Istorija plesa. Ples antike. Ples antičke Grčke. Veza između plesa i mitologije. Terpsihora. Vjerski, društveni, pozorišni plesovi Svečani plesovi u staroj Grčkoj

Povijest plesova naroda Zapada (Evrope i zemalja koje su formirali doseljenici iz Evrope) karakterizira velika raznolikost i prilično brze promjene. Dok je većina istočnjačkih plesača praktikovala vrlo sofisticirane plesne forme koje su ostale gotovo nepromijenjene vekovima ili čak milenijumima, zapadni plesači su pokazivali stalnu spremnost, čak i želju, da usvoje nove forme i ideje za svoje plesove. Čak i najranije reference ukazuju na to da je zapadnjački ples oduvijek obuhvaćao veliki broj zajedničkih ili ritualnih plesova, te da su društvene plesove koristili mnogi različiti dijelovi društva. Odmah je vrijedno napomenuti da se zapadna umjetnost ne može uvijek jasno razlikovati od „nezapadne“. To je posebno jasno u nizu zemalja bivšeg Sovjetskog Saveza, gdje su neki plesovi azijski, dok su drugi evropski porijeklom i karakterom. Ovaj članak je posebno posvećen plesu zapadnih naroda, isključujući, gdje je to moguće, odgovarajući utjecaj drugih kultura.

Od antike do renesanse

Prije nego što su počeli da se pojavljuju prvi pisani izvještaji, prošao je ogroman vremenski period o kojem naučnici mogu samo nagađati. Pećinske slike u Španjolskoj i Francuskoj, na kojima se mogu jasno uočiti plesne ljudske figure, dovele su do hipoteze da su vjerski obredi i pokušaji utjecaja na okolna događanja putem simpatične magije bili središnji motivi primitivnog plesa. Takve pretpostavke su djelimično potvrđene posmatranjem plesova primitivnih naroda u savremenom svijetu, iako vezu između drevnih ljudi i modernih „primitivnih kultura“ mnogi naučnici u potpunosti negiraju.

Ako su se plesovi zabilježeni u ranim spisima razvili direktno iz prapovijesnih plesova, moglo bi se pretpostaviti da su postojali prapovijesni radni plesovi, ratni plesovi, erotski plesovi i grupni plesovi. Danas, u 20. veku, sačuvan je jedan bavarsko-austrijski ples, Schupplatter, koji, prema istoričarima, vodi poreklo iz neolita, odnosno od oko 3000. godine pre nove ere.

Ples u antičkom svijetu

Postoje mnogi pisani zapisi o plesovima u civilizacijama Egipta, Grčke i susjednih ostrva, kao i Rima. Osim toga, možemo izdvojiti drevni jevrejski ples, o kojem se i danas dosta zna. U Egiptu su se praktikovali formalizirani rituali i ritualni plesovi u kojima je svećenik simbolizirao boga. Ovi plesovi, koji su bili kulminacija ceremonije koja je predstavljala smrt i ponovno rođenje boga Ozirisa, postajali su sve složeniji i na kraju su ih mogli izvoditi samo posebno obučeni plesači.

Takođe iz Egipta, najraniji pisani dokazi o plesu stigli su do modernog doba. Ovi zapisi govore o klasi profesionalnih plesača koji su izvorno uvezeni iz Afrike da zabavljaju bogate ljude u slobodno vrijeme i nastupaju na vjerskim i pogrebnim ceremonijama. Ovi plesači su smatrani veoma vrednim "akvizicijama", posebno patuljci, koji su postali poznati po svojoj veštini. Jedan od faraona, nakon njegove smrti, dobio je čast da izvede "ples boga patuljaka", a faraon Neferkare (3. milenijum p.n.e.) je dao instrukcije jednoj od svoje pratnje da dovede "plešućeg patuljka iz Zemlje duhova" u njegov sud.

Danas naučnici sugerišu da je čuveni trbušni ples, koji danas izvode plesači sa Bliskog istoka, zapravo afričkog porekla. Još u 4. veku pne. u egipatskom Memphisu je detaljno opisan parni ples, donekle sličan rumbi, koji je imao jasno izražen erotski karakter. Egipćani su poznavali i akrobatske koreografske plesove, slične modernim adagio plesovima. Isticali su se i svojom senzualnošću i privlačili ljude gracioznim pokretima oskudno odjevenih plesača. Slika iz grobnice šeika Abdul-Qurna (koja je trenutno izložena u Britanskom muzeju) prikazuje plesače koji nose samo narukvice i pojaseve, što je očigledno trebalo da poveća njihovu privlačnost.

Ubrzo su plesovi u Egiptu počeli da se razvijaju i postaju raznovrsniji i složeniji. Pored vlastitih hramskih plesnih rituala i pigmejskih plesača dovedenih iz gornjeg Nila, plesovi hinduističkih djevojaka pojavili su se i iz osvojenih zemalja na istoku. Ovi novi plesovi više nisu imali karakteristične zamašne pokrete muškaraca ili krute, uglaste poze koje se mogu naći na mnogim egipatskim kamenim reljefima. Pokreti su im bili mekani i glatki, bez naglih savijanja. Ove azijske djevojke unijele su ženstveni stil u egipatski ples.

Ples u klasičnoj Grčkoj

Mnogi egipatski uticaji mogu se naći u grčkom plesu. Neki su u Grčku došli preko kritske kulture, drugi preko grčkih filozofa koji su otišli na studije u Egipat. Filozof Platon (oko 428 - 348 pne) bio je jedna takva osoba i upravo je on postao uticajni teoretičar plesa. Prema njegovom učenju, ples se razlikovao od neugodnih pokreta poput grčeva po tome što je naglašavao ljepotu tijela. Plesovi egipatskog kulta svetog bika Apisa kasnije su našli svoje oličenje u kritskom plesu bikova oko 1400. godine prije Krista. On je bio taj koji je inspirisao stvaranje plesova u lavirintu, koje je, prema legendi, Tezej doneo u Atinu po povratku sa mladićima i devojkama oslobođenim iz lavirinta.

Još jedan oblik plesa koji je nastao na ostrvu Krit i koji je procvjetao u Grčkoj bio je pyrrhiha, ples s oružjem. Upražnjavao se u Sparti kao dio vojne obuke, a bio je i osnova za tvrdnju filozofa Sokrata da je najbolji igrač najbolji ratnik. Drugi grupni plesovi koji su u Atinu stigli sa Krita uključivali su dva plesa posvećena Apolonu, kao i ples u kojem su goli dečaci imitirali rvački meč. Ženske vrline bile su naglašene veličanstvenim i pobožnim kolom u čast bogova, koji su izvodile djevojke.

Brojne vaze, slike i skulpturalni reljefi pomogli su savremenim naučnicima da dokažu da je u Grčkoj postojao ekstatičan ples povezan sa Dionizovim kultom. Izvedena je na festivalu "svetog ludila" tokom jesenje berbe grožđa. U svojoj drami Bake, Euripid (oko 480-406 pne) opisao je divljanje grčkih žena zvanih Bake ili Menade. U ovom plesu su se bjesomučno vrtjeli i ritmično kovali korake, padajući u trans. Takvi plesovi bili su manifestacija opsesije, što je bila karakteristika mnogih primitivnih plesova.

Dionizijski kult doveo je do stvaranja grčke drame. Nakon žena, u ples su ušli muškarci obučeni u maske razvratnih satira. Postepeno je svećenik, pjevajući život, smrt i povratak Dionisa, dok su njegovi sluge odmah plesom i pantomimom predstavljali njegove riječi, postao pravi glumac. Opseg plesa se polako širio i uključivao predmete i likove preuzete iz homerskih legendi. Dodati su i drugi glumac i hor. U lirskim pauzama između igara, plesači su rekreirali dramatične teme kroz pokrete preuzete iz ranijih ritualnih i bakhijskih plesova. U komedijama je bio veoma popularan "kordax" - ples pod maskama koji je bio poznat po svojoj razvratnosti. U tragedijama je hor izvodio “emmeleya” - smireni ples uz sviranje na flauti.

Ove plesove i predstave izvodili su iskusni amateri. Međutim, krajem 5. veka pre nove ere nastala je posebna klasa plesača, akrobata i žonglera, čije su žene pripadale "hetarima" ili kurtizanama. Kao što se ranije dešavalo u Egiptu, zabavljali su goste na gozbama i banketima. Istoričar Ksenofont (oko 430-355 pne) u svom djelu "Simpozijum" govori o pohvalama koje je Sokrat uputio plesaču i dječaku koji igra. Na drugom mjestu, Ksenofont opisuje ples koji predstavlja spoj legendarne heroine Arijadne i Dionisa, rani primjer narativnog plesa.

Ples u starom Rimu

Postojala je značajna razlika između Etruraca i Rimljana u njihovom pristupu plesu. Danas se malo zna o Etrurcima, koji su naseljavali područje sjeverno od Rima do Firence i cvjetali između 7. i 5. stoljeća prije Krista. Ali zahvaljujući otkriću njihovih grobnica, koje su sadržavale brojne slike na zidovima, postalo je jasno da je ples igrao važnu ulogu u načinu na koji su Etrurci uživali u životu. Na ovim freskama pronađene su slike Etruščana koje u lancima izvode pogrebne plesove, kao i živahne, energične parove. Svi ovi plesovi su se izvodili na javnim mjestima bez maski i imali su karakter udvaranja.

Rimljani su, naprotiv, imali drugačiji stav prema plesu, što je odražavalo njihov trezveni racionalizam i realizam. Međutim, Rimljani nisu u potpunosti izbjegli iskušenja plesa. Prije 200. pne plesovi u starom Rimu izvođeni su samo u obliku horskih procesija. U njima su učestvovale čitave procesije, predvođene visokim sveštenicima Salija, svešteničkog koledža sveštenika Marsa i Kvirina, koji su hodali u krugu, ritmično udarajući u svoje štitove. Ples je bio važan dio rimskih festivala - tokom proslava Luperkalije i Saturnalije izvodili su se divlji grupni plesovi koji su bili preteča kasnog evropskog karnevala.

Kasnije su se u Rimu počeli širiti grčki i etrurski utjecaji, iako je rimsko plemstvo smatralo da su ljudi koji su bili viđeni kako plešu sumnjivi, ženstveni i čak opasni. Jedan vladin službenik bukvalno nije mogao vjerovati svojim očima kada je ugledao desetine kćeri i sinova uglednih rimskih patricija i građana kako uživaju u slobodnom vremenu u školi plesa. Oko 150. pne sve plesne škole su zatvorene, ali ples se više nije mogao zaustaviti. I iako je ples možda bio stran unutrašnjoj prirodi Rimljana, u narednim godinama plesači i učitelji plesa počeli su se sve više uvoziti iz drugih zemalja. Državnik i naučnik Ciceron (106-43 pne) sažeo je opšte mišljenje Rimljana kada je jednom izjavio da niko neće plesati dok ne poludi.

