Yunan dansları. Sirtaki, Hasapiko, Zeybekiko ve diğerleri. Antik Çağın Dansı. Antik Yunan Dansı. Dans ve mitoloji arasındaki bağlantı. Terpsikor. Dini, sosyal, teatral danslar Antik Yunan'da dans

Ukrayna Kültür Bakanlığı

Harkov Devlet Kültür Akademisi

Modern Koreografi Bölümü

Ölçek

Kurs "Koreografi sanatının tarihi"

Konu hakkında: Antik Dünya ülkelerinin dans sanatı.

Gerçekleştirilen:

Yarı zamanlı öğrenci

Koreografik Sanat Fakültesi

Grup 5C

Vasilenko Victoria

Kontrol:

Kıdemli öğretmen Kurdupova E.N.

giriiş

Antik Dünyanın dans türleri

Antik Mısır

Antik Hindistan

Antik Yunan

Antik Roma

Çözüm

Kaynakça

giriiş

Dans sanatın en eski biçimlerinden biridir. Eski dans biçimleri, pratik insan emek faaliyeti sürecinde ortaya çıktı: emek süreci ritmin anlamını keşfetti, ritme tabi hareketler, bu kültürün en eski tezahürlerinden biri olan dansı doğurdu.

Antik dünyada dans ve dans müziğinin yaygın kullanımı mitler, destanlar, resimler ve arkeolojik veriler gibi birçok kaynaktan kanıtlanmaktadır. Böylece, antik Yunan danslarının açıklamaları Aristoteles, Philostratus'ta, Aeschylus, Sophocles, Euripides trajedilerinde, Aristophanes komedilerinde vb. bulunabilir; Lucian, “Dans Üzerine Diyalog” adlı bir inceleme yazdı. Cicero ve Horace Romalıların dansları hakkında yazdılar. 1. yüzyılın 2. yarısında. M.Ö. Hint klasik dansı, gelişiminin yüksek seviyesini gösteren teorik gerekçeyi aldı. Hayatta kalan Hint eserlerinin en eskisi olan Natyashastra (Tiyatro Bilimi, MÖ 1. yüzyıl), dansın, müziğin sorunlarını ve dramanın sorunlarıyla yakından bağlantılı olarak inceledi.

Kabartmalarda, vazo resimlerinde ve heykellerde çok sayıda dansçı ve dansçı görüntüsü de o zamanların danslarının doğasını anlatıyor.

Eski uygarlıklarda dans ve müzik büyük sosyal ve ideolojik rol oynadı. İncil'de dansa pek çok atıf vardır (örneğin, "atlayan ve dans eden" Kral Davut'un hikayelerinde). Müzik gibi dans da sıklıkla kozmogonik bir yoruma, derin bir felsefi anlayışa sahipti ve şeylerin özünü açığa vuran bir şey olarak görülüyordu. Müzik ve dansa ayrıcalık ve ulaşılmazlık çağrışımı yapılıyordu ve dansın kökeninin ilahi olduğu düşünülüyordu. Eski Hindistan'da dansa genellikle tanrıların dansı deniyordu. Hinduizm'e göre bunların yaratıcısı ve ilk uygulayıcısı tanrı Şiva'ydı. Nataraja olarak enkarnasyonunda kozmik bir dans yaparak Evrendeki eski her şeyi yok etti ve aynı zamanda yeni bir yaşam döngüsü başlattı. Antik Yunanistan'da, çeşitli dans biçimleri tanrı Dionysos kültüyle yakından ilişkiliydi: kitlesel nitelikteki ritüeller, alaylar ve kutsal törenler benzersiz koreografik kompozisyonlardı. Öte yandan dans ve dans müziği her zaman duygusallığın ve erotizm odağında olmuştur; aşk, tüm ulusların danslarının ana temalarından biridir. Dahası, hakim felsefi kavramlara göre duyusal prensip, manevi özü açığa çıkarmanın bir biçimiydi.

Müzik ve dans, uzun zamandır bir eğitim aracı olmuş ve bu sanatların öğretilmesi Antik Dünya ülkelerinde yaygınlaşmıştır. Çin'de 1. binyılın başında Konfüçyüsçülük büyük bir etkiye sahipti - o zamanın resmi ideolojisi, bir kişinin etik eğitiminde dansa özel önem veriyordu. Dansın amacının insanı geliştirmek ve yüceltmek olarak görüldüğü Antik Yunan'da dansın yüksek bir ahlakı vardı. Halkın hayatında önemli bir yere sahip olan koreografi sanatı, yalnızca kültün bir parçası değil (Apollon onuruna yavaş tören dansları, Bacchus'a adanmış coşkulu Baküs dansları vb.), aynı zamanda bir eğitim aracıydı (örneğin, “Pirus” - Spartalı gençlerin vücudun uyumlu gelişimine katkıda bulunan askeri atletik dansları). Platon, "Dans etmek esnekliği, gücü ve güzelliği geliştirir" dedi. Aristoteles dansın anlamını şu sözlerle tanımladı: “Dans, ritmik hareketleriyle ahlakı, tutkuları ve gelenekleri taklit eder ve görünmez düşünceyi somutlaştırır.”

Genel olarak o zamanların dans türlerine ilişkin bilgiler oldukça dağınık ve çok sayıda değildir. Çoğu zaman belirli türlerden değil, insanların yaşamlarında sahip oldukları amaca göre ayırt edilen tür gruplarından bahsedebiliriz. Sınıflı toplumun gelişiyle birlikte dans ve dans müziği kendi halk, gündelik ve profesyonel (tören, tiyatro) çeşitlerine bölündü.

Antik Dünyanın Dans Türleri Halk dansları uzun süre emek süreçleri, pagan ve gündelik ritüellerle (Antik Çin ve Eski Hindistan'daki dans pantomimleri, antik Yunan Dionysos oyunları, Rus Maslenitsa oyunları vb.) bağlantılı kaldı ve aileye, şehre ve kente eşlik etti. ulusal bayramlar, insanın hayatındaki her olay. Halk dansları türü en geniş türlerden biridir. Tema, kompozisyon tasarımı ve sanatçıların kompozisyonu bakımından çeşitlilik gösteren bu kişilerin, sahne dansının ortaya çıkışında büyük etkileri oldu. Her şeyden önce, emek süreçlerini yansıtan ve uzun süredir belirli tarımsal işlerin zamanına tam olarak uygun olarak gerçekleştirilen ritüel dansları ve oyunları vurgulamakta fayda var. Örneğin, o dönemde çiftçiler, mahsuller için gerekli yağmuru sağlamaya çalışırken, yüzen bulutların, gök gürültüsünün, akan su akıntılarının vb. müzikal ve plastik resimlerini yeniden yarattılar. Emek temasına paralel olarak bir de aşk temasını ortaya koymuşlar. Oyun dansları uzun süre günlük yaşamın, emeğin ve eski pagan inançlarının izlerini korudu ve hatta kısmen (dönüştürülmüş bir biçimde) günümüze kadar varlığını sürdürdü (Rus oyun şarkısı-dansı “Ve darı ektik”). En eski danslar aynı zamanda hayvanların ve kuşların hareketlerini ve alışkanlıklarını taklit eden ve genellikle avlanmadan önce ve sonra yapılan av danslarını da içerir. Kendilerine açık ve basit bir görev belirlediler - avın sonuçlarını sihirli bir şekilde etkilemek, yani tanrıyı yatıştırmak, özgüvenini güçlendirmek ve avlanan hayvanı korkutmak ve böylece kazanmak, kendileri ve kabile için yiyecek almak. Çılgın atlayışlar, hayvanın alışkanlıklarının taklit edilmesi, korkutucu çığlıklar ve ayak sesleri, avın geleneksel bir resmini oluşturuyordu. Adam, dansın hayatının en önemli işlevlerinden birini yerine getirmesine gerçekten ve pratik olarak yardımcı olduğuna inanıyordu.

Halkların kendi aralarındaki mücadelesi, aralarında çatışmalara yol açmış ve savaş danslarının ortaya çıkmasına neden olmuştur. Çoğunlukla bunlar, savaşları ve çeşitli savaş oluşumlarını yeniden üreten karmaşık koreografik kompozisyonlardı. Onlara katılmak, yürüyüşe çıkma konusunda anlaşma anlamına geliyordu. Dansçıların ellerinde yaylar, oklar, kalkanlar, yanan meşaleler, kılıçlar, mızraklar ve dartlar vardı. Bu tür kahramanca dansların olay örgüsü, kural olarak, kahramanlar hakkındaki mitleri ve efsaneleri yansıtıyordu. Ritüel, kült danslar, dans sanatının ve özellikle sahne dansının gelişmesinde büyük rol oynadı. O zamanın insanının dünya görüşünün karakteristik özelliği olan doğanın soyut güçlerine ve hayvanların tanrılaştırılmasına duyulan saygı, dans hareketlerine yansıdı, böylece stilizasyon tekniklerinin ve plastik dil geleneklerinin geliştirilmesine katkıda bulundu. Dansçıların hareket çizgileri, jestleri ve pozları gizemli, kutsal bir anlam taşıyordu. Kendisi için anlaşılmaz olan doğa olaylarını açıklamak isteyen insan, bunların oluşumunu gizemli yüksek varlıkların (tanrıların) iradesine bağladı ve işi için uygun koşulları elde etmek için, özel büyülü eylemlerle tanrıları mümkün olan her şekilde memnun etmeye çalıştı - ritüeller. Örneğin eski Çinlilerin gökyüzüne ve onun ruhlarına kurban dansları, rüzgârın salladığı suların hareketini taklit eden dansları vardı. Mısırlılar, sunağın etrafında on iki rahibenin yaptığı, zodyakın on iki burcunu tasvir eden bir astral dansı vardı. İlahi hizmetin zorunlu bir bileşeni olarak dini dansların görkemli, katı ve ciddi bir karakteri vardı; hareketler ve müzik genellikle törenin özelliklerine göre sıkı bir şekilde düzenleniyor ve belirleniyordu. Gündelik sanatın derinliklerinde ortaya çıkan bu sanatçılar, daha sonra uygulamalı türün kapsamının önemli ölçüde ötesine geçtiler ve performansları için dans ve müzik alanında profesyonellere ihtiyaç duydular. Müzik ve dans sanatının profesyonelleşmesi teatral (sahne) dans türlerinin ortaya çıkmasına yol açtı. Bu tür dansları ve müzik eşliğini gerçekleştirmek için yüksek profesyonel düzeyde dansçılara ve müzisyenlere ihtiyaç vardı (genellikle çocukluktan itibaren yetiştirilmişler, miras yoluyla bir meslek almışlar). Örneğin, Hint klasik dans okulu "Kathak"ta müzisyen aslında dansın hareketini yöneterek temposunu ve ritmini değiştiriyordu ve dansçının becerisi müziği doğru bir şekilde takip etme yeteneğiyle belirleniyordu. Antik Yunan trajedisinde zaten MÖ 4. yüzyılda. e. Profesyonel şarkıcılar ve dansçılar sahne aldı. Pek çok incelemenin dans sanatına yüksek sanatsal talepler getirmesi tesadüf değildir. Lucian, "yuvarlak dans liderinden" o dönemde bilinen tüm bilim ve sanatlara ilişkin bilgi talep etti. “Hareketlere ölçü vermek için ritim ve müziği, bunları inşa etmek için geometriyi, ahlakı tasvir etmek ve tutkuları uyandırmak için felsefe ve retoriği, pozlar ve gruplar oluşturmak için resim ve heykeli bilmek gerekir; Mitolojiye gelince, kaostan dünyanın yaratılışına ve günümüze kadar olan olayları çok iyi bilmesi gerekir.” Antik dünyanın ve antik çağın dans türleri ve biçimleri arasında özel bir yer, müziği (şarkı veya enstrümantal), dansı ve oyun eylemini farklı oranlarda birleştiren senkretik bir halk sanatı türü olan yuvarlak dans tarafından işgal edildi. Kült ve günlük yuvarlak danslar, güneş tanrısını, doğanın döngüsünü ve nesillerin değişimini simgeleyen en eski mükemmel form olan bir dairenin şeklini tanımlıyordu. Bu toplu dansın performansına bir koro şarkısı eşlik etti. Koreografik desen, birbirlerinin ellerini tutan kız ve erkek çocuklar tarafından yeniden üretildi.

Antik Mısır

Eski Mısır'da dans sanatına büyük önem veriliyordu. Bu, antik çağlardan beri korunmuş olan mezarların duvarlarındaki resimler ve kabartmalarla kanıtlanmaktadır. Onlarda ritüel dansları, günlük kutlamalardaki dansları ve savaşçıların alaylarını görebilirsiniz. Kural olarak, dans eden insanların yanında, çeşitli vurmalı çalgıların yanı sıra en basit üflemeli ve yaylı çalgı türlerini çalan bir grup müzisyen vardır. Bulunan görüntülere dayanarak eski Mısır danslarının tarzını değerlendirebiliriz. İlk olarak, çoğu zaman erkeklerin ve kadınların ayrı ayrı dans ettiği dikkat çekicidir. Üstelik bazı araştırmacılar dansların çoğunun kadınlar tarafından yapıldığına inanıyor. Dans eden erkekler arasında çoğunlukla ritüelin yalnızca mimik kısmını gerçekleştiren bazı tarikatların köleleri veya rahipleri vardı. İkincisi, hareketler çok grafiksel, akrobasi unsurları içeriyor ama aynı zamanda oldukça zarif. Grup içindeki dansçıların formasyonları geometrik şekillere (daire, kare, üçgen) veya düz bir çizgiye karşılık gelmektedir. Üçüncüsü, ritüel danslar baskındır - dini, ibadet sırasında tanrıların onuruna düzenlenen ve ritüel danslar (düğünlerde ve cenazelerde). Bu tür dansların hareketleri sıkı bir şekilde düzenlendi; performanstaki her türlü doğaçlama unsur tamamen hariç tutuldu. Eski Mısırlılar arasında son derece yaygın olan Zodyak'ın Kutsal Astral Dansı hakkında bilgiler günümüze kadar gelmiştir. N. Vashkevich, “Tüm Çağların ve Halkların Koreografi Tarihi” adlı kitabında bunun açıklamasını şöyle veriyor: “Geceleri, açık yıldızlı bir gökyüzünün altında, üzerinde ateşin yandığı sunağın etrafında, on iki kız, dansçı-rahibeler , toplandılar ve el ele tutuşarak yuvarlak bir dansla etrafında yürüdüler, sunağın temsil ettiği güneşin (tanrı Ra) etrafındaki Zodyak'ın on iki burcunu tasvir ettiler. Yuvarlak dans, tıpkı armatürlerin hareketinin yavaşça gerçekleşmesi gibi, yavaş hareket ediyordu; daha sonra her sanatçı, her takımyıldızın görünümüyle ilişkili olanı taklit etti (böylece sonbahar aylarının hasadı uygun neşeli hareketlerle tasvir edildi vb.); Belki de bu sırada yuvarlak dans durmuş ve mimik oyununa zaman tanınmıştı. Yaylı müzik bu yavaş, zar zor hareket eden dansa ritim kazandırıyordu.” Aynı yazar başka bir dini dansın örneğini veriyor: Osiris'in dansı. O, “tanrının büyüklüğü ve merhameti hakkındaki fikirleri taklitçi bir şekilde ifade etti ve yerini genellikle yüzlerde tanrının doğumu, ergenliği, İsis'le olan sevgisi ve birliği ve kötü kardeşlerinin öldürülmesiyle ilgili olayları tasvir eden pantomim aldı; tüm bunlara yavaş, ciddi bir müzik eşlik ediyordu. Ama sonra müzik ve şarkı söyleme ve ardından dans, tanrıya duyulan hazzı ifade eden fortissimo'ya dönüşür: geniş el hareketleriyle zıplamak, bedeni bükmek, kaldırılmış kolları sallamak... Tapınağın önünde, devasa heykelin bulunduğu yer Osiris'in görüntüsü görünüyor ve Apis'in tanıtıldığı yerde, dansçılar hızla dönmeye başlıyor ve yüz üstü düşüyorlar, onlardan sonra da tüm insanlar yüz üstü düşüyor." Eski Mısır'ın dans kültüründe, ritüel danslara ek olarak araştırmacılar diğer tür gruplarını da tanımlamaktadır: - halka açık kutlamaların dini olmayan dansları (festivallerde, bayramlarda); - haremlerde dans etmek; - askeri danslar; - Sokak Dansı. Ayrıcalıklı sınıfların halka açık dansları sıradan insanların danslarından önemli ölçüde farklıydı; performans tarzları ciddi ve sakindi. Asil bir kişinin resmi tatillerde danslara katılmasının genel olarak uygunsuz olduğuna inanılıyordu; onun yalnızca sıradan insanların eğlencelerini küçümseyerek gözlemlemesi gerekiyordu. Bir zamanlar, Eski Mısır'ın yüksek sosyetesinde dans eğlencesi, dansın halkın ahlakı üzerinde olumsuz bir etkisi olduğu ve pratik bir faydası olmadığı yönündeki yaygın görüş nedeniyle resmi olarak yasaklanmıştı. Tam tersine dans halk arasında son derece popülerdi. Sadece festivaller değil, aynı zamanda çok sayıda geçit töreni de (örneğin emek süreçleri sırasında) dans unsurlarıyla doluydu. Hareketler daha doğal, basit ve kabaydı ve dansların kompozisyonu daha az düzenli figürlerle karakterize ediliyordu. Uzun bir süre, Eski Mısır'daki dans sanatı, kendi geleneklerine dayanarak, neredeyse yakın ülkelerin etkisini hissetmeden, izole bir şekilde gelişti. 1500-1000 arası M.Ö. Asur'un, çevredeki Afrika ülkelerinin ve hatta Hindistan'ın danslarının özellikleri burada farkedildi. Buna karşılık, Mısırlıların dansı, hem dansın koreografik bileşeni (hareketleri, biçimleri) hem de sanatsal yönü (dansların altında yatan mitoloji vb.) üzerinde doğrudan diğer kültürler (Antik Yunan dahil) üzerinde ters bir etkiye sahipti. ).

