatritegelase Valentin Parnakhi poolt ja kandis nime "Valentin Parnakhi esimene ekstsentriline jazzbändiorkester RSFSR-is". Vene jazzi sünnipäevaks peetakse traditsiooniliselt 1. oktoobrit 1922, mil toimus selle kollektiivi esimene kontsert. Pianisti ja helilooja Alexander Tsfasmani (Moskva) orkestrit peetakse esimeseks eetris esinenud ja plaadi salvestanud professionaalseks jazzansambliks.

Varased nõukogude džässbändid olid spetsialiseerunud moodsate tantsude esitamisele (foxtrot, Charleston). Massiteadvuses hakkas džäss laialdast populaarsust koguma 30ndatel, suuresti tänu näitleja ja laulja Leonid Utesovi juhitud Leningradi ansamblile ning trompetist Ya. B. Skomorovskile. Populaarne filmikomöödia tema osalusel "Merry Fellows" (1934) oli pühendatud džässmuusiku ajaloole ja sellel oli vastav heliriba (autor Isaac Dunayevsky). Utjosov ja Skomorovsky moodustasid originaalse "tea-jazzi" (teatrijazz) stiili, mis põhines muusika segunemisel teatriga, selles mängisid suurt rolli operett, vokaalnumbrid ja esituselement. Märkimisväärse panuse nõukogude jazzi arengusse andis helilooja, muusik ja orkestrijuht Eddie Rosner. Olles alustanud oma karjääri Saksamaal, Poolas ja teistes Euroopa riikides, siirdus Rozner NSV Liitu ning temast sai üks swingi pioneere NSV Liidus ja Valgevene jazzi algataja.
Massiteadvuses hakkas džäss NSV Liidus laialdast populaarsust koguma 1930. aastatel.
Nõukogude võimu suhtumine džässi oli mitmetähenduslik: kodumaised džässiesinejad reeglina ei olnud keelatud, kuid karm kriitika džässi kui sellise vastu oli laialt levinud lääne kultuuri kriitika kontekstis laiemalt. 1940. aastate lõpus, võitluses kosmopoliitsuse vastu, koges NSV Liidus džäss eriti rasket perioodi, mil "läänelikku" muusikat esitavaid kollektiive kiusati taga. "Sula" saabudes lõpetati muusikutevastased repressioonid, kuid kriitika jätkus. Ajaloo- ja Ameerika kultuuriprofessori Penny Van Escheni uuringute kohaselt püüdis USA välisministeerium kasutada džässi ideoloogilise relvana NSV Liidu vastu ja Nõukogude mõju laienemise vastu kolmanda maailma riikides. 50ndatel ja 60ndatel. Moskvas jätkasid tegevust Eddie Rozneri ja Oleg Lundstremi orkestrid, ilmusid uued kompositsioonid, mille hulgas paistsid silma Iosif Weinsteini (Leningrad) ja Vadim Ludvikovski (Moskva) orkestrid, samuti Riia Varieteeorkester (REO).

Bigbändid kasvatasid üles terve galaktika andekaid arranžeerijaid ja sooloimprovisaatoreid, kelle looming viis nõukogude džässi kvalitatiivselt uuele tasemele ja tõi selle maailmastandarditele lähemale. Nende hulgas Georgi Garanjan, Boriss Frumkin, Aleksei Zubov, Vitali Dolgov, Igor Kantjukov, Nikolai Kapustin, Boriss Matvejev, Konstantin Nosov, Boriss Rõtškov, Konstantin Bakholdin. Algab kammer- ja klubijazzi areng kogu selle stiilide mitmekesisuses (Vjatšeslav Ganelin, David Gološtšekin, Gennadi Golštein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Aleksei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovski, German Lukjanov, Aleksandr Pištšikov, Aleksei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrei Tovmasjan, Igor Bril, Leonid Tšižik jne)

Jazziklubi "Blue Bird"

Paljud ülalnimetatud nõukogude džässi meistritest alustasid oma loomingulist karjääri aastatel 1964–2009 eksisteerinud legendaarse Moskva džässiklubi "Blue Bird" laval, avastades Vene jazzistaaride kaasaegse põlvkonna esindajate uusi nimesid (vennad Aleksander ja Dmitri Bril, Anna Buturlina, Jakov Okun, Roman Mirošnitšenko jt). 70ndatel kogus laialdast populaarsust 1986. aastani eksisteerinud jazztrio "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTC), kuhu kuulusid pianist Vjatšeslav Ganelini, trummar Vladimir Tarasov ja saksofonist Vladimir Tšekasin. 70-80ndatel oli tuntud ka Aserbaidžaanist pärit džässikvartett "Gaya", Gruusia vokaal- ja instrumentaalansamblid "Orera" ja "Jazz-Khoral".

Pärast huvi langust jazzi vastu 90ndatel hakkas see noortekultuuris taas populaarsust koguma. Moskvas peetakse igal aastal džässmuusika festivale, nagu Usadba Jazz ja Jazz Ermitaaži aias. Moskva populaarseim jazziklubi on džässiklubi Union of Composers, mis kutsub maailmakuulsaid jazzi- ja bluusiesinejaid.

Jazz kaasaegses maailmas

Kaasaegne muusikamaailm on sama mitmekesine kui kliima ja geograafia, mida me reisides õpime. Ja ometi oleme täna tunnistajaks üha suurema hulga maailmakultuuride segunemisele, mis viib meid pidevalt lähemale sellele, mis sisuliselt on juba muutumas “maailmamuusikaks” (maailmamuusikaks). Tänapäeva džässi ei saa muud kui mõjutada helid, mis sellesse tungivad peaaegu igast maakera nurgast. Klassikaliste sugemetega Euroopa eksperimentalism mõjutab jätkuvalt noorte pioneeride muusikat, nagu Ken Vandermark, avangardi frigiidne saksofonist, kes on tuntud oma töö poolest selliste silmapaistvate kaasaegsetega nagu saksofonistid Mats Gustafsson, Evan Parker ja Peter Brotzmann. Teised traditsioonilisemad noored muusikud, kes jätkavad oma identiteedi otsimist, on pianistid Jackie Terrasson, Benny Green ja Braid Meldoa, saksofonistid Joshua Redman ja David Sanchez ning trummarid Jeff Watts ja Billy Stewart.

Vana kõlamise traditsiooni kannavad kiiresti edasi sellised artistid nagu trompetist Wynton Marsalis, kes töötab koos assistentide meeskonnaga nii oma väikestes bändides kui ka enda juhitavas Lincoln Centeri jazzbändis. Tema patrooni all kasvasid suurepärasteks muusikuteks pianistid Marcus Roberts ja Eric Reed, saksofonist Wes "Warmdaddy" Anderson, trompetist Markus Printup ja vibrafonist Stefan Harris. Bassist Dave Holland on ka suur noorte talentide avastaja. Tema paljude avastuste hulka kuuluvad sellised artistid nagu saksofonist/M-bassist Steve Coleman, saksofonist Steve Wilson, vibrafonist Steve Nelson ja trummar Billy Kilson. Teiste suurte noorte talentide juhendajate hulka kuuluvad pianist Chick Corea ja varalahkunud trummar Elvin Jones ja laulja Betty Carter. Jazzi edasiarendamise potentsiaal on praegu küllaltki suur, kuna andekuse arenemise viisid ja selle väljendusvahendid on ettearvamatud, mis mitmekordistub tänapäeval soodustatud erinevate jazzižanrite ühiste jõupingutustega.

Jazz on ainulaadne nähtus maailma muusikakultuuris. See mitmetahuline kunstivorm sai alguse sajandivahetusel (XIX ja XX) Ameerika Ühendriikides. Džässmuusikast on saanud Euroopa ja Aafrika kultuuride vaimusünnitus, omamoodi kahe maailma piirkonna trendide ja vormide sulam. Seejärel läks jazz USA-st kaugemale ja sai populaarseks peaaegu kõikjal. See muusika põhineb Aafrika rahvalauludel, rütmidel ja stiilidel. Selle džässisuuna arengu ajaloos on teada palju vorme ja tüüpe, mis ilmusid uute rütmide ja harmooniliste mudelite omandamisel.

Jazzi omadused

Kahe muusikakultuuri süntees tegi džässist maailma kunstis radikaalselt uue nähtuse. Selle uue muusika eripärad olid järgmised:

• Sünkoopilised rütmid, mis tekitavad polürütme.
• Muusika rütmiline pulsatsioon – löök.
• Löögi kõrvalekalde kompleks – kiik.
• Pidev improvisatsioon kompositsioonides.
• Suur hulk harmoonilisi, rütme ja tämbreid.

Jazzi aluseks, eriti arengu algstaadiumis, oli improvisatsioon kombineerituna läbimõeldud vormiga (samas polnud kompositsiooni vorm tingimata kuhugi fikseeritud). Ja Aafrika muusikast võttis see uus stiil järgmised iseloomulikud jooned:

• Iga instrumendi mõistmine löökpillina.
• Populaarsed kõnekeelsed intonatsioonid kompositsioonide esitamisel.
• Sarnane vestluse imitatsioon pillimängul.

Üldiselt eristuvad kõik džässivaldkonnad oma kohalike eripärade poolest ja seetõttu on loogiline käsitleda neid ajaloolise arengu kontekstis.

Jazzi, ragtime’i tekkimine (1880-1910ndad)

Arvatakse, et jazz sai alguse 18. sajandil Aafrikast Ameerika Ühendriikidesse toodud mustanahaliste orjade seast. Kuna kinnivõetud aafriklasi ei esindanud ükski hõim, tuli neil leida ühine keel oma sugulastega Uues Maailmas. See konsolideerumine tõi kaasa ühtse Aafrika kultuuri tekkimise Ameerikas, mis hõlmas ka muusikakultuuri. Alles 1880. ja 1890. aastatel tekkis selle tulemusena esimene jazzmuusika. Seda stiili ajendas ülemaailmne nõudlus populaarse tantsumuusika järele. Kuna Aafrika muusikakunst oli täis selliseid rütmilisi tantse, sündis selle põhjal uus suund. Tuhanded keskklassi ameeriklased, kellel polnud võimalust omandada aristokraatlikke klassikalisi tantse, hakkasid ragtime stiilis klaveri saatel tantsima. Ragtime tõi muusikasse mitmeid tulevasi jazzibaase. Niisiis, selle stiili peamine esindaja Scott Joplin on elemendi "3 vastu 4" (vastavalt 3 ja 4 ühikuga rütmimustrite ristkõlamine) autor.