Najpopularniji oblik plesa za vrijeme vladavine cara Augusta (63. pne - 14. n.e.) bila je spektakularna pantomima bez riječi, koja je kroz stilizirane geste prenosila dramatične priče. Izvođači, poznati kao pantomime, u početku su smatrani prevodiocima sa stranog jezika, budući da su došli iz Grčke. Neprestano su usavršavali svoju umjetnost, a dvojica mimičara, Batyl i Pilade, postali su prave zvijezde za vrijeme Augusta Rima. Stilizovani nastup plesača, koji su nosili maske koje su odgovarale temi njihovog plesa, pratili su muzičari koji su svirali flaute, rogove i udaraljke, kao i hor koji je između plesnih sekvenci pevao o dešavanjima na sceni.

Izvor Wikipedia i 4dancing.ru

"Tu su mladići i procvjetale djevojke, željeni od mnogih,
Plešu u kružnom horu, ljubazno preplićući ruke.
Djevice u platnu i laganoj odjeći, mladi u odjeći
Lagano su odjeveni, a njihova čistoća, poput ulja, blista;
Oni - ljupki vijenci cvijeća ukrašavaju sve;
Ovo su zlatni noževi, na srebrnim pojasevima preko ramena.
Plešu i vrte se svojim vještim nogama,
Lako kao okretanje volana pod iskusnom rukom,
Ako ga siromašna osoba testira da li može lako da se okreće;
Zatim će se razvijati i plesati u redovima, jedan za drugim.
(Homer "Ilijada", prevod N.I. Gnedića)

Vrste plesova
Plesovi antike su se dijelili na vojnih i civilnih. Kasnije je došlo do podele na pozorišni ples, religiozni plesovi i drugi elementi bogoslužnih rituala, ratni plesovi, plesovi na simpozijumima, plesovi tuge itd. Svaka vrsta izvedbe - tragedije, komedije i satirične predstave - imala je svoje karakteristične plesove, neke mirne i svečane, a neke s opscenim radnjama koristeći predmete faličke simbolike. U drevnim tekstovima citirani su sljedeći plesovi:

Pirov bio je najpoznatiji među vojnim plesovima i bio je dio glavnog vojnog obrazovanja u Atini i Sparti. Vjeruje se da naziv "pirov" potiče od riječi "pira", što znači vatra oko koje je Ahilej navodno plesao na Patroklovoj sahrani.

Reljef sa rasplesanim ratnicima.
Mramor. Rimska kopija kasne Republike po grčkom modelu iz klasičnog doba.
Inv. br. 321. Rim, Vatikanski muzeji, Muzej Pije-Klementina

Epilinijum je bio "dionski" ples koji se izvodio na bačvama dok se nogama gnječi grožđe.

Emelia je izvorno kolo kultne svrhe (često uz krevet umirućeg), svečanog, veličanstvenog i uzvišenog karaktera, sporim ili odmjerenim tempom. Za razliku od pirovih plesova, izvodile su ga žene i odlikovale su ga ljepota oblika i gracioznost plastičnosti. Pokreti ruku plesača bili su posebno izražajni – složenog uzorka i izražajnog karaktera, dok su njegove noge i tijelo bili relativno nepomični. Nastala kao religiozni ples, emmelija je kasnije postala sastavni dio starogrčke tragedije.

Kordak bio je komični ples, igrali su ga glumci. Plesni pokreti uključivali su razne vrtnje i skokove mahnitim tempom. Iako je bila vezana za sadržaj predstave, ipak nije bila jednostavna ilustracija radnje. Kordak se najvjerovatnije sastojao od umetnutih komičnih scena, svojevrsne koreografske gluposti. Zanimljivo je da se ovaj ples smatrao nedostojnim ozbiljnih muškaraca.

Ples satirične drame - Sikinnis, koji je orijentisan na ukuse običnih ljudi i često predstavlja parodiju na mnoge aspekte javnog života, imao je mnogo zajedničkog sa njim.

Estates bio je svadbeni ples. U izvođenju mladenke, njene majke i prijatelja odlikovao se naglim karakterom, brzim tempom i mnoštvom okreta.

U početku je ples bio kompleks koji se sastojao od izraza lica, gesta, pokreta tijela i nogu.

U starim vekovima, izrazi lica - prvi jezik čovečanstva - bili su neraskidivo povezani sa umetnošću plesa. Štaviše, svi pokreti u davna vremena nisu se zvali ništa drugo do ples! Grci nisu prepoznavali ples samo kao izgovor za ritmičke pokrete i lijepe poze - naprotiv, nastojali su osigurati da svaki plesni pokret izražava neku misao, radnju, djelo, nešto što se obraća gledaocu. A španski plesovi, čak i danas, svojom superekspresivnošću ponekad mogu prenijeti mnogo više od običnog ljudskog govora. Vjerovalo se da su ljudi u davna vremena plesali jer su bogovi vukli ljude za konce vezane za njihove ruke i noge. Zapravo, ples je nastao iz potrebe primitivnih ljudi da komuniciraju i prenose neke vitalne informacije. Kopiranjem kretanja životinja, primitivni ljudi su pokušali da proniknu u psihičko stanje ove životinje, da shvate njenu „suštinu“, koja je primitivcima značajno pomogla u lovu, pa je stoga bila neophodna za opstanak!

Primitivni ples je, naravno, proizašao iz emocija i bio je direktno povezan s akutnim iskustvima. U početku su plesovi sadržavali i određeni element igre: u prirodi, u drugom „ja“, u „novom“ i dobro zaboravljenom „starom“. Primitivni čovjek je bio obdaren s nekoliko pokreta, ali je svaki dan donosio nove poteškoće, zbog čega su se razvijali algoritmi ponašanja i tipizacija novih gesta. Jedan od načina da se napuni drevni plesni arsenal bio je imitiranje pokreta životinja. Osnova primitivnih plesova bila je magija i ritual. Pokreti koji se izvode tokom obredne radnje uvijek su bili nekako usmjereni i imali su strogo određenu svrhu. Ples je ovdje djelovao kao sredstvo dovođenja u specifično stanje, drugačije od svakodnevnog života. Ples je stoga bio svojevrsni kanal u nepoznato i djelovao je kao prilika za kontrolu iracionalnih aspekata ljudskog života.

Svaki ples među drevnim ljudima označavao je vezu osobe sa moćnim kosmičkim energijama neophodnim da doživi važne, prekretnice u svom životu: rođenje - ulazak u odraslo doba - brak - rođenje potomstva - lov - rat - smrt. Odnosno, plesali su ne iz viška snage, već da bi je stekli.

Totemski plesovi, koji su trajali nekoliko dana, obično su bili scenarij mitova o fantastičnim putovanjima iz života prvih predaka. U totemskim plesovima različitih plemena jasno se očituje njihova glavna karakteristika - potpuna asimilacija s totemom. Rečnik totemskog plesa određen je prirodom plastičnosti određene vrste životinja, ptica ili insekata. Ovi plesovi su uvijek bili dinamični po svojoj strukturi, naglašavajući pokrete, a ne poze. U totemskim plesovima osoba se doslovno transformirala, postajući više nalik prikazanoj životinji nego sebi (odnosno, spolja je plesač stekao životinjske crte). Ovi drevni plesovi uključivali su i scene iz scena lova, igranja ptica i životinja. Najstariji ljudi znali su vješto kopirati navike životinja, kao da se u plesu pretvaraju u njih. Takva je transformacija, prema njihovom mišljenju, pomogla da se stekne hrabrost i izdržljivost karakteristična za ovu ili onu životinju. Svako pleme je imalo svoju svetu životinju, koju su obožavali, u čiju čast su plesali dok se nisu spustili. Za to ih je u borbi nagradio svim svojim vrijednim kvalitetima, donoseći sreću i pobjedu. Svaki je imao od deset do trideset vrsta muških lovačkih plesova, svaki sa posebnim imenom, posebnim pjesmama, muzičkim instrumentima, koracima, figurama i kostimima učesnika. Svaki pokret je imao svoje sveto značenje.

U lovačkim plesovima muškarci su trenirali svoje sposobnosti zapažanja, učili da prate životinje i da se kamufliraju, odnosno u plesu se odvijala psihička i fizička priprema, što je doprinijelo uspjehu u lovu.

Što se tiče ženskih rituala, oni su bili među najrasprostranjenijim u umjetnosti gornjeg paleolita. Rituali vatre i razmnožavanja, biljne sile prirode, reprodukcija životinja i lovni uspjeh povezivali su se sa slikom žene u njenim oblicima. Među nekim plemenima jugozapadne Afrike, veliku povorku sa vatrenim bakljama, organizovanu tokom neuspelog lova, predvodila je samo Velika žena. Pored ženskih plesnih rituala povezanih s kultom plodnosti, bili su rašireni plesovi u kojima su žene bile utjelovljene u slici jedne ili druge biljke korisne plemenu.

Žene su izvodile ratne plesove ili s oružjem u rukama, s vremena na vrijeme bacajući ih naprijed (što je simboliziralo potjeru za neprijateljem u bijegu) i unazad (što je imalo za cilj da udalji vlastite muževe od opasnosti). Često su se ovi plesovi izvodili ritualnim bijelim metlama napravljenim od repa bivola ili konja - žene su u cijelom plesu široko mahale tim predmetima (kako bi njihovi muževi „pomeli“ svoje neprijatelje s lica zemlje). Ratni plesovi su oduvijek bili najznačajnije ritualne radnje plemena. Izvođeni su bez prekida, danju i noću, sve dok se muškarci nisu vratili iz pohoda.

Najstariji i najrašireniji simbolički znak u plesu bio je krug. Formiranje u krug smatralo se talismanom protiv zlih sila i garantovalo je uspješan ishod rituala. U lovačkim plesovima krug je označavao krug, u poljoprivrednim plesovima simbolizirao je plodnost. U krugu su se lečili i venčavali. Međutim, kolo nije jedini poznati oblik masovnog plesa. Linije su također bile rasprostranjen oblik plesne izvedbe, posebno vojničkih plesova. Plesovi drevnih ljudi također su reproducirali tako složene figure poput lavirinta i crteža zmije koja puzi.