Antik Hindistan

Eski Hindistan'ın dans sanatı dini bir kültün parçası olarak ortaya çıktı. Günümüze kadar ayakta kalan tapınakların duvarlarında hem sıradan insanlardan hem de çeşitli tanrılardan oluşan çok sayıda heykel ve dans eden figürlerin freskleri bulunmaktadır. Örneğin, Chidambaram'daki (Güney Hindistan) Shiva tapınağının cephelerinde, klasik Bharat Natyam dansının 108 kanonik mudrasının (pozisyonunun) tamamında heykeller tasvir edilmiştir. Dans için özel alanların ve salonların tahsis edildiği tapınakların yapısı bile, dansın Kızılderililerin yaşamındaki muazzam rolüne tanıklık ediyor. Tapınak dansçıları devadasilerin (daha sonra Avrupa geleneğinde bayaderler olarak anılacaktır) ve müzisyenlerinin eylemleri kutsal bir anlam taşıyordu ve sonsuz bir yeniden doğuş zincirinden kurtuluşa ulaşmanın bir yolu olarak hareket ederek ilahi aydınlanmayı simgeliyordu. Çok sayıda efsanede ve kutsal eski Hint metinlerinde dans, sembolik bir anlam ve derin felsefi gerekçeler kazandı. Bu bağlamda, öncelikle ana görevi - dünyaların yok edilmesi ve sonraki yaratımları - dans yoluyla gerçekleştirilen dans eden Shiva-Nataraja fikrinden bahsedebiliriz. Budist metinlerindeki ilk dansçılardan biri apsaralardır - Indra krallığındaki cennetsel güzellikler-dansçılar, eşsiz dans, şarkı söyleme, müzik çalma ve sevginin yardımıyla tanrıların krallıklarını ve çileciliği yok etmeye çağrılmışlardır. bilgelerden. Görüntüleri birçok fresk, heykel ve eski Hint tapınaklarının kısmalarında somutlaştırıldı. Uzun zamandır Hindistan'da dans klasik ve folk olarak ikiye ayrıldı. Ve eğer “sözlü” gelenekte çok sayıda halk örneği mevcutsa, klasik dans hareketleri 2.-1. yüzyıllarda derinden geliştirilmiş ve kanonlaştırılmıştır. M.Ö. Bu nedenle, "Natyashastra" incelemesi, temeli belirli bir olay örgüsüne (efsanelerden, efsanelerden) dayanan etkileyici bir pantomim dansı olan "nritya" dan ve "nritta" - dans uğruna saf danstan bahseder. icracı kendini tamamen ritim unsurlarına teslim ediyor. Eski Hint tiyatrosunun vazgeçilmez bir unsuru haline gelen Hint dansının klasik tarzlarının da kökenleri ritüel danslardan geliyordu. Böylece Bharata Natyam, Shiva tapınaklarında devadasis tarafından dans-dua, dans-sohbet olarak icra edildi. Tanrı Krishna ve eşi Radha'nın hayatından alınan mitolojik hikayelere dayanan Kathak'ta Brahmin rahipleri, dans ve pantomim yoluyla inançlarının tarihini anlattılar. Başka bir dans olan Manipuri, tanrı Krishna ile karısı Radha arasındaki ilişkiye adanmıştır. Kakhkali, eski Hint destanları Ramayana ve Mahabharata'dan resimli efsanelerin yer aldığı, hikaye sanatlı, pantomimsel bir dans-dramadır.

Antik Yunan

En çok çalışılan ve sistematik hale getirilen, doğası çok sayıda arkeolojik buluntu (çok sayıda dans eden insan görüntüsüyle birlikte) ve edebi kaynaklardaki açıklamalar sayesinde anlaşılan Antik Yunan dans sanatıdır. Doğru, çoğu durumda dansların yalnızca kısa açıklamaları bulunur veya dansın hangi tanrıların onuruna veya hangi olay için yapıldığını belirten yalnızca isimlerden bahsedilir. Hem dans türlerinin hem de günümüze ulaşan bireysel figürlerin isimleri oldukça fazladır (200'ün üzerinde). Kural olarak, Antik Yunan'da erkekler ve kadınlar birbirlerinden ayrı dans ediyorlardı ve yalnızca erkekler ve kızlar ortak bir yuvarlak dans oluşturabilirdi. Araştırmacılar, Antik Yunan'da var olan aşağıdaki dans türlerini tespit ediyor: - dini (orta ve orjiastik); - jimnastik ve askeri, eğitim amaçlı; - Yüz ifadeleri; - tiyatro; - ritüel (örneğin düğün); - ev. Antik çağların diğer halkları gibi, dans ve çeşitli akrobatik ve jimnastik hareketleri de antik Yunan dini kültünün vazgeçilmez bir özelliğiydi. Her tanrının kendine ait ayrı bir dans ritüeli olabilir. Nitekim ilk bahsedilenler arasında, Kibele rahibelerinin kızı Ceres onuruna gerçekleştirdiği Frig kökenli Aloenes dansı hakkında bilgi bulmak mümkündür. Bu tarikatın başka dansları da vardı: Anthema, Bookolos, Epicredros ve birçok yerel çeşit. Afrodit'i öven danslar yaygındı - tıpkı patronları gibi düzgün, ölçülü, mükemmel. Antik Yunan'da ritüel alaylarına dans, müzik ve ilahiler de eşlik ediyordu. Bu dans alaylarından biri, katılımcılarının - komastaların - citharalar ve flütler eşliğinde gündelik ve anlamsız hareketler sergilediği Komos'tu. Ancak antik Yunanlıların günlük yaşamında belki de en popüler olanı, Apollon ve Dionysos'a adanan ve çeşitli biçim ve karakterde çok sayıda dansın eşlik ettiği dini kutlamalardı. Dahası, Apollon kültüyle ilişkilendirilen danslar, Dionysos (Baccalanian) festivallerinin danslarından önemli ölçüde farklıydı: ilk durumda, onların tarzı daha törensel, sakin ve ciddiydi; ikincisinde - daha özgür, tutkulu ve hatta erotik. Benzer bir muhalefet daha sonra profesyonel sanatta, özellikle de antik Yunan tiyatrosunda (trajedi ve komedi dansları) açıkça kendini gösterdi. Gençlere cesaret ve vatanseverlik aşılamada büyük rol oynayan eğitici jimnastik dansları arasında askeri danslar, özellikle pirus dansları (pirus dansları) ve ilgili pirus dansları öne çıkarılabilir. "Pirus" adının, Patroclus'un cenazesinde Aşil'in etrafında dans ettiği iddia edilen ateş anlamına gelen "pyra" kelimesinden geldiğine inanılıyor. Pyrrhichi'nin ilk biçimleri Girit'te 2000-1500 gibi erken bir tarihte biliniyordu. M.Ö e. Yavaş yavaş Antik Yunanistan'a nüfuz eden pyrrhich, tüm bölgelerinde, özellikle genç erkeklerin ve savaşçıların eğitimindeki unsurlardan biri olduğu Sparta ve Atina'da son derece yaygınlaştı. Bu danstaki jimnastik niteliğindeki karmaşık hareketlerin, insan vücudunun uyumlu gelişimine yardımcı olması gerekiyordu. “Müzik ritminden flüt sesine kadar silahların figürleri, hareketleri ve manipülasyonları çok çeşitliydi. Sanatçılar askeri eylemleri ve bireysel savaşları sanki gerçek savaşlar sırasındaymış gibi yeniden ürettiler” (Khudekov S. Dans Tarihi. T. 1. St. Petersburg, 1913). Daha sonra pyrrhiha, bayram eğlencesi sırasında profesyonel dansçılar tarafından icra edilmeye başlandı; karakteri, büyüleyici ve muhteşem bir ihtişam unsuru kazandı ve türün adı herhangi bir topluluk dansıyla ilgili olarak kullanılmaya başlandı. Savaş dansları Frig dansı Corybantum'u içerir. Adını Frigya'daki Kybele veya Rhea rahiplerinin "Corybants" adı verilen efsanevi atalarından almıştır. Silahlarının çınlaması yardımıyla karanlık güçleri uzaklaştırdılar. Corybantes'i canlandıran sanatçılar bir kalkan ve miğferle çıplak dans ettiler ve bazen Bacchante rahibeleri olan Maenad'larla aynı çılgınlığa ulaştılar. Corybantum aynı zamanda Kuretlerin Dansı olarak da bilinir; Girit'te Corybantes'e bu ad verilirdi. Pyrrhich ayrıca başka bir antik Yunan dansı türü olan Gymnopaedia'ya da yakındı. Temelde flüt veya lir sesleri eşliğinde yapılan jimnastik egzersizleri, yıllık tatillerden birinde Sparta'daki agorada çıplak genç erkekler tarafından yapılıyordu. Gymnopedia figürleri güreş ve boksta kullanılan hareket ve pozisyonlara benziyordu. Antik çağların tiyatro gösterileri dramatik aksiyonun, şiirsel anlatımın, şarkı söylemenin, dans etmenin, el kol hareketlerinin ve yüz hareketlerinin birleşiminden oluşuyordu. Koro, antik Yunan tiyatrosunda şarkı söylemek ve dans etmekle görevlendirildi. Hareketleri (kural olarak, bazen bir yönde, bazen ters yönde) doğada yürüyüş (parod ve çıkış) veya yuvarlak dans (stasima) olabilir. Antik Yunan'daki her tiyatro performansı türü, kendine özgü dans türleri yelpazesiyle karakterize edildi. Trajedinin danslarında hiçbir virtüöz unsur yoktu; oyuncuların hareketleri geleneksellik ve hareketsizlikle ve daha hareketli bölümlerdeki jestlerin ifade edici doğasıyla karakterize ediliyordu. Komedi gösterilerinde danslar virtüözdü, teknik açıdan karmaşıktı ve çoğu zaman çılgın, kaba ve bazen müstehcen bir karaktere sahipti. Antik Yunan tiyatrosunun pek çok türü arasında birkaç temel türün vurgulanması gerekir - emmelia, kordak ve sikkinida Emmelia (Emmeleia) başlangıçta kült amaçlı (genellikle ölmekte olan bir kişinin yatağının yanında), ciddi, görkemli ve yüce bir yuvarlak danstır. doğada yavaş veya ölçülü bir hızda. Pirus danslarından farklı olarak kadınlar tarafından yapılıyordu ve formlarının güzelliği ve esnekliğinin zarafeti ile ayırt ediliyordu. Dansçıların ellerinin hareketleri özellikle etkileyiciydi; desen açısından karmaşık ve anlamlı karakterdeyken bacakları ve vücudu nispeten hareketsizdi. Dini bir dans olarak ortaya çıkan emmelia, daha sonra antik Yunan trajedisinin ayrılmaz bir parçası haline geldi. Komedinin ana dans türü, hareketleri çılgın bir hızda çeşitli dönüşler ve sıçramalar içeren kordax'tı. Her ne kadar oyunun içeriğiyle ilgili olsa da yine de aksiyonun basit bir örneği değildi. Büyük ihtimalle kordak, bir tür koreografik soytarılık olan komik sahnelerden oluşuyordu. İlginçtir ki, bu dans ciddi erkeklere layık görülmüyordu. Sıradan insanların zevklerine yönelik olan ve çoğu zaman kamusal yaşamın birçok yönünün bir parodisini temsil eden hiciv dramasının dansı Sikinnis'in onunla pek çok ortak noktası vardı. Dansın kendisine ek olarak, hiciv dramasında ve komedide olay örgüsünün tüm kıvrımlarının geleneksel jestler ve yüz ifadeleri yardımıyla aktarıldığı pantomim dansları da olabilir. Günümüze ulaşan antik Yunan kaynaklarında da şu danslardan bahsedilmektedir: Epilinios (Epilinios, Epilinios) - Bir fıçıya tırmanıp üzümleri ayaklarıyla ezerek yapılan bir Dionysos dansı. Imeneos (isim, Imeneos) - gelinin annesi ve arkadaşlarıyla düğün dansı. Aceleci karakteri, hızlı temposu ve birçok virajın varlığıyla ayırt ediliyordu. Ierakio - tanrıça Era onuruna festival ve kutlamalarda kadınların dansı. Lucian'a göre Hormos (Ormos, Hormos), erkekleri ve kadınları zincir halinde birbiri ardına birleştiren bir danstı. Alay, çeşitli hareketlerle dans yeteneklerini ve askeri eğitimini gösteren genç bir adam tarafından yönetildi. Ve onu takip eden kız, diğer tüm dans eden kadınlar için bir nezaket örneğiydi. Iporchima, daha sonra Sparta'da yaygınlaşan, dans, pantomim, şarkı söyleme ve müziği birleştiren bir Girit dansıdır. Kız ve erkek çocuklar tarafından kendi şarkılarıyla seslendirildi. Geranos, kız ve erkek çocuklar tarafından da gerçekleştirilen, Theseus ve labirent mitini tasvir eden yuvarlak bir danstır. Hareketler daireseldi (yılan gibi), figürler bir labirentin karmaşık koridorlarını taklit ederek kıvrılıyordu. Alayın başında cithara çalan ve Theseus rolünü oynayan bir müzisyen vardı. "Turna" olarak çevrilen "geranos" adı, sanatçıların bu kuşun hareketlerini taklit ettiklerini, bazen eğilip çömeldiklerini, bazen de tam boylarına kadar uzandıklarını gösteriyordu. Yukarıda açıklanan türlerin hareketlerinden ve unsurlarından, halk kutlamaları ve tatillerde olduğu kadar halkın günlük yaşamında da kullanılan birçok başka dans ortaya çıktı. Daha sonra çoğu eski Etrüskler ve Romalılar tarafından ödünç alındı, ancak aynı zamanda önemli bir dönüşüme uğradı: yeni sosyal koşullarda danslar daha önce son derece sanatsal görünümlerini, eski zarafetini ve güzelliğini kaybetti.