New Orleans (1910-1920ndad)

Klassikaline jazz tekkis 20. sajandi alguses Ameerika lõunaosariikides ja täpsemalt New Orleansis (mis on loogiline, sest orjakaubandus oli lõunas laialt levinud).

Siin mängisid Aafrika ja kreooli orkestrid, kes lõid oma muusikat ragtime’i, bluusi ja mustanahaliste laulude mõjul. Pärast paljude sõjaväeansamblite muusikariistade ilmumist linna hakkasid ilmuma ka amatöörrühmad. Legendaarne New Orleansi muusik ja oma orkestri asutaja King Oliver oli samuti iseõppija. Tähtis kuupäev džässi ajaloos oli 26. veebruar 1917, mil Original Dixieland Jazz Band andis välja oma esimese oma grammofoniplaadi. Stiili põhijooned pandi paika ka New Orleansis: löökpillide biit, meisterlik soolo, vokaalimprovisatsioon silpidega - scat.

Chicago (1910-1920ndad)

1920. aastatel, mida klassikud nimetasid "möirgavateks kahekümnendateks", siseneb džässmuusika järk-järgult massikultuuri, kaotades pealkirjad "häbiväärne" ja "sündmatu". Orkestrid hakkavad esinema restoranides, kolivad lõunaosariikidest mujale USA-sse. Chicagost on saamas riigi põhjaosa džässi keskus, kus populaarsust koguvad muusikute tasuta õhtused esinemised (selliste etenduste ajal esines sageli improvisatsioone ja kolmandate osapoolte soliste). Muusikastiilis ilmuvad keerukamad arranžeeringud. Selle aja džässiikoon oli Louis Armstrong, kes kolis New Orleansist Chicagosse. Seejärel hakati kahe linna stiile ühendama üheks jazzmuusika žanriks - Dixielandiks. Selle stiili põhijooneks oli kollektiivne massiimprovisatsioon, mis tõstis džässi põhiidee absoluudini.

Sving ja bigbändid (1930.–1940. aastad)

Jazzi populaarsuse edasine tõus tekitas nõudluse suurte orkestrite järele, kes mängiksid tantsitavaid lugusid. Nii tekkiski swing, mis esindab iseloomulikke kõrvalekaldeid rütmist mõlemas suunas. Swingist sai tolle aja põhiline stiililine suund, mis väljendus orkestrite töös. Sihvakate tantsukompositsioonide esitamine nõudis orkestri koordineeritumat mängu. Jazzmuusikud pidid osalema ühtlaselt, ilma suurema improvisatsioonita (v.a. solist), nii et Dixielandi kollektiivne improvisatsioon on minevik. 1930. aastatel õitsesid sellised kollektiivid, mida kutsuti bigbändeks. Iseloomulik tolleaegsetele orkestritele on pillirühmade, sektsioonide võistlus. Traditsiooniliselt oli neid kolm: saksofonid, trompetid, trummid. Tuntumad jazzmuusikud ja nende orkestrid on Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Viimane muusik on kuulus oma pühendumuse poolest neegrifolkloorile.

Bebop (1940ndad)

Swingi lahkumine varase jazzi traditsioonidest ja eriti Aafrika klassikalistest meloodiatest ja stiilidest tekitas ajaloohuvilistes rahulolematust. Üha enam avalikkuse huvides tegutsevatele bigbändidele ja swingi esinejatele hakkas vastanduma mustanahaliste muusikute väikeste ansamblite jazzmuusika. Katsetajad tutvustasid ülikiireid meloodiaid, tõid tagasi pika improvisatsiooni, keerulised rütmid ja sooloinstrumendi valdamise. Uut stiili, mis positsioneeris end eksklusiivsena, hakati kutsuma bebopiks. Selle perioodi ikoonideks said ennekuulmatud jazzmuusikud nagu Charlie Parker ja Dizzy Gillespie. Võtmepunktiks sai mustanahaliste ameeriklaste mäss džässi kommertsialiseerimise vastu, soov selle muusika juurde naasta intiimsus ja kordumatus. Sellest hetkest ja sellest stiilist algab kaasaegse jazzi ajalugu. Samal ajal tulevad väikeste orkestrite juurde bigbändide juhid, kes soovivad puhata suurtest saalidest. Kombodeks kutsutud ansamblites järgisid sellised muusikud swingi stiili, kuid neile anti vabadus improviseerida.

Lahe jazz, hard bop, soul jazz ja jazz funk (1940-1960ndad)

1950. aastatel hakkas selline muusikažanr nagu džäss arenema kahes vastandlikus suunas. Klassikalise muusika toetajad "jahutasid" bebopi, tuues moodi tagasi akadeemilise muusika, polüfoonia ja arranžeeringu. Lahe jazz on tuntuks saanud oma vaoshoituse, kuivuse ja melanhoolia poolest. Selle džässisuuna peamised esindajad olid: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Kuid teine ​​suund, vastupidi, hakkas arendama bebopi ideid. Hard bopi stiil kuulutas ideed naasta musta muusika päritolu juurde. Traditsioonilised folkloorimeloodiad, helged ja agressiivsed rütmid, plahvatuslik soleerimine ja improvisatsioon naasid moodi. Hard bopi stiilis on tuntud: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. See stiil arenes orgaaniliselt koos soul jazzi ja jazz funkiga. Need stiilid lähenesid bluusile, muutes rütmilisuse nende esituse võtmeaspektiks. Eelkõige džässfunkti tutvustasid Richard Holmes ja Shirley Scott.

Džäss on muusikakunsti ainulaadne nähtus.

Kord küsis keegi minult:
Kas jazz on tõesti muusika?
Olin nii šokeeritud, et ei osanud isegi vastata. Aeg lendas. Elu muutub, inimesed muutuvad...

— Jazz on muusikakunsti ainulaadne nähtus…

Väga kaua aega tagasi, kui noote veel ei eksisteerinud, kandus muusika, nagu mul oleks lihtsam öelda, “kõrvast kõrva”. Muusikaline loovus on ju iidsetest aegadest peale ja eksisteerib siiani kolmes plaanis: üks on helilooja, teine ​​esitaja ja kolmas ühendab need kaks mõistet ning autori ja esitaja ühes isikus.
Muusikale komponeerimine, mida me nimetame kompositsioonideks, põhineb pika protsessi põhimõttel, mis realiseerib loomingulise impulsi otse helides, mis hiljem salvestatakse valmisteosena.
Etenduskunstide keskmes on esituse enda funktsioonid, mis põhinevad suure hulga muusikalise mälu arendamise põhimõttel, samuti virtuoossete esitustehniliste võtete arendamine.
Kuid kolmandal printsiibil, mis ühendab ühes isikus nii esituse kui ka kompositsiooni, peaks olema veel üks oluline funktsioon - nn improvisatsioonitalent, see tähendab põhimõte, et esituse ajal luuakse ja esitatakse muusikat samaaegselt (ilma eelneva ettevalmistusprotsessita). Kuigi see on üsna vaieldav. Sest on näiteid, kui helilooja valdas kehvasti esitustehnikat ega osanud improviseerida, vaid kirjutas omanäolisi, virtuoosseid teoseid. Ja vastupidi, interpreet, kes oskab perfektselt improviseerida valmis meloodia- ja harmooniastandarditel, pole komponeerinud ühtki teost, ka kõige väiksemat.
See lühike sissejuhatus on vajalik mõne asja mõistmiseks, millest räägin veidi hiljem.
Jazzi arengust ja ajaloost on nii palju kirjutatud, et juba praegu on väga raske midagi lisada. Kuid siiski tasub kuskil korrata ja kuskil keskenduda neile asjadele, mis vahel meie tähelepanu alt välja langevad. Või võib see teadvustada džässi kui 20. sajandi muusikakunsti unikaalse nähtuse teatud elementide olulisust mingisse uude suunda.
Mõistes suurepäraselt, et igal eluprotsessi elemendil on oma aeg, ei saa ma öelda, et akadeemiline muusika on elus ja hästi, ka rokkmuusika, rääkimata maailma aardest - folkloorist. Aga kes ütleb, et jazz on juba surnud?
Suuremad muusikakultuurid, mis lõid ainulaadseid võimsaid meistriteoseid, jäävad maakera tulevasse arengusse – igaveseks. Eemaldudes kogu maailma muusikakultuuri peateemadest, tahaksin endalt küsida: - mille poolest erineb džäss kõigest muust?
Selleks tuleb minna tagasi ja analüüsida üht olulist küsimust: milline protsess on improvisatsioon? Seda vajadust kutsutakse üles mingiks edaspidiseks seoseks ja järelduseks.