Za primitivnog čovjeka, stvarnost i fikcija bile su ekvivalentne. I nije slučajno da su ritualne radnje mogle trajati nekoliko sedmica – što znači da su bile od životne važnosti!
Ali postepeno ritualni početak, gdje je ples imao duboko značenje, počinje da se zamjenjuje čisto tjelesnim, zabavnim. Tako je došlo do glatkog prijelaza iz primitivnog plesa u prastari ples.

U Grčkoj su plesali svi: od seljaka do Sokrata. Ples nije bio samo jedna od obrazovnih disciplina, već su ga i odrasli rado nastavili učiti. Svi antički plesovi izvođeni su za gledaoce, a ne radi zadovoljstva i lične zabave. Procjenjuje se da je ukupan broj starogrčkih plesova više od dvije stotine. Uobičajeno se mogu svrstati u pet grupa:
- borilački plesovi - ritualni i edukativni;
- umjereni kultovi - emelije, ples vela i ples karijatida, kao i plesovi pri rođenju, svadbama i sahranama;
- orgijastičke plesove;
- javne i pozorišne igre;
- ples u svakodnevnom životu.

Okarakterizirajmo najznačajnije plesne grupe:

A) Ratni plesovi
"Pyrrhus" je jedan od najupečatljivijih ratnih plesova. Bio je poznat i kao "pirihijum", "pirihija". Nastao je u Sparti. Ovaj ples smo počeli učiti sa pet godina. U suštini, pyrrhiha je virtuozni ples sa mačevima i štitovima. Pirih je bila jedna od omiljenih gozbenih zabava, posebno kada su je izvodili plesači.

B) Kultni plesovi
Emmelia je vrlo odmjeren ples u sporim ritmovima, kao što su kolo i farandole.

Ples vela i ples karijatida su življi. Karijatide su iste one plesačice koje su u svojim plesovima prvi koristile tehniku ​​plesa na špicama. Doista, špic su se koristile u antici, ali nisu bile slične modernim. Antique pointe cipele su postolje na vrhovima prstiju, ali bosonoge, bez posebnih cipela. I muškarci su plesali na ovaj način.

B) Pozorišni plesovi
Svaka od tri vrste pozorišnih predstava klasičnog doba imala je svoj ples: tragediju karakteriše emelija; za komediju - kordak; za satiričnu dramu - sikkanida.

Plesove kao spektakularnu zabavu vodili su mimovi (bufoni, klovnovi, akrobati, žongleri). Bez njih nije prošla ni jedna gozba bogatih i uglednih građana. Nabrojimo karakteristike virtuoznog mimičarskog plesa:
- tehnika se zasniva na okretanju nogu;
- vježbao ples na špicama i razne skokove;
- omiljeni način - oštro okretanje tijela u ravninu okomitu na noge;
- akrobatski kubizam (ples na rukama u raznim pozama) i virtuozni pirin tipični su za plesače;
- popularan je ples sa šoljama i korpama;
- karakteristična tehnika u grčkim plesovima je savijanje ruke prema gore pod pravim uglom.

I Grci su imali čitav sistem, složenu tehniku ​​igranja rukama u plesovima - hironomiju. Ruke su oduvijek govorile konvencionalnim jezikom čiji je ključ, nažalost, danas izgubljen.
Ritualni plesovi u staroj Grčkoj su vrlo raznoliki, ali se konvencionalno dijele na dva glavna plesna kulta: "svjetlo" u čast boga Apolona i "mračno" u čast boga Dionisa. Ostatke starogrčkih ritualnih plesova u čast Apolona i drugih svjetlosnih bogova možemo promatrati u običnom dječjem novogodišnjem kolu. Jedina razlika je u tome što predmet obožavanja nije statua, već smreka. Korenska veza ovih rituala seže u davna vremena, kada je bilo uobičajeno da se ritualno čišćenje vrši pred početak Nove godine. Međutim, u antičkom svijetu postojali su i drugi plesni rituali koji su koncentrirali upravo sve što je izbačeno iz svečanog apolonskog kulta: pobuna gesta, superiornost tijela nad duhom. Sve mračno i opsceno izlilo se na festival posvećen Dionizu, bogu plodnosti.

Razvoj plesa u starom Rimu, njegova razlika od starogrčkog plesa.

Dok je Grčka svaku proslavu slavila raznim plesovima, stari Rimljani koristili su samo ratne i divlje plesove. Ako su stari Grci kombinovali i racionalne i orgijastičke principe u raznim vrstama svojih plesova, onda su se stari Rimljani, po svemu sudeći, odlikovali racionalnijim načinom razmišljanja. To može potvrditi činjenicu da o drevnim rimskim plesovima gotovo da i nema detaljnih dokaza.

Analiza kulture starog Rima pokazuje nam jasnu podelu na kulturu „elite“ i kulturu običnih narodnih masa. To se nesumnjivo odrazilo na razvoj plesne kulture. Ako nemamo nikakvih podataka o plesovima elite, onda postoji mnogo referenci na plesove robova. Tek kasnije, za vrijeme vladavine Nume Pompilija, nimfa Egeria dala je Rimljanima nova pravila za nove plesove. To su bili salijanski plesovi, za koje je dvanaest svećenika izabrano među predstavnicima plemićkih porodica - morali su plesati u hramovima, veličajući bogove i heroje.
Osim toga, u Rimu je procvjetao pirin. Istina, riječ "pyrrhiha" ovdje je dobila novo značenje - tako se počeo zvati ansambl ples općenito, za razliku od solo plesa.

U Etruriji, koja je bila civiliziranija, sve su umjetnosti procvjetale mnogo prije osnivanja Rima - postojali su odlični glumci mimičari i postojao je veliki izbor plesova. Iz ove zemlje u Rim su dolazili plesači koji su svoje bizarne plesove pratili na frulama - zvali su ih histriones (od riječi "histor", što je značilo "mitski glumac"). Tokom svojih nastupa izjavljivali su cijele pjesme, a sva rimska omladina je počela da ih oponaša. Rimljani su se najviše od svega zaljubili u pantomimu: i dalje su bili zgroženi orgijastičnim početkom dionizijskih svečanosti, a od apolonskih ritmova ostavili su samo kulturu lijepog gesta (starorimski izrazi lica se do danas koriste gotovo nepromijenjeni ). Rimska strast za pantomimom i divljenje prema određenim izvođačima dostigla je tačku da je za vrijeme Avgustove vladavine cijeli Rim, takoreći, podijeljen u dva neprijateljska tabora: jedni su bili pristalice slavnog plesača i mimičara Pilada, drugi su priznavali samo Bafila. .

Kasnije, sa rastom Rimskog carstva, uticaj Grčke i Istoka doveo je do razvoja plesne kulture u starorimskom društvu, pa čak i do pojave plesnih škola. Najvjerovatnije, njihovi prvi osnivači bili su mimi.

Značenje i raznolikost plesa u starom Egiptu.

Spomenici umjetnosti i književnosti koji su dospjeli do nas dokazuju da je ples u starom Egiptu bio od velikog značaja. Gotovo ni jedan festival, niti jedna svečana vjerska ceremonija nije prošao bez plesa. Ples je dominirao u Egiptu kao izraz radosti i bio je sinonim za riječ "radovanje". Među nazivima plesova starog Egipta najčešći su ib, mww, tereb, nebeb, čija je slika dobro očuvana na reljefima. Odrednica svih plesova je figura osobe sa podignutom rukom i nogom. Ples mww je očigledno služio i kao pogrebni ples.

Većina svetih drevnih egipatskih kultova bila je okružena plesnim ritualima. Predstave vezane za mit o Ozirisu i Izidi, koje su trajale nekoliko dana zaredom, bile su graciozne i svečane. Slične kultne radnje uključuju i ples koji prati službu žena pred svetim egipatskim bikom Apisom. Bogovi zaštitnici zabave, muzike i plesa među Egipćanima, pored Hatore, bili su i Nehemaut i bradati patuljasti Hatij (prikazano je kako pleše i svira muzičke instrumente ispred boginje Hator). Očigledno je već u doba Starog kraljevstva vjerski ples patuljaka igrao istaknutu ulogu u egipatskim ritualima i bio je vrlo cijenjen. U Egiptu su postojali i takozvani astronomski plesovi svećenika koji su prikazivali kretanje raznih nebeskih tijela skladno raspoređenih u svemiru. Pokušajmo ukratko opisati ovaj jedinstveni, po našem mišljenju, ples. To se odvijalo u hramu: oko oltara, postavljenog u sredini i koji predstavlja sunce, sveštenici obučeni u svetle haljine, koji predstavljaju znakove zodijaka, glatko su se pomerali i kružili. Prema Plutarhovom objašnjenju, prvo su se kretali od istoka prema zapadu (podsjećajući na kretanje neba), zatim sa zapada na istok (imitirajući kretanje planeta), a zatim su se zaustavili kao znak nepokretnosti zemlje. Ovaj ples je jasan primjer kako su različiti plesni rituali oblikovali kod ljudi ne samo ideju o planetarnom sistemu i harmoniji vječnog kretanja (kao u ovom slučaju), već su i općenito odredili duhovni razvoj svakog naroda.

S obzirom na važnu ulogu koju je igrao ples u egipatskim ritualima, možemo zaključiti da su u Egiptu postojale posebne ustanove u kojima su se plesači obučavali. Kao potvrdu toga, naišli smo na nekoliko indicija da je Amonov hram imao svoju koreografsku školu koja je obučavala sveštenice – plesačice.

Uz plesove koji se sastoje od skladnih ritmičkih pokreta, u Starom Egiptu su bili vrlo česti plesovi, koji su bili direktne vježbe agilnosti, fleksibilnosti, a ponekad su se u potpunosti pretvarali u čisto gimnastičke vježbe. Što se tiče kostima, pronašli smo samo podatak da su plesačice nosile kratku kecelju, ponekad sa pojasom oko struka, koja je bila vezana omčom. Žene su plesale ili gole ili u dugim i providnim haljinama. Ali u ritualnim plesovima, plesači su morali biti obučeni (tako su izražavali poštovanje prema svetoj životinji ili božanstvu). Ruke i noge plesača uvijek su bile ukrašene narukvicama, prsa ogrlicom, a glave vrpcom ili lotosovim cvijetom. Imamo i podatak da su u starom Egiptu plesali uz pratnju muzičkih instrumenata (harfa, lira, lutnja i dupla flauta), pjevajući i pljeskajući.

Novim kraljevstvom dominirao je ples koji je još uvijek vrlo čest na istoku - Almey ples, koji se plesao u dugim prozirnim haljinama sa resama uz zvuke tambure ili kastanjete.

Proučivši tako razvoj i utvrdivši značaj plesa u glavnim antičkim državama, jasno smo se uvjerili da je ples neophodna za duhovni razvoj svakog naroda.