Antik Roma

Antik Roma dansı, Helenistik dönemin antik Yunan sanatının geleneklerini miras almıştır. Ancak dansın yüceltici ve kutsal amacı giderek geçerliliğini yitiriyor. Lüks ve zenginlik peşinde koşan antik Roma toplumunun zevk ve taleplerinin etkisiyle dans, ciddiyetini ve saflığını kaybederek basit bir eğlenceye dönüşür. Yunanlılardan ödünç alınan danslar bile çok daha şehvetli, anlamsız ve hatta bazen kaba bir karakter kazandı. Roma'da, büyük imparatorluğun en parlak döneminde, diğer dans geleneklerinin - Etrüsk, Mısır, Asya - etkisi hissedildi. Böylece bir süre Etrüsk ritüel dansları Lupercalia ve Ambarvalia yaygınlaştı. Pirus dansları, ritüel danslar (ancak Roma tanrılarının onuruna - örneğin Mars, Venüs), eski doğurganlık kültleriyle ilişkili ve yavaş yavaş resmi tatillere (örneğin Satürnalia) dönüşen ritüel danslar-alaylar hâlâ yapılıyordu. Bu gösterilerin genel tarzı, görkemli fantezi ve aşırı natüralizmin bir birleşimidir. Bu nedenle, Romalıların Yunanlılardan ödünç aldığı Kızlık Zarı Dansı o kadar müstehcen bir gösteriydi ki, yetkililer bunu yapanlara veya öğretenlere yasal olarak zulmetti. Antik Roma'nın tiyatro gösterileri de benzer bir karaktere sahipti. Zamanla dansın bir sanat olarak anlaşılmasında herhangi bir estetik ve felsefi temelin olmayışı, dansın gelişiminin durmasına neden oldu. Bunun sonucunda pantomim ön plana çıktı. Bir ila yüz kişi buna katılabilir. Yüz ifadeleri, jestler ve hareketlerle karmaşık mitolojik sahneleri seyirci önünde canlandıran sanatçılar (sahnenin arkasına gizlenmiş bir koro şarkı söyleyip tasvir edileni anlatırken), bir tür pantomim dansı gerçekleştirdiler. Ancak, antik Yunan tiyatrosunda dans ile Roma pantomimi arasındaki bariz sürekliliğe rağmen, aşırı natüralizm ve illüstrasyon, pantomimin Antik Yunan'da elde edilen klasik dans gibi yüksek sanat düzeyine yükselmesine izin vermedi.

Dansla ilgili makaleler ->

İlk danslar antik dünyanın halkları arasında çok yaygındı ama elbette günümüze pek benzemiyorlardı. Bir kişi, çeşitli jest ve hareketlerle, etrafındaki dünyadan duygularını aktararak, kendi ruh halini, izlenimlerini ve ruh halini ifade etti. Pantomim, şarkı söyleme ve ünlemler dansla ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı. Dansçılar yüz ifadelerinin, jestlerin ve her dans hareketinin bir tür eylemi, eylemi veya düşünceyi ifade etmesini sağlamaya çalıştılar.

Dans etmeyi öğren" sirtaki " - basit.

Günümüzde antik Yunan halk dansı "sirtaki" sadece Yunanlılar tarafından değil, dünyanın her yerinde icra edilmektedir. Sirtaki melodisi herkes tarafından bilinir, dans hareketleri basittir. Denemek...

Sanatçılar bir sıra (bir veya daha fazla) halinde dururlar, bir daireyi kapatırlar, ellerini soldaki ve sağdaki komşularının omuzlarına koyarlar. Vücut düz, bacaklar düz, topuklar bitişik olmalıdır.

Giriiş. "Bir" de dizler hızla bükülür, "iki" de hızla düzelir, "üç" - "sekiz" de aynı hareketler tekrarlanır.

Dokunarak. "Bir"de, sol ayağınızı sola doğru yavaşça küçük bir adım atın, hafifçe kaldırın; "iki"de, sağ ayağınızı yavaşça sola getirin. "Üç" - "dört" de aynı hareketi yavaşça sağa doğru tekrarlayın, "beş" - "altı" da aynı hareketi yavaşça sola doğru tekrarlayın. "Yedi" - "sekiz" de aynı hareketi yavaşça sağa doğru yapın, vücut ağırlığı sol bacakta kalmalıdır.

Hareket "oraya ve geriye". “Bir”de, sol ayağınızın üzerinde küçük bir sıçrama yaparak sağ ayağınızı yavaşça ileri doğru atın. “İki” de, yavaşça sağ bacağınıza doğru ilerleyin, ona yaslanın ve hafifçe geriye sıçrayın. “Üç”te, sol ayağınızla yavaşça geriye doğru bir adım atın; “dört”te, vücut ağırlığınızı yavaşça sağ bacağınızın yanına verin. “Beş”te, sol ayağınızla hızlı bir şekilde ileri doğru bir adım atın, dizlerinizi güçlü bir şekilde bükün; “altı”da, vücut ağırlığınızı hızla sağ bacağınıza aktarın. “Yedi”de, sol ayağınızı hızla sağ bacağınızın yanına yerleştirin ve desteği sağ bacağınızda bırakın; “sekiz”de, sol ayağınızı hızla ayak parmaklarınızın üzerinde çapraz olarak ileri ve sağa doğru hareket ettirin. “Dokuz”da tekrar sol ayağınızı hızla sağ ayağınızın yanına koyun ve “on”da sol bacağınızı hızla çapraz olarak ileri ve sağa hareket ettirerek vücut ağırlığınızı ona aktarın.

Yan çapraz yana doğru hareket eder. "Bir" de sağ bacağınızı hızla ileri doğru atın, "iki" de sağ ayağınızı hızla öne ve solunuzun hafifçe soluna yerleştirin - sola ve ileri doğru çaprazlayın. "Üç"te sol ayağınız sola doğru hızla bir adım atın, "dört"te hızlı bir şekilde sağ ayağınızı solunuzun arkasına ve hafifçe soluna yerleştirin - sola ve geriye doğru çaprazlayın. “Beş”te sol ayağınızı sola doğru hızlı bir şekilde bir adım atın, “altı”da “iki”de yaptığınız hareketi tekrarlayın. "Yedi" - "on iki" üzerinde "bir" - "altı" ile aynı hareketleri yapın, ancak diğer yönde ve diğer bacakta, yani sağa dönerek. Hareketi tekrar tekrarlayın.

Daha sonra "ileri geri" hareketi gerçekleştirilir, ancak "tek" adımda sağ topuğunuzla yere vurun ve sağ ayağınızla hızla ileri doğru atın.

Diz bükme. "Bir"de sağ bacağınızı hızla solunuzun önünde çapraz yapın ve dizlerinizi bükün, "iki"de aynı pozisyonda kalın. “Üç”te vücudunuzu sallayarak hızla dikleşin; “dört”te vücut ağırlığınızı hızla sol bacağınıza aktarın. "Beş" - "sekiz" üzerinde "bir" - "dört" ile aynı şeyi yapın, ancak sağ ayağınız geride ve sola doğru. “Dokuz”da aynı ileri hareketi yapın, “on”da düzleşin ve “ileri-geri” hareketi yapın.

Diğer halkların dansları çeşitli ve içerik bakımından zengindi. MS ilk yüzyılların sert Roma savaşları. Özellikle efsaneye göre Romulus'un tanıttığı Sabine kadınlarının kaçırılmasının anısına yapılan savaş dansını çok sevdiler. Cicero ve Horace, incelemelerinde Romalıların danslarından bahsetmişlerdir.

Antik Yunan Dansları, sirtaki:

Konu 2

Eski uygarlıkların dans kültürü.

Antik Çağın Dansı. Antik Yunan Dansı. Dans ve mitoloji arasındaki bağlantı. Terpsikor. Dini, sosyal, teatral danslar. Antik Roma'nın dansı. Pandomim dansı. Eski Hindistan ve Eski Mısır'ın Dansı.

Antik Çağın Dansı. Antik Yunan Dansı. Dans ve mitoloji arasındaki bağlantı. Terpsikor. Dini, sosyal, teatral danslar.

Eski uygarlıklarda dans ve müziğe derin bir ideolojik ve sosyal rol (bir eğitim aracı, dini ibadet, insanı yüceltme) atfedilmiştir.

Müzik ve dans sanatının profesyonelleşmesi teatral (sahne) dans türlerinin ortaya çıkmasına yol açtı. Yavaş yavaş emekle ve günlük ritüellerle doğrudan bağlantısından ayrılan dans, bedenin güzelliğini, insan ruhunun çeşitli hallerini somutlaştıran sanat anlamını kazandı ve teatral bir performansa dönüştü. Bu tür dansları ve müzik eşliğini gerçekleştirmek için yüksek profesyonel düzeyde dansçılara ve müzisyenlere ihtiyaç vardı (genellikle çocukluktan itibaren yetiştirilmişler, miras yoluyla bir meslek almışlar).

Antik Yunan'ın dans sanatı, çok sayıda arkeolojik buluntu (çok sayıda dans eden insan resmiyle birlikte) ve edebi kaynaklardaki açıklamalar sayesinde en çok çalışılan ve sistematik hale getirilen sanattır. Doğru, çoğu durumda dansların yalnızca kısa açıklamaları bulunur veya hangi tanrıların onuruna veya dansın hangi vesileyle yapıldığını belirten yalnızca isimlerden bahsedilir.

Antik Dünya devletleri arasında yalnızca Yunanistan, dansın çeşitli biçimleriyle halkın sevgisinin, neşesinin ve eğlencesinin bir ifadesi olduğunu özellikle açıkça ortaya koydu. Koreografi kelimesiyle adlandırmaya alıştığımız dans sanatı, bütünüyle Yunanlılar tarafından “orkestra” kelimesiyle ifade ediliyordu. Yunanca “koreo” kelimesinin kendisi, kelimenin tam anlamıyla esrime anlamına gelir, dolayısıyla dini alemlere ve her türlü halka açık ve günlük danslara eşit şekilde uygulanabilir. Antik Yunan'da sanatlar birbiriyle yakından ilişkiliydi. Yunanlılar aradı ritim Vücut hareketlerinde gözlenen düzen ve orantılılık. Seslerle ilgili olarak aynı düzen ve orantılılık adını verdiler uyum. Ritim ve uyum birliği Yunanlılar arasında bizim anlayışımızda orchestika yani dans kelimesiyle ifade ediliyordu.

Dans, Yunanlıların dini, evsel ve sosyal yaşamında önemli bir yer tutuyordu. Çeşitli sokak alayları, kutlamalar ve son olarak gizemler ve kutsal törenler, özünde, yetenekli yönetmenlerin rolünün rahiplere ait olduğu dans gösterileriydi. Ve ilk roller, hareketli resim ve plastik sanatların en iyi temsilcisi olarak kadın dansçıya verildi.

Antik danslar, plastik formların olağanüstü saflığında ve açıkça tanımlanmış çizgilerin uyumunda yatan özel, büyüleyici çekiciliğini günümüze kadar korumuştur. Ünlü bale reformcusu Noverre bunları açıklamaya çalıştı; Fransız klasisizminin tüm dönemi onlarla ilgilendi; modern dansın öncüsü Isadora Duncan'a ilham verdiler.

Antik danslar Yunan mitolojisindeki sembollerden doğmuştur. Efsanelerin kökenini nasıl açıklarlarsa açıklasınlar, özleri hala çeşitli işlevlere sahip olan Olympus tanrılarının Yunanlıların ruhunu, sosyal ve ahlaki yaşamını tamamen kontrol etmeleri ve onunla birlikte canlı imgeler haline gelmeleri gerçeğinde yatmaktadır. Yunanlıların neredeyse gerçek bir iletişimi vardı. Bu nedenle Yunan tarihinde mitleri gerçeklikten ayırmak zordur ve gerçekleştirilen danslar her zaman mitolojiyle ayrılmaz bir şekilde bağlantılı kalmıştır. Mitolojik olay örgüsü, antik koreografiye tamamen hakim oldu ve sonraki yüzyılların koreograflarına ilham kaynağı olacak zengin bir malzeme olarak hizmet etti.

Efsane, Olimpos tanrılarının yaşamını öven müzisyenler ve şarkıcılar için bol miktarda yiyecek sağladı; mit, düşünürler için felsefi sistemlerin kaynağıydı; efsane tarihçiler ve şairler tarafından kullanıldı; ve tabii ki efsanenin Yunan yaratıcılığının görsel sanatlar ve koreografi üzerinde muazzam bir etkisi oldu.

Günlük yaşamdaki tüm küçük şeyler tanrıların koruması altındaydı. Böyle bir müdahale ve antik Yunan'ın özgür dünya görüşü sayesinde, Hıristiyan ahlakıyla hiçbir ortak yanı olmayan özel bir ahlak kuralları yaratıldı. Dış etkenlerden bağımsız olmak ve yalnızca kendi yasa ve normlarına uymak, Antik Yunan'da güzelliğin gelişmesine büyük katkı sağladı. Bu sayede önyargılardan kurtulmuş, serbest vücut hareketleriyle yarı çıplak koreografi geliştirildi. Zamanımız için ahlaka aykırı gibi görünen şeyler, ideallerine inanan özgür, bağımsız bir Yunan için doğaldı. Örneğin, Yunanlıların ruhunun en iyi ifadesi için bedenini eğittiği Yunan okullarında (palestra), tüm bedensel egzersizler her iki cinsiyet tarafından ve üstelik neredeyse tamamen çıplak olarak yapılıyordu. Kişinin vücudundaki sahte utanç ve utanç duygusu çocukluktan beri kaybolmuştur. Dansçılar, kostümlerin tamamen yokluğuna rağmen, saygıya değer bir ahlak saflığını temsil ediyordu, her zaman anlamlıydı ve belirgin bir manevi ruh hali içeriyordu.

Antik filozoflar Yunan danslarının ilahi bir kökene sahip olduğunu iddia ederler. Aslında Yunanlılar tanrıyı dünyanın uyumu olarak görüyorlardı ve bu nedenle onu yüceltmenin en iyi yolu, doğa güçlerinin sürekli dolaşımının göstergeleri olarak doğru, orantılı vücut hareketleri olmalıdır.