Niisiis, improvisatsioon. Muusikaline improvisatsioon on palju vanem kui muusikaline kompositsioon. Improvisatsioon on itaaliakeelne sõna, kuid tuletatud ladina keelest – "improvisus" (ootamatu, äkiline). See on kunstilise loovuse eriliik, mille puhul loomine (kompositsioon) toimub vahetult tegevuse (esinemise) protsessis. Teadaolevalt täidab mitte-euroopa rahvaste muusikakultuurides kõige olulisemat funktsiooni endiselt improvisatsioon, mis avaldub erinevates vormides. Improvisatsioonilised loovuse tüübid domineerisid ka Euroopa territooriumil ja hakkasid järk-järgult oma positsioone kaotama, alates (varajase noodisüsteemi ilmnemisest) 9. kuni 16. sajandini. Sellel kriitilisel perioodil (kirjaliku subkultuuri aktiivse mõju algus) ilmus sõna improvisatsioon teatud veelahkme ilminguna. Muusikakultuuris improviseeriti kunagi aktiivselt variatsioone, kaanonit, tokaat, fantaasiat ja isegi fuugat ning sonaadivormi ja seda just avalikult esitamisel. Kuid nn noodikirja sajandi tulekuga sai just Euroopa noodikiri selle sõna täies tähenduses kogu maailma muusikakunsti valdavaks elemendiks ja see oli üheks teguriks. selle universaalsus ja globaalne tähendus ning improvisatsioon kaob kontserdilavalt. Kas see on hea või halb? Siin saate väljendada tuhandeid oletusi. Kuid me ei jäta seda vestlust praegu sellesse konteksti.
Niisiis, kirjalik meetod (nootatsioon) - kannab endas uut muusikakunsti kontseptsiooni, muid esteetilisi kriteeriume, teistsugust loomepsühholoogiat, muid kuulmisomadusi, uusi erialase koolituse meetodeid. Ja loomulikult on kirjalikud traditsioonid viinud muusika enda täiuslikuma meetodi (fiksatsiooni) ja muusikaajaloo täpsema kronoloogiani. Euroopa muusikalise kirjakultuuri sisemuses hakkas improvisatsioonioskus järk-järgult kaduma. Selle nähtuse ilming on märgatav juba XII-XVI sajandil. 18.–19. sajandil suhtuti muusikalisse improvisatsiooni erilise vaenulikkusega kui puhta kirjaoskamatuse ja šarlatanismi ilmingusse. Ja 19. sajandi lõpus unustati see praktiliselt täielikult. Kuigi me teame kindlalt, millised olid vapustavad improvisaatorid: Bach, Mozart, Chopin, Liszt, Skrjabin, Rahmaninov... Kuid ikkagi on improvisatsiooni kui ajaloolise protsessi ajastu Euroopa ühise muusikakultuuri jaoks möödas. Aga mis edasi sai? Sellele küsimusele vastamiseks peame liikuma vanast Euroopast noore Ameerika poole.
Noore Ameerika kohta liigub erinevaid kuulujutte. Arvan, et lõppude lõpuks teavad mõned edumeelsed ameeriklased noore Ameerika kujunemislugu paremini kui sina ja mina. Seetõttu suunan oma mõtted teises suunas. Lihtsamalt öeldes tormavad Ameerikasse erinevad inimesed, kes loomulikult esindavad erinevaid muusikakultuure, peamiselt Euroopast. Neid tuuakse ka Aafrikast, aga orjadeks ... Pan-Aasia riikidest saabub inimesi väiksemal hulgal. Ameerika põlisrahvad, peamiselt indiaanlased, on ümberasustatud. Siin juhtisid paljud tähelepanu ühele olulisele detailile.
Inimesed kogu maailmast hakkasid Ameerikasse tormama, et selles noores riigis palju raha teenida ja seeläbi oma elu paremaks muuta. See on hea mõte. Aga sotsiaalne keskkond ja selle taga elu- ja kultuurikorraldus oli üles ehitatud hoopis teisel põhimõttel, “teisele materjalile” kui konservatiivses (kui seda muidugi nii võib nimetada) Euroopas. Loomulikult ei saanud selline kujuteldamatu kultuuride ja eluviisi süntees mõjutada organisatsiooni, mõne uue, Euroopa kultuurist „veidi” erineva subkultuuri sündi. Millega ma tegelen?
Jutt, et mustad orjad sünnitasid džässi, ei ole täiesti usutav ja pealegi äärmiselt kahjulik.
Mustanahaliste ameeriklaste võitlust oma õiguste eest austatakse. Ajaloolased, kes nägid selles mõningaid sotsiaalseid juuri, hakkasid ausalt žongleerima faktide, nimelt uue muusikalise subkultuuri struktuurielementidega, sest nad ise ei saanud sellest tol ajal midagi aru. Ja kohe pärast seda vastas Euroopa ja hiljem Nõukogude Liit ning see läks ja läks. Lihtsaim loogika neil kaugetel aegadel ei sobinud. Kuid ikkagi kirjutasid ka neil kaugetel 20. sajandi alguse aegadel progressiivsed teadlased rohkem kui korra (aga millegipärast ei pööranud nad sellele tähelepanu või ei tahtnud tähelepanu pöörata, igasugused revolutsioonid olid liiga moes neil päevil ja võitlus sotsiaalsete õiguste eest), et Aafrikas džäss millegipärast ei sündinud, isegi ei juurdunud. Jah, ja ka Indias suuremal määral. Kuigi võib kindlalt öelda, et paljud India folkloorirütmid on täiesti vastuvõetavad ja samastuvad džässirütmidega, mitte vähem kui Aafrika omadega. Miks?
Huvitav võrdlus. Karate-do. Kogu maailmas peetakse seda võitluskunsti Jaapaniks. Nii see on. Kuidas kujuneks Jaapanis selle võitluskunsti koolkond ja sotsiaalne keskkond. Aga kuidas on võimalik seda, ütleme, harjutust Jaapani saartele viia. Ja kõik on lihtne. Indiast viib tee Hiinasse, sealt edasi Jaapani saarele Okinawale, mis tol ajal oli veel Hiina. Kuidas siis nende teguritega on?
Tuleme tagasi 19. sajandi lõppu. Euroopa nautis suurte muusikameistrite kunsti. See maksis ainult ühe – Chopin. Ja kuidas on lood Lisztiga, Wagneriga, Tšaikovskiga, Rahmaninoviga?.. Ja kõigil jäi kuidagi mööda see hetk, mil juba majanduslikku jõudu koguvas Ameerikas paljude muusikasüsteemide integratsioonist tekkis omamoodi sümbioos, uus muusikaline subkultuur. , mis siis 20. sajandil vallutaks kogu maailma, kuid see pole ainult džäss, vaid ka rokk, selle loomulik jätk.
Minu mõtted põhinevad väga lihtsatel mõistetel ja võrdlustel, aga ka mõne teose vabalt öeldud fraasidel, et mitte viia teid teoreetiliste terminitega mingisse hoorusse, paljud neist on siiani meeles. Kuid loomulikult ei loobu me terminoloogiast täielikult, kuna see sisaldab sageli mõistete konglomeraati, mida on raske ühes lauses esitada.
Kui soovite minuga reisida, olen rõõmus. Kui soovite minu mõtete teelt välja tulla, sulgege see materjal.

Niisiis. Ajaloosündmuste põimumine, saatuste põimumine, sotsiaalne keskkond, kultuuride süntees, see on vaid väike komponent uue muusikalise subkultuuri tekke eeldustest. Jah. Saab palju rääkida sellest, kes oli konkreetse muusikasuuna esimene esineja. Kuid ikkagi on kõige olulisem see, et me peame täpselt aru saama, mis suunas see on ja mis selles suunas eksisteerib.
Lõppude lõpuks ei saa te kuhugi minna (“armud ja abiellud”) ja ometi põhineb kogu muusika kolmel, nagu öeldakse, vaalal: meloodia, harmoonia ja rütm.

Meloodia.
Iga põlvkond arendab justkui oma meloodiarepertuaari, mis sobib kõige paremini antud aja ajalooliste ideedega. Kuid meloodia on rütmi ja sageli ka harmoonia lahutamatu osa ning sõltub suuresti nendest teguritest. 19. sajandi lõpp, 20. sajandi algus. Selle aja peamiseks meloodiliseks komponendiks Ameerikas on Euroopa meloodiamudel ja alles seejärel mustanahaliste ameeriklaste, indiaanlaste, inglaste, šotlaste, prantslaste, hispaanlaste ja teiste Ameerikas asustavate rahvaste folkloorile omaste elementide toomine sellesse. Kuid kõige iseloomulikumad viisid meloodia esitamiseks tekkisid uues muusikalises subkultuuris mõnes nn bluusitoonis (sinised noodid), mis on iseloomulikud Ameerika mustanahaliste folkloorile, kuid mitte ainult neile (värendamine). duur ja moll on omane ka vanavene folkloorile). Mõned "räpane", "ebastabiilne" (räpane, labiilne), karjumise efektid (hüüd). Need on meloodiatehnikate (rõhutan, võtete) tolle aja iseloomulikud elemendid, mis said hiljem džässile omaseks ehk muutusid standarditeks, aga mitte põhielementideks meloodias.

Harmoonia.
Harmoonia selle klassikalises tähenduses on muusika element, mis on omane Euroopa põhisuunale. 20. sajandi alguse uues muusikalises subkultuuris Ameerika mandril toimus harmoonia kujunemise protsess koos muusika loomise, esitamise protsessiga ja on seotud nende väljendusvahenditega, mida muusik hetkel väljendada soovis. . Jazzis on harmoonia omane lineaarsele (järjekindlale, diatoonilisele), selline harmooniate jada struktuur on omane paljude Euroopa rahvaste ja mitte ainult nende rahvamuusikale, ehkki mitte kõik džässiteosed pole sellised. Ilmekas näide: Bluesi harmooniline struktuur (harmooniajada) ütlevad paljud, et see on täielikult Ameerika mustade looming ja see on puhtalt euroopalik akordi jada (aga siin on seitsmenda / kuuenda akordi - see tähendab nende värvimine) akordid on juba džässile endale iseloomulikud): I-IV- I-II-VI (tahtlikult pandud IV - II astme asemel, et eemaldada jutt, et kirjaoskamatud aafriklased kasutasid V-IV astme pööret, harmooniline pööre klassikas keelatud Euroopa muusika ja II-V - selgub, et see on lubatud, kuid see on peaaegu märkamatu, kuigi olgu see V-IV). Saime teada, et bluesi harmoonia on puhtalt euroopalik. Tsüklite arv on kaksteist. Kuid see pole mingi uue neegri ebastandardse muusikalise struktuuri (vormi) loomise tulemus, vaid lihtsalt nelja takti lisamine kaheksale taktile (absoluutselt euroopalik vormimissüsteem), mis tuleneb lihtsast neljast taktist kordamisest. poeetilise teksti ribarida. 1965. aastal avaldas magister, bakalaureus, Juilliardi kooli õpetaja John Mehegan teose, kasutades digitaalset harmoonia tähistussüsteemi (general-bass - "general bass", mis on Euroopa muusikakultuuris eksisteerinud 200 aastat), seega täpselt. ja kogu džässi organisatsiooni harmoonia süsteemi täielik kuvamine, tõmmates paralleeli džässiharmoonia päritolu ja klassika vahel. Kuid tahan rõhutada, et jazzis kolmkõla praktiliselt ei kasutata, vaid kasutatakse akorde, vähemalt nelja heli.