Nacionalni plesovi Španije i Indije kao odraz nacionalnog karaktera ovih zemalja.

Nacionalni plesovi su neraskidivo povezani s posebnostima nacionalnog karaktera bilo kojeg naroda. Nije ni čudo što je Lev Nikolajevič Tolstoj napisao: "duša naroda je u igri." Odavde možemo izvući zaključak: da bi se razotkrila duša jednog naroda, dovoljno je samo detaljno se upoznati sa njegovim nacionalnim plesom. Pokušajmo, na primjeru dvije zemlje: Španije i Indije, kroz nacionalne plesove ispitati nacionalne duše naroda ovih zemalja.

Maksimilijan Vološin je pisao početkom dvadesetog veka: „Španija uvek pleše, pleše svuda. Pleše ritualne plesove na sahranama kod kovčega pokojnika; pleše u seviljskoj katedrali ispred oltara; plesovi na barikadama i prije smrtne kazne; pleše dan i noć..."

Ne možemo govoriti o španskim plesovima općenito, jer je folklor svake pokrajine izuzetno originalan i jedinstven. Tako su, na primjer, sjeverni španjolski Baski hrabri - strogi i arhaični, Kastiljani su suzdržani - napeti, Aragonci su, naprotiv, zarazno veseli i direktni, ali plesovi juga Španije - Andaluzija i Murcia - su posebno strastveno. Ali bilo je i plesova koji su bili zajednički za cijelu zemlju. Među tim plesovima prvenstveno je bio ples fandango. To je nacionalni motiv Španije. Fandango muzika je imala ogromnu moć nad dušom i srcem svakog pravog Španca, kao da je iskrom zapalila njihova srca. Ples je počeo polako, ali se postepeno ubrzavao. Neki plesači su se naoružali kastanjetama, drugi su jednostavno pucnuli prstima, žene su petama otkucale takt uz zvuk gitare i violine. Fandango se pleše u tri koraka, brzo, kao vihor, vrlo karakterističan i temperamentan. Klasični fandango je bio ples u paru, zasnovan na igri partnera, u kojoj je zabranjeno svako dodirivanje, na svađi, takmičenje koje se sastoji od približavanja i udaljavanja plesača jedan od drugog, pri čemu igra ekspresivnost očiju i gesta. veliku ulogu.

Pogledajmo ukratko još jedan nacionalni ples - bolero. Ovaj ples se pojavio tek krajem 16. veka, a izmislio ga je Sebastijan Seretso (čuveni koreograf za vreme vladavine Karla III). Bolero je vrsta španjolskog baleta, koji polako ali neumorno učvršćuje svoju poziciju u kanonima klasičnog plesa. Rekli su da se “fandango zapali, a bolero opija”. Naravno, govoreći o španskim karakterističnim nacionalnim plesovima, ne možemo ne spomenuti čuveni flamenko. To prije nije ples, već čitava grupa plesova. Flamenko potiče iz južne provincije Španije, Andaluzije. Još uvijek nije moguće precizno odrediti značenje riječi flamenko. Iako postoji mnogo verzija, najprikladnija je, po našem mišljenju, da “flamenko” dolazi od latinske riječi “flamma” (vatra), budući da je ples zaista “vatrene” prirode; prvobitno je bio ritualan i datira još iz vremena kulta vatre. Postoji i zanimljiva verzija da ova riječ dolazi od imena ptice flamingo, jer kostimi plesača naglašavaju vitku figuru, kao i hirovite pokrete ove egzotične ptice. Sam ples je vrlo originalan; "Bailaor" (plesač flamenka) mogao je da igra sam, što je naglašavalo njegovu nezavisnost od sveta. Bailaor je samostalno izražavao sva osjećanja karakteristična za kolektivni ples. Općenito, jedan ples je podrazumijevao tihu kolektivnu akciju. Baylaor se takmiči sam sa sobom u ovom plesu - otuda zadivljujuća izražajnost i strast plesa, duboka osjećanja i duhovni rad. Poseban značaj u izvođenju svih flamenko plesova pridaju se pokretima ruku, koji predstavljaju jezik plesa. Nije ni čudo što je Ovidije rekao: "Ako imaš glas, pjevaj, ako imaš meke ruke, igraj." Ruke žena u flamenku su fleksibilne, izražajne, osjetljive; prsti su u stalnom pokretu. Kod muškaraca, naprotiv, pokreti ruku su strogi, uzvišeni, sa jasnom plastičnošću; presecaju vazduh poput udarca mačem.

Na osnovu opisa glavnih španjolskih plesova možemo identificirati tri glavne komponente španjolskog plesa: ponosan stav tijela, koji podsjeća na matadora, fleksibilne i izražajne pregibe ruku plesača i zapateado (ritmično škljocanje plesačke potpetice). Sve to savršeno karakterizira nacionalnu dušu španjolskog naroda, koji je neobično strastven, izražajan, emotivan, gorljiv i temperamentan.

Osobine razvoja indijske plesne kulture (ljubavna orijentacija).

Prema jednoj legendi, ples u Indiji je nastao zahvaljujući bogu Šivi Razaraču. Sam Shiva je bio izvrstan plesač i naučio je svoju ženu Parvati umjetnosti plesa, koju je najviše volio. Plesao je tandavu, energičniju formu, a Parvati je plesala lasya, profinjeniji, graciozniji oblik. Tradicije takođe govore da je Brahma, Stvoritelj, bio veoma zabrinut zbog svađe i nereda koji su vladali na Zemlji. Pošto su bramani čuvali četiri Vede u strogoj tajnosti, odlučio je da stvori petu Vedu, dostupnu svima. Umjetnost pozorišne glume, kojoj je Natyaveda bila posvećena, Brahma je prvi podučio mudraca Bharatu. Bharata je Šivi pokazao svoju trojstvenu umjetnost - dramu, muziku i ples. Sjećajući se vlastitog energičnog plesa, Šiva je naredio glavnom pomoćniku iz svoje pratnje da poduči Bharatu umjetnosti tandave. Bharata je spojio ovu umjetnost sa znanjem koje je već imao i napisao Natyashastru, sveobuhvatno djelo o pozorišnoj umjetnosti. Bharata i drugi mudraci širili su ovu umjetnost među narodima Zemlje.

Dakle, ove tradicije jasno definišu vezu umetnosti plesa, muzike i drame sa božanstvom i besmrtnošću. Još uvijek možemo vidjeti koliko je klasični ples u Indiji snažno povezan s religijom i mitologijom. To se najjasnije očituje ne samo u izboru utjelovljenih tema, već iu načinu izvođenja plesa. Što pak direktno utiče na formiranje duhovnog života u Indiji.

Centralni motiv kulta Višnjica vekovima je bila želja čoveka za jedinstvom sa božanstvom. Bogovi su odgovorili ne samo reciprocitetom, već i „individualnim pristupom“. Ples rias lila, koji se izvodi u Braju, lokalitetu u Mathura regiji u Utar Pradešu, gdje se kaže da je Krišna rođen i živio, prikazuje Krišninu sposobnost da u svakoj od gopija (djevojčica pastirki) stvori iluziju da ona pleše na njemu. sama pleše sa njim. Tako je izražena alegorija smrtne duše koja s povjerenjem i ljubavlju pristupa božanstvu, tradicionalna za duhovni život Indije. Rias-lila je prekrasan ples, koji se i danas izvodi uz prikladne napjeve.

To su indijska božanstva s mnogo lica s brojnim pričama povezanim s njima i čine tematsku osnovu indijskog plesa. U plesu se događaji ne navode jednostavno, već se otkriva njihova simbolička suština i afirmiše vjera – snagom stiha, muzike i pokreta. Svi klasični plesni oblici u Indiji imaju dva aspekta: Nritta i Nritya. Nritya se može opisati kao čisti ples, odnosno apstraktni pokreti tijela usklađeni s hastama (gestikulacijama rukama). Nritya je kombinacija čistog plesa sa zapletom. Ali ples zapleta se ovdje jako razlikovao od pantomime. Ovo nije samo imitacija ljudskog ponašanja. Pored nritte i nritye, postoji i treći aspekt u plesnoj tradiciji Indije. Ovo je natya, odnosno izvedba radnje i gestova sa ili bez plesa. Općenito, ovo je vrsta dramske umjetnosti. Sva ova tri aspekta se, međutim, smatraju usko povezanima jedan s drugim. Govoreći o umjetnosti plesa, po našem mišljenju, potrebno je napomenuti jednu od najupečatljivijih karakteristika razvoja indijske kulture u cjelini. Ovo je duboka veza između različitih vrsta umjetnosti. Ako su muzika, ples i drama bili izuzetno bliski plesnoj kulturi, onda književnost, slikarstvo, skulptura, pa čak i arhitektura takođe nisu bili razdvojeni ili izolovani od plesne tradicije. Uloga književnosti u plesu je bila i ostaje izuzetno važna, budući da je nritya, na primjer, interpretacija poezije plesom. U Indiji postoje čak i čitave pjesme posebno napisane za plesnu izvedbu. Najbolji primjer je, po našem mišljenju, klasično djelo sanskritske književnosti 12. stoljeća “Gida - Govinda” od Jayadeve. Pošto je ples u početku zauzimao veliko mesto u hramskim ritualima, arhitekta je obezbedio specijalnu platformu na zemljištu hrama. Čuveni hram Brihadeeswara u okrugu Thanjavur u Tamil Naduu ima veliku dvoranu izgrađenu isključivo za plesne nastupe. Hram Sunca u Kanaraki, Orisa, ima ogromnu i zamršeno ukrašenu plesnu dvoranu, Nata Mandal, čija blizina mora daje eteričnu ljepotu.

Zidovi hramova u različitim dijelovima Indije, posebno na jugu i Orisi, ukrašeni su raznim frizovima i panelima koji prikazuju plesače i muzičare.

Glavne vrste balskih plesova u 16. - 17. vijeku

U Shakespeareovoj komediji Puno buke oko ničega, jedan od likova, po našem mišljenju, briljantno karakterizira glavne plesove koji su postojali na prijelazu iz 16. u 17. stoljeće: „Udvaranje, brak i pokajanje su isto što i škotski jig, odmjereni ples i galijard: prvi je vatren i brz kao škotski džig, i pun mašte; brak je pristojno skroman, poput odmjerenog plesa, pun dostojanstva i starine; a onda nastupa pokajanje i sa razvijenim nogama sve brže pada u galijar dok ne padne u grob.” To su bili glavni pravci plesa na prijelazu iz 16. u 17. vijek. Treba napomenuti i to da ako su do kraja 16. i djelimično u 17. stoljeću dominirali parter, „niski“ plesovi (bas plesovi) koji nisu zahtijevali skakanje od izvođača – branle, pavane, zvončići, onda počela je era laganih "letećih" francuskih plesova.