Antik Yunan'da dansın kökeni hakkında pek çok efsane var, ancak hepsi ortak bir fikirde birleşti; bu sayede koreografi sanatı, Apollon'u çevreleyen dokuz ilham perisinden biri olan kadın tanrı Terpsichore'da ifade edildi. Terpsichore, yani "dans etmeyi seven" ("eğlendiriyorum", "dans ediyorum" kelimelerinden), plastik güzelliğin ve uyumun sembolünü kişileştirdi. Yunanlılara göre Terpsichore, Yunan şarkıcı, müzisyen ve dansçı korolarına başkanlık ediyordu. Elinde lir veya tef ile tasvir edilmiş ve başı tüyler ve çiçeklerle süslenmiştir.

Yunanlılar dansı hem jimnastik hem de eğitim aracı, bedeni iyileştirmenin bir yolu ve mimik sanatı olarak çok geniş anlamda anladılar.

Araştırmacılar aşağıdaki hususları vurgulamaktadır dans türleri Antik Yunan'da var olan:

Dini (kutsal);

Jimnastik ve askeri (eğitim amaçlı);

Mimik;

Tiyatro (sahne);

Ritüel (düğün);

Ev.

Antik çağların diğer halkları gibi, dans ve çeşitli akrobatik ve jimnastik hareketleri de antik Yunan dini kültünün vazgeçilmez bir özelliğiydi. Her tanrının kendine ait ayrı bir dans ritüeli olabilir. Afrodit'i öven danslar yaygındı. Bunlar tıpkı patronları gibi düzgün, ölçülü ve mükemmel danslardı.

Antik Yunan'da ritüel alaylarına dans, müzik ve ilahiler de eşlik ediyordu. Bu dans alaylarından biri Komos Katılımcıları - komastaları - citharalar ve flütler eşliğinde rahat ve anlamsız hareketler gerçekleştiren (Komos).

Ancak antik Yunanlıların günlük yaşamında belki de en popüler olanı Apollon ve Dionysos'a adanan dini kutlamalardı. Onlara şekil ve karakter bakımından çeşitli çok sayıda dans eşlik etti. Üstelik Apollo kültüyle ilişkilendirilen danslar törensel, ciddi ve sakindi; Dionysos şenliklerinin dansları ise özgür, tutkulu ve hatta erotik bir karaktere sahipti. Benzer bir muhalefet daha sonra profesyonel sanatta, özellikle de antik Yunan tiyatrosunda (trajedi ve komedi dansları) açıkça kendini gösterdi.

Gençlere cesaret ve vatanseverlik aşılamada büyük rol oynayan eğitici jimnastik dansları arasında özellikle askeri danslar öne çıkarılabilir. Pyrrhikhu ve ilgili pirus dansları. Pyrrhichi'nin ilk biçimleri Girit'te 2000-1500 gibi erken bir tarihte biliniyordu. M.Ö e. Yavaş yavaş Antik Yunanistan'a nüfuz eden pyrrhich, tüm bölgelerinde, özellikle genç erkeklerin ve savaşçıların eğitimindeki unsurlardan biri olduğu Sparta ve Atina'da son derece yaygınlaştı. Bu danstaki jimnastik niteliğindeki karmaşık hareketlerin, insan vücudunun uyumlu gelişimine yardımcı olması gerekiyordu. Silahların müziğin ritmine, flüt sesine kadar figürleri, hareketleri ve manipülasyonları çok çeşitliydi. Sanatçılar askeri eylemleri ve bireysel savaşları sanki gerçek savaşlardaymış gibi yeniden ürettiler. Daha sonra pyrrhiha, bayram eğlencesi sırasında profesyonel dansçılar tarafından icra edilmeye başlandı; karakteri, büyüleyici ve muhteşem bir ihtişam unsuru kazandı ve türün adı herhangi bir topluluk dansıyla ilgili olarak kullanılmaya başlandı.

Frig dansı bir savaş dansı olarak sınıflandırılabilir. Corybantum. Adını Frigya'daki Kybele veya Rhea rahiplerinin "Corybants" adı verilen efsanevi atalarından almıştır. Silahlarının çınlaması yardımıyla karanlık güçleri uzaklaştırdılar. Corybantes'i canlandıran sanatçılar kalkan ve miğferle çıplak dans ediyor ve bazen çılgınlık noktasına ulaşıyordu.

Pyrrhikha ayrıca başka bir tür antik Yunan dansına da yakındı. Gymnopedia. Esasen flüt veya lir sesleriyle yapılan jimnastik egzersizleriydi. Her yıl düzenlenen festivallerden birinde Sparta'nın agorasında çıplak gençler tarafından gerçekleştirildi. Gymnopedia figürleri güreş ve boksta kullanılan hareket ve pozisyonlara benziyordu.

Antik çağların tiyatro gösterileri dramatik aksiyonun, şiirsel konuşmanın, şarkı söylemenin, dans etmenin, jestlerin ve yüz hareketlerinin bir birleşimiydi. Koro, antik Yunan tiyatrosunda şarkı söylemek ve dans etmekle görevlendirildi. Hareketleri kural olarak bir yönde, sonra ters yönde meydana geldi ve doğada yürüyüş veya yuvarlak dans olabilir.

Antik Yunan'daki her tiyatro gösterisinin kendine özgü bir çevresi vardı. dans türleri. Dans ederken trajedi Ustaca unsurlar yoktu, oyuncuların hareketleri geleneksellik ve hareketsizlikle ve daha hareketli bölümlerdeki jestlerin ifade edici doğasıyla karakterize ediliyordu. İÇİNDE komedi Performanslarda danslar ustaca, teknik olarak karmaşıktı ve sıklıkla çılgınca, kaba ve bazen müstehcen bir karaktere sahipti.

Antik Yunan tiyatrosunun birçok türü arasında birkaç temel türün vurgulanması gerekir: emmelia, cordacium ve syckinidae.

Emmelia- Başlangıçta yavaş veya ölçülü bir hızda, ciddi, görkemli ve yüce bir karaktere sahip, kült amaçlı (genellikle ölmekte olan bir kişinin yatağının başında) yuvarlak bir dans. Pirus danslarından farklı olarak kadınlar tarafından yapılıyordu ve formlarının güzelliği ve esnekliğinin zarafeti ile ayırt ediliyordu. Dansçıların ellerinin hareketleri özellikle etkileyiciydi; desen açısından karmaşık ve anlamlı karakterdeyken bacakları ve vücudu nispeten hareketsizdi. Dini bir dans olarak ortaya çıkan emmelia, daha sonra antik Yunan trajedisinin ayrılmaz bir parçası haline geldi.

Komedinin ana dans türü Kordak, Hareketleri çılgın bir hızda çeşitli dönüşler ve sıçramalar içeriyordu. Her ne kadar oyunun içeriğiyle ilgili olsa da yine de aksiyonun basit bir örneği değildi. Büyük ihtimalle kordak, bir tür koreografik soytarılık olan komik sahnelerden oluşuyordu. İlginçtir ki, bu dans ciddi erkeklere layık görülmüyordu.

Hiciv dramasının dansının onunla pek çok ortak noktası vardı - sikkinida sıradan insanların zevklerine odaklanıyor ve çoğu zaman kamusal yaşamın birçok yönünün bir parodisini temsil ediyor.

Tüm Yunan danslarının hakim olduğu unutulmamalıdır. Yüz ifadeleri. Mekanik hareketlerle ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı. Araştırmacılara göre Yunan dansı her zaman “taklit” ediyor. Dans ve yüz ifadelerinin bu kadar yakından ilişkili olduğu başka bir ulus yoktur. Yunanlılar dansta yalnızca doğal bir hareket etme arzusu görmekle kalmıyor, aynı zamanda her jimnastik hareketinin sözlü konuşmaya karşılık gelmesini de sağlıyor. Her jeste özel bir sembolik anlam yükledi. Dolayısıyla Yunan dansı, ritmik hareketlerle başlayan sessiz, hareketli bir konuşmadır.

Mizah(eski Yunancadan - “taklit”) - alt tabakalardan seyircilerin beğenisine göre kitlesel nitelikteki sahne performansları, akrobatların ve sihirbazların performansları, vb., şarkı söyleyen ve dans eden sahneler ve son olarak bütünüyle gerçek hayattaki hiciv saçmalığı . Bu tür tiyatrolarda oyunculara pandomim de deniyordu.

Yunanistan'ın farklı yerlerindeki geniş kitleler arasında ortaya çıkan mim, küçük zanaatkarların, köylülerin ve onlara yakın kesimlerin hayatından koparılmış, canlı diyaloglarla dolu komik sahnelerdi. Bu tür, 4.-3. yüzyıllarda Yunanistan'ın Helenistik döneminde yaygın olarak gelişti. M.Ö. Bu dönemde pantomimler sahne için değil, sadece okumayı eğlendirmek için yaratılmış ve sadece zanaatkarların değil, aynı zamanda üst sosyal tabakaların da ilgi alanına girmiştir.

Mimes Antik Roma'da da yaygınlaştı. İtalya'nın güneyinde uzun süredir gelişen ve Roma'da halk kitle tiyatrosu olarak varlığını sürdüren pantomimler, 2. ve 1. yüzyılın sonlarında sahneyi sağlam bir şekilde ele geçirdi. Demokrasinin zaferleri onları sınıf mücadelesinin silahı olarak keskinleştirdiğinde, tiyatroyu sosyo-politik hiciv mekanı haline getirdiğinde M.Ö. Küçük zanaatkarların (boyacılar, ip yapımcıları vb.) yaşamını yansıtan bu memler, bazen din üzerine keskin bir hicivle, çoğunlukla egemen sınıflara (büyük toprak sahipleri vb.) yöneliktir. En müstehcen hikayeler burada yaygındı. Pandomimin geleneksel karakteri her türlü tacize maruz kalan bir aptaldı; Günün konusuyla ilgili doğaçlama bir unsur sıklıkla metnin içine giriyor. Alt sınıflara ait bir sınıf türü olan Roma pandomimi, şehir meyhanelerinin tüm kabalığı ve argosuyla bu katmanların dilinde yazılmıştır.

Bunun kanıtı heykel ve vazo resimlerinde, şairlerin, yazarların ve sanatçıların eserlerindedir. Dans etmek ya da etmemek, izlemek ya da izlememek konusunda özgür olan katılımcılar ve seyirciler olarak bölünme. Ritüelin yerini fiziksel ve eğlence almaya başladı. Yunanistan'ın tüm yaşamı eurythmy ile doludur. Dans, eğitim disiplinlerinden biriydi ve yetişkinler ve tam teşekküllü vatandaşlar çalışmaya devam etti. Dans seyirciler içindir, atlama zevki için veya kendi eğlenceniz için değil. Tüm vatandaşların bir miktar dans tekniği vardı. Beş grup: savaş dansları - ritüel ve eğitici; ılımlı kült olanlar - emmelia, peçe dansı ve karyatidlerin danslarının yanı sıra doğum, düğün ve cenaze dansları; orjiastik dans; halk dansları ve tiyatro dansları; günlük hayatta dans etmek. Kutsal danslar çalışma takvimi yılının belirli günlerini yansıtıyordu. İki ana dans kültü vardır: tanrı Apollon'un onuruna “ışık” ve tanrı Dionysos'un onuruna “karanlık”. Antik Yunan'daki askeri danslar, gençlere cesaret, vatanseverlik ve görev duygusunu aşılamada büyük rol oynamıştır ("pyrrhichion", "pyrrhich") Sosyal ve günlük danslar (ev, şehir, kırsal), aile ve kişisel kutlamalara, şehir ve şehirlere eşlik eder. Ulusal bayramlar. Sahne dansları Dr.Gr. Tiyatro gösterilerinin bir parçasıydı ve her türün kendi dansları vardı: emmelia trajedinin, cordak komedinin ve sikkanida hiciv dramasının karakteristiğidir. Peçelerin dansı ve karyatidlerin dansı. Sikkanida Kubiki - akrobatik danslar. Mina mima.

H. Limon'un dans tekniği.

Jose Arcadio Limon, 12 Ocak 1908'de Meksika'nın Culiacan şehrinde doğdu ve ailenin on iki çocuğundan en büyüğüydü. 1915'te 7 yaşındayken ailesiyle birlikte Amerika Birleşik Devletleri'ne, Los Angeles'a göç etti.

Lincoln Lisesi'nden mezun olduktan sonra Limon, güzel sanatlar eğitimi almak için Los Angeles'taki California Üniversitesi'ne girdi. 1928'de New York'a taşındı ve burada New York Tasarım Okulu'nda okumaya başladı. 1929'da Rudolf von Laban'ın öğrencileri Harold Kretzberg ve Yvonne Giorgi'nin performanslarını gördükten sonra Limón dansla ilgilenmeye başladı.

Doris Humphrey ve Charles Weidman'ın okulunda okumaya başladıktan sonra bir yıl sonra Broadway'de ilk kez sahneye çıktı. Aynı zamanda Limon ilk kez koreograf olarak şansını denedi: kendisi ve Laetitia Ide için "Re Minor Etüdü" sahneledi; "figüranlar" sınıf arkadaşları Eleanor King ve Ernestina Stoddel'di.

1930'lar boyunca Lemon, Humphrey-Weidman topluluğuyla dans etti, Doris Humphrey ve Charles Weidman'ın yapımlarına katıldı ve ayrıca Broadway'de çalıştı: 1932-1933'te Americana revüsünde ve Irving Berlin'in müzikalinde sahne aldı. Binlerce kişi tezahürat yaparken(koreografisi Charles Weidman'dan), New Amsterdam Tiyatrosu'nda koreograf olarak işbirliği yaptı.

1937'de Lemon, Bennington Dans Festivali programına katıldı. Mills College'da düzenlenen 1939 festivalinde ilk büyük koreografik çalışması olan Meksika Danslarını yarattı ( Danzalar Meksikalılar).

Ertesi yıl Limon, "Çimlerde Yürüme" (George Balanchine'in koreografisi) revüsünde solist olarak sahne aldı.

1941'de May O'Donnell ile işbirliği yapmak için Humphrey-Weidman grubundan ayrıldı. Birlikte şöyle eserler sahnelediler: Savaş Şarkı Sözleri Ve Perde Yükseltici ancak daha sonra Humphrey ve Weidman'a döndü. Bu sıralarda Pauline Lawrence ile tanıştı ve 3 Ekim 1942'de evlendiler. Aynı yıl Lemon, Mary-Ellen Moylan ile birlikte, katılımıyla Broadway'deki son gösteri olan Rosalind (koreografisini George Balanchine'in yaptığı) müzikalinde dans etti.

Daha sonra Stüdyo Tiyatrosu'nda klasik müzik ve folklor temaları üzerine sayılar yarattı, ta ki Nisan 1943'te ABD Ordusu Özel Hizmetine çağrılıncaya kadar, 1940'ta özellikle savaş sırasında askerin ruhunu korumak için yaratıldı. Görevi sırasında Frank Loesser ve Alex North gibi bestecilerle işbirliği yaptı ve birçok prodüksiyon yarattı; bunlardan en ünlüsü Konser Grasso.

Limón, 1946'da askerlik hizmetini tamamladıktan sonra Amerikan vatandaşlığını aldı.

1947'de Limón kendi topluluğu olan José Limón Dans Topluluğu'nu kurdu ( José Limon Dans Topluluğu), sanatsal yönetmenliğini Doris Humphrey'e teklif etti (böylece Limon'un grubu, sanat yönetmeni aynı zamanda kurucusu olmayan ilk ABD modern dans topluluğu oldu). Dansçıları arasında Paolina Kohner, Lucas Howing, Betty Jones, Ruth Carrier ve Limón José'nin yer aldığı topluluk, Bennington College Festivali'ndeki ilk çıkışını Doris Humphrey'in prodüksiyonlarıyla yaptı. Ağıt Ve İnsanlığın Hikayesi.