Rütm.
Rütmi vallas on džässmuusikud teinud kõige märkimisväärsemaid edusamme. "Just džässi rütmilised omadused paeluvad paljusid inimesi üle maailma ja on saanud džässi kõla sümboliks." Kuid standardmõõturitel ja taktimõõtudel põhinev rütmikorraldus on puhtalt euroopalik mudel, mis on omane kogu selle muusikakultuurile. Jah. Euroopa klassikalises muusikas pole džässi ainulaadsete rütmielementide jaoks analoogiat. Euroopa klassikalise muusika jaoks võib-olla jah, aga mitte erinevate Euroopa-väliste maade folkloori rütmimudeli jaoks. See puudutab üle-Aasia riike, Türgit (sakal…), Indiat (detsy-talas…), Bulgaaria, Vene rütme ja loomulikult Aafrika mandri rütme. Siin on näide lihtsast rütmilisest kontrapunktist, mis on omane euroopalikule mõtlemisele:
1. kaheksandad noodid - meloodia;
2. pooled - harmoonia;
3. veerandid - meeter, aeg.
Just neil kolmel džässi vertikaalil toimub teatav uus rütmikorraldus, mis ei kõlba ühelegi noodikirjale. Kuigi see on vastuoluline küsimus. Salvestada saab kõike... Ma ei taha liiga palju rääkida shuffle'ist, drive'ist, ristrütmist - seda kõike saab kombineerida sõnaga swing, kuid see on ka tinglik nimi ja loomulikult on võimatu kõiki mõisteid ühendada džässirütmi organiseerimisest selle sõnaga, eriti ristrütm (ristrütmid). Rütmidest, rütmide kujunemisloost, biorütmikast on palju kirjutatud 20. sajandi suurte heliloojate, nagu Messiaen, Boulez, Webern... Tahaksin märkida, et 19. sajandi lõpu romantilistest heliloojatest oli juba a. kasvav kalduvus mingisugusele vabadünaamilisele rõhuasetusele, mis on vastuolus löögi meetrilise funktsiooniga. See oli juba omamoodi kiiks, aga vabam ja rafineeritum. Jazzirütm tähistas aga 20. sajandil uue rütmikorralduse ajastu algust.

Minu arutlusloogikat järgides saab selgeks, et tol ajal ei loonud keegi midagi üleloomulikku ja seda polnud vaja. “Kõigi teoste kogu” folk (rõhutan - folk, samas eri rahvad) muusikakultuuri vallas 19. sajandi lõpul ja 20. sajandi alguses Ameerika mandril viis selleni, et sündis võimas muusikaline suund - Jazz, mis sai vasteks ainult akadeemilise muusikakultuuriga. Samas rõhutab Euroopa muusikariistade, sealhulgas isegi löökpillide kasutamine taaskord loogikat, et üheksakümmend protsenti džässist lähtub tollal aktsepteeritud euroopalikust viisist ja reeglitest musitseerimisel.
Meloodia. Harmoonia. Rütm. Muudatades jäid need kolm vaala ikkagi džässi põhiliseks. Aga džäss poleks džäss, kui sina ja mina sellegipoolest laseksime lahti elemendist, mis on džässi tuum – see on improvisatsioon. 80 protsenti jazzmuusikast on improvisatsioon. Ilma improvisatsioonita poleks džässi, nagu meil praegu, üldse olemas.
Aga tagasi improvisatsiooni juurde. Sina ja mina juba teame, et 19. sajandi lõpus suhtuti improviseerimisse akadeemilises muusikas eriti vaenulikult. Kuid Ameerika mandril suhtuti 19. sajandi lõpul akadeemilisse muusikasse pehmelt öeldes jahedalt.
Aga... Aga ometi mängiti ilma improvisatsioonivõimaluseta palju tolleaegseid muusikapalasid ja lugusid, isegi nagu: varane ragtime, kantrimuusika ja algav bluus. Nad lihtsalt õppisid.
Kuidas aga sai alguse improvisatsiooni tagasitoomine muusikakultuuri, isegi uude?
Improvisatsioon kui kunstiliik nõuab erilist annet, mis eristab improviseerivat muusikut ainult noote lugevast muusikust.
Improvisaator peab valdama oma kunsti materjali: muusikalist vormi, meloodiat, harmooniat, rütmi, faktuuri, polüfooniat jne, mitte halvemini kui helilooja. See tähendab, et improvisatsiooni elavnemise eelduseks on inimeste (muusikute-improvisaatorite) esilekerkimine, kes suudaksid kehastada selle kunstiliigi kõiki elemente. Ja protsess algas. Ehk siis sai alguse muusikute eneseväljendusprotsess (õnneks muusika uus suund - džäss seda võimaldas) nii kompositsiooni kui ka esinemisoskuste osas.
Psühholoogias on seadus, mida nimetatakse "ennetavaks refleksiooniks". Muusikalises tegevuses väljendus see muusikute oskuses ennustada muusikateose edasist arengut. See tegur koos paljude teistega (millest veidi hiljem) on improvisaatori töös oluline. Arvestades improvisaatori tehtavate toimingute märkimisväärset arvu, tuleb märkida, et suurem osa oskustest peaks olema automatiseeritud, kuna muusiku teadvus on improvisatsiooni ajal peamiselt hõivatud muusikalise mõtte arendamise otsimisega. Igal improviseerival muusikul peab olema "elementaarne muusikaline kompleks":
1 oskus muusikale emotsionaalselt reageerida;
2 modaalne (harmooniline) tunne;
3 kujutaju;
4 auditiivne esitus;
5 rütmitaju;
6 oskus analüüsida muusikat esitusprotsessis ja ennustada selle arengut.
See on miinimum, mis improvisaatoril peaks olema.
Kuid siiski tahaksin vaadelda lähemalt kaht peamist improvisaatori tegurit, mida me juba teame:
1) helilooja aparaat;
2) täidesaatev aparaat.
Muusikaline improvisatsioon on produktiivse kunstilise tegevuse vorm, mille tulemuseks on uus teos või olemasoleva muusikateema uus versioon. Peamine vahend selleks on loov mõtlemine. Loovuses on kesksel kohal kujutlusvõime ja omandatud oskuste juhtimine. Helilooja lahendab teost luues teatud määral analüütilise taseme vaimseid probleeme, toimides valikumeetodil, kõrvutades saavutatut eesmärgiga, mille poole ta liigub. Konstruktiivne mõtlemine toimib sageli iseseisvalt peamise edasiviiva tegurina. Konstruktiivsele mõtlemisele järgneb kohe nn kunstilis-kujundlik mõtlemine. Mõlemad mõtlemisviisid moodustavad aluse helilooja improvisaatori aparaadile. Hindamiskomponendid ehk helilooja aparaadi esteetiline maitse on mõõdutunne ja vormitunnetus.
Ja samaaegselt muusikat esitaval ja seda looval improvisaatoril peab olema ka esitusaparaat, mis ei ole väiksem kui heliloojal. Esitusaparaat erineb helilooja omast. Filosoofia keeles esitaja mõtiskleb. Ja kui pöörduda veelgi sügavamale kunstniku loomeprotsessi kangasse, siis ta justkui viimistleb, mõtiskleb helilooja tegevuse üle, muutes tema teema (teose) terviklikuks kõrgkunstiliseks kujundiks. See tähendab, et esitaja põhielemendiks peetakse mõtlemise tüüpi (reproduktiivne) ja selle tuletist, kõrgelt organiseeritud kujutlusvõimet. Ja muidugi on juba öeldud, et improvisaatori esitusmeisterlikkus põhineb suure hulga muusikalise mälu arendamise põhimõtetel, aga ka virtuoossete esitustehniliste võtete arendamisel.
Ja nii need kaks globaalset kujundit, muusikalise mõtlemise ja oskuste kaks suunda ühinesid teatud substantsiks, millest sündis täiesti uus improvisatsioonilise muusikute põlvkond, sulgedes nii improvisatsioonilise elemendi naasmise ahela 20. sajandi muusikakultuuri. tervikuna. Loomulikult ei olnud see protsess välkkiire ja üheselt mõistetav. Kõik arenes ja naasis järk-järgult oma kohale.
Improvisaatori esimesed oskused seisnesid nn parafraasimprovisatsiooni tasapinnas ehk sobiva varieeruvuse improviseerimises, meloodia kaunistamises, rütmides vms.
Edasi arenesid muusikute improvisatsioonioskused ja tulemuseks oli teatud lineaarse improvisatsiooni süsteem. See improvisatsioonisüsteem domineerib praktiliselt siiani, kuid loomulikult areneb. Tänapäeval langeb kõik teose üldstruktuurina improvisatsioonilisele elemendile: meloodia, harmoonia, rütm ja isegi vorm. Seega on lineaarne improvisatsioon omamoodi meloodiarea uue versiooni komponeerimine olemasolevale harmooniale, teemale, vormile või võib-olla ainult harmooniale või isegi lihtsalt teose modaalsele struktuurile.
Kuid improvisatsiooni kolmanda tüübi (süsteemi) - spontaanse - kohta liigub erinevaid kuulujutte. Spontaanne improvisatsioon, vaba improvisatsioon on midagi, mida on raske analüüsida. Ütleme, et ma pakun endale improvisatsiooniks sellist varianti: g-moll (Mixolydian mode), pluss mingi rütmi järgi või valin tüki karakteri, määran tempo, faktuuri jne. See viitab sellele, et absoluutselt vaba improvisatsiooni pole olemas. Improviseerimisprotsess ei ole sugugi mingi salajane rituaal, mida tehakse suvaliselt ilma eelnevate ja täpsete teadmiste ja oskusteta. Pigem on see loogiliste ja kõikehõlmavate muusikaliste ideede teadlik rakendamine, mis saavutavad väljenduskõrgused koostöös väljaõppinud muusikalise talendiga, kellel on kujutlusvõime.
Neid väikseid teadmiste killukesi muusiku improvisatsiooniaparaadist esitan selles teoses, teades muidugi mitte täies mahus, aga siiski teades, kuidas improvisatsiooniline element muusikakultuuri ajaloos arenes.
Improvisatsiooni areng 20. sajandil on praktiliselt selle loo kordus, kuid uuel ajajärgul. See on improvisatsiooni taaselustamine ja tagasipöördumine üldisesse muusikamaailma. Ja see juhtus tänu ainulaadse, suure, kauni ja jäljendamatu muusikakunsti - jazzi - sünnile ja arengule.
Ja siiski, et mitte olla alusetu, teeme väikese kõrvalepõike improvisatsioonikunsti ajalukku. See on väga kasulik. Sellest kirjutatakse väga vähe. Aga kes ei taha seda lugeda või teab seda materjali, võib selle vahele jätta.