1. Branle.

Škola plesnog plesa nastala je u doba renesanse i može se smatrati da su branle, narodne i salonske, temeljni početak daljeg razvoja plesne umjetnosti. Ovaj ples je prvobitno bio narodni, a iz tog seljačkog oblika rođen je njegov balski oblik i odlikovao se samo velikim brojem naklona i uglađenih pokreta, dok je u narodnom prevladavalo tapkanje. Glavni pokreti branle uključivali su pavante, courante i gavotte. Muzičku pratnju ovog plesa činili su prilično monotoni udarci tambure, zvukovi flaute i monotono pjevanje plesača. Ako su stariji voleli da plešu spore duple branle, sredovečni su plesali branle sa reprizom, onda su mladi više voleli veselu branlu sa skakanjem i podizanjem nogu napred u vazduh. Tako su jednostavne branle bile izvor svih salonskih plesova koji su se kasnije pojavili.

2. Pavana.
Pavana je jedan od najstarijih španskih plesova koji su nam poznati. Pavane i zvončići u 16. veku bili su glavni i najomiljeniji plesovi. Samo pojava menueta natjerala je ljude da zaborave prvo zvono, a zatim pavante. Vjeruje se da je pavana italijanskog porijekla, jer je Katarina Mediči bila zaštitnica svega italijanskog. Glavna zasluga pavana je, po našem mišljenju, što je prvi put da javni plesovi dobijaju određene forme, karakter i stil izvođenja. Prije pavana, brojne mekinje su se međusobno razlikovale samo po nazivu. Pavane je imalo i specifičan cilj - pokazati društvu veličanstvenost plesača i bogatstvo njihovih kostima. Pokret pavane bio je pokret paunice koja se šepurila. Druga razlika između pavane i branle bila je u tome što su pavane figure počinjale početkom muzičke fraze, dok je u branli bio samo tempo. Pavanu su plesali po jedan ili dva para, a postojao je i strogi redoslijed njihovog reda u zavisnosti od porijekla i društvenog statusa. Kralj i kraljica su otvorili loptu, zatim druge plemenite osobe.

3. Menuet.
Niti jedan ples 16. - 17. stoljeća nije bio toliko popularan kao menuet, koji je općepriznati primjer salonske plesne umjetnosti. Tokom nekoliko vekova, menuet se ili uzdigao do vrhunca plesne slave, ili je bio podložan privremenom zaboravu, ali nikada nije u potpunosti zamenjen drugim plesom. Istoričari plesa kažu da je menuet ples kraljeva i kralj plesova. Na prijelazu iz 18. stoljeća, aristokratsko društvo je svoj stav prema menuetu izrazilo sljedećom frazom: „Ko dobro pleše menuet, sve dobro radi“. Glavne odlike menuetskog izvođenja bile su ceremonijalnost, galantnost i svečanost. Korak menueta bio je vrlo gladak i jedan pokret je slijedio iz drugog. Pas grob - što znači "važan, veličanstven korak" - jedan je od glavnih plesnih elemenata menueta. U 18. vijeku, tokom baroknog perioda, pojavio se dinamičniji, „brzi menuet“. Ali menuet se na balovima u 19. veku prikazuje nešto drugačije. U ovim scenskim menuetima, kao iu čuvenom menuetu iz Mocartovog Don Đovanija, koji se oduvek smatrao klasičnim primerom ovog plesa, određeni broj plesnih pozicija ne odgovara originalnom menuetu iz 17. veka. Što, po našem mišljenju, ni na koji način ne umanjuje užitak scenskog menueta, već naprotiv svjedoči o ogromnom plastičnom bogatstvu ovog plesa. Pošto je preživio mnoge ere, menuet, nažalost, nije opstao do danas, a ovaj ples možemo gledati samo na pozorišnoj sceni.

Dakle, detaljnije smo se zadržali na opisu glavnih dvoranskih plesova 16. - 7. stoljeća, jasno smo se uvjerili da među najvažnijim odlikama plesova ovoga vremena možemo izdvojiti kao što su glatkoća, pravilnost, važnost, što je prirodno bila karakteristična za ideologiju cjelokupnog života tog vremena .

Formiranje i razvoj plesne kulture u Rusiji

Koncept „plesa“ su Rusima dali Poljaci koji su u Moskvu stigli u vreme nevolje sa Dmitrijem Pretendentom. Prije toga u Rusiji nije bilo „salonskih plesova“, kao u zapadnoj Evropi. Po kulama su se igrala ženska kola, a u narodu je cvetao ples. Općenito, odnos prema plesu bio je oprezan. “Luda zabava” u kombinaciji s plesom smatrana je “đavolskim izumom koji uništava dušu”, “demonskom igrom”.

Pod Mihailom Fedorovičem Romanovom, za kraljevsku zabavu bili su pozvani zabavljači - Nemci i Poljaci, uključujući i plesače. Godine 1673. Orfej, komad s pjevanjem i plesom, izveden je u komedijskoj odaji u Kremlju. U prologu, Orfej je pevao kraljeve hvale, a zatim je zaplesao sa dve piramide. U to se vrijeme ljubav prema plesu razvila ne samo na kraljevskom dvoru, već i među plemenitim moskovskim ljudima koji su postavili vlastita kućna pozorišta (bojar Morozov, knez Golitsin, Dolgoruky).
Mladi car Fedor, koji je zamenio Alekseja Mihajloviča, nije bio ljubitelj zabave. Ljubav prema plesu podržavala je samo vladarka Sofija, koja je okupljala djevojke u svojim dvorcima i “uređivala plesove”.

Prekretnica se dogodila pod Petrom I. Nakon zamjene dugih muških odijela kratkim kamizolima, ruski plesovi su nestali iz dvorskog života. Umjesto toga, Petar je uveo strane plesove. Ukazom cara, pod pretnjom okrutne kazne, svim ruskim devojkama je naređeno da plešu. Ruske dame i gospodo naučili su menuet, polonezu i seoski ples od zarobljenih švedskih oficira. Sam Petar, njegova supruga Katarina i kćerka Elizabeta su sudjelovali u plesovima i to su, prema riječima suvremenika, učinili prilično graciozno. Odnos prema plesu u to vrijeme više je ličio na ozbiljnu, gotovo “državnu” stvar, što se odrazilo na cijeli poredak plesnih ansambala.

Tako su se u ovo doba u Rusiji „bezopasni“ plesovi na prvi pogled pretvorili u svojevrsno oružje društvene borbe protiv „reakcionarnih bojara“. Nesposobnost plesa postaje sramotna, pa bojari počinju sebi postavljati učitelje (majstore plesa). Na skupštinama su utvrđena strogo razvijena pravila ponašanja, način komuniciranja sa damom u plesu, pa čak i u naklonu. Bilo je i brzih plesova, uključujući i improvizacijske. Rekli su da je i sam Petar volio mijenjati figure, namjerno plašeći i ismijavajući one koji ne znaju plesati.
Jedna od okolnosti koja karakteriše odnos prema plesu je da sada plesni pokreti više nisu bili determinisani ni na koji način: ni ritualom, ni jednostavno prirodnom ljudskom telesnošću, pa se, po našem mišljenju, javlja tupi osećaj protesta prema obavezama koje nameću. vani.

Uvođenje balova (“skupština”) Petra I izazvalo je negodovanje kod starijih ljudi i veliko oduševljenje mladih. Budući da je ruski život u predpetrinsko doba bio prilično tužan iz dana u dan: glavna aktivnost je bila odlazak u crkvu, a zatim sjedenje u vili. Javna zabava se nije praktikovala, samo su se vjenčanja odlikovala izuzetnom pompom. Zanimljivo je, po našem mišljenju, da Rusi nikada nisu razvili plesove u paru, po našem mišljenju, to se može objasniti posebnostima pravoslavne vjere, gdje nikada nije postojao kult Majke Božje, kao u katoličanstvu. Osim toga, pravoslavlje je postavljalo strože moralne zahtjeve prema ljudima, pa je oslobađanje tjelesne energije bilo nemoguće u očiglednom, otvorenom obliku. Odnos prema dionizijskim plesovima u Rusiji bio je vrlo strog; Petrove reforme učinile su život društva skladnijim: nije bilo potrebe da se skriva želja za zabavom, štoviše, ta želja je postala glavni prioritet među bogatim ljudima. Najčešći plesovi na Petrovim saborima bili su menuet, pavane, zvončić i drugi. Ali Peter ih je smatrao vrlo dosadnim i izmislio je svoj ples, mnogo živahniji. Nakon toga, pod Anom Ionovnom, nije samo strana zabava došla u modu. Carica je voljela i ruske plesove („bychok“ ili „kamarinskaya“).

Društveni život u 19. stoljeću, njegov odraz u razvoju plesne kulture.

U odnosu na prethodnu eru, 19. vijek je pojedincima pružao mnogo veću slobodu u izboru životnog puta. Oslobođenje se takođe dogodilo na čisto duhovnom nivou. Ideja o Bogu postepeno je nestala u 19. veku. Svjetovni život, koji je postao toliko popularan u prethodnom razdoblju, zamjenjuje crkveni život u tolikoj mjeri da se Boga sjeća samo nedjeljom. Ideali društva se ponovo okreću individualizmu. Romantična poletnost, težnja duhovnog ropstva, težnja ka drugim, višim idealima, karakteristični za javno raspoloženje u ovom periodu, jasno su se očitovali u plesu. Valcer postaje kralj svih plesova, što je način emancipacije od konvencija koje su još uvijek bile oslonac društvenog života.

U 19. veku škola francuskog plesnog salona postepeno je nestala. Tako se lagani skokovi, koji su se smatrali obaveznim u 18. vijeku, postepeno zamjenjuju jednostavnim koracima. Na balovima se pojavljuje pozicija „dirigenta plesa“ („steward“), koji je bio svojevrsni komandant koji je pratio vođenje bala. Bio je običaj da se bal otvara valcerom, čiju su prvu rundu obično davali najčasnijim ličnostima iz reda gostiju, ako domaćini večeri tu čast ne odaju samom upravniku.

U 19. veku u Sankt Peterburgu su se dvorski balovi održavali u Zimskoj i Aničkovoj palati i bili su izuzetno popularni. Lopta je počela polonezom, nakon čega je uslijedio menuet. Bal ne bi bio potpun bez mazurke i, naravno, valcera. U to vrijeme pojavio se još jedan ples, čiji je uspjeh zasjenio popularnost svih ostalih - polka. Bal je završen plesom – igrom kotijona, svojevrsnom oproštajnom predstavom svih učesnika.