Dansçı ve koreograf Louis Falco da toplulukta 1960-1970 ve 1974-1975 yılları arasında dans etti. Jose Limon'un yönettiği "The Moor's Pavane" filminde Rudolf Nureyev'le birlikte sahne aldı. Lemon, Humphrey ile çalışırken bir repertuar geliştirdi ve kendi tarzının ilkelerini ortaya koydu. Grup, 1947'de New York Belasco Tiyatrosu'nda Humphrey'in prodüksiyonu olan Day on Earth ile ilk kez sahneye çıktı. Topluluk, 1948'de ilk kez Connecticut College Amerikan Dans Festivali'nde sahne aldı ve ardından uzun yıllar festivalde yer aldı. Limón, "The Moor's Pavane"i sahneledikten sonra Dance Magazine'in olağanüstü koreografi ödülünü aldı. 1950 baharında Limón ve grubu, Page Ruth ile Paris'te sahne aldı ve Amerikan modern dansının Avrupa'daki ilk temsilcileri oldu. Limón'un yaşamı boyunca topluluğu tüm dünyayı gezdi ve ölümünden sonra da faaliyetlerine devam etti.

1951'de Limon, dansta yeni bir yönün yaratıldığı Juilliard Okulu'nun fakültesine katıldı. Ayrıca altı yapım hazırladığı Mexico City Ulusal Güzel Sanatlar Enstitüsü'nün davetini de kabul etti. 1953 ile 1956 yılları arasında Limon gösterinin koreografisini yaptı ve rolleri canlandırdı. Harabeler ve Vizyonlar Ve Ritmo Jondo Doris Humphrey. 1954'te Limón'un grubu, ABD Dışişleri Bakanlığı'nın Uluslararası Öğrenci Değişim Programından yararlanan ilk gruplardan biri oldu ve Güney Amerika'yı gezdi. Kısa süre sonra Avrupa, Orta Doğu ve yine Güney ve Orta Amerika'yı kapsayan beş aylık bir tura çıktılar. Bu süre zarfında Lemon ikinci Dans Dergisi Ödülünü aldı.

1958'de grubun bunca yıldır sanat yönetmenliğini yapan Doris Humphrey öldü ve onun yerine Jose Limon kendisi geçmek zorunda kaldı. 1958-1960 yılları arasında Poalina Koner ile ortak yapımlar yapıldı. Bu süre zarfında Lemon, Wesleyan Üniversitesi'nden fahri doktora unvanı aldı. Grup 1962'de New York Shakespeare Festivali'nin açılışını yapmak için Central Park'ta sahne aldı. Ertesi yıl, ABD Dışişleri Bakanlığı'nın himayesinde grup, Uzak Doğu'ya on iki haftalık bir gezi yaparak prodüksiyonda sahne aldı. Şeytan Müzik eşliği besteci Paul Hindemith'e aitti. Hindemith galayı bizzat yönetti.

1964'te Limon şirketin ödülünü aldı Capezio ve Lincoln Center'daki Amerikan Dans Tiyatrosu'nun sanat yönetmeni olarak atandı. Ertesi yıl Limón, José Limón Dans Tiyatrosu adlı ulusal bir eğitim televizyon programında yer aldı. Birkaç yıl sonra Jose Limon Dans Vakfı'nı kurdu ve Kuzey Carolina Üniversitesi'nden bir fahri doktora daha aldı. 1966'da Washington Katedrali'nde toplulukla sahneye çıktıktan sonra Limón, National Endowment for the Arts'tan 23.000 dolarlık bir hükümet bağışı aldı. Ertesi yıl Limón prodüksiyonun koreografisi üzerinde çalıştı. Mezmur Bu ona Colby Koleji'nden fahri doktora unvanı kazandırdı. Kendisi ve grubu ayrıca Başkan Lyndon Johnson ve Fas Kralı II. Hasan için Beyaz Saray'a konser vermeye davet edildi. José Limón'un dansçı olarak son sahneye çıkışı 1969'da Brooklyn Müzik Akademisi'nde The Traitor ve The Moor's Pavane yapımlarında sahneye çıktı. Aynı yıl iki eseri daha tamamlayarak Oberlin Koleji'nden fahri doktora unvanı aldı.

Başlangıçta dans, yüz ifadeleri, jestler, vücut ve bacakların hareketlerinden oluşan bir kompleksti.

Antik yüzyıllarda insanlığın ilk dili olan yüz ifadeleri dans sanatıyla ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı. Üstelik eski çağlardaki tüm hareketlere danstan başka bir şey denmiyordu! Yunanlılar dansı yalnızca ritmik hareketler ve güzel pozlar için bir bahane olarak kabul etmediler - aksine, her dans hareketinin izleyiciye hitap eden bir tür düşünceyi, eylemi, eylemi, bir şeyi ifade etmesini sağlamaya çalıştılar. Ve İspanyol dansları, bugün bile, süper etkileyicilikleri sayesinde, bazen sıradan insan konuşmasından çok daha fazlasını aktarabiliyor. Antik çağda insanların, tanrıların insanları kollarına ve bacaklarına bağlı iplerden çekmesi nedeniyle dans ettiğine inanılıyordu. Aslında dans, ilkel insanların iletişim kurma ve bazı hayati bilgileri aktarma ihtiyacından doğmuştur. İlkel insanlar, hayvanların hareketlerini kopyalayarak bu hayvanın zihinsel durumuna nüfuz etmeye, onun "özünü" anlamaya çalıştılar; bu, ilkel insanlara avlanırken önemli ölçüde yardımcı oldu ve bu nedenle hayatta kalmak için bir zorunluluktu!

İlkel dans elbette duygulardan doğmuştu ve akut deneyimlerle doğrudan ilişkiliydi. Başlangıçta danslar belirli bir oyun unsurunu da içeriyordu: doğada, diğer "ben"de, "yeni" ve çoktan unutulmuş "eski"de. İlkel insana birkaç hareket bahşedildi, ancak her gün yeni zorluklar ortaya çıktı ve bunun sonucunda davranış algoritmaları ve yeni jestlerin tiplendirilmesi geliştirildi. Antik dans cephaneliğini yenilemenin yollarından biri hayvanların hareketlerini taklit etmekti. İlkel dansların temeli büyü ve ritüeldi. Ritüel eylem sırasında gerçekleştirilen hareketler her zaman bir şekilde yönlendiriliyordu ve kesin olarak tanımlanmış bir amacı vardı. Burada dans, kişinin kendisini günlük hayattan farklı, belirli bir duruma getirmenin bir aracı olarak hareket ediyordu. Dolayısıyla dans, bilinmeyene açılan bir tür kanaldı ve insan yaşamının mantık dışı yönlerini kontrol etme fırsatı olarak hareket ediyordu.

Kadim insanlar arasındaki her dans, bir kişinin hayatındaki önemli, dönüm noktası olaylarını deneyimlemek için gerekli olan güçlü kozmik enerjilerle olan bağlantısını işaret ediyordu: doğum - yetişkinliğe giriş - evlilik - yavruların doğuşu - avlanma - savaş - ölüm. Yani aşırı güçten değil, onu elde etmek için dans ettiler.

Birkaç gün süren totemik danslar genellikle ilk ataların hayatından fantastik yolculuklarla ilgili mitlerin senaryosuydu. Farklı kabilelerin totemik danslarında, ana özellikleri açıkça ortaya çıkıyor - toteme tam asimilasyon. Totemik dansın kelime dağarcığı, belirli bir hayvan, kuş veya böcek türünün esnekliğinin doğasına göre belirlenir. Bu danslar yapı olarak her zaman dinamikti ve pozlardan ziyade hareketleri vurguluyorlardı. Totemik danslarda, kişi kelimenin tam anlamıyla dönüşür, kendisinden çok tasvir edilen hayvana benzer hale gelir (yani dansçı dışarıdan hayvan özellikleri edinir). Bu eski danslar aynı zamanda avlanma, kuşlarla ve hayvanlarla oynama sahnelerinden sahneleri de içeriyordu. En eski insanlar, sanki bir dansta onlara dönüşüyormuş gibi, hayvanların alışkanlıklarını ustaca nasıl kopyalayacaklarını biliyorlardı. Onlara göre böyle bir dönüşüm, şu veya bu hayvanın cesaret ve dayanıklılık özelliğinin kazanılmasına yardımcı oldu. Her kabilenin tapındığı, onuruna düşene kadar dans ettiği kendi kutsal hayvanı vardı. Bunun için onları savaşta tüm değerli nitelikleriyle ödüllendirdi, iyi şanslar ve zafer getirdi. Her birinde, her birinin özel bir adı, özel şarkıları, müzik aletleri, adımları, figürleri ve katılımcıların kostümleri olan on ila otuz çeşit erkek av dansı vardı. Her hareketin kendi kutsal anlamı vardı.

Av danslarında erkekler gözlem güçlerini geliştiriyor, hayvanları takip etmeyi ve kendilerini kamufle etmeyi öğreniyor, yani dansta psikolojik ve fiziksel hazırlık yapılıyor ve bu da avın başarısına katkıda bulunuyor.

Kadın ritüellerine gelince, bunlar Üst Paleolitik sanatında en yaygın olanlardandı. Ateş ve üreme ritüelleri, doğanın bitki güçleri, hayvanların üremesi ve avlanma başarısı, formlarındaki kadın imajıyla ilişkilendirildi. Güneybatı Afrika'nın bazı kabileleri arasında, başarısız bir av sırasında düzenlenen, meşaleli büyük bir geçit töreni yalnızca Büyük Kadın tarafından yönetiliyordu. Doğurganlık kültüyle ilişkili kadınların dans ritüellerine ek olarak, kadınların kabile için yararlı olan şu veya bu bitkinin imajında ​​\u200b\u200bsomutlaştırıldığı danslar da yaygındı.

Kadınlar, ellerinde silahlarla, zaman zaman onları öne (kaçan bir düşmanın takibini simgeliyordu) ve geriye (kocalarını tehlikeden uzaklaştırmak amacıyla) fırlatarak savaş dansları yaptılar. Bu danslar genellikle bir bufalo veya atın kuyruğundan yapılmış ritüel beyaz süpürgelerle gerçekleştirildi - kadınlar bu nesneleri dans boyunca geniş bir şekilde salladılar (böylece kocaları düşmanlarını yeryüzünden "süpürsün"). Savaş dansları her zaman kabilenin en önemli ritüel eylemleri olmuştur. Erkekler kampanyadan dönene kadar gece gündüz kesintisiz olarak gerçekleştirildi.

Danstaki en eski ve en yaygın sembolik işaret çemberdi. Bir daire içinde şekillenmek, kötü güçlere karşı bir tılsım olarak görülüyordu ve ritüelin başarılı bir sonucunu garanti ediyordu. Av danslarında daire bir toparlanma anlamına gelirken, tarım danslarında doğurganlığı simgeliyordu. Çevrede tedavi ettiler ve evlendiler. Ancak çember, toplu dansın bilinen tek biçimi değildir. Çizgiler aynı zamanda özellikle askeri danslar olmak üzere yaygın bir dans gösterisi biçimiydi. Eskilerin dansları aynı zamanda labirent ve sürünen bir yılanın çizimi gibi karmaşık figürleri de yeniden üretti.

İlkel insan için gerçeklik ve kurgu eşdeğerdi. Ve ritüel eylemlerin birkaç hafta sürmesi tesadüf değil - bu da bunun hayati derecede gerekli olduğu anlamına geliyor!
Ancak yavaş yavaş dansın derin bir anlam taşıdığı ritüel başlangıcının yerini tamamen bedensel, eğlenceli bir şey almaya başlar. İlkel danstan antik dansa yumuşak bir geçiş bu şekilde gerçekleşti.

Yunanistan'da köylülerden Sokrates'e kadar herkes dans etti. Dans sadece eğitim disiplinlerinden biri değildi, aynı zamanda yetişkinler de isteyerek çalışmaya devam etti. Antik çağın tüm dansları zevk ve kişisel eğlence için değil, seyirciler için oynanırdı. Antik Yunan danslarının toplam sayısının iki yüzden fazla olduğu tahmin edilmektedir. Geleneksel olarak beş gruba ayrılabilirler:
- dövüş dansları - ritüel ve eğitici;
- ılımlı kült - emmelia, peçe dansı ve karyatidlerin danslarının yanı sıra doğum dansları, düğün ve cenaze dansları;
- orjiastik danslar;
- halka açık ve tiyatro dansları;
- günlük yaşamda dans etmek.

En önemli dans gruplarını karakterize edelim:

A) Savaş dansları
"Pyrrhus" en çarpıcı savaş danslarından biridir. “Pyrrhichium”, “pyrrhiha” olarak da biliniyordu. Sparta'da ortaya çıktı. Bu dansı beş yaşında öğrenmeye başladık. Esasen pyrrhiha, kılıçlar ve kalkanlarla yapılan virtüöz bir danstır. Pyrrhich, özellikle dansçılar tarafından icra edildiğinde en sevilen ziyafet eğlencelerinden biriydi.

B) Kült danslar
Emmelia, yuvarlak danslar ve farandoller gibi yavaş ritimlerde oldukça ölçülü bir danstır.

Perdelerin dansı ve karyatidlerin dansı daha canlı. Karyatidler, danslarında sivri ayakkabılarla dans etme tekniğini ilk kez kullanan dansçılarla aynıdır. Aslında pointe ayakkabılar antik çağda da kullanılıyordu ancak modern ayakkabılara benzemiyordu. Antika pointe ayakkabılar, herhangi bir özel ayakkabı olmadan, ayak parmaklarının ucunda, ancak yalınayak bir duruştur. Erkekler de bu şekilde dans ediyordu.

B) Tiyatro dansları
Klasik çağın üç tür tiyatro gösterisinin her birinin kendi dansı vardı: trajedi emellia ile karakterize edilir; komedi için - kordak; hiciv draması için - sikkanida.

Muhteşem bir eğlence olarak danslar pandomimciler (şakacılar, palyaçolar, akrobatlar, hokkabazlar) tarafından yönetiliyordu. Zengin ve saygın vatandaşların tek bir şöleni onlarsız tamamlanmazdı. Usta bir mim dansının karakteristik özelliklerini sıralayalım:
- teknik bacakların döndürülmesine dayanmaktadır;
- sivri ayakkabılarla ve çeşitli atlamalarla dans pratiği yaptı;
- favori tarz - vücudun bacaklara dik bir düzleme keskin bir dönüşü;
- akrobatik kübizm (çeşitli pozlarda eller üzerinde dans etmek) ve virtüöz pirus tarzı dansçılar için tipiktir;
- Bardak ve sepetlerle dans etmek popülerdir;
- Yunan danslarının karakteristik bir tekniği, eli dik açıyla yukarı doğru bükmektir.