Meie ajastu esimestel sajanditel oli Vahemere muusikatraditsioonis ainult nn suuline muusikalise materjali edastamise traditsioon. Meieni jõudnud hilisantiikkultuuri iidsed koolkonnad õpetasid: "peab laulma oma intuitsiooni järgi." Filosoof Boethiuses aastail 480-525 kohtame sõnu: “aga kes ei oska mõnusalt laulda, see laulab ikka omaette”... 7. sajandil saabub vaimuliku laulmise aeg. Alguses ei välistanud kirik improvisatsiooni. Sel hetkel, kui oli vaja midagi koheselt komponeerida, kasutas laulja loomulikult oma improvisatsioonioskusi. Kirikute gregooriuse traditsioonid on jätnud oma jälje. Esimesel aastatuhandel elanud lauljal polnud täpset noodikirja vaja, sest sõna otseses mõttes korratavat muusikat veel ei eksisteerinud. Iga muusik tõi muusikalisse materjali midagi uut, s.t. improviseeritud.
Teise aastatuhande alguses kohtab muusikakunsti käsitlevates muusikakäsitlustes üha sagedamini sõna improvisatsioon kui kirjaliku loovuse eelkäijat. Ilmselt mõtlesid selle ajastu muusikud juba improvisatsiooni fenomenile. Muusikapedagoogika ja noodikirja silmapaistev reformija Guido Aretinsky pakub välja juhusel põhineva komponeerimismeetodi. See on väga sarnane improvisatsiooniga tähe (või numbri) harmooniast tänapäeva mängus. Kuid sellises Aretinsky väljapakutud spontaanses kompositsioonis on kõige paremini näha kaasaegsete akadeemiliste heliloojate süsteem, kes töötavad seriaali- ja aleatoorilises kompositsioonis.
12.-14. sajandil sõltus minstrellide, žonglööride, studimeeste improviseerimisviis ja nende virtuoossuse määr suuresti konkreetsetest tingimustest. Aristokraatlikku meelelahutust (jahiturniirid) saatis muusika ning keskaegses rongkäigus võis kombineerida folkloorilavastuse, religioosse draama, tantsu, laulu ja ansambliimprovisatsiooni elemente, mida kinnitavad Burgundia õukonna krooniku sõnad:
"ja hõbetrompetid, kuus või enam, ja teised minstrel trompetid, orelimängijad, harfimängijad ja lugematu arv muid pille – kõik tegid oma mängu jõuga nii suurt häält, et terve linn helises." Kollektiivse improvisatsiooni vormid, meetodid ja meetodid keskajal kujunesid välja peaaegu spontaanselt.
Mitmehäälsuse varajaste vormide tekkimine ja areng Euroopa 15. sajandi professionaalses muusikas põhines tasakaalul kirjaliku ja improvisatsioonilise tendentsi vahel. Põhimõtteliselt pärinevad kõik keskaegsete autorite kasutatud polüfoonilised kirjalikud vormid kollektiivsest improvisatsioonist. Sel ajal sai Euroopas laialt levinud improviseeritud polüfoonia vorm, nn foburdon. See on sisuliselt omamoodi segavorm, kus äärmuslikud hääled on komponeeritud ja keskmine improviseeritud. Kuid 15. sajandil ilmus veel üks improviseeritud polüfoonia põhimõte - jäljendamine ...
XVI-XVII sajandi renessansiajal hinnati kõrgelt nn spontaanset loovust. Improviseerimist ei võrdsustatud enam mingi kontrollimatu elemendiga, vaid selleks oli vaja kõrget oskust, pidevat täiustamist, universaalseid teadmisi, struktuurse mõtlemise võimeid ja terve tehnikasüsteemi ehk reaalkooli valdamist. Ka improvisatsioonikunst ise oli universaalne, hõlmates mitte ainult muusikat, vaid ka luulet ja draamakunsti. Maestrolt (nagu kutsuti muusikut või poeet-improvisaatorit) ei nõutud päheõpitud ja spetsiaalselt ettevalmistatud teose kordamist, vaid improvisatsioonioskust ehk alati millegi uue sissetoomist. Mitte lihtsalt mälestus, vaid virtuoosne oskus luua iga minut. Sel ajal loodi spetsiaalsed improvisaatorite koolid, kus õpetaja ise pidi seda kunsti praktikas valdama. Improvisatsioonitehnika saavutab sel ajal professionaalse arengu kõrge taseme ja hõlmab mitut sorti.
Esimene on ühe loo muutmine polüfooniliseks palaks (vertikaalne rida). Nüüd väljendub see kaasaegse muusiku-improvisaatori harmoonilises mõtlemises.
Teine variatsioon on uute motiivide ja fraaside varieerimine, mis muudavad meloodialiini (horisontaalne joon). Seda nimetatakse nüüd lineaarseks improvisatsiooniks.
Renessansiaegne instrumentaalmuusika pakub täiendavat sorti - "vaba" improvisatsiooni. See on juba improvisatsiooni tekstuur-motoorne aspekt, mis viib esimeste iseseisvate prelüüdi, toccata jne vormideni. Nüüd nimetataks seda spontaanseks improvisatsiooniks, aga täpselt piiritletud alusel.
Areneb veel üks passaažisort, ornamentus ehk deminuetsioon - improvisatsiooni ornamentaalsed mudelid, s.o. improviseeritud kaunistused. Nüüd nimetataks seda parafraasimprovisatsiooniks, mitte täpselt, aga siiski ...
Muusikakultuuri arengu järgmine etapp (XVIII-XIX sajand) oli improvisatsiooni etenduskunstist väljajätmise protsess. Improvisatsioonikunstist saavad üksikud esinevad heliloojad (organistid, pianistid, viiuldajad jne).
Nii juhtuski. Selline on lugu.
Enne naasmist 20. sajandisse, džässi sünni, kujunemise ja arengu sajandisse, tahaksin mõista improvisatsiooni ennast, nüüd aga kui omamoodi muusikalise esituse sisemist protsessi.

Niisiis.
Siin on üks improvisatsiooniprotsessi enda vaatenurga variantidest.
Improvisatsioon põhineb teatud tüüpi mälul. Improvisaator loob muusikalist ainest mõnest valmisplokist, kunagi meelde jäänud muusikalõikudest. Improvisaator manipuleerib nende plokkidega, kombineerides neid nagu mosaiiki. Mida väiksem on plokk, seda ilusam on mosaiik, seda originaalsem on selle värvus ja seda kõrgem on lõuendi enda kunstiline pilt. See protsess põhineb esineja regulatiivsel tahtel ja maitsel. Improvisatsioon on mällu kinnistunud kui meeldejääv muusikasündmus, mille väärtus ei seisne mitte ainult intonatsioonilises kvaliteedis, vaid unikaalsuses. Selle muusikaakti käigus tekkinud mudelid (toonid), pöörded kogutakse kokku, kataloogitakse improvisaatori enda mällu. See improvisatsioonilise kuumuse laava kõvastub järk-järgult ja seda saab mõelda ja täiustada. Seetõttu pole Euroopa muusika kompositsioonisõnaraamatus võib-olla ühtegi fraasi, mida improvisatsiooni käigus poleks kunagi leitud. Juba 1753. aastal demonstreeriti teoses “Klavierimängu õige viisi kogemus” improvisatsioonitehnika õpetamise metoodikat. Individuaalne improvisatsioon on alati nõudnud põhjalikku ettevalmistust – kooli. Improvisaatorid olid tol ajal kõrgelt hinnatud. Händel improviseeris esinedes sageli. Beethoven valmistus oma avalikeks improvisatsioonideks alati ette. Noor Weber harjutas süstemaatiliselt improvisatsioonitehnikat Abbe Vogleri juhendamisel. Iga suurem muusik töötas välja oma meetodi improvisatsioonikunsti valdamiseks. See oli seotud individuaalsete esitus- ja komponeerimistehnikatega ning kujutas endast teadlikkust oma mängutehnikast. Õpilane, kes oskab improviseerida, avastab endas erilise loomingulise initsiatiivi suhtumises muusikasse, arenenud vormi-, stiilitunnetuse ja visa mälu. Muidugi on improvisatsiooni fenomen tõstatanud palju teaduslikke probleeme, kuna teatud ajalooline lõhe selles vallas on andnud tunda. Erilist huvi pakuvad improvisatsiooni psühholoogiliste ja sotsiaalsete aspektide uurimused, intuitsiooniteooria probleemide arendamine, improviseeritud kontrapunkti käsiraamatu loomine, deminutsioonid, üksikasjalikum ja arenenud rütmikool, harmoonia; on vaja uurida mälu suhet õnnetustega, improvisatsiooni polüstilistikat jne. Kuid protsess on alanud ja läheb hästi.