Pogledajmo bliže valcer.

Valcer nije imao nijednu od karakteristika modernog salonskog plesa. Osim toga, prije valcera nije bilo salonskog plesa gdje bi dama bila zagrljena oko struka, gledajući je pravo u oči. A upravo u valceru dama i gospodin prvi put postaju slobodni plesački par. Bilo je zvaničnih i nezvaničnih protesta protiv valcera. U Beču je u prvoj deceniji 19. veka bilo zabranjeno plesati valcer duže od deset minuta. Na balovima koji su se održavali u palatama njemačkih kajzera, valcer je bio zabranjen gotovo cijeli 19. vijek, jer se smatrao "senzualnim i opscenim plesom". Konzervativno englesko društvo usvojilo je valcer četvrt stoljeća kasnije od većine drugih evropskih zemalja. U Rusiji je valcer takođe bio proganjan. Katarina II ga nije voljela, a pod Pavlom I objavljena je policijska naredba koja zabranjuje “upotrebu plesa zvanog walsen”. Ali sve je to samo pojačalo žudnju za plesom, a 19. vek je prošao pod simbolom valcera, plesao se u svim krugovima društva. Valcer je imao značajan uticaj na razvoj celokupne evropske muzike 19. i 20. veka.

Četrdesete godine 19. veka bile su vreme brze strasti za polkom ne samo u Parizu, već i širom Evrope, uključujući i Rusiju. Jer plesali su bukvalno svi i svuda, bez obzira na godine i društveni status.

Najmoderniji toaleti i posuđe zvali su se “a la Polka”. Engleske novine su se tada čak šalile da je politika izbledela u pozadini, ustupajući mesto Poljakinji.
Pod Katarinom II, mazurka se prvi put pojavila u Rusiji, ali tada gotovo nije imala uspjeha. Tek početkom 19. veka ovaj ples je postao veoma popularan u ruskim gradovima. U to vrijeme mazurka je postala rasprostranjena u drugim evropskim zemljama, posebno u Češkoj, Mađarskoj i Francuskoj. U Rusiji su postojale dvije mazurke: salonska i narodna. Modni francuski plesni majstori dali su narodnoj igri salonski karakter i potreban sjaj. U ovoj verziji, mazurka se plesala u najvišem peterburškom društvu. Mazurka je postepeno zamijenila francuski kadril i postala apogej lopte, označavajući njenu kulminaciju.

Možemo reći da s pojavom kankana počinje nova plesna era. Kankan je nastao u Parizu oko 1830. Bio je to ženski ples koji se izvodio na sceni, praćen visokim udarcima nogama. Godine 1860. u Sankt Peterburgu su se otvorili brojni plesni časovi, gdje su plesali uglavnom kankan.
Dakle, detaljno proučavajući najpopularnije plesove 19. stoljeća i jasno ucrtavši odraz društvenog života u plesnu kulturu tog vremena, možemo izvući zaključak o značaju plesa u to doba. Glavni zadatak plesa, po našem mišljenju, bio je održavanje kulture tijela na ravnopravnoj osnovi sa kulturom duha. Ali za razliku od ranijih epoha, tjelesna kultura nije podrazumijevala duhovnu, vjersku osnovu, a razvoj tjelesne kulture je sve više postajao sam sebi cilj za ples.

Razvoj ruske plesne kulture u prvoj polovini 20. veka.

Do 20. vijeka u Rusiji je postojalo već oko 17 plesova, među kojima su najpopularniji bili: polka, mađarski, minion, fandango, figurirani valcer, mazurka i mnogi drugi. Do 20. vijeka, mnogo toga u plesnoj kulturi se promijenilo. Prije svega, mijenja se kvalitet plesne izvedbe, mijenja se osnova, put kojim je išao razvoj svjetske plesne umjetnosti. Nakon hiljadugodišnje pauze, Olimpijske igre ponovo postaju izuzetno popularne, a odavde dolazi do približavanja plesa i sporta, a povećava se i stepen dinamike nastalih plesova: tanga, fokstrota, tvista, rokenrola.

Nakon nestanka balova kao oblika masovne zabave u 19. veku, restorani su počeli da delimično zamenjuju svoje funkcije (verovatno zato što su na balovima ne samo plesali, već i večerali). Tako su u drugoj polovini 19. veka restorani kombinovali i kuhinju i često pozorište (u Rusiji, na primer, restorani: „Yar“, „Strelna“ i mnogi drugi). Francuski restorani s kraja 19. veka bili su poznati po kabareu sa polupristojnim ženskim plesom, čiji su plesači, po našem mišljenju, imali mnogo zajedničkog sa plesačima antičke Grčke i Rima. Prisustvo takve zabave i njena dostupnost imali su veliki uticaj na društveni život tog perioda, na celokupnu plesnu kulturu ranog 20. veka.

Početak 20. veka u plesnoj kulturi može se okarakterisati rečima: „u potrazi za stilom“, jer je u to vreme sve staro bilo uništeno, a novo maglovito i nejasno. A u određivanju stila ove epohe, ples je imao značajnu ulogu, jer je, po našem mišljenju, izvanrednom svjetlinom odražavao estetske težnje svog stoljeća, bio je svojevrsni most između svijeta svakodnevnog života i svijeta fantazije . Prekretnica u političkom životu ranog 20. vijeka za sobom povlači i prekretnicu u stvaralačkom životu ovog perioda. To se nije moglo ne odraziti na ples. Prava revolucija u plesnom životu ovog perioda bila je pojava tango plesa. Tango je bio bal, salonski ples, a ne pop ples. Za izvođenje ovog plesa bili su potrebni besprijekoran frak i elegantna, pripijena haljina, jer je ovaj ples bio vrlo stroge prirode i nisu bile dopuštene slobode. Plesačica tanga je ličila na čvrsto zategnutu tetivu luka, sa stabilnim izrazima lica i maksimalnom nepokretnošću tijela. To je glavna razlika između tanga i prethodnih plesova, koji su neizbježno uključivali trčanje, skakanje, poskakivanje, općenito, sve ono što je tijelo izvlačilo iz stegnutog stanja.

Tango se bazirao na ritmičkom pokretu, što je, po našem mišljenju, i bio razlog velike popularnosti ovog plesa, jer su sada svi mogli da plešu, čak i oni koji ranije nisu mogli da „skaču kao koza“ po sali. Dakle, možemo zaključiti da je tango odredio stil cjelokupne plesne kulture prve polovine 20. stoljeća.

20. vek se nastavlja...

Umorni stari plesovi, promjenjiva društvena klima, želja mladih da pronađu i ostvare svoj stil, drugačiji od drugih - sve je to dovelo do izvanrednog rasta različitih pravaca plesne kulture u 20. stoljeću. Možemo reći da je u 20. veku ples prvi put dobio tako neviđeni obim i pretvorio se u masovni oblik dokolice. A čak ni najpopularniji balovi 19. veka ne mogu se, po našem mišljenju, porediti sa tako snažnom plesnom „epidemijom“ koja nas je zahvatila u 20. veku. Rep, hip-hop, breakdancing, rave, house, techno, trance samo su mali dio trendova koji su zahvatili cijeli svijet u drugoj polovini 20. vijeka.

Platon je također rekao: “Priroda svih mladih stvorenja je vatrena i stoga nije u stanju da ostane mirna ni u tijelu ni u glavi, već neprestano vrišti i nasumično skače.” Po našem mišljenju, ove riječi najbolje se mogu pripisati opisu duha plesne kulture s kraja 20. stoljeća. Općenito, duh ovog vremena karakteriziraju temperament i dinamika. I sada možemo sa sigurnošću reći da je većina modernih plesova prerasla u sport. To je, naravno, povezano i sa duhom vremena. Nije uzalud da su se sport i Olimpijske igre ponovo rodile u 20. veku. Drugi važan faktor u zbližavanju plesa i sporta za žene bila je, po našem mišljenju, promjena standarda ljepote. Uhranjene ljepotice 19. vijeka zamjenjuju mršave manekenke. Mnoge žene, djevojke koje plešu u diskotekama ili pohađaju treninge u bilo kojem plesnom studiju, teže prvenstveno cilju korekcije svoje figure i gubitka kilograma.
Što se tiče mladih, ovdje je glavni kriterij pri odabiru plesova bila sloboda i mogućnost samoizražavanja. Jedan od plesova koji je najbolje pružio ovu slobodu mladima bio je hip-hop.

Moderni hip-hop uključuje tri pravca: rep, breakdance i grafite. Za to je potreban poseban stil odijevanja i poseban pogled na svijet. Ovaj ples je po našem mišljenju dostupan svima, pomaže tinejdžerima da svoju agresiju pretvore u kreativnost.

Još jedan ples koji pomaže u oslobađanju od nervne napetosti je rave. Vjeruje se da su čak i Indijanci nakon uboda škorpiona započeli ples sličan modernim plesovima, koji je trajao nekoliko sati dok se potpuno nisu iscrpili. Ova metoda je donijela oporavak. Nešto slično vidimo u rejvu. Rave (u prevodu sa engleskog kao "bijes, vreva, nered") rođen je u Holandiji 1985. godine. U početku je rejv bio usmjeren na one koji koriste drogu. Mnogi različiti stilovi muzike su se pojavili u rejv plesu vrlo brzo su apsorbirali mnogo od onoga što je postojalo prije ovog trenda.

Najpoznatiji stilovi su “trance”, “techno”, “house”, “Deep house”...

“Trance” je kosmička muzika sa glatkim pokretima i željom da nežno izađete iz sopstvene ljušture.
“Tehno” - ovdje su pokreti kruti, fiksni, ima puno impulsa na rukama i nogama, svi pokreti su široki i jasno definirani.
"Kuća" - u njoj nema jasnih, oštrih pokreta, više su zamagljeni; muzika je fiziološka, ​​ceo ritam je dizajniran za pokrete tela. Ovaj ples omogućava odličnu improvizaciju.