Yunanlıların ayrıca bütün bir sistemi vardı, danslarda ellerle oynamak için karmaşık bir teknik - chironomy. Eller her zaman geleneksel bir dil konuşmuştur ve ne yazık ki bugün anahtarı kaybolmuştur.
Antik Yunan'daki ritüel danslar çok çeşitlidir, ancak geleneksel olarak iki ana dans kültüne ayrılırlar: tanrı Apollon'un onuruna "ışık" ve tanrı Dionysos'un onuruna "karanlık". Sıradan bir çocuk Yeni Yıl dansında Apollon ve diğer ışık tanrıları onuruna yapılan antik Yunan ritüel danslarının kalıntılarını gözlemleyebiliriz. Tek fark, tapınılan nesnenin heykel değil, ladin ağacı olmasıdır. Bu ritüellerin temel bağlantısı, Yeni Yıl başlangıcından önce ritüel temizlik yapmanın geleneksel olduğu eski zamanlara kadar uzanır. Bununla birlikte, antik dünyada, ciddi Apollon kültünden kovulan her şeyi tam olarak yoğunlaştıran başka dans ritüelleri de vardı: bir jest isyanı, bedenin ruh üzerindeki üstünlüğü. Bereket tanrısı Dionysos'a adanan festivalde karanlık ve müstehcen her şey ortaya çıktı.

Antik Roma'da dansın gelişimi, Antik Yunan dansından farkı.

Yunanistan her kutlamayı çok çeşitli danslarla kutlarken, eski Romalılar yalnızca savaşçı ve vahşi dansları kullanırlardı. Eğer eski Yunanlılar çeşitli dans türlerinde hem rasyonel hem de sefahat prensiplerini birleştirdilerse, o zaman eski Romalılar, tüm belirtilere göre, daha rasyonel bir zihniyetle ayırt ediliyorlardı. Bu, antik Roma dansları hakkında neredeyse hiçbir ayrıntılı kanıtın kalmadığı gerçeğini doğrulayabilir.

Antik Roma kültürünün analizi bize "seçkinlerin" kültürü ile sıradan halk kitlelerinin kültürü arasında açık bir ayrım olduğunu gösteriyor. Bu durum şüphesiz dans kültürünün gelişimine de yansıdı. Elitlerin dansları hakkında herhangi bir bilgimiz yoksa, kölelerin danslarına dair birçok referans vardır. Ancak daha sonra Numa Pompilius'un hükümdarlığı sırasında peri Egeria, Romalılara yeni danslar için yeni kurallar verdi. Bunlar, soylu ailelerin temsilcileri arasından on iki rahibin seçildiği Salian danslarıydı - tapınaklarda dans ederek tanrıları ve kahramanları yüceltmek zorunda kaldılar.
Ayrıca Roma'da pirus çiçeği çiçek açtı. Doğru, "pyrrhiha" kelimesi burada yeni bir anlam kazandı - solo dansın aksine genel olarak topluluk dansı bu şekilde çağrılmaya başlandı.

Daha uygar olan Etruria'da, tüm sanatlar Roma'nın kuruluşundan çok önce gelişti; mükemmel taklitçiler vardı ve çok çeşitli danslar mevcuttu. Bu ülkeden Roma'ya, flütlerdeki tuhaf danslarına eşlik eden dansçılar geldi - onlara histriones deniyordu ("efsanevi aktör" anlamına gelen "tarihçi" kelimesinden geliyor). Gösterileri sırasında şiirlerin tamamını söylediler ve tüm Romalı gençler onları taklit etmeye başladı. Romalılar en çok pantomime aşık oldular: Dionysos şenliklerinin coşkulu başlangıcından hâlâ tiksinti duyuyorlardı ve Apollon ritimlerinden yalnızca güzel bir jest kültürünü bıraktılar (eski Roma yüz ifadeleri bugüne kadar neredeyse hiç değişmeden kullanılıyor) ). Romalıların pandomim tutkusu ve bazı sanatçılara olan hayranlığı, Augustus'un hükümdarlığı sırasında tüm Roma'nın adeta iki düşman kampa bölünmesine neden oldu: bazıları ünlü dansçı ve pantomimci Pylades'in taraftarlarıydı, diğerleri ise yalnızca Baphilus'u tanıyordu. .

Daha sonra Roma İmparatorluğu'nun büyümesiyle birlikte Yunanistan ve Doğu'nun etkisi, antik Roma toplumunda dans kültürünün gelişmesine ve hatta dans okullarının ortaya çıkmasına yol açtı. Büyük ihtimalle ilk kurucuları pandomimcilerdi.

Eski Mısır'da dansın anlamı ve çeşitliliği.

Bize ulaşan sanat ve edebiyat anıtları, Eski Mısır'da dansın hiç de azımsanmayacak bir öneme sahip olduğunu kanıtlıyor. Neredeyse tek bir festival, tek bir ciddi dini tören danssız tamamlanmadı. Dans, Mısır'da neşenin bir ifadesi olarak egemendi ve "sevinç" kelimesiyle eş anlamlıydı. Eski Mısır dans isimleri arasında en yaygın olanı ib, mww, tereb, nebeb'dir ve kabartmalarda görüntüsü iyi korunmuştur. Tüm dansların belirleyicisi, kolu ve bacağı kaldırılmış insan figürüdür. Görünüşe göre mww dansı aynı zamanda bir cenaze dansı olarak da hizmet ediyordu.

Kutsal eski Mısır kültlerinin çoğu dans ritüelleriyle çevriliydi. Arka arkaya birkaç gün süren Osiris ve İsis efsanesiyle ilgili gösteriler zarif ve ciddiydi. Benzer kült eylemleri arasında kadınların kutsal Mısır boğası Apis'in önünde yaptığı hizmete eşlik eden dans da yer alıyor. Mısırlılar arasında eğlencenin, müziğin ve dansın koruyucu tanrıları Hathor'un yanı sıra Nehemaut ve sakallı cüce şeklindeki Hatiy'di (tanrıça Hathor'un önünde dans ederken ve müzik aletleri çalarken tasvir edilmişti). Görünüşe göre, zaten Eski Krallık döneminde, cücelerin dini dansı Mısır ritüellerinde önemli bir rol oynuyordu ve çok değerliydi. Mısır'da, Evrende uyumlu bir şekilde dağılmış çeşitli gök cisimlerinin hareketini tasvir eden rahiplerin astronomik dansları da vardı. Bize göre bu eşsiz dansı kısaca anlatmaya çalışalım. Tapınakta gerçekleşti: Ortaya yerleştirilen ve güneşi temsil eden sunağın etrafında, zodyak burçlarını temsil eden parlak elbiseler giymiş rahipler düzgün bir şekilde hareket etti ve daire içine alındı. Plutarch'ın açıklamasına göre önce doğudan batıya (gökyüzünün hareketini anımsatacak şekilde) hareket ettiler, sonra batıdan doğuya (gezegenlerin hareketini taklit ederek) hareket ettiler, sonra da dünyanın hareketsizliğinin bir işareti olarak durdular. Bu dans, insanlarda çeşitli dans ritüellerinin nasıl oluştuğunun açık bir örneğidir, sadece gezegen sistemi ve sürekli hareketin uyumu (bu durumda olduğu gibi) hakkında bir fikir değil, aynı zamanda genel olarak her insanın ruhsal gelişimini de belirledi.

Dansın Mısır ritüellerinde oynadığı önemli rol göz önüne alındığında, Mısır'da dansçıların yetiştirildiği özel kurumların olduğu sonucuna varabiliriz. Bunu doğrulayarak, Amon tapınağının rahibeleri - dansçıları yetiştiren kendi koreografi okuluna sahip olduğuna dair çeşitli göstergelerle karşılaştık.

Uyumlu ritmik hareketlerden oluşan dansların yanı sıra, Eski Mısır'da doğrudan çeviklik, esneklik egzersizleri olan ve bazen tamamen tamamen jimnastik egzersizlerine dönüşen danslar da çok yaygındı. Kostüme gelince, sadece dansçıların kısa bir önlük giydikleri, bazen bel çevresinde bir ilmek ile bağlanan bir kemer giydikleri bilgisini bulduk. Kadınlar ya çıplak ya da uzun ve şeffaf elbiselerle dans ediyorlardı. Ancak ritüel danslarda dansçıların giyinmesi gerekiyordu (kutsal bir hayvana veya tanrıya saygıyı bu şekilde ifade ediyorlardı). Dansçıların kolları ve bacakları her zaman bileziklerle, göğüsleri bir kolyeyle, başları ise kurdele veya nilüfer çiçeğiyle süslenirdi. Ayrıca Eski Mısır'da müzik aletleri (arp, lir, ud ve çift flüt) eşliğinde şarkı söyleyip el çırparak dans ettikleri bilgisine sahibiz.

Yeni Krallık'ta, doğuda hâlâ çok yaygın olan bir dans hakimdi: Tef veya kastanyet sesleriyle saçaklı uzun şeffaf elbiselerle dans edilen Almey dansı.

Böylece dansın antik çağın başlıca devletlerindeki gelişimini inceledikten ve önemini belirledikten sonra, dansın her halkın ruhsal gelişimi için bir gereklilik olduğuna açıkça ikna olduk.

Bu ülkelerin ulusal karakterinin bir yansıması olarak İspanya ve Hindistan'ın ulusal dansları.

Ulusal danslar, herhangi bir halkın ulusal karakterinin özellikleriyle ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır. Lev Nikolaevich Tolstoy'un şunu yazmasına şaşmamalı: "Halkın ruhu dansta." Buradan şu sonucu çıkarabiliriz: Bir milletin ruhunu ortaya çıkarmak için, o milletin dansını detaylı bir şekilde tanımak yeterlidir. İki ülke örneğini kullanarak, İspanya ve Hindistan'ı kullanarak, bu ülkelerin halklarının ulusal ruhlarını ulusal danslar aracılığıyla incelemeye çalışalım.

Maximilian Voloshin yirminci yüzyılın başında şöyle yazmıştı: “İspanya her zaman dans eder, her yerde dans eder. Cenazelerde merhumun tabutunun yanında ritüel danslar yapıyor; Sevilla Katedrali'nde sunağın önünde dans ediyor; barikatlarda ve ölüm cezası öncesinde danslar; gece gündüz dans ediyor..."

Her ilin folkloru son derece özgün ve benzersiz olduğundan genel olarak İspanyol danslarından bahsedemeyiz. Örneğin, kuzey İspanyol Baskları cesurca - sert ve arkaik, Kastilyalılar ölçülü - gergin, Aragonlular ise tam tersine bulaşıcı derecede neşeli ve açık sözlüdür, ancak İspanya'nın güneyindeki - Endülüs ve Murcia - dansları özellikle tutkulu. Ancak tüm ülkede ortak olan danslar da vardı. Bu dansların başında fandango dansı geliyordu. İspanya'nın ulusal motifidir. Fandango müziği, sanki kalplerini bir kıvılcımla ateşlemiş gibi, her gerçek İspanyol'un ruhu ve kalbi üzerinde muazzam bir güce sahipti. Dans yavaş başladı ama yavaş yavaş hızlandı. Bazı dansçılar kastanyetlerle silahlanırken, diğerleri sadece parmaklarını şaklattı, kadınlar ise gitar ve keman sesleri eşliğinde topuklarıyla ritim tuttu. Fandango, bir kasırga gibi hızlı, çok karakteristik ve huysuz bir şekilde üç adımda dans edilir. Klasik fandango, herhangi bir dokunmanın yasak olduğu, bir tartışmaya dayalı, dansçıların birbirine yaklaşıp uzaklaşmasından oluşan bir yarışma olan ortakların oyununa dayanan bir çift dansıydı, burada gözlerin ve jestlerin ifade gücü oynuyor büyük bir rol.

Başka bir ulusal dans olan boleroya kısaca göz atalım. Bu dans ancak 16. yüzyılın sonunda ortaya çıktı ve Sebastian Seretso (III. Charles döneminde ünlü koreograf) tarafından icat edildi. Bolero, klasik dansın kanonlarındaki yerini yavaş ama amansızca savunan bir tür İspanyol balesidir. "Fandango tutuşturur, bolero sarhoş eder" dediler. Tabii İspanyollara özgü ulusal danslardan bahsederken ünlü flamenkodan da bahsetmeden geçemeyiz. Bu daha ziyade bir dans değil, bütün bir dans grubudur. Flamenko, İspanya'nın güney eyaleti Endülüs'ten doğmuştur. Flamenko kelimesinin anlamını henüz kesin olarak belirlemek mümkün değil. Pek çok versiyonu olmasına rağmen, bizce en uygun olanı, dansın doğası gereği gerçekten “ateşli” olduğundan “flamenko”nun Latince “flamma” (ateş) kelimesinden gelmesidir; Başlangıçta ritüeldi ve ateş kültü zamanına kadar uzanıyor. Dansçıların kostümleri bu egzotik kuşun tuhaf hareketlerinin yanı sıra ince figürü de vurguladığı için bu kelimenin flamingo kuşu adından geldiğine dair ilginç bir versiyon da var. Dansın kendisi çok orijinal; içinde herhangi bir pantomim ya da belirli teatral jestlere rastlamayacağız. "Bailaor" (flamenko dansçısı) tek başına dans edebiliyordu, bu da onun dünyadan bağımsızlığını vurguluyordu. Bailaor, kolektif bir dansa özgü tüm duyguları bağımsız olarak ifade etti. Genel olarak tek bir dans, sessiz bir kolektif eylemi ima ediyordu. Baylaor bu dansta kendisiyle yarışıyor - dansın inanılmaz ifade gücü ve tutkusu, derin duyguları ve manevi çalışması bundan kaynaklanıyor. Tüm flamenko danslarının icrasında dansın dilini temsil eden el hareketlerine özel önem verilmektedir. Ovid'in şunu söylemesine şaşmamalı: "Sesiniz varsa şarkı söyleyin, yumuşak elleriniz varsa dans edin." Flamenkoda kadınların elleri esnek, anlamlı ve duyarlıdır; parmaklar sürekli hareket halindedir. Erkeklerde ise tam tersine el hareketleri katı, yüce ve net bir esnekliğe sahiptir; bir kılıç darbesi gibi havayı kestiler.

İspanya'nın ana danslarının tanımına dayanarak, İspanyol dansının üç ana bileşenini tespit edebiliriz: matadoru anımsatan gururlu bir vücut duruşu, dansçıların kollarının esnek ve etkileyici kıvrımları ve zapateado (ellerin ritmik tıklaması). dansçıların topukları). Bütün bunlar, alışılmadık derecede tutkulu, etkileyici, duygusal, ateşli ve huysuz olan İspanyol halkının ulusal ruhunu mükemmel bir şekilde karakterize ediyor.

Hint dans kültürünün gelişiminin özellikleri (aşk yönelimi).

Bir efsaneye göre Hindistan'da dans, tanrı Yok Edici Şiva sayesinde ortaya çıktı. Shiva'nın kendisi mükemmel bir dansçıydı ve karısı Parvati'ye en çok sevdiği dans sanatını öğretti. Daha enerjik bir form olan tandava'yı dans etti ve Parvati daha rafine, zarif bir form olan lasya'yı dans etti. Gelenekler ayrıca Yaratıcı Brahma'nın Dünya'da hüküm süren çekişme ve düzensizlikten çok endişe duyduğunu söylüyor. Dört Veda Brahminler tarafından kesinlikle gizli tutulduğu için herkesin erişebileceği beşinci bir Veda yaratmaya karar verdi. Natyaveda'nın adadığı teatral oyunculuk sanatı ilk olarak Brahma tarafından bilge Bharata'ya öğretildi. Bharata üçlü sanatlarını (drama, müzik ve dans) Shiva'ya gösterdi. Kendi enerjik dansını hatırlayan Shiva, maiyetindeki baş yardımcıya Bharata'ya tandava sanatını öğretmesini emretti. Bharata bu sanatı sahip olduğu bilgiyle birleştirdi ve tiyatro sanatı üzerine kapsamlı bir çalışma olan Natyashastra'yı yazdı. Bharata ve diğer bilgeler bu sanatı Dünya halkları arasında yaydı.