Teeme kokkuvõtte.
Varajases jazzis on meil sellised mõisted nagu rütm, harmoonia, meloodia, improvisatsioon... Nendel mõistetel on puhtalt euroopalikud juured, nagu ma eespool kirjeldasin. Varajase jazzi instrumendid: vaskpuhkpill, klaver (või banjo), kontrabass, löökpillid. Need on euroopalikud pillid, arvestamata võib-olla banjo ja trummikomplekti, mis aja jooksul arenesid ja arenesid ning hiljem ilmus saksofon. Mis on kaasaegses jazzis juba muutunud? Põhi on jäänud samaks. Muusikalises mõttes on jazz arendanud ja elab polüstilistikat. Pillidele lisandus (muide, 1936. aastal) elektrikitarr, hiljem basskitarr, klahvpillid (süntesaatorid), sümfooniaorkestri erinevad pillid ja erinevate rahvuste etnilised pillid.
Ja ometi on džäss omamoodi täiesti uus aine, see on uus kordumatu kunst, mis on sündinud 20. sajandil.
Millega see seotud on?
Aga enne kui pöördume muusikute endi poole, ilma kelleta seda suunda tänapäeva muusikakultuuris loomulikult ei eksisteeriks, tahan veidi analüüsida džässi muusikalist kudet.
Kuidas hakkas džäss 19. sajandi lõpus ja 20. sajandi alguses kogu muusikakultuurist erinema? Siin tuleb mõista, et Ameerika akadeemilise muusika infrastruktuur oli mitmel põhjusel ebapiisav ja vähearenenud. Siit kõik alles algas. Muusikakultuuri vaakumi täitmist täiendasid loomulikult sellel maal elavate rahvaste etnilised muusikakultuurid. Ja seda enam, et siin on kõik segamini.
1. Loomulikult personifitseerisid eri rahvaste folklooristiilid enamasti nn väikevorme. Need olid praktiliselt laulud ja instrumentaalpalad, kõige rohkem tantsukarakteriga.
2. Edasi — tööriistade minimeerimine. Kui linnades olid veel muusikariistad: klaver, kontrabass, puhkpillid, viiulid, euroopa löökriistad, siis maapillid olid: suupill, mingid väikesed löökriistad: bongod, maracasid, võib-olla isegi mingi maaviiul ...
3. Muusikastiil kehastas eelkõige mitte-Euroopa ja Euroopa kultuuride etniliste laulu- ja tantsusuundade sümbioosi. See väljendus ennekõike eri rahvaste muusikakultuuridele omaste elementide toomises samade laulude ehk tantsupalade muusikalisse kangasse. Pealegi hakkasid sotsiaalsed juured mõjutama ka tärkava uue muusikakunsti muusikalist struktuuri. See kõik tuli elust enesest, selle elukorraldusest, sotsiaalsest ja majanduslikust baasist... Samuti oli maa(maa)muusikal suur mõju linna muusikakultuurile ja vastupidi.
4. Ja loomulikult, kuna me räägime etniliste muusikakultuuride sulandumisest, siis esiteks on rahvamuusika alati arenenud suulise traditsioonina ehk siis "kõrvast kõrva" kandumise kaudu ja sellel kindlasti oli mõju tolleaegsete muusikute improvisatsioonioskuste kujunemisele ja arengule. Algas selle võimsa muusikakultuurikihi (improvisatsiooni) taaselustamine, omamoodi baasina meistrikoolile seda muusikat esitavate noorte muusikute virtuoossete esinemis- ja komponeerimisoskuste kujunemiseks ja arendamiseks.
Nii osutus 20. sajandi künnisel tekkiv ainulaadne muusikakultuur, mida hiljem nimetati džässiks, omamoodi sünteesiks Ameerikat asustanud rahvaste etnilistest kultuuridest. Loomulikult ei saanud jazzi kujunemise alguses mingist klassikalisest (akadeemilisest) muusikast juttugi olla. Kuigi varaste aegade instrumentaalmuusikat võib lõdvalt kirjeldada kui väikseid klaveripillipalasid, mis seisavad klaverimuusika akadeemiliste alade lähedal, kuid täiesti "erilise" muusikalao omana. Ma ei tahaks end korrata selliste voolude nagu country / end / western ja varane bluus mõjust jazzi kujunemisele. Sellest kõigest on kirjutatud ja ümber kirjutatud tohutult palju töid ... See räägib millestki muust. Džäss kui muusikaline kunst osutus täiesti uueks vahendiks Sajandi inimeselt ja Sajandi inimesele pärineva muusikalise informatsiooni edastamiseks. Jazzist sündis teatav aine, mis jätkas oma elu rokkmuusikas. Tahan rõhutada, et see ei puuduta suhtumist rokkmuusikasse, kui mõne karvase, räpase, metsiku ja harimatu narkomaani muusikasse, vaid kui tohutusse 20. sajandi teise poole muusikakultuurikihti, mis lõi suur hulk muusikalisi meistriteoseid. Seega on džäss täielikult muutnud üldist esituse kontseptsiooni ja muusika tajumist. Kõik näib olevat sama. Tundub, et midagi erilist pole välja mõeldud. Kuid kõik on muutunud. Ma ei taha sellest palju rääkida. Panna kõrvale ansambli akadeemiline (klassikaline) koosseis ja džässkompositsioon ning seejärel rokirühm. Tundub, et muusikuid on sama palju, aga kui silmatorkavalt on kõik erinev. Mis juhtus?
Aga midagi juhtus... Kõik käimasolevad protsessid uue muusikakunsti mudeli kujunemisel keskendusid inimestele. Nagu ka teistes asjades ja paljuski siin maa peal.
Noore Ameerika sotsiaalsed juured arenesid ebaühtlaselt. See oli omamoodi sotsiaalsete ja poliitiliste vastuolude rakmed, mida me vanas Euroopas ei suutnud hetkekski üle elada. Neid poleks isegi seal. Noore uue riigi jaoks, kus orjasüsteem veel eksisteeris ja aafriklased olid orjad, oli aluseks tõusev majandus. Kõik pandi selle arendamisse. Paljud inimesed olid temast sõltuvuses. Ja ometi on inimesed ikkagi inimesed. Ükskõik, millised vapustused üle nende peade pühkisid, milliseid raskusi, kuritegusid ja vägivalda nad endast läbi elasid, säilis Ajamehe vundament – ​​tema hing. Huvitav on ju see, et kui Ameerikat ehitati ja rikkaks sai, oli ka kõige mustematel töökohtadel palju hiinlasi, kuid hiinlaste mõju džässi sünnile on midagi vähemärgatavat, sest nad olid poliitiliselt suhteliselt tasuta.
Ükskõik, kas rantšos või linnades tekkis majandusel põhinevatel inimestel teatud teadlikkus inimeste jagunemisest omanikeks ja töötajateks, see mudel eksisteerib põhimõtteliselt tänaseni. Kuigi on ka teine ​​kiht – need on poliitikud ja nende töötajad – ametnikud. Võib-olla on see inimeste jaoks vana mudel, kuid Ameerikas tuli see kehtestada. Loomulikult peaksid "isandaid" teenima "orjad" ja nad olid juba noores Ameerikas, mis aga püsis pikka aega, isegi kui orjus kaotati. Nii saab selgeks küsimus, kes pidi härradele kõige rohkem muusikat esitama.
See, mis järgneb, on veelgi huvitavam. Sellest on palju kirjutatud. Kui kuskil rantšos suudeti aafriklased oma pärilikul kujul säilida, siis linnades läks valge elanikkonnaga assimileerumisprotsess loomulikult edasi. See lõi selle, mis meil praegu on – nn kreoolid või Ameerika mustanahalised. Üha huvitavamaks. Assimilatsioon loob hämmastava maailma, mida me nüüd kutsume Ladina-Ameerikaks. Neile lisandub see, mida etnograafid nimetavad Afro-Kuuba elanikkonnaks. Need on alged, millel on tänapäeval tohutu mõju džässile ja mitte ainult džässile. Jah. Võib öelda, et paljud Aafrika muusikalis-etnilised komponendid olid ja eksisteerivad ka praegu jazzis. Jah, võib öelda, et paljud esimesed jazzistaarid olid kreoolid, st. Ameerika mustad segatud valgetega. Aga kes oskab arvutada, kui palju on džässikomponenti mõjutanud teised Euroopa etnomuusikaallikad: prantsuse, inglise, hispaania jne? Või kuidas mõjutas džässi komponenti teiste mitte-Euroopa rahvaste muusikaline päritolu? Tundub, et see on unustatud, kuid asjata. Jazzi Euroopa muusikalisest päritolust olen juba rääkinud ja siin on justkui kõik juba selge. Aga pole selge, miks me kuidagi harjusime sellega, et džässi “leiutasid” aafriklased?! Võib-olla ma eksin. Võib-olla pole keegi sellega harjunud. Kuid millegipärast juhtus nii, et Ameerika mustanahalist elanikkonda seostatakse jazziga. See pole täiesti tõsi. Ja isegi mitte üldse.
Nad teevad mulle etteheiteid, aga miks jagada, kes oli esimene ja kuidas džässi mängiti?
On ainult üks vastuväide – on ju jaapanlased karatevõitlejatena loomult tugevad, kuid ega paljud võitlejad maailmas ka nõrgemad pole.
Kuid see pole kaklus ega kaklus.
Lõppude lõpuks on juhtivad džässmuusikud Basie Smith, Louis Armstrong ja Duke Ellington, aga ka Gene Krupa, Benny Goodman, George Gershwin – lõppude lõpuks ka. Edasi. Oscar Peterson, Charlie Parker, John Coltrane, aga ka Bill Evans, Chick Corea, Randy ja Michael Brecker... Aga see pole võrdlus. Võrdlus siinkohal ei sobi. Asi on selles, et kes jagas jazzi mustaks ja valgeks? Jazz on minu jaoks uus unikaalne 20. sajandi kunst, mis on sündinud Ameerikas, õigemini USAs ja kuuludes kogu universumisse. See pole kellegi omand. See on kogu maise maailma omand. Täpselt nagu rokkmuusika. Kelle omand on rokkmuusika? Kas see kõlab naljakalt?
Selles maailmas elades ilmnevad paljud asjad teisiti. Sa võid vaadata oma jalgu, võid vaadata tähti või vaadata nii ja naa.
Valikuvabadus on ja jääb.

Vaba tahe ja teadlikkus universaalsest harmooniast.
Ja kui palju harmooniat džässis!

Rütm on energia ja liikumine.
Ja milline erakordne, kosmiline rütm džässis!

Mõte on arengu mootor. Mõeldakse meloodiale. Mõte on lõpmatu ja surematu.
Ja milline peen meloodia jazzis!

Loovus on Universaalne vool, mis viib ajastu inimese surematusse.
Ja kui palju loovust jazzis!