I naravno, govoreći o kraju 20. stoljeća, ne možemo a da ne pomenemo takav trend u plesnoj kulturi kao što je breakdance. U suštini, breakdance je spoj plesa, pantomime, rvanja i boksa. Ispravno je, po našem mišljenju, mišljenje da se lomljenjem razvija ne samo tijelo, već i karakter. Zahtijeva ogromnu izdržljivost i strpljenje, jer većinu elemenata pauze treba ponoviti mnogo puta. Vjeruje se da je brejk rođen na njujorškim pločnicima, a njegovi tvorci su bile dvije zaraćene frakcije koje su se jednog dana umorile od međusobnog obračuna vatrenim oružjem i noževima i radije su se nadmetale u nezamislivim plesnim koracima. Vjerovatno je to razlog zašto se brejk prvobitno bazirao na raznim vrstama rvanja – karateu, kung fuu, boksu. Postepeno su im dodavani glatki pokreti ruku i nogu. Svi su, pokušavajući postati najbolji, dodavali sve složenije akrobatske elemente. Možemo pretpostaviti da je to izgledalo otprilike ovako: postrojile su se dvije grupe, posebno obučene za borbu, ali bez oružja, zatim se uključila muzika i počela je pauza. Pobjednici su bili otporniji, spretniji, brzi i fleksibilniji. Postepeno je ovaj ples privukao pažnju koreografa. Sama pauza se izvodi ili na podu (somersaults, razni okreti na leđima), ili blizu poda, a breakdance uključuje i razne valovite pokrete ruku i trupa.

Dakle, ispitavši nekoliko, po našem mišljenju, najupečatljivijih plesnih stilova, na primjeru ovih plesova možemo izvući zaključak o posebnosti umjetničke kulture kasnog 20. stoljeća. Vi ste, naravno, primijetili da su najkarakterističnije odlike umjetničke kulture ovog perioda bile sloboda i želja i samoizražavanje, kao i originalnost, potraga za nečim novim i neobičnim.

Općenito, kraj 20. stoljeća predstavlja, po našem mišljenju, ogroman potencijal za razvoj umjetničke kulture u svim njenim pravcima, a posebno u plesu.

Ni u jednoj istorijskoj eri, ni u jednoj zemlji na svijetu, niko nije veličao ples toliko kao stari Grci, koji su u njemu vidjeli „jedinstvo mentalne i fizičke ljepote“ i smatrali ples divnim darom bogova. I sama drevna grčka božanstva uživala su u plesu. Vjerovalo se da je sam Apolon, bog umjetnosti, napisao prva pravila umjetnosti plesa. Stari Grci su bili toliko osjetljivi na ples da su muzu Terpsichore učinili „odgovornom“ za umjetnost plesa i počeli je prikazivati ​​kao plesačku djevojku u laganoj tunici s maslinom u rukama. Homer je tvrdio da postoje tri najnevinija zadovoljstva na svijetu - spavanje, ljubav i ples. Platon: "Ples razvija snagu, fleksibilnost i ljepotu." Ples je bio obavezan predmet u gimnazijama, a slobodan građanin koji nije znao da pleše bio je podvrgnut ruglu i osudi. Poze i pokreti u plesu trebaju biti lijepi i harmonični, osim toga ples treba jasno izražavati raspoloženje, misli i osjećaje.

Sveti plesovi su se izvodili uz zvuke lire i odlikovali su se svojom strogom ljepotom. Praznici i plesovi bili su posvećeni različitim bogovima: Dionizu, boginji Afroditi, Ateni. Oni su odražavali određene dane radne kalendarske godine. Plesovi u čast grčkog boga plodnosti i vinarstva, Dioniza, odlikovali su se nekontroliranom razuzdanom radošću. Dionizija se slavila u proleće, kada je priroda oživela.

Po prvi put u istoriji plesa napisana je rasprava o umetnosti starogrčkog plesa – studija o ovoj vrsti kreativnosti. Autor traktata Lucijan, osvrnuvši se na ulogu i značaj plesa u ljudskom životu, govorio je o zahtjevima koji se postavljaju osobi koja odluči da se posveti plesnoj umjetnosti. „Umetnost plesa zahteva uspon na najviše nivoe svih nauka: ne samo muzike, već i ritma, geometrije i posebno filozofije, prirodne i moralne... Plesač treba da zna sve!“ .

Vojni plesovi igrali su veliku ulogu u sticanju hrabrosti, patriotizma i osjećaja dužnosti među mladima u staroj Grčkoj. Obično su ih izvodile dvije osobe, ali bilo je takvih masovnih pirova u kojima su plesali samo mladići, a ponekad i njihovi partneri s njima. Ovi plesovi su reproducirali bitku i razne vojne formacije. To su bile složene koreografske kompozicije. U rukama plesača bili su lukovi, strijele, štitovi, mačevi, koplja, strelice i upaljene baklje.

Scenski ples je bio dio pozorišnih predstava. Svaki žanr je imao svoje plesove. Tokom plesa, izvođači su nogama udarali vrijeme. Da bi to učinili, nosili su posebne drvene ili željezne sandale, a ponekad su udarali ritam rukama koristeći neobične kastanjete - školjke od kamenica - postavljene na njihove srednje prste.

Svaki žanr grčkog pozorišta imao je svoje plesove. U tragedijama je hor izvodio emmelei - ples koji se sastoji od patetičnih, veličanstvenih, plemenitih pokreta. Ovaj ples je prenio osjećaje bogova i heroja. U komedijama je najčešći ples bio kordak, ples satira (satiri su fantastična bića sa kozjim nogama i rogovima). Bio je to brz ples, temperamentan, prepun vrtoglavih, gotovo cirkuskih skokova, salta i opuštenih poziranja. Pokreti su se izvodili brzim tempom i sastojali su se od čučnjeva, rotacija, skokova, pri čemu je petama trebalo udarati po zadnjici. Izvodili su ga samo profesionalni, posebno obučeni plesači.

O odnosu prema plesu u staroj Grčkoj svjedoči i činjenica da je muza plesa i horskog pjevanja Terpsihora bila uključena u panteon božanstava. Grci su ples shvatali veoma široko, smatrajući ga i gimnastikom, sredstvom za lečenje tela i mimičkom veštinom. Plesovi su uključivali povorku dramskog pisca Sofokla na čelu povorke golih mladića kroz Atinu nakon pobjede kod Salamine, žongliranje i akrobacije, vojnu vježbu, pogrebne i svadbene procesije i odmjerene, striktno istovremene geste i pokrete hora u tragediji. .

Potreba za plesom određena je samom prirodom čovjeka, njegovim unutrašnjim ritmovima, ali su Grci težili i idealnoj ljepoti, što se postizalo stilizacijom. Primjer je ratni ples (pirov), koji je opisao Homer i poznat po sačuvanim reljefima i slikama u vazi. Drugi primjer, također iz Homera, je pogrebni ples, čija je svrha da se udahne novi život mrtvom tijelu kroz nalet fizičke aktivnosti plesača. Ovaj ples dolazi sa ostrva Krita i karakterišu ga oštri pokreti ruku i ritmični udarci mačeva o štitove kako bi se oterali zli duhovi.

Budući da su Grci vjerovali da su ples ljudima darovali bogovi, pokazali su veliko interesovanje za ezoterične kultove u kojima je ples igrao značajnu ulogu. Pored orgijastičkih plesova vezanih uz određene rituale, stari Grci su voljeli svečane procesije, posebno peane, koje su predstavljale neku vrstu ritmički organizirane procesije u čast određenog božanstva uz pjevanje svečanih himni. Veliki festival bila je Tezmoforija - u čast boginje poljoprivrede Demetri i njene ćerke Perzefone. Ples je igrao važnu ulogu u orfičkim i eleuzinskim misterijama.

Orgijski plesovi u čast boga plodnosti Dioniza postepeno su se razvili u specifičnu ceremoniju - Dioniziju. Plesači koji su glumili menade i plesači koji su portretirali satire bili su posebno obučeni za njih; prema mitu, ovo je bila Dionisova pratnja. Zajednički ples - ditiramb, koji se izvodi na dionizijskim festivalima, postao je izvor starogrčke tragedije.

Ples, koji se razvijao u okviru starogrčke tragedije, ima nekoliko perioda koji odgovaraju različitim fazama razvoja same dramaturgije. Za Eshila je ples sredstvo za povećanje napetosti dramske radnje. Sofokle tumači ples kao izraz emocionalnog odgovora na događaje koji se odvijaju. Kod Euripida, hor koristi pantomimu da prikaže osjećaje koji odgovaraju radnji. Ples u sklopu tragedije (emmelia) bio je prilično spor i veličanstven, a gestovi u njemu (chironomia) bili su široki, veliki, lako uočljivi od strane javnosti u velikim arenama gdje su se inscenirale tragedije. Igra u staroj komediji zvala se kordak i bila je, u skladu sa duhom predstave, neobuzdana i nepristojna. Plesač je izvrnuo stomak, udarao se u pete i zadnjicu, skakao, udarao se u grudi i butine, gazio nogama, pa čak i partnera. Sikinnis, ples satira, bogat akrobatskim elementima, nadmašio je kordak u potpunoj bestidnosti. Širenjem kršćanstva oba su plesa nestala.

Omiljena zabava starih Grka bila su jela u prijateljskom krugu – simpozijumi. U njima su učestvovali profesionalni plesači. Grčke vazne slike prikazuju kurtizane (heterae) koje plešu uz zvuke flaute, dok gledaoci gledaju i čak se pridružuju plesu.

Kada su u Rimu počeli nemiri, a car se uplašio da ne bi došlo do ustanka, naredio je tri hiljade plesača i plesača da izađe na ulice grada, koji su svojim igrama smirivali pobunu gomile. Plesna umjetnost starih Grka imala je veliki utjecaj na Rimljane. Samo su se kreativni ukusi Rimljana suštinski razlikovali od ukusa Grka. Za Grke su umjetnost i ples bili nešto sveto što je oplemenjivalo dušu i približavalo čovjeka bogovima. Rimljani, koji su bili grublji i zdepastiji, doživljavali su umjetnost samo kao zabavu. Plesovi su postupno gubili svoju prvobitnu strogost i čistoću počeli su sve više prikazivati ​​i izražavati strast, što nikako nije odgovaralo visokoj religijskoj svrsi plesa u staroj Grčkoj. Međutim, stari Rimljani su znali i poštovali ime svog prvog plesača. Naravno: ipak se smatrao Romulom, jednim od legendarnih osnivača Rima.

Rimljani su dali veliki doprinos istoriji svetskog plesa kao tvorci pantomime. Ovo je visoko stilizirana sekvenca pokreta, obično jednog izvođača, pri čemu glavnu ulogu igra gestikulacija. Pantomimu je obično pratio mali orkestar. Poznati pantomimičari bili su Bafil iz Aleksandrije, koji je preferirao komediju, i Pilades sa Sicilije, koji je pantomimi davao tragični patos. Pantomima kao predstava prvi put je javno izvedena u 23. veku. BC. Vremenom se ova umjetnost izrodila u otvoreno erotski i vulgaran spektakl protiv kojeg se kršćanska crkva borila.

Iako je u Starom Rimu prevladavala pantomima, ni tu nije zaboravljen ritualni ples. Bilo je mnogo plesova – procesija za različite prilike. Na primjer, članovi svešteničkog koledža Salija, svećenici boga Marsa, izveli su svoj kultni vojnički ples - tripudii, tj. ples u tri takta. Širom italijanskog poluostrva, svećenici su izvodili rituale povezane sa drevnim kultovima plodnosti. Hramski rituali ove vrste postepeno su se razvili u narodne praznike. Na primjer, čuvene Saturnalije, održane krajem decembra, postale su narodni karneval, sa plesom na ulicama i uzajamnim darovima. Nakon toga, duh kršćanskih božićnih praznika upio je mnoge elemente drevnih rimskih saturnalija.

Dakle, u prvom pasusu našeg rada pogledali smo plesove antike. Za Grke je ples bio jedinstvo duše i tijela, ples su im dali bogovi. Ples je bio obavezan predmet u gimnazijama, a slobodan građanin koji nije znao da pleše bio je podvrgnut ruglu i osudi. Poze i pokreti u plesu trebaju biti lijepi i harmonični, osim toga ples treba jasno izražavati raspoloženje, misli i osjećaje. Rimljani su ples smatrali samo zabavom, počeli su sve više da prikazuju i izražavaju strast. Ali Grci su, zauzvrat, u drevni ples uveli pantomimu, koja je pomogla da se stilizira slijed pokreta. S vremenom se umjetnost pantomime izrodila u otvoreno erotski i vulgaran spektakl protiv kojeg se kršćanska crkva borila.

Dokazi su u skulpturi i slikarstvu vaza, u djelima pjesnika, pisaca i umjetnika. Podjela na učesnike i gledaoce, slobodne u svojoj želji - plesati ili ne plesati, gledati ili ne gledati. Ritual je počeo da se zamenjuje fizičkim i zabavnim. Čitav život Grčke prožet je euritmijom. Ples je bio jedna od obrazovnih disciplina, a odrasli i punopravni građani su nastavili da studiraju. Ples je za gledaoce, ne za užitak skakanja i ne za vlastitu zabavu. Svi građani posjedovali su neku plesnu tehniku. Pet grupa: ratni plesovi - ritualni i edukativni; kultne umjerene - Emelije, ples vela i ples karijatida, kao i plesovi pri rođenju, vjenčanju i sahrani; orgiastic dancing; javni plesovi i pozorišni plesovi; ples u svakodnevnom životu. Sveti plesovi su odražavali određene dane radne kalendarske godine. Postoje dva glavna plesna kulta: "svjetlo" u čast boga Apolona i "mračno" u čast boga Dionisa. Vojni plesovi u staroj Grčkoj igrali su veliku ulogu u sticanju hrabrosti, patriotizma i osjećaja dužnosti u mladosti („pirihion“, „pirih“) Društveni i svakodnevni plesovi (kućni, gradski, seoski) pratili su porodične i lične proslave, gradske i državni praznici. Scenski plesovi Dr.Gr. bile su dio pozorišnih predstava, a svaki žanr je imao svoje plesove: emmelija je karakterističan za tragediju, kordak je karakterističan za komediju, a sikkanida je karakterističan za satiričnu dramu. Ples vela i ples karijatida. Sikkanida Kubiki - akrobatski plesovi. Mina mima.

Plesna tehnika H. Limona.

Jose Arcadio Limon rođen je 12. januara 1908. u meksičkom gradu Culiacan i bio je najstariji od dvanaestero djece u porodici. Godine 1915., u dobi od 7 godina, emigrirao je sa roditeljima u Sjedinjene Države, u Los Angeles.

Nakon što je završio srednju školu Lincoln, Limon je upisao Univerzitet Kalifornije u Los Angelesu da studira likovnu umjetnost. Godine 1928. preselio se u New York, gdje je počeo studirati na New York School of Design. Godine 1929., nakon što je vidio kako nastupaju učenici Rudolfa von Labana, Harold Kretzberg i Yvonne Giorgi, Limón se zainteresirao za ples.

Počevši da studira u školi Doris Humphrey] i Charles Weidman], godinu dana kasnije debituje na Brodveju. Istovremeno, Limon se prvi put okušao i kao koreograf: postavio je “Etidu u d-molu” za sebe, a “statisti” su mu bile koleginice Eleanor King i Ernestina Stoddel.

Tokom 1930-ih Lemon je plesao sa trupom Humphrey-Weidman, sudjelujući u produkcijama Doris Humphrey i Charles Weidman, a radio je i na Brodveju: 1932-1933. nastupao je u reviji Americana i u mjuziklu Irvinga Berlina. As Thousands Cheer(koreografija Charles Weidman), sarađivao kao koreograf sa New Amsterdam Theatre.

Godine 1937. Lemon je učestvovao u programu Bennington Dance Festivala. Na festivalu 1939., održanom na koledžu Mills, stvorio je svoje prvo veće koreografsko djelo Meksički plesovi ( Danzas Mexicanas).

Sljedeće godine Lemon je nastupio kao solista u reviji "Ne hodaj po travnjacima" (koreografija George Balanchine).

Godine 1941. napustio je trupu Humphrey-Weidman kako bi sarađivao s May O'Donnell]. Zajedno su postavili djela kao npr War Lyrics I Curtain Riser, međutim, potom se vratio Humphreyju i Weidmanu. Otprilike u to vrijeme upoznao je Pauline Lawrence i vjenčali su se 3. oktobra 1942. godine. Iste godine, zajedno sa Mary-Ellen Moylan, Lemon je plesao u mjuziklu Rosalind (koreografiju George Balanchine), koji je postao posljednja emisija na Brodveju s njegovim učešćem.

Zatim je stvarao numere o klasičnoj muzici i folklornim temama u Teatru Studio, sve dok u aprilu 1943. nije regrutovan u specijalnu službu američke vojske], stvorenu 1940. posebno za održavanje duha vojnika tokom rata. Tokom svoje službe, sarađivao je sa kompozitorima kao što su Frank Loesser i Alex North], i stvorio nekoliko produkcija, od kojih je najpoznatija Concert Grasso.

Nakon odsluženja vojnog roka 1946. godine, Limon je dobio američko državljanstvo.

Godine 1947. Limon je stvorio svoju vlastitu trupu, José Limón Dance Company ( José Limón Dance Company), čije je umjetničko vodstvo ponudio Doris Humphrey (tako je Limonova trupa postala prva američka moderna plesna kompanija čiji umjetnički direktor nije istovremeno bio i njen osnivač). Grupa, čiji su plesači bili Paolina Kohner, Lucas Howing, Betty Jones, Ruth Carrier i sam Limón José, debitirala je na Bennington College Festivalu u produkcijama Doris Humphrey Lament I Priča o čovečanstvu.

Plesač i koreograf Louis Falco također je plesao sa kompanijom između 1960.-1970. i 1974.-1975. igrao u "Mavrovom pavanu" u režiji Josea Limona zajedno sa Rudolfom Nurejevim. Dok je radio sa Humphreyjem, Lemon je razvio repertoar i postavio principe vlastitog stila. Godine 1947., trupa je debitovala u njujorškom pozorištu Belasco sa Hamfrijevom predstavom Dan na Zemlji. Godine 1948. trupa je prvi put nastupila na Konektikatskom koledžu American Dance Festival, a potom je na njemu učestvovala dugi niz godina. Nakon postavljanja "The Moor's Pavane", Limón je dobio godišnju nagradu Dance Magazina za izvanrednu koreografiju. U proleće 1950. Limon i njegova trupa nastupaju u Parizu sa Page Ruth, postavši prvi predstavnici američkog modernog plesa u Evropi. Za Limonovog života, njegova trupa je obišla cijeli svijet i nastavila sa aktivnostima nakon njegove smrti.

Godine 1951. Limon se pridružio fakultetu Juilliard School, gdje je nastao novi pravac plesa. Prihvatio je i poziv Nacionalnog instituta lijepih umjetnosti Meksiko Sitija, za koji je napravio šest produkcija. Između 1953. i 1956. Limon je koreografirao i izvodio uloge u predstavi Ruševine i vizije I Ritmo Jondo Doris Humphrey. Godine 1954. Limonova trupa je postala jedna od prvih koja je iskoristila prednosti programa međunarodne razmjene studenata Stejt departmenta i krenula na turneju po Južnoj Americi. Ubrzo su krenuli na petomjesečnu turneju po Evropi, Bliskom istoku i, opet, Južnoj i Centralnoj Americi. Za to vrijeme, Lemon je dobio svoju drugu nagradu Dance Magazina.

Godine 1958. umrla je Doris Humphrey, koja je svih ovih godina bila umjetnički direktor trupe, a Jose Limon je morao sam zauzeti njegovo mjesto. Između 1958. i 1960. godine bile su zajedničke produkcije s Poalinom Koner. Za to vrijeme, Lemon je dobio počasni doktorat na Univerzitetu Wesleyan. Godine 1962., trupa je nastupila u Central Parku na otvaranju njujorškog Shakespeare festivala. Sljedeće godine, pod pokroviteljstvom američkog State Departmenta, trupa je obavila dvanaestonedjeljno putovanje na Daleki istok, nastupajući u produkciji Deamon, čija je muzička pratnja pripadala kompozitoru Paulu Hindemithu. Hindemith je lično dirigirao premijerom.

Godine 1964. Limon je dobio nagradu kompanije Capezio i imenovan je za umjetničkog direktora Američkog plesnog teatra u Linkoln centru. Sljedeće godine, Limón se pojavio u nacionalnom obrazovnom televizijskom programu pod nazivom José Limón Dance Theatre. Nekoliko godina kasnije, osnovao je Jose Limon Dance Foundation i dobio još jedan počasni doktorat na Univerzitetu Sjeverne Karoline. Godine 1966., nakon nastupa sa trupom u Washingtonskoj katedrali, Limón je dobio vladinu pomoć od 23.000 dolara od Nacionalne zadužbine za umjetnost. Sljedeće godine, Limón je radio na koreografiji za predstavu Psalam, čime je dobio počasni doktorat na Kolbi koledžu. On i njegova trupa su također pozvani da nastupe u Bijeloj kući za predsjednika Lyndona Johnsona i kralja Maroka Hassana II. Posljednji scenski nastup Joséa Limona kao plesača bio je 1969. godine, kada je nastupio u Bruklinskoj muzičkoj akademiji u produkcijama The Traitor i The Moor's Pavane. Iste godine završio je još dva rada i dobio počasni doktorat na Oberlin koledžu.