Böylece bu gelenekler dans, müzik ve drama sanatlarının tanrısallık ve ölümsüzlükle olan bağlantısını açıkça tanımlamaktadır. Hindistan'da klasik dansın din ve mitolojiyle ne kadar güçlü bir şekilde bağlantılı olduğunu hala görebiliyoruz. Bu, yalnızca somutlaştırılan temaların seçiminde değil, aynı zamanda dansın icra ediliş tarzında da en açık şekilde yansıtılmaktadır. Bu da Hindistan'daki manevi yaşamın oluşumunu doğrudan etkiliyor.

Yüzyıllar boyunca Vishnitz kültünün temel nedeni, insanın tanrıyla birleşme arzusuydu. Tanrılar yalnızca karşılıklılıkla değil, aynı zamanda "bireysel yaklaşımla" da karşılık verdi. Krishna'nın doğduğu ve yaşadığı söylenen Uttar Pradesh'in Mathura bölgesindeki bir bölge olan Braj'da gerçekleştirilen rias lila dansı, Krishna'nın üzerinde dans eden gopilerin (inek çobanı kızlar) her birinde, kendisi gibi olduğu yanılsamasını yaratma yeteneğini tasvir ediyor. yalnız onunla dans ediyor. Hindistan'ın manevi yaşamında geleneksel olan ölümlü ruhun tanrıya güven ve sevgiyle yaklaşması alegorisi bu şekilde ifade edildi. Rias-lila güzel bir danstır, günümüzde hala uygun ilahiler eşliğinde icra edilmektedir.

Bunlar, kendileriyle ilişkilendirilen çok sayıda hikayeye sahip çok yüzlü Hint tanrılarıdır ve Hint dansının tematik temelini oluştururlar. Dansta olaylar basitçe ifade edilmez, aynı zamanda sembolik özleri ortaya çıkar ve inanç, şiirin, müziğin ve hareketin gücü aracılığıyla doğrulanır. Hindistan'daki tüm klasik dans formlarının iki yönü vardır: Nritta ve Nritya. Nritya saf dans, yani hastalarla (el hareketleri) koordine edilen soyut vücut hareketleri olarak tanımlanabilir. Nritya, saf dansla olay örgüsünün birleşimidir. Ancak buradaki dansın konusu pandomimden çok farklıydı. Bu sadece insan davranışının bir taklidi değildir. Hint dans geleneğinde nritta ve nritya'ya ek olarak üçüncü bir yön daha vardır. Bu natya, yani danslı veya danssız bir eylem ve jest performansı. Genel olarak bu bir tür dramatik sanattır. Ancak bu üç unsurun birbiriyle yakından ilişkili olduğu düşünülmektedir. Dans sanatından bahsetmişken, bizce Hint kültürünün bir bütün olarak gelişiminin en çarpıcı özelliklerinden birine dikkat çekmek gerekir. Farklı sanatlar arasında derin bir bağlantı vardır. Eğer müzik, dans ve drama dans kültürüne son derece yakınsa, o zaman edebiyat, resim, heykel ve hatta mimari de dans geleneğinden kopmamış veya soyutlanmamıştı. Edebiyatın danstaki rolü son derece önemli olmuştur ve olmaya devam etmektedir, çünkü örneğin nritya şiirin dansla yorumlanmasıdır. Hindistan'da dans performansı için özel olarak yazılmış şiirler bile var. Bize göre en iyi örnek, Jayadeva'nın 12. yüzyıl Sanskrit edebiyatının klasik eseri “Gida - Govinda”dır. Dans başlangıçta tapınak ritüellerinde büyük bir yer tuttuğundan, mimar tapınak alanında özel bir platform sağladı. Tamil Nadu'nun Thanjavur bölgesindeki ünlü Brihadeeswara Tapınağı, dans gösterileri için özel olarak inşa edilmiş büyük bir salona sahiptir. Orissa, Kanaraka'daki Güneş Tapınağı'nda, denize yakınlığı ona ruhani bir güzellik katan devasa ve karmaşık bir şekilde dekore edilmiş bir Dans Salonu olan Nata Mandal vardır.

Hindistan'ın farklı bölgelerinde, özellikle güneyde ve Orissa'da bulunan tapınakların duvarları, dansçıları ve müzisyenleri tasvir eden çeşitli frizler ve panellerle süslenmiştir.

16. - 17. yüzyıllarda başlıca balo salonu dansları türleri

Shakespeare'in komedisi Much Ado About Nothing'de, bize göre karakterlerden biri, 16. - 17. yüzyılların başında var olan ana dansları zekice karakterize ediyor: “Kur yapma, evlilik ve pişmanlık, İskoç dansı, ölçülü dansla aynıdır. ve galliard: birincisi bir İskoç dansı kadar ateşli ve aceleci ve bir o kadar da hayal gücüyle dolu; evlilik, ölçülü bir dans gibi, saygınlık ve eskilikle dolu, terbiyeli bir şekilde mütevazıdır; sonra tövbe devreye girer ve gelişmiş bacaklarıyla, mezara düşene kadar daha hızlı ve daha hızlı bir şekilde safraya düşer. Bunlar 16. - 17. yüzyılların başında dansın ana yönleriydi. Şunu da belirtmek gerekir ki, 16. yüzyılın sonuna kadar ve kısmen 17. yüzyılda, sanatçılardan atlamayı gerektirmeyen parterre, "alçak" danslar (bas dansları) - branles, pavanes, chimes - hakim olsaydı, o zaman Fransızların hafif “uçan” dansları dönemi başladı.

1. Branle.

Balo salonu dansı okulu Rönesans döneminde kuruldu ve hem halk hem de salondaki branle'nin dans sanatının daha da gelişmesinin temel başlangıcı olduğu düşünülebilir. Bu dans aslında bir halk dansıydı ve balo salonu formu bu köylü formundan doğmuştu ve yalnızca çok sayıda reverans ve yumuşak hareketlerle ayırt ediliyordu, oysa halk dansında branle vuruşları baskındı. Branle'nin ana hareketleri pavante, courante ve gavotte'yi içeriyordu. Bu dansın müzik eşliği oldukça monoton tef vuruşlarından, flüt seslerinden ve dansçıların monoton şarkılarından oluşuyordu. Yaşlı insanlar yavaş bir ikili branle dansı yapmayı seviyorsa, orta yaşlı insanlar tekrarlı bir branle dansı yaptı, o zaman gençler zıplayarak ve bacaklarını öne doğru havaya kaldırarak neşeli bir branle yapmayı tercih ediyorlardı. Böylece basit branle, daha sonra ortaya çıkan tüm salon danslarının kaynağıydı.

2.Pavana.
Pavana, bildiğimiz en eski İspanyol danslarından biridir. 16. yüzyılda pavane ve çanlar ana ve en sevilen danslardı. Sadece menüetin görünümü insanlara önce zili, sonra pavanteyi unutturdu. Pavana'nın İtalyan kökenli olduğuna inanılıyor, çünkü Catherine de' Medici İtalyan olan her şeyin koruyucusuydu. Bize göre pavanın asıl değeri, halk danslarının ilk kez belirli biçimler, karakter ve performans tarzı kazanmasıdır. Pavane'den önce çok sayıda branley birbirinden yalnızca isimleriyle farklıydı. Pavane'nin ayrıca belirli bir amacı vardı: topluma dansçıların görkemini ve kostümlerinin zenginliğini göstermek. Pavananın hareketi gösterişli bir tavus kuşunun hareketiydi. Pavane ve branle arasındaki bir diğer fark, pavane figürlerinin müzik cümlesinin başlangıcıyla başlaması, branle'de ise sadece temponun olmasıydı. Pavana aynı anda bir veya iki çift tarafından dans edilirdi ve ayrıca kökenlerine ve sosyal statülerine bağlı olarak katı bir sıra düzeni de vardı. Baloyu kral ve kraliçe açtı, ardından diğer soylular.

3. Menüet.
16. - 17. yüzyılların tek bir dansı, salon dansı sanatının genel olarak tanınan bir örneği olan menüet kadar popüler değildi. Birkaç yüzyıl boyunca menüet ya dansın zirvesine yükseldi ya da geçici olarak unutulmaya maruz kaldı, ancak hiçbir zaman tamamen başka bir dansın yerini alamadı. Dans tarihçileri "menuet'in kralların dansı ve dansların kralı" olduğunu söylüyor. 18. yüzyıla gelindiğinde aristokrat toplum, menüete karşı tavrını şu sözlerle ifade ediyordu: “menueti iyi yapan, her şeyi iyi yapar.” Minuet performansının ana özellikleri tören, nezaket ve ciddiyetti. Menüetin adımları çok düzgündü ve bir hareket diğerini takip ediyordu. “Önemli, görkemli adım” anlamına gelen Pas grave, menüetin ana dans unsurlarından biridir. 18. yüzyılda Barok dönemde daha dinamik, “hızlı menüet” ortaya çıktı. Ancak 19. yüzyılda balolarda menüet biraz farklı tasvir ediliyor. Bu sahne menüetlerinde, her zaman bu dansın klasik bir örneği olarak kabul edilen Mozart'ın Don Giovanni'sinin ünlü menüetinde olduğu gibi, bazı dans pozisyonları 17. yüzyılın orijinal menüetine karşılık gelmemektedir. Bize göre bu, sahne menüetinin zevkini hiçbir şekilde azaltmıyor, tam tersine bu dansın muazzam plastik zenginliğine tanıklık ediyor. Pek çok çağa göğüs geren menüet maalesef günümüze ulaşamamıştır ve bu dansı ancak tiyatro sahnesinde izleyebilmekteyiz.

Böylece, 16. - 7. yüzyılların ana balo salonu danslarının tanımı üzerinde ayrıntılı olarak durduğumuzda, bu dönemin danslarının en önemli özellikleri arasında doğal olarak ortaya çıkan akıcılık, düzenlilik, önem gibi ayrımlar yapabileceğimize açıkça ikna olduk. o zamanın tüm yaşamının ideolojisinin karakteristiğiydi.

Rusya'da dans kültürünün oluşumu ve gelişimi

“Dans” kavramı Ruslara, Sahtekar Dmitry ile Sorunlar Zamanında Moskova'ya gelen Polonyalılar tarafından verildi. Bundan önce Rusya'da Batı Avrupa'da olduğu gibi “salon dansları” yoktu. Kulelerde kadınların yuvarlak dansları yapıldı ve halk arasında danslar gelişti. Genel olarak dansa karşı tutum temkinliydi. Dansla birleşen "çılgın eğlence", "şeytanın ruhu yok eden bir icadı", "şeytani bir oyun" olarak görülüyordu.

Mikhail Fedorovich Romanov yönetiminde, dansçılar da dahil olmak üzere Almanlar ve Polonyalılar gibi eğlence sanatçıları kraliyet eğlencesine davet edildi. 1673 yılında Kremlin'deki komedi salonunda şarkı söyleyen ve dans eden bir oyun olan Orpheus sahnelendi. Önsözde Orpheus, krala övgüler yağdırdı ve ardından iki piramitle dans etti. Şu anda, dans sevgisi sadece kraliyet sarayında değil, aynı zamanda kendi ev sinemalarını kuran soylu Moskova halkı (boyar Morozov, Prens Golitsyn, Dolgoruky) arasında da gelişti.
Alexei Mihayloviç'in yerini alan genç Çar Fedor eğlenceyi sevmiyordu. Dans sevgisi yalnızca kızları konaklarında toplayan ve "danslar düzenleyen" hükümdar Sophia tarafından destekleniyordu.

Peter I döneminde bir dönüm noktası yaşandı. Uzun erkek takım elbiselerinin kısa kombinezonlarla değiştirilmesinin ardından Rus dansları mahkeme hayatından çıktı. Bunun yerine Peter yabancı dansları tanıttı. Çarın emriyle, acımasız cezaların acısıyla tüm Rus kızlarına dans etme emri verildi. Rus bayanlar ve baylar, yakalanan İsveçli subaylardan menüet, polonez ve kır dansını öğrendi. Peter'ın kendisi, karısı Catherine ve kızı Elizabeth danslara katıldı ve çağdaşlara göre bunu oldukça zarif bir şekilde yaptılar. Şu anda dansa yönelik tutum daha çok ciddi, neredeyse "devlet" meselesine benziyordu ve bu, tüm dans toplulukları düzenine yansıyordu.

Böylece, Rusya'da bu dönemde ilk bakışta "zararsız" danslar, "gerici boyarlara" karşı bir tür toplumsal mücadele silahına dönüştü. Dans edememek utanç verici hale gelir, bu nedenle boyarlar kendilerine öğretmen (dans ustaları) atamaya başlar. Toplantılarda, katı bir şekilde geliştirilmiş davranış kuralları, dansta ve hatta yaylarda bir bayanla iletişim kurma biçimi oluşturuldu. Doğaçlama olanlar da dahil olmak üzere hızlı danslar da vardı. Peter'ın figür değiştirmeyi sevdiğini, dans edemeyenleri kasten korkuttuğunu ve onlarla dalga geçtiğini söylediler.
Dansa yönelik tutumu karakterize eden koşullardan biri, artık dans hareketlerinin artık hiçbir şekilde belirlenmemesidir: ne ritüel tarafından ne de yalnızca doğal insan fizikselliği tarafından, bu nedenle, bize göre, dansın dayattığı yükümlülüklere karşı donuk bir protesto duygusu ortaya çıkıyor. dıştan.

Peter I'in baloları ("toplantılar") tanıtması, yaşlılar arasında hoşnutsuzluğa ve gençler arasında büyük bir coşkuya neden oldu. Petrine öncesi dönemde Rus yaşamı günden güne oldukça kasvetli olduğundan, asıl faaliyet kiliseye gitmek ve ardından malikanede oturmaktı. Halka açık eğlenceler yapılmıyordu, yalnızca düğünler olağanüstü bir ihtişamla ayırt ediliyordu. Bize göre Rusların hiçbir zaman çift dans geliştirmemiş olması ilginçtir; bize göre bu, Katoliklikte olduğu gibi hiçbir zaman Tanrı'nın Annesi kültünün bulunmadığı Ortodoks inancının özellikleriyle açıklanabilir. Ek olarak, Ortodoksluk insanlardan daha katı ahlaki taleplerde bulundu, bu nedenle bedensel enerjinin açık ve açık bir biçimde serbest bırakılması imkansızdı. Rusya'da Dionysos danslarına karşı tutum çok katıydı; bunlar büyük bir günah olarak görülüyordu. Peter'ın reformları toplum yaşamını daha uyumlu hale getirdi: kişinin eğlenme arzusunu saklamaya gerek yoktu; üstelik bu arzu zengin insanlar arasında en büyük öncelik haline geldi. Peter'ın toplantılarındaki en yaygın danslar menüet, pavane, çan ve diğerleriydi. Ancak Peter onları çok sıkıcı buldu ve çok daha hareketli kendi dansını icat etti. Daha sonra Anna Ionovna yönetiminde sadece yabancı eğlence moda olmadı. İmparatoriçe ayrıca Rus danslarını da (“bychok” veya “kamarinskaya”) severdi.

19. yüzyılda sosyal hayatın dans kültürünün gelişimine yansıması.