Kord küsis keegi minult:
Kas jazz on tõesti muusika?
Olin nii šokeeritud, et ei osanud isegi vastata. Aeg lendas. Elu on muutunud, inimesed on muutunud...
Ja nüüd alustan kolmandat aastat džässiimprovisatsiooni kursuse loenguid sõnadega:
— Jazz on muusikakunsti ainulaadne nähtus…

Sandarova Tatjana Fedorovna
Asukoht: muusikaõpetaja
Haridusasutus: MBOU "Zubovo-Polyanskaya Gümnaasium"
Asukoht: Mordva Vabariik Zubova Poljana
Materjali nimi: Metoodiline arendus
Teema: Džäss on 20. sajandi kunst.
Avaldamise kuupäev: 24.03.2016
Peatükk: keskharidus

Tunni nimi:
"Meie ajastu kangelane on jazz."
GEF-i õppetunni kokkuvõte. Muusika

Tunni tehnoloogiline kaart

Asi:
Muusika. 6. klass "b".
Õpik (UMK):
E.D. Kritskaja "Muusika" 6. klass.
Tunni teema:
Džäss on 20. sajandi kunst.
Tunni tüüp:
Kombineeritud.
Varustus:
Arvuti.
Tunni eesmärk:
Tutvuda ühe 20. sajandi moodsa muusikavooluga - jazziga.
Õpitulemused:

Teema:
Tutvuda džässi ajalooga, džässi tekkelooga, jazzmuusika iseloomulike joontega.
Isiklik:
Harida ja sisendada õpilastesse esteetilist maitset, armastust jazzmuusika vastu. Positiivse suhtumise kasvatamine kunsti suhtes.
Metasubjekt:
Oskus teha klassiruumis haridusalast koostööd õpetaja, rühmakaaslaste ja meeskonnaga. Oskus töötada tekstiga, esile tuua peamine. Parandada suulist suhtlemisoskust, tekstianalüüsi oskust. Muusikapala kuulamis- ja mõistmisoskuse arendamine.
Universaalsed õppetegevused:

Regulatiivne:
Määrake õppeülesanne. Vormindage õigesti ja hoidke märkmeid vihikus. Planeerige oma tegevusi.
Üldharidus:
Otsige vajalikku teavet. Kirjutage kõne kokkuvõte.
Mõttemäng:
Sõnastage järeldused. Tõstke esile peamine.
Kommunikatiivne:
Kuulake üksteist. Et pidada dialoogi. Esinege publiku ees. Esitage lühidalt oma mõtted. Esitage täpsustavaid küsimusi.
Tunni struktuur:
1. Organisatsioonietapp. 2. Värskenda. Eesmärkide seadmine ja motivatsioon. 3. Õppematerjali esmane assimilatsioon. 4. Õppematerjali tundmine ja mõistmine. 5. Õppematerjali koondamine. 6. Kokkuvõtete tegemine. Peegeldus.
Tundide ajal

I. Organisatsioonietapp.

Slaid 1. Tere tulemast

Olgu tore kohtumine! Sellise tutvuse puhul on sõprus põhiolemus. Alustame oma kasuandmist. Nagu öeldakse, palju õnne!
II. Aktualiseerimine. Eesmärkide seadmine ja motivatsioon.

Slide 2. Jazz on meie ajastu kangelane
Täna on meie tund pühendatud ühele kuulsale kuulsusele. Kes on see salapärane külaline? Mis riigist sa tulid? Milline on tema iseloom? Kas ta tahaks meiega sõber olla? Meie jaoks on see endiselt mõistatus. Võib-olla aitab muusika teil kõigile neile küsimustele vastata. kõlab A. Bochkovskaja sõnadele A. Jermolovi laul “Nakhodka”. Kes arvas, milline kangelane meie juurde tuli? (Jazz, sest muusika kõlas väga rütmiliselt, eredalt, veidi ebatavaliselt.) Täna räägime teiega hämmastavast muusikastiilist - Jazz. Jazz on oma aja tõeline kangelane! Saame teada, kus ja millal džäss ilmus, tutvume selle iseloomulike joontega, kuulame muusikat parimate jazzmuusikute esituses ning proovime ka ise džässi laulda ja mängida.
Slaid 3. Tunni epigraaf
Mis on jazz? Möödunud sajandi üks populaarsemaid muusikuid Louis Armstrong ütles: "Kui kuulate seda muusikat, ärge trampige oma jalga, siis ei saa te kunagi aru, mis on jazz."
Slide 4. Tunni teema: "Džäss on kahekümnenda sajandi kunst"
Jazzi ajalugu on osa 20. sajandi ajaloost. 2011. aasta novembris kuulutas UNESCO peakonverents välja uue kuupäeva – 30. aprilli – sissetoomise kalendrisse – rahvusvahelise džässipäeva. Puhkuse rajajad usuvad, et jazz on jõud, mis edendab "rahu, ühtsust, dialoogi ja inimestevaheliste kontaktide laiendamist". "Jazz – kirgede ja filantroopia universaalne keel – on juba sajand ühendanud inimesi vaatamata nende erinevale kultuurilisele, usulisele ja rahvuslikule kuuluvusele," öeldakse UNESCO peadirektori Irina Bokova ja UNESCO hea tahte suursaadiku, džässirektori sõnumis. Instituut. Thelonious Monk autor Herbie Hancock.
III. Õppematerjali esmane assimilatsioon.

Slaid 5. Vaatame sõnaraamatuid ... "Džässi" määratlus
Džäss sai alguse 19. sajandi lõpus – 20. sajandi alguses Ameerika Ühendriikides Aafrika ja Euroopa kultuuride sünteesina ning on tänaseni ainulaadne muusikakunsti vorm, mis ühendab rasse ja rahvusi ning hägustab piire inimeste ja osariikide vahel. Sõna Jazz mainiti esmakordselt Los Angeles Timesis 2. aprillil 1912. aastal. Et Jazzi kuvandit paremini ette kujutada, proovime jälgida tema elulugu. Kiirelt edasi 20. sajandi algusesse...
Slaid 6. Vaatame sõnaraamatuid ... "Jazzbändi" määratlus
Sel ajal pulbitsesid nii Uues kui Vanas Maailmas juttu mingist jazzbändist. Kuulame?
Ettevalmistatud õpilased näitavad väikest sketti.Kõik – nii Jazzi sõbrad kui ka vaenlased olid ühel meelel: nad tahtsid teada, kust see skandaalne inimene pärit on.
Slaid 7. Esinemise ajalugu. Esimesed jazzbändid
Ja Jazz oli sel ajal umbes 10 aastat vana, mitte enam. Ta sündis USA lõunaosas ja kutsus oma maad armastavalt Dixielandiks. Eriti soojalt jäi meelde New Orleans – linn, kus tekkisid esimesed 5-10 muusikust koosnevad orkestrid, kes kutsusid džässi ehk jazzbände. New Orleansis ja ka kogu Lõuna-Ameerikas elas palju mustanahalisi, istanduste endisi orje. Neegrid elasid raskelt, kuid lõbutsesid kirega ja inspiratsiooniga. Muide, just New Orleansis salvestati esimene jazziplaat. Salvestus kuulus kuulsale "Original Dixieland Jazz Bandile". Diksilande nimetati ka jazzansambliteks, mis koosnesid valgetest esinejatest, kes jäljendavad traditsioonilisi musta džässbände.
Slide 8. Esimesed jazzbändid
Väikesed bändid sõitsid ringi veoautodega. Mõnikord juhtus, et nad kohtusid samal väljakul, samas linnas. Seejärel korraldati tõelised muusikalahingud. Kokkutulnud rahvahulk hindas. Aga kas teate, milline saatus ootas lüüa saanud orkestrit?.. Kärraka meluga sidus rahvas ühe veoauto teise külge - kaotajad vedasid võitjaid. Just sellise tänavahariduse sai meie Jazz lapsepõlves.
Slide 9. Esimesed jazzbändid
Tänavapoiss kasvas üles ja umbes 15-aastaselt läks ta oma sünnilinnast inimesi vaatama ja ennast näitama. Ja pealegi on aeg mõelda rahateenimisele.
Slaid 10. Džässipalavik
Paljudes Ameerika linnades leidis meie kangelane peavarju, toitu ja austajaid. Ta jõudis sinna mööda Mississippi jõge vana auruauruga. 20. sajandi alguses esinesid New Orleansi orkestrid sellistel lõbuauurikutel, mille muusikast sai jõetuuride ajal reisijatele kõige atraktiivsem meelelahutus. Kuid suurem osa Jazzi tööst oli Chicagos ja New Yorgis. Töö meeldis talle - lõbustada publikut klubides ja meelelahutusasutustes muusika ja tantsuga. Nii möödus jazzi noorus ...
Slaid 11. Maailma populaarsus
Mõni aasta hiljem oli Jazzil juba ülemaailmne kuulsus. Tänu salvestuse kiirele arengule on meie kangelane saavutanud tohutu populaarsuse. Jazz kõlas nii Ameerikas kui ka Euroopas. Ja kõikjal õnnestus tal leida tõelisi sõpru. Nüüd ei mänginud jazzi mitte ainult mustanahalised muusikud, vaid ka eurooplased.
Slaid 12. Džäss NSV Liidus
Jazzi armastati ka meil. 20ndatel ja 30ndatel olid meil omad jazzikuulsused. Nende hulgas - Leonid Osipovitš Utjosov ja tema orkester "Tea Jazz", mille esmaettekannet nägi publik 8. märtsil 1929 Leningradis.
Slaid 13
Koos oma teatri jazzorkestriga mängis Utjosov muusikalises komöödias "Merry Fellows", mis esietendus 1934. aasta detsembris.
Vaatamas videokatkest jazzkomöödiast "Merry Fellows". Niisiis, me juba teame, millises riigis džäss ilmus (USA-s), millist linna peetakse džässi sünnikohaks (New Orleans), kuidas kutsuti džässi esitanud orkestreid (džässbändid, dixielandid).
Slaid 14. Jazzi põhitõed
Kui Jazz sai üsna kuulsaks, hakkasid kõik ümberringi küsima, kust ta oma anded päris. Ja nad õppisid – tõsise onu Spirituali, kurva onu Bluesi, rõõmsameelse onu Ragtime käest.
Slaid 15. Vaimne
Spirituaalne tähendab inglise keelest tõlkes vaimset, kirikut. Negro spirituaalne – vaimne koorilaul, mis on sageli koostatud piiblilugudele ja tekstidele. Hümne laulsid kooris istanduse orjad, imiteerides valgete asunike vaimulikke hümne. See on vaimuliku laulu ja tantsu žanr, mille esitamist saadavad plaksutamine, trampimine ja tantsuliigutused. Spirituaalne toimub kollektiivselt, väljendades kogu kogukonna ideid ja püüdlusi. Nüüd kuuleme suure Louis Armstrongi häält. Kuulake hoolikalt katke teosest ja määrake muusika olemus, selle omadused. (Õpilaste abistamiseks – “Esteetiliste emotsioonide sõnastik”, kuulates fragmenti Louis Armstrongi teosest “Laske mu inimesed minna!” Milliseid iseloomuomadusi pärandas hr Jazz Spiritualilt? (Tähtsus, uhkus, viisakus, religioossus, pidulikkus. Muusika oli Esmalt esitas solist ja seejärel koor Nad laulsid ilma saateta ja siis ilmus saate.)
Slaid 16. Blues
19. sajandi lõpul ilmusid teised laulud – kaeblemislaulud, protestilaule. Neid hakati kutsuma bluusiks. Blues räägib vajadusest, raskest tööst, pettunud lootustest. Bluusimängijad saatsid end tavaliselt mõnel isetehtud pillil. Näiteks kohandasid nad kaela ja nöörid vana kasti järgi. Alles hiljem said nad endale päris kitarrid osta. Erinevalt spirituaalsest on bluus soololaulužanr. Bluesis on kõike – draamat, konflikte, satiiri ja huumorit. Kuulame Louis Armstrongi "Western Country Blues" ja proovime kindlaks teha, millised iseloomuomadused on jazz bluusilt päritud. Kuulame fragmenti Louis Armstrongi teosest "Western Outskirts Blues". Sellest laulis L. Armstrong: “Bluus täidab mind pealaest jalatallani, ma olen täna kurb, olen täis süngeid aimdusi, kui lähen lääneservale, kus mind ootab nii palju kannatusi ...”. Kuidas see muusika kõlas? (Muusika oli läbimõeldud, lahke, sujuv. Võib öelda, et džäss on bluusilt pärinud romantika, unenäolisuse, õrnuse.)
Slaid 17. Ragtime
Ragtime on hoopis teise iseloomuga. Ragtime (ragged rhythm) - spetsiaalse rütmilao tantsumuusika. Ragtime’i tulekule eelnes tordikõnni ja kahesammuliste tantsude populaarsus. Nendes tantsudes parodeerisid neegrid oma meistreid, jäljendades nende kombeid ja kõnnakut. Lõpus said näitlejad auhinnaks väikese koogitüki “omaniku” käest.
Slaid 18. Scott Joplin