19. yüzyıl, önceki dönemle karşılaştırıldığında bireylere yaşam yolunu seçme konusunda çok daha fazla özgürlük sağladı. Kurtuluş aynı zamanda tamamen manevi düzeyde de gerçekleşti. Tanrı düşüncesi 19. yüzyılda yavaş yavaş ortadan kalktı. Önceki dönemde çok popüler olan laik yaşam, kilise yaşamının yerini o kadar alıyor ki, Tanrı sadece pazar günleri anılıyor. Toplumun idealleri yeniden bireyciliğe yöneliyor. Bu dönemdeki kamusal ruh halinin özelliği olan romantik coşkunluk, manevi esaretin çekimi, başkalarına duyulan özlem, daha yüksek idealler dansta açıkça ortaya çıktı. Vals, tüm dansların kralı haline gelir; bu, hâlâ toplumsal yaşamın temel dayanağı olan geleneklerden özgürleşmenin bir yoludur.

19. yüzyılda Fransız dans salonu ekolü yavaş yavaş ortadan kayboldu. Böylece 18. yüzyılda zorunlu sayılan hafif sıçramaların yerini yavaş yavaş basit adımlar alıyor. Balolarda, topun gidişatını denetleyen bir tür komutan olan “dans şefi” (“komiser”) pozisyonu ortaya çıkıyor. Gecenin ev sahipleri bu onuru yöneticiye vermemişse, ilk turu genellikle konuklar arasından en onurlu kişilere verilen topu valsle açmak alışılmış bir şeydi.

19. yüzyılda St. Petersburg'da Kış ve Anichkov saraylarında mahkeme baloları düzenlendi ve son derece popülerdi. Balo polonezle başladı ve ardından menüet geldi. Top, mazurka ve tabii ki vals olmadan tamamlanmış sayılmaz. Bu sırada, başarısı diğerlerinin popülaritesini gölgede bırakan başka bir dans ortaya çıktı - polka. Balo bir dansla sona erdi - bir kotilyon oyunu, tüm katılımcıların bir tür veda performansı.

Valse daha yakından bakalım.

Vals, modaya uygun bir salon dansının hiçbir özelliğine sahip değildi. Ayrıca vals öncesinde bir bayanın beline sarılıp doğrudan gözlerinin içine baktığı bir salon dansı yoktu. Ve vals sırasında hanımefendi ve beyefendi ilk kez dans eden tek bir çift haline gelir. Valse karşı resmi ve resmi olmayan protestolar oldu. 19. yüzyılın ilk on yılında Viyana'da vals dansının on dakikadan fazla yapılması yasaktı. Alman Kayserlerinin saraylarında verilen balolarda vals, "şehvetli ve müstehcen bir dans" olarak görüldüğü için neredeyse 19. yüzyıl boyunca yasaklandı. Muhafazakar İngiliz toplumu valsi diğer Avrupa ülkelerinin çoğundan çeyrek yüzyıl sonra benimsedi. Rusya'da vals de zulüm gördü. Catherine II ondan hoşlanmadı ve I. Paul döneminde "walsen adı verilen dansın kullanımını" yasaklayan bir polis emri yayınlandı. Ancak tüm bunlar dansa olan isteği daha da artırdı ve 19. yüzyıl vals sembolü altında geçti; toplumun her kesiminde dans edildi. Vals, 19. ve 20. yüzyıllardaki tüm Avrupa müziğinin gelişimi üzerinde önemli bir etkiye sahipti.

19. yüzyılın kırklı yılları, yalnızca Paris'te değil, Rusya dahil tüm Avrupa'da polka tutkusunun hızla arttığı bir dönemdi. Çünkü yaş ve sosyal statü ne olursa olsun kelimenin tam anlamıyla herkes ve her yerde dans ediyordu.

En moda tuvalet ve tabaklara “a la Polka” deniyordu. Hatta İngiliz gazeteleri siyasetin arka planda kaybolup yerini Polonyalı kadına bıraktığını söyleyerek şaka bile yaptı.
Catherine II döneminde, mazurka ilk kez Rusya'da ortaya çıktı, ancak daha sonra neredeyse hiç başarılı olamadı. Bu dans ancak 19. yüzyılın başında Rus şehirlerinde çok popüler hale geldi. O dönemde mazurka başta Çek Cumhuriyeti, Macaristan ve Fransa olmak üzere diğer Avrupa ülkelerinde de yaygınlaşıyordu. Rusya'da iki mazurka vardı: salon ve halk. Modaya uygun Fransız dans ustaları halk dansına salon karakteri ve gerekli parlaklığı verdi. Bu versiyonda mazurka, St. Petersburg'un en yüksek sosyetesinde dans edildi. Mazurka yavaş yavaş Fransız kadrilinin yerini aldı ve topun zirvesi haline gelerek doruk noktasına ulaştı.

Cancan'ın gelişiyle birlikte yeni bir dans döneminin başladığını söyleyebiliriz. Cancan, 1830 civarında Paris'te ortaya çıktı. Bacakların yüksek tekmelenmesi eşliğinde sahnede gerçekleştirilen bir kadın dansıydı. 1860 yılında St. Petersburg'da, çoğunlukla kankan danslarının yapıldığı birçok dans dersi açıldı.
Böylece 19. yüzyılın en popüler danslarını detaylı bir şekilde inceledikten ve sosyal yaşamın o dönemin dans kültürüne yansımasını net bir şekilde takip ederek, o dönemde dansın önemi hakkında bir sonuca varabiliriz. Bize göre dansın asıl görevi, bedenin kültürünü ruhun kültürüyle eşit bir temelde sürdürmekti. Ancak daha önceki dönemlerden farklı olarak beden kültürü manevi, dini bir temele işaret etmiyordu ve beden kültürünün gelişimi giderek dans için başlı başına bir amaç haline geliyordu.

20. yüzyılın ilk yarısında Rus dans kültürünün gelişimi.

20. yüzyıla gelindiğinde, Rusya'da zaten yaklaşık 17 dans vardı; bunların arasında en popüler olanları şunlardı: polka, Macarca, minion, fandango, figürlü vals, mazurka ve diğerleri. 20. yüzyıla gelindiğinde dans kültüründe pek çok şey değişiyordu. Her şeyden önce dans performansının kalitesi değişir, dünya dans sanatının temelleri, gelişiminin izlediği yol değişir. Bin yıllık bir aradan sonra Olimpiyat Oyunları yeniden son derece popüler hale geliyor ve buradan itibaren dans ve spor arasında bir yakınlaşma başlıyor ve ortaya çıkan dansların dinamizm derecesi artıyor: tango, fokstrot, büküm, rock and roll.

19. yüzyılda bir kitlesel eğlence biçimi olarak baloların ortadan kalkmasının ardından, restoranlar kısmen işlevlerini değiştirmeye başladı (muhtemelen balolarda sadece dans etmekle kalmayıp aynı zamanda yemek de yedikleri için). Yani 19. yüzyılın ikinci yarısında restoranlar hem mutfağı hem de sıklıkla tiyatroyu birleştirdi (örneğin Rusya'da restoranlar: "Yar", "Strelna" ve diğerleri). 19. yüzyılın sonlarında Fransız restoranları, bize göre dansçılarının Antik Yunan ve Roma dansçılarıyla pek çok ortak noktası olan yarı düzgün kadın danslarıyla kabareleriyle ünlüydü. Bu tür eğlencelerin varlığı ve erişilebilirliği, o dönemin sosyal yaşamını, 20. yüzyılın başlarındaki tüm dans kültürünü büyük ölçüde etkiledi.

Dans kültüründe 20. yüzyılın başlangıcı şu sözlerle karakterize edilebilir: "tarz arayışı", çünkü o zamanlar eski olan her şey yok edilmişti ve yenisi sisli ve belirsizdi. Ve bu dönemin tarzını belirlemede dans önemli bir rol oynadı, çünkü bize göre yüzyılın estetik özlemlerini olağanüstü bir parlaklıkla yansıtıyordu; gündelik yaşam dünyası ile fantezi dünyası arasında bir tür köprüydü; . 20. yüzyılın başlarında siyasi yaşamın dönüm noktası, bu dönemin yaratıcı yaşamında da bir dönüm noktasını beraberinde getirdi. Bu dansa yansımaktan başka bir şey olamazdı. Bu dönemin dans yaşamında gerçek bir devrim, tango dansının ortaya çıkışıydı. Tango bir balo salonu, salon dansıydı, pop dansı değil. Bu dansı gerçekleştirmek için kusursuz bir kuyruk ve şık, vücuda oturan bir elbise gerekiyordu, çünkü bu dans doğası gereği çok katıydı ve hiçbir özgürlüğe izin verilmiyordu. Bir tango dansçısı, sabit yüz ifadeleri ve maksimum vücut hareketsizliğiyle, sıkı bir şekilde gerilmiş bir kirişe benziyordu. Bu, tango ile her zaman koşmayı, zıplamayı, zıplamayı ve genel olarak vücudu kısıtlanmış durumdan çıkaran her şeyi içeren önceki danslar arasındaki temel farktır.

Tango ritmik bir harekete dayanıyordu ve bizce bu dansın büyük popülaritesinin nedeni de buydu, çünkü artık herkes, daha önce salonun etrafında "keçi gibi zıplayamayanlar" bile dans edebiliyordu. Buradan tangonun 20. yüzyılın ilk yarısındaki tüm dans kültürünün tarzını belirlediği sonucuna varabiliriz.

20. yüzyıl devam ediyor...

Yorgun eski danslar, değişen sosyal iklim, gençlerin diğerlerinden farklı olarak kendi tarzlarını bulma ve gerçekleştirme arzusu - tüm bunlar 20. yüzyılda dans kültürünün çeşitli yönlerinin olağanüstü büyümesine yol açtı. Dansın ilk kez 20. yüzyılda bu kadar eşi benzeri görülmemiş bir kapsam kazandığını ve kitlesel bir boş zaman biçimine dönüştüğünü söyleyebiliriz. Ve bizce 19. yüzyılın en popüler baloları bile 20. yüzyılda bizi geride bırakan bu kadar güçlü bir dans "salgını" ile kıyaslanamaz. Rap, hip-hop, breakdance, rave, house, tekno, trans, 20. yüzyılın ikinci yarısında tüm dünyayı kasıp kavuran trendlerin sadece küçük bir kısmı.

Plato ayrıca şunları söyledi: "Tüm genç yaratıkların doğası ateşlidir ve bu nedenle ne bedende ne de kafada sakin kalamazlar, sürekli çığlık atar ve rastgele zıplarlar." Bize göre bu sözler en iyi şekilde 20. yüzyılın sonlarında dans kültürünün ruhunun tanımına atfedilebilir. Genel olarak bu zamanın ruhu mizaç ve dinamizm ile karakterizedir. Artık modern dansların çoğunun spora dönüştüğünü güvenle söyleyebiliriz. Bu elbette zamanın ruhuyla da bağlantılı; sporun ve Olimpiyat Oyunlarının 20. yüzyılda yeniden doğuşu boşuna değil. Kadınların dans ve spora yakınlaşmasındaki bir diğer önemli etken de bizce güzellik standartlarının değişmesiydi. 19. yüzyılın iyi beslenmiş güzelliklerinin yerini zayıf modeller alıyor. Diskolarda dans eden veya herhangi bir dans stüdyosunda eğitime katılan birçok kadın, kız, öncelikle figürlerini düzeltme ve kilo verme hedefini takip ediyor.
Gençlere gelince, burada dans seçerken ana kriter özgürlük ve kendini ifade etme olanağıydı. Gençlere bu özgürlüğü en iyi sağlayan danslardan biri de hip-hop oldu.

Modern hip-hop'un üç yönü vardır: rap, breakdance ve grafiti. Özel bir giyim tarzı ve özel bir dünya görüşü gerektirir. Bu dansın herkese açık olduğunu düşünüyoruz; gençlerin saldırganlıklarını yaratıcılığa dönüştürmelerine yardımcı oluyor.

Sinir gerginliğini hafifletmeye yardımcı olan bir diğer dans da rave'dir. Kızılderililerin bile bir akrep tarafından sokulduktan sonra modern danslara benzer bir dansa başladıklarına ve tamamen tükenene kadar birkaç saat sürdüğüne inanılıyor. Bu yöntem iyileşmeyi getirdi. Rave'de de benzer bir şey görüyoruz. Rave (İngilizce'den "öfke, telaş, karmaşa" olarak çevrilmiştir) 1985 yılında Hollanda'da doğdu. Başlangıçta çılgınlık uyuşturucu kullananları hedef alıyordu. Rave'de birçok farklı müzik tarzı ortaya çıktı; rave dansı, bu trendden önce var olanların çoğunu çok hızlı bir şekilde özümsedi.

En ünlü stiller “trans”, “tekno”, “house”, “Deep house”…

“Trance” yumuşak hareketler ve kendi kabuğunuzdan nazikçe çıkma arzusu içeren kozmik bir müziktir.
“Tekno” - burada hareketler sert, sabit, kollarda ve bacaklarda çok fazla dürtü var, tüm hareketler geniş ve açıkça tanımlanmış.
“Ev” - içinde net, keskin hareketler yok, daha bulanık; müzik fizyolojiktir, tüm ritim vücut hareketlerine göre tasarlanmıştır. Bu dans harika doğaçlamaya olanak sağlar.

Ve elbette 20. yüzyılın sonlarından bahsederken, dans kültüründe breakdans gibi bir akımdan bahsetmeden geçemeyiz. Breakdance özünde dans, pantomim, güreş ve boksun birleşimidir. Bize göre kırılmanın sadece bedeni değil karakteri de geliştirdiği görüşü doğrudur. Moladaki çoğu unsurun birçok kez tekrarlanması gerektiğinden, muazzam bir dayanıklılık ve sabır gerektirir. Aranın New York kaldırımlarında doğduğuna inanılıyor ve yaratıcıları, bir gün birbirleriyle ateşli silahlar ve bıçaklarla savaşmaktan yorulan ve hayal edilemeyecek dans adımlarında yarışmayı tercih eden iki savaşan gruptu. Muhtemelen kırılmanın başlangıçta çeşitli güreş türlerine (karate, kung fu, boks) dayanmasının nedeni budur. Yavaş yavaş kolların ve bacakların yumuşak hareketleri bunlara eklendi. En iyisi olmaya çalışan herkes, giderek daha karmaşık akrobatik unsurlar ekledi. Şuna benzer bir şey olduğunu varsayabiliriz: iki grup sıraya girdi, dövüş için özel olarak giyinmiş, ancak silahları yoktu, sonra müzik açıldı ve mola başladı. Kazananlar daha dayanıklı, hünerli, hızlı ve esnek olanlardı. Yavaş yavaş bu dans koreografların dikkatini çekti. Mola ya yerde (taklalar, sırtta çeşitli dönüşler) ya da yere yakın olarak gerçekleştirilir ve breakdans ayrıca kolların ve gövdenin çeşitli dalga benzeri hareketlerini de içerir.

Böylece, bize göre en çarpıcı dans tarzlarından birkaçını inceledikten sonra, bu dansların örneğini kullanarak, 20. yüzyılın sonlarının sanatsal kültürünün benzersizliği hakkında bir sonuca varabiliriz. Elbette, bu dönemin sanatsal kültürünün en karakteristik özelliklerinin özgürlük, arzu ve kendini ifade etmenin yanı sıra özgünlük, yeni ve sıradışı bir şey arayışı olduğunu fark ettiniz.

Genel olarak 20. yüzyılın sonu, bizim görüşümüze göre, sanatsal kültürün her yönde ve özellikle dansta gelişmesi için muazzam bir potansiyeli temsil ediyor.