Nüüd kuulete ragtime’i esimese kuninga, afroameerika helilooja ja pianisti Scott Joplini muusikat. Kuulamas S.Joplini ragtime "Variety Artist".
IV. Õppematerjali tundmine ja mõistmine.
Kutsun teid selle teose esitamisel osalema. Teie ees on pillid - tamburiinid, trummid, marakrad (õpilased võtavad pillid ja jagunevad 3 rühma). Proovime improviseerides luua sellele teosele rütmilise saate. Palun soovitage rütmimustrit, mida esitab ainult teie pillirühm. (Õpilased soovitavad, et trummide rühm mängiks tugeval taktil, tamburiinide rühm nõrgal taktil ja marakasid - pidevalt). Kuulates näen, et see meeldis kõigile, nii muusikutele kui kuulajatele! Tõepoolest, jazzmuusika ei jäta kedagi ükskõikseks, see avaldab muljet oma originaalsuse, ilu ja originaalsusega. Nüüd saame öelda, millised iseloomuomadused Jazz Ragtime’ilt päris? (Rõõmsameelne, rõõmsameelne ja särav karakter.) Spirituaalid, bluusid, ragtime’id pole veel jazz, vaid ainult lähenemised sellele. Sellest räägime järgmine kord.
Slaid 19. Jazzmuusika tunnused
Kui Jazz sai päris kuulsaks, tõeliseks päevakangelaseks (alates 20. sajandi 30. aastatest), püüdsid paljud tema ebatavalist välimust jäädvustada. "Näib," nõustusid inimesed tema portreesid vaadates, "aga midagi väga olulist ei saa kuidagi "haarata". Elus on ta palju huvitavam. Püüdke edasi anda, mida ja kuidas ta ütleb, tema pilku, kõnnakut. Ehk siis mõistate, mis on selle hämmastava isiksuse saladus. Niisiis, proovime joonistada Jazzi portree. Millised erilised iseloomuomadused tal on? (Ebatavalises rütmis.) Täiesti õige. Meie härra Jazz on väga keeruka loomuga – vaatamata kogu oma püsivusele (regulaarne pulsatsioon – “löök”) on ta täiesti ettearvamatu (hälbed pulsatsioonist – “kiik”, s.t. heli liikumises). Kui teie ja mina ragtime'i mängisime, siis lõite rütmilise saate just tunnis ja mõned poisid komponeerisid selle muusika mängimise ajal, see tähendab ... (improviseeritud.) Improvisatsioon on meie härra üks olulisemaid tunnuseid. Jazz. Ja loomulikult on emotsionaalsus midagi, mida meie Jazzilt ära võtta ei saa! Muidugi mõistate, et ainult tõeline professionaal suudab džässi mängida vabalt, emotsionaalselt ja pidurdamatult. Jazz on erinevalt teistest orkestritest alati solistide ansambel. Millised instrumendid kuuluvad džässorkestri koosseisu? (laste vastused)
Slaid 20. Jazzorkestri koosseis.
Nagu õigesti märkisite, kuuluvad paljud sümfooniaorkestri instrumendid jazzi. Kuid erinevalt sümfooniast ei ole jazzorkestril püsivat pillide koosseisu.
V. Õppematerjali koondamine.

Niisiis, tutvusime džässi päritolu, selle eripäradega. Proovime seda muusikastiili ise defineerida. (Džäss on ebatavaliste meloodiate ja rütmidega sulam Euroopa ja Aafrika muusikast. Jazz on improvisatsioonil ja rütmil põhinev muusika. Jazz on virtuooside muusika. Jazz on eriline originaalmuusika, mida kuulatakse üle maailma.)
Slaid 21. Vaatame sõnaraamatuid ...
Aitäh. Ja avan “Vene keele seletava sõnaraamatu”, sest tahan teile lugeda S. I. Ožegovi definitsiooni: “JAZZ, -a, m. 1. Algupärane improvisatsiooniline muusika ebaühtlase rütmi ja tempoga, mis ühendab endas Euroopa ja Aafrika traditsioonid. ...”. Nagu näete, saite õigesti aru, hästi tehtud. Kuid milline "mahukas" määratlus anti 1917. aastal džässmuusikale – Ameerika ajakiri Literary Digest selgitas, et "džäss on muusika, mis paneb inimesed värisema, hüppama ja väänlema." Eks neil on omal moel õigus, sest tänu džässile ilmusid maailma tantsud nagu fokstrot, twist, boogie-woogie, charleston, rock and roll jne. Muide, rokenroll võib kõlada õigesti praegu klassiruumis.
Slaid 22
Kogu klassi esitus O. Khromušini laulust “Rock and Roll Lesson” Niisiis, millised muusikalised vahendid aitasid teil selle laulu stiili kindlaks teha? (Laul on kirjutatud džäss-stiilis. Rütm on omapärane, on sünkoopiaid, nõrga löögi rõhku, tantsulist karakterit, lisandub plaks ja klõps.)
Slide 23. Kuulsad jazziesinejad
Aeg on edasi läinud ja Jazz on küpsenud. Jazz on alates selle loomisest New Orleansis teinud pika tee. Ta oli väsinud rahutu lõbusa kaaslase ja tantsija kuulsusest. Ta soovis, et teda armastataks mitte ainult lärmakatel meelelahutushetkedel, vaid et teda koheldaks hoolikalt ja tõsiselt. Silmapaistvate jazzimeistrite nimed on tuntud üle maailma. Need on Louis Armstrong, Duke Ellington, Benny Goodman, laulja Ella Fitzgerald ja teised.
Slaid 24
Nüüd kuulete "jazzi esimese leedi" - Ameerika laulja Ella Fitzgeraldi häält. Tema sametine hääl võlub oma iluga. Mis žanris laul on? Kuulame fragmenti "Suveajast" J. Gershwini ooperist "Porgy ja Bess". Kuidas see muusika kõlas? (Muusika on väga rahulik, mahe, lahke, pehme, lummav. See on bluus.) Mis pill oli solist? (Trompet on vaskpuhkpill.)
Slaid 25
Tänaseks oleme selle muusiku nime juba rohkem kui korra kuulnud. Nad ütlesid tema kohta: "See pole teie piip, aga sina oled toru juures." Tõepoolest, Louis Armstrong mängis jäljendamatult trompetit. Tema trompet oli võimeline väljendama kõike ja suutis laulda nagu inimhääl.
Slaid 26
Kõigi aegade suurim džässklarnetist Benny Goodman teenis oma laitmatu mängu eest "Swingi kuninga" tiitli, olles esimene jazzmees, kes esitas klassikalist muusikat.

Slaid 27. Duke Ellington – jazzpianist
Edward Kennedy "Duke" Ellington – neegrist pianist, helilooja, bändijuht, arranžeerija. Hüüdnime "Duke" (Duke) Ellington sai sõpradelt armastuse tõttu nutikate riiete vastu. Oma suure džässorkestriga reisis ta üle kogu maailma ja 1971. aastal külastas Ellington ringreisil meie riiki.
VI. Õppetunni kokkuvõte. Peegeldus.

Slide 28. Jazz – kerge või tõsine muusika?
Siiani on vaidlusi selle üle, millisele muusikale – kergele või tõsisele – saab džässi omistada? Tunnis kõlasid erinevad jazzipalad - erinevad nii meeleolult kui sisult. Milline on Teie arvamus? (Õpilased avaldavad oma arvamust) Teie vastuseid arvestades järeldame: jazz on muusikastiil, milles muusika sfäärid läbi põimuvad.
Slaidid 29-30. Loovuse hetk
Ja nüüd kutsun teid üles võtma kokku muljed teemal "Džäss - kahekümnenda sajandi kunst" ja töötama rühmades. Iseseisev töö rühmades.  Töötamine jaotusmaterjalidega,  Õpetaja kuulab ära õpilaste vastused, hindab rühmade ja iga tunni tööd.
Slaid 31
Jazz on 20. sajandiga üheealine ja üks selle suurimaid kuulsusi, ta on meie ajastu kangelane. Ta on üle 100 aasta vana. Inimlike standardite järgi - vana mees. Ja muusikaliselt on tema vanus tühiasi. Muusikas elab ju palju asju sajandeid ja isegi aastatuhandeid. Loodan, et olete härra Jazzi kehastuses leidnud täna hea sõbra, kes rõõmustab teid teie elu õnnelikel hetkedel ja toetab teid rasketel aegadel. Varsti näeme!
Slaid 32. Täname tähelepanu eest.

Kirjandus.
1. Konen V. "Džässi sünd". Moskva, “Nõukogude helilooja”, 1990. 2. Mihhejeva L. “Muusikaline sõnaraamat lugudes”. Moskva, "Nõukogude helilooja", 1984. 3. Finkelstein E. "Muusika A-st Z-ni". Kirjastus "Helilooja", Peterburi, 